30.4.08

Comics del 2007

Muchísimo más tarde de lo que pensaba, escribo este post donde destacó los 10 mejores comics que leí en mi 2º año de bloguero. El orden es arbitrario.
6 Secretos. Son 2 tomos que contienen 2 miniseries protagonizadas por el mismo grupo de villanos. De lo mejor que dio el género superheorico el año pasado. Unos comics muy entretenidos y frescos que destacan por la dinámica de grupo, el carácter fronterizo de muchos de sus protas y la habilidad guionística de Simone.
Legión de superhéroes. El 1º tomo. Waid lo borda. La desgracia es que a partir de aquí, la serie va bajando poco a poco. Pero este tomo es soberbio por la perfecta comunión entre el género superheroico y el de Ci Fi y lo bien que Waid cuenta las historias. Una de las lecturas más entretenidas del año pasado.
Arma X. POM de BWS como autor completo. Una de las mejores obras del inmensurable catálogo Marvel. Un absoluto prodigio artístico. Si acaso destaca sobre el todo, el dibujo magnífico de BWS por su dominio total de la anatomía y la perspectiva y por la soberbia narración clásica llena de intensidad y ritmo. Una obra apabullante por su excelencia.
Escuadrón Supremo. Otra POM. Gruenwald, a pesar de su mediocridad, estuvo fantástico en esta maxiserie. Una auténtica tragedia griega donde se reflexiona sobre muchos temas. Uno de los mejores ejemplos de que los superhéroes también tienen la capacidad especulativa de la Ci Fi y de soportar guiones ambiciosos sin por ello renunciar a sí mismo. Su aspecto resulta hoy tosco y feo y desmerece al guión, pero aún así, este es tan bueno que lo soporta todo.
El Santo de los Asesinos. Lo único bueno de "Predicador" quitando el primer arco argumental. Una historia del Oeste de lo más clásica bien dibujada y narrada. Una historia intensa y ultraviolenta de venganza.
Vástago de M. Un cómic notable por lo bien que esta hecho. Una historia sobre la desesperación y la locura que aprovecha todo el potencial romántico que tienen los inhumanos. Un cómic emocionante muy por encima de la media.
Juana de Arco. La historia de Juana de Arco otra vez. Pero muy bien contada con un estilo muy particular y hermoso. Una historia conmovedora y sencilla que convierte en cuento los hechos históricos. Una gran lectura cuyo quid quizás este en que renuncia al historicismo y a pronunciarse sobre si a Juana de Arco le hablaban los santos, para quedarse con lo importante, con la historia de una adolescente que pasa de ser una campesina a ser la gran esperanza de una Francia sin esperanza.
H2Octopus. Como el anterior, es un cómic español. Un cómic primoroso que se inspira en la literatura fantástica británica del XIX para contarnos un relato de misterio y fantasía, imaginativo, entretenido y evocador.
El hombre que ríe. Otro cómic español! Un cómic desgarrador e intenso que adapta libremente una novela de Victor Hugo de, seguramente el mejor autor que ha dado la patria, F. de Felipe. El laconismo y el sencillo pero exacto trabajo del autor son sus mayores valores.
La brigada de la Luz. Si antes mencionábamos un cómic que homenajeaba los films clásicos del Oeste, este lo hace con los bélicos. Es una historia muy entretenida de fantarreligión que ocurre en los estertores de la 2º GM en el frente occidental. El guión, sin ser original, consigue ser interesante y dar con algunos momentos brillantes, pero lo mejor es lo magníficamente plasmado que esta por un dibujo y un color sencillos pero muy atractivos y expresivos, lo que resulta en otro cómic hermoso de ver.

29.4.08

Siniestro corps y otras cosas del UDC (critiquita 238)

La Guerra de los Siniestro Corps nº 1, G. Johns, E. Van Sciver y D, Gibbons, Planeta DeAgostini 2008. Me lo he pensado mucho el pillármelo o no. Al final, como véis, me lo he pillado a pesar de que el vistazo previo de rigor no me dio buenas sensaciones. Al final lo he comprado para respaldar una apuesta por lo barato y mensual. Esta vez no se ha decidido sacar el tema en un tomo, agrandarlo, publicarlo con solapas o cualquier otra pijada-tontería. Así que lo agradezco comprándolo. En fin, vamos al cómic. No me ha parecido gran cosa. Esta entretenido y te pone muy bien en situación, apenas necesitas algo de apoyo para entenderlo todo. No me ha convencido demasiado Siniestro porque me esperaba que fuese lo que yo llamo un malo gratuito. Es decir, alguien que es un villano porque sí, porque le gusta, que no necesita ninguna justificación para serlo. Ni le trataron mal de pequeño, ni vivió una tragedia traumática, etc. Siniestro no es un malo gratuito, así que el tema ya no me parece tan atractivo. Es el típico villano que muy en el fondo es bueno. Es alguien que piensa que el Universo no esta bien montado, es un lugar caótico y amoral, y hay que solucionarlo. Para ello tiene un plan, el mejor, el adecuado. Así pues, es el típico dictador con complejo mesiánico. Pero la particularidad de este pj es que esta loco (aunque alguno dirá que todo dictador por definición esta loco). Siniestro es un pj rechazado que siente que le niegan la mayor. Su ideario ha sido reprobado a pesar de ser la solución y encima se le ha combatido y derrotado por ello. Eso le ha roto y ahora, aunque exteriormente intenta otra vez aplicar su receta, lo que realmente quiere es venganza. Venganza contra quienes le discuten, contra quienes se le oponen, contra los que le han puteado más allá de lo indecible por pensar diferente. Porque, realmente Siniestro mereció ser exiliado más allá de donde Jesucristo perdió la zapatilla, y luego ser encerrado en una especie de limbo junto a la encarnación del miedo? No es lógico que después de eso, se haya vuelto loco y peligroso por sus, entendibles, ansias de venganza? Así que espero que Johns se dedique a reflexionar sobre lo poco que hacen los superhéroes para reformar al villano, los generalmente desproporcionados castigos de la Edad de Plata (la Zona Fantasma no como cadena perpetua, sino eterna, no es eso pasarse varios pueblos?), sobre que muchas veces lo único que hacen es mantener el status quo y que sólo conciben la violencia como única vía de solucionar un problema (no estoy diciendo que aquí hayan de sentarse a negociar, ya es tarde), más que a contar la típica historia maniquea de mamporros de la que a estas alturas ya estamos sobrados. Centrándonos en el tema me parece que Johns lo hace razonablemente bien en el especial y bastante mal en las historias cortas sobre los miembros de los SSCC porque son tontorronas, tópicas y no cumplen su objetivo de hacer temibles a sus protas. Así que en cuanto a guión, una de cal y otra de arena. En cuanto al dibujo, Van Sciver ha mejorado desde la última vez que le vi. Su estilo bollandiano le sale mejor porque ahora domina más la anatomía, así que esta bastante competente. Gibbons sigue con su estilo de siempre, el cual ha envejecido. Antes, su estilo simple, claro y tosco no desentonaba con el estilo general pero ahora si y además, no es el estilo adecuado para dibujar "historias de terror". Por eso, al juntarse con los ridículos guiones de Johns esta parte del cómic es calamitosa. En cuanto a la edición de PDA sólo mencionar que no se lo curra nada. Sus artículos no dicen nada que el cómic no diga y esa maquetación amateur y esa letra grande para cubrir espacio es muy poco profesional, con forum eran más serios. Así que en definitiva me ha decepcionado bastante este cómic, porque más de la mitad de sus páginas, no merecen la pena. A ver como se desarrolla.
JSA nº 5, G. Johns y F. Pasarin, Planeta DeAgostini 2008. Cada vez me gusta más esta cole. Este último número me ha parecido estupendo. Johns esta aquí muy bien. Hace lo que un guionista tiene que hacer, escribir, y le pone ritmo, misterio y sorpresas al guión. Por su parte, Pasarin también hace un notable trabajo con su estilo realista y limpio aportando majestuosidad a los pjs y dándole atractivo al cómic. Así que es un buen episodio, un ejemplo paradigmático de como deberían ser todas las grapas.
JLA nº 8, B. Meltzer y S. Davis, Planeta DeAgostini 2008. El problema de Meltzer es que es incapaz de generar argumentos superheroicos. Por la razón que sea, no se inventa argumentos llenos de acción y aventuras. Por eso, aunque es un gran guionista, sus cómics para el UDC son decepcionantes. Porque los comics de supers no son dramáticos, intimistas y psicológicos. Como en este número, por fin, tiene un argumento digno del género, le sale bien. Pues añade al atractivo argumento, sus cualidades como retratista de pjs y su conocimiento del UDC. Shane me convence más como dibujante que su predecesor a pesar de que sus estilos son muy parecidos. Le veo más dinámico, más moderno, más expresivo y mejor narrador (si os fijáis casi todo el número esta contado con primeros planos y queda bien, eso es difícil). Seguramente es que es un dibujante mejor para los guiones de Meltzer, ya que estos exigen algo más que poses y viñetas fan service. Así pues, este crossover entre la JSA y la JLA me ha parecido que ha arrancado muy bien. Me gusta mucho más que lo de los SSCC.
Justicia nº 9, J. Krueger y A. Ross, Planeta DeAgostini 2008. Esta cole se me esta haciendo pesada. No me parece mala, pero si manida. Esta historia y este tratamiento de pjs ya lo he leído muchas veces, así que me aburre un poco, no me sabe a nada, no lo encuentro fresco. Por eso, a pesar de que el argumento es original y que la serie mejora número a número, no consigo meterme en la historia. Tampoco ayuda Ross que, aunque se lo curra como siempre, como siempre, me parece artificioso y frío. Así que me parece un cómic correcto y por tanto prescindible para alguien que, como yo, no sea muy fan de los autores o de los pjs. Pero bueno, a ver como termina.

24.4.08

Critiquita 237: Guerra silenciosa, D. Hine y F. Irving, Panini 2008

Este cómic continua "Vástago de M", por lo que es uno de los comics donde se explican las consecuencias de "Dinastía de M". Saga que parece haber sido el canto del cisne del subuniverso mutante, pues ha quedado eclipsada por CW y, me imagino que, por la SI que nos acecha. Es decir, por el subuniverso tradicional, vengatas y demás asociados, que después de dos décadas, han conseguido volver a dictar el destino del UM.
Este cómic lo esperaba con ciertas ansias ya que, aparte de que me gustan los inhumanos y que todo el mundo decía que estaba muy bien, cuenta la guerra entre los inhumanos y EE.UU. (menudo país, esta en Irak, en Afganistán (hay algún cómic del UM que toque el tema?), inmerso en una "guerra civil" de supers y encima, puede pegarse con los inhumanos). Esta fue declarada por Rayo Negro en el final de vástago, así que aquí vamos a ver que pasa con eso.
Se nota que Hine le gusta los pjs y lo que esta contando. Hay ambición en sus guiones pues son, sobre todo, un intento de profundizar y remover a los inhumanos para sacarlos de esa especie de limbo en el que estan todos los supers por el cual estan libres del Tiempo. En ese aspecto "Guerra silenciosa" es más revolucionaria que vástago, pero a mi me ha parecido peor. Esto no quiere decir que sea malo. No es así, pero no me parece un cómic tan logrado como aquel, aunque seguramente eso sea más culpa del dibujante que del guionista. Para mi, lo más flojo del trabajo de Hine, es lo de siempre, que la historia esta estirada. El guión de Hine no soporta 6 números. De este modo, la emoción de la historia se diluye, no impacta tanto lo que cuenta porque ocurre lentamente y poco a poco. Creo que esta historia necesitaba más condensación para cumplir los objetivos de Hine. Tampoco creo que le haga un favor a la historia esos paralelismos que Hine trata de establecer entre la guerra inhumana-estadounidense y la que hay entre el terrorismo musulmán y los estadounidenses. Creo que resulta forzado y de más en el UM.
Hine se marca un guión de estructura clara donde cada episodio es contado desde 2 puntos de vista uno, el usual, y otro a través de los pensamientos de los pjs, uno diferente por número. El resultado es un guión correcto, un poco poético y sentimental, que no alcanza la intensidad ni la emoción buscada, pero tiene complejidad ya que ahonda en los poco desarrollados inhumanos y reflexiona sobre el papel de los superhéroes en una guerra. Así, a pesar de que crea una línea argumental muy interesante (aún sin terminar), escribe buenos diálogos y alguna que otra cosa destacable (el científico por ejemplo), el cómic se queda en algo correcto y en decepcionante, pues contar algo con los inhumanos y no conmover es difícil al ser unos pjs muy románticos (no en el sentido estrictamente amoroso).
El mayor responsable del corto vuelo de "Guerra silenciosa" es el dibujante, peor que el de vástago. Creo que ha sido una mala elección. Vale que los inhumanos son unos pjs extravagantes, raros y más cercanos a la Fantasía que a la Ci Fi, pero eso no quiere decir que soporten dibujantes singulares ya que son pjs del UM, el cual tiene unas coordenadas estilísticas determinadas que hacen que cualquier cosa que se salga de la norma, resulte demasiado raro y poco creíble, como si fuese una historia de otro universo.
Irving es sobre todo un gran colorista, del resto anda flojo. No es muy buen dibujante y como narrador es modesto. Tampoco tiene la suficiente imaginación y creatividad para hacer bueno el estilo peculiar que ha elegido, más apropiado para la Fantasía o el Terror. Además, aquí se olvida de los fondos haciendo con ello un cómic muy desangelado y frío, lo que perjudica al guión, ya que lo hace demasiado etéreo y lo centra demasiado en unas figuras no muy bien resueltas. Así que es incapaz de dar la intensidad y la emoción que en un cómic una situación bélica y una crisis social precisan para que sean creíbles. Por tanto, el escaso dinamismo, el nulo talento para la acción, la omisión de los fondos, la tosquedad de los dibujos y los escasos recursos de Irving eclipsan sus aciertos (todas las conversaciones las narra muy hábilmente) y banalizan el guión de Hine. Sólo hay que comparar la atmósfera que supo crear Martínez en vástago con la de Irving, para ver que a los inhumanos les sienta mejor un estilo peculiar pero más completo y realista. Un estilo adulto europeo, no una extravagancia que es, por otra parte, torpe e inapropiada para un cómic de acción.
Así pues, para mi es un cómic fallido porque apuntaba muy alto y no llega, si bien es cierto que esperaba mucho de él teniendo en cuenta la miniserie que le precede y lo que se decía de él. Pero es un cómic entretenido e interesante donde Hine sigue demostrando que es un competente y ambicioso guionista. Es un cómic de estos que no hace ruido pero que es revolucionario, lo cual quiere decir que igual sus cambios caen en el olvido. Pero es interesante y debemos estar agradecidos a Hine que quiera desarrollar el enorme potencial que los inhumanos tienen. Esperemos que le den cancha y que en el próximo este más fino y le pongan un dibujante más adecuado.

23.4.08

Relecturas LIV: Nacido Salvaje, nº 1-3 O. Aibar y F. de Felipe, Glénat 1995

"Nacido salvaje" que ahí podéis leer ofrecido por uno de los autores, y no me seáis perezosos, que es un sólo un ratito y os va a gustar, es una serie de historias cortas, publicadas por 1º vez en 1989, que tienen en común el que estan protagonizadas por estadounidenses traumatizados por haber combatido en Vietnam.
Aibar se inventa 8 historias cortas y macabras que nos relatan como los demonios de Vietnam poseen a los excombatientes. Son relatos sencillos pero impactantes que muestran el efecto desvatador que puede llegar a tener la guerra en las personas. Estan inspirados en hechos reales, en los trastornos que muchos veteranos de Vietnam sufrieron y sufren que empezaron a ponerse de relieve a partir de la 2º mitad de los 80, cuando la sociedad estadounidense empezó a mirar de frente las secuelas que le había dejado la guerra (si eráis por esas fechas lo suficientemente mayores recordaréis que todos los años había, al menos, un par de pelis sobre el tema). Así que, son historias sobre pjs rotos e incapaces de recomponerse y por tanto, de volver a ser como eran y reintegrase en la vida pacífica.
Los dibujos de F. de Felipe, uno de los mejores autores patrios, dan a estas historias la fuerza que necesitan para resultar impactantes y singulares. A pesar de que esta fue su 1º obra, ya tiene su característico estilo duro, caricaturesco y expresivo muy definido y su excelente narrativa, lo que demuestra el talento que tiene. En suma, de Felipe consiguió un trabajo muy plástico de forma que queda un cómic atractivo y una lectura interesante.
La edición de Glénat es muy buena. Porque, aparte de que es en grapa, al final de cada número tiene extras (hechos por A. Hispano) que contextualizan las historias explicando las referencias reales y aspectos relacionados con ellas de la cultura estadounidense que inspiraron a los autores, los cuales redondean magníficamente el cómic al ayudar a disfrutar más la lectura.
Así pues, es un trabajo modesto pero de calidad, que destaca más que por su contenido, por el gran trabajo de los autores, sobre todo el de F. de Felipe. Gracias a esto, a pesar de que es muy ochentero, no ha envejecido. Lo cual me lleva a preguntarme, de nuevo, por qué no se recupera su obra? Es muy interesante y notable, más en lo gráfico, y sigue resultando fresca y lozana porque su calidad le da cierta atemporalidad, y por tanto, los lectores nacidos después de 1985 no la van a considerar algo viejo, todo lo contrario, creo que su grafismo lo van a encontrar muy atractivo.
Bonus track: portadas de Felipe (algunas utilizadas para la grapa de "Nacido salvaje") para la cole Nam.




18.4.08

Relecturas LIII: Kingdom Come, M. Waid y A. Ross, vid 1997

Este fue el cómic que me introdujo en el UDC. Hasta entonces, había vivido alegremente de espaldas a ese universo. KC me hizo ver que el UDC es un lugar muy atractivo (y Power Girl, llamadme raro, pero hasta el momento es la versión, de las que he visto, que más me pone), cosa que confirmó la JLA de Morrison y por eso, desde ese momento he intentado poner un pie en ese universo.
Recuerdo que lo ojeé en la tienda y quedé deslumbrado por él. En el momento en que vi a Superman con barba canosa, vestido de granjero y en actitud crepuscular decidí comprármelo a pesar de mi ignorancia sobre lo que iba a pagar, ni siquiera los autores me sonaban y el estilo de Ross es un estilo que nunca me ha gustado, pero aquí parecía estar bien. Pocas veces un vistazo me ha inoculado tantas ansias de compra.
KC es una historia alternativa del UDC. En ella, los superhéroes tradicionales se han retirado desplazados por la gran cantidad de superhéroes nuevos que han surgido después y que conectan mejor con el público. Cuando esta gran cantidad de superhéroes provoca el caos, los superhéroes tradicionales capitaneados por Superman, regresan para arreglar la situación.
Waid en KC se marca una metahistoria, ya que la inspiración de la misma surge de la situación en aquellos momentos de los superhéroes. En mitad de los 90, los superhéroes tradicionales habían recibido una buena patada en el culo por parte de nuevos superhéroes cuya novedad era una actitud poco respetuosa con los valores del género vigentes hasta ese momento. De esta forma, Waid convirtió la lucha que había en esos momentos en el mercado, en una historia interesante y bien construida. Es sencilla, pero como Waid la desarrolla con ritmo y aumenta hábilmente la tensión, mantiene el interés. Es un guión muy competente que sigue resultando entretenido y cuenta con buenos momentos y detalles. Incluso sigue conservando su originalidad, pues gira entorno a argumentos que no se suelen ver en el género y presenta a los superhéroes desde una óptica inusual, así que sigue siendo interesante y fresca. Pero la historia en su día me gustó más de lo que lo ha hecho en esta última relectura.
Cada vez que la leo, más convencido estoy de que esta de más el párroco. Es mi problema con los pjs puente entre lo que se narra y los lectores. No necesito nadie con el que identificarme para disfrutar con una historia, así que me cargan. Además, toda la movida del juicio para luego nada. Me parece que no aporta algo interesante a la historia y quita espacio para desarrollar más lo interesante e importante del guión, que es el conflicto intersuperheroico y el conflicto personal de Superman. En mi opinión, el guión de Waid estaría mejor si se hubiese centrado más en el conflicto y dejado de emular a "Marvels". Lo que ya no sé es si la conclusión del cómic es la solución de Waid a aquel conflicto editorial o, solo hay metacómic en el argumento.
Por eso, para mi, en KC, Ross es el mejor de los autores. Su estilo no me gusta, no es que no me guste él, es que el estilo hiperrealista no me gusta nada porque me parece frío, estático y artificioso. A mi me gusta el dibujo como interpretación de la realidad no como imitación de la misma. Pero tengo que reconocer que Ross fue la mejor opción para el guión de Waid, porque su estilo, además de hiperrealista, es bastante clásico, es decir, sereno, idealista y equilibrado. Un estilo que bebe del Clásico, es decir, de un estilo desarrollado para representar dioses y personajes ejemplares, héroes. Por eso, Ross era el mejor para plasmar a los superhéroes tradicionales con la nobleza y la dignidad que precisaba el guión. También, con el espléndido diseño del futuro alternativo que se marcó, demuestra que era la mejor opción. En esta faceta clave estuvo muy creativo y acertado, tanto, que muchos de sus diseños han sido adoptados por el UDC normal, y trabajador. Sin duda fue mucho curro, ya que tuvo que diseñar un montón de pjs (si bien bastantes a partir de diseños ya hechos), aunque muchos de ellos sólo iban a salir una vez, y de lejos, pero era necesario para hacer vívido el futuro alternativo que es KC. Por eso, este trabajo más el de "Tierra X", hacen de Ross el 2º mejor diseñador de superhéroes de la Historia. También su hiperrealismo le hacía idóneo para KC. Ya que, si el guión de Waid se hubiese dibujado con el típico estilo sintético idealista del género, no habría resultado el cómic tan conmovedor y cercano. Pero a pesar de todo eso, pienso que Ross falla. KC va de un conflicto, por lo que este no se puede contar bien sin aportar gráficamente tensión y dramatismo y justo, esas 2 facetas son las carencias del estilo de Ross. No es un narrador dinámico (seguramente por basarse en fotografías), sus viñetas de pelea son meramente funcionales y sus figuras, por el hiperrealismo, salen congeladas y poco expresivas, así que su trabajo siempre resulta frío y artificioso. Por eso, esta mejor al principio y al final, obviando alguna viñeta espectacular de la parte de en medio. Así que, aunque plasma excelentemente la atmósfera, el decorado de la acción, no le da a KC el dinamismo y tensión que necesitaba, perdiéndose, por aquí también, parte de la potencia de la historia.
Por todo ello, es un cómic que el tiempo ha puesto en un sitio menor del que estaba al principio. Hoy Ross no resulta tan espectacular pues, como no ha cambiado su estilo, esta ya bastante visto, por otro lado, el guión de Waid no parece tan ruidoso y homenajeador, pues esa época ya ha pasado y muchos no la vivieron. Es, pues, el típico cómic correcto que podría haber estado mejor. También es un cómic friki, pues parte de su disfrute esta en ver el futuro alternativo del UDC y para eso, hay que conocer el presente del UDC, conocimiento que no todos los lectores tienen.
A pesar de que "artísticamente" es modesto, KC es una de las obras más influyentes del género. La rebelión Image hizo tambalear los presupuestos del género, por lo que, lógicamente, provocó que los autores reflexionasen sobre ellos a través de los pjs. En esa línea, en la que aún estamos, que empezaba aparecer, KC fue una obra muy axitosa, por lo que avaló ese enfoque. Por otro lado, el conflicto intersuperheroico que se plantea va más allá del tradicional provocado por malentendidos (del cual tanto nos reímos ahora) o manipulaciones. Le da un trasfondo ideológico que aún continua pues llega hasta CW, en muchos aspectos una copia (el Gulag es la prisión en la Zona Negativa, en ambos, los superhéroes se organizan en una asociación que los agrupa a todos). También es una obra muy influyente gráficamente. No sólo por el aspecto antes comentado de que sus diseños (y pjs) nuevos han sido fagocitados por el UDC canónico, sino que el estilo hiperrealista de Ross abrió las puertas a ese estilo hoy tan practicado e injustamente exitoso (McNiven, Horn, ciento y la madre de portadistas, etc.) aunque con técnicas diferentes. Algo nada fácil en un medio tan poco dado a la innovación y al cambio como la industria de entretenimiento. Por tanto, aunque KC es uno más en cuanto a calidad, es uno de los comics clave del género.

17.4.08

Critiquita 236: Castaka nº 1, Jodorowsky y Das Pastoras, Norma 2008

No tenía mucha intención de continuar siguiendo las historias de los metabarones, no es una saga que esté muy allá. Además, no me convencía el tener esta cole en 2 formatos con tanta diferencia de altura. Pero al ojearlo me encontré con un Das Pastoras inmenso, así que se me despejaron las dudas y reticencias.

Castaka es una precuela que tendrá varias partes. Nos cuenta el principio de la saga de los metabarones, cuando sólo eran barones. Para ello, la obra vuelve al momento de la transferencia de la esencia Castaka, acaecido al principio del primer número de la saga, para explicarnos detalladamente el origen del linaje de los Castaka. Esto nos lleva a un planeta pequeño y escasamente poblado inmerso en un eterno conflicto entre los 2 clanes que divide la población. En medio de ese encontramos a los primeros ancestros del linaje y los conoceremos más.

Jodorowsky aquí nos vuelve a contar la historia de un niño que ha de sobrellevar los pecados de sus padres, por lo que crecerá en el seno de una familia disfuncional y siendo un marginado social, que le llevarán a ser alguien excepcional y un elemento perturbador de la sociedad de la que es miembro. Más de lo mismo vamos, pero quién esperaba otra cosa? Jodorowsky hace un guión sentencioso, dinámico y con fuerza gracias al laconismo lapidario de los pjs, pues es un guión compuesto sólo por diálogos. Así que recuerda a los primeros episodios de la saga, los mejores. El ambiente que recrea en "Castaka" está inspirado en la época feudal japonesa, es decir, en la época clásica de los samuráis. De esta forma, encontramos una historia y unos pjs impregnados de valores guerreros y de un código de honor deshumanizadores, que resultan tan repulsivos como conmovedores e impactantes por producir individuos radicales.

Otra cosa es Das Pastoras que esta soberbio, tanto, que deja muy atrás a Giménez. Está absolutamente mágico dibujando el guión de Jodorowsky, al que hace ganar muchos enteros. El dibujo que hace Das Pastoras es una auténtica delicia visual, gracias a su sabiduría compositiva, su gran dominio de las acuarelas y de la anatomía y su imaginación, pues logra un acabado de realismo fantástico espléndido. Todas las páginas del cómic son magníficas pues están compuestas de impactantes, elaboradas y bellas viñetas muy bien engarzadas por una gran, sutil y clásica narrativa que expresan perfectamente lo fronterizo y la violencia de la historia de Jodorowsky. Este último aspecto es lo más impactante del trabajo que despliega antes nuestros ojos el dibujante. Porque Das Pastoras se convierte, en este cómic, en un Peckinpah al plasmar como él, la violencia de forma cruda pero bella y lírica. Sus viñetas me recuerdan a las cámaras lentas de los moribundos de Peckinpah, ya que Das Pastoras congela el movimiento unos instantes antes de que este termine y lo llena todo de explosiones de sangre, por lo que imbuye a sus viñetas de una fuerza y belleza conmovedoras, como los tiroteos de "Grupo salvaje". En suma, Das Pastoras consigue unos resultados muy plásticos interpretando el guión.

Por todo ello no os recomiendo el cómic, ya que el guión no está muy allá, salvo que seáis de aquellos que primáis el dibujo sobre el guión, si es así, de cabeza a por él. Al resto os aconsejo que no desprecies la oportunidad de ojear el trabajo de Das Pastoras, es realmente bueno y admirable. Alucinante.

16.4.08

Thor y otras cosas de Panini (critiquita 235)

Después de este largo interludio, vuelvo a ocuparme del tema principal del blog.
Empezamos con Thor. "Con su nuevo número 1", J. M. Straczynski y O. Coipel, Panini 2008. 5º número 1 que compro de Thor, los 3 de los volúmenes de forum, el de la BM y este, lo que revela la condición de pj fronterizo de Thor, pues es popular pero no lo suficiente. Por eso, aunque siempre se le sirve en grapa, esta no llega a superar el número 49. Hasta dónde llegará esta vez? En este ocasión tenemos uno de los mejores equipos de la actualidad. Stra es un guionista competente y contrastado con tendencia a alargar las cosas y a terminarlas de mala manera, por lo que con él, se disfruta más el viaje que otra cosa, pero es un gran narrador y siempre aporta una visión diferente e interesante. Coipel es para mi el mayor talento actual, el único dibujante activo que tiene capacidad para revolucionar el medio como lo hicieron Kirby, Byrne o Lee. Naturalmente esta por ver, porque después del deslumbrante trabajo que hizo en los últimos números de los vengatas no ha vuelto a alcanzar tanta calidad, pero es un dibujante muy completo y su formación europea es su mayor valor. La historia de Stra es otra vez la que se contó al principio del último volumen del pj. Así que, como ya hiciera con "Escuadrón Supremo", lo que hace es aportar su particular visión de una historia ya contada. Este número es tranquilo, como esta de moda hoy. Es un simple avance de lo que esta por venir, bien contado y dando una razón convincente para la vuelta de este pj ("a los mortales les toca decidir si los dioses existen o no") y sorprendente, porque en los superhéroes las cosas no se suelen resolver así. Coipel, al que le veo en este número con influencias pachequianas, rediseña a Thor, para ello se inspira en el rostro de Schwarzenegger en Conan, le añade un toque feérico al ponerle unas peculiares cejas y le cambia las proporciones haciendole más cúbico de lo que siempre ha sido y para el uniforme, funde el diseño de Kirby y el especial que hizo Simonson. El resultado no me convence mucho, es un poco soso en los colores, Thor esta demasiado armado y es una figura demasiado pesada, así que, aunque el diseño tradicional es muy mejorable, no creo que este le sustituya. En cuanto al cómic lo hace bien, es un gran narrador y esta correcto con su estilo levemente caricaturesco, así que nos ofrece un acabado atractivo por su sencillez y elegancia, que sabe a poco porque sabemos que puede dar más. Tal vez no es el estilo más adecuado para la historia de misterio que quiere contar Stra, pero eso ya se verá. En resumen, Coipel le añade un puntillo al guión, quedando así un cómic correcto al que no se le puede poner ningún pero, pero tampoco ninguna alabanza y siendo esto un número 1, quizás eso sea calificable de fracaso.
Thunderbolts nº 3, W. Ellis y M. Deodato, Panini 2008. Más de lo mismo es lo que tenemos en este cómic. Ellis nos ofrece a los malos tal y como ya estamos hartos de ver y nos cuenta la historia de forma muy interesante, creando tensión y procurando tocar siempre a todo los pjs, para que se note que estamos en una cole de grupo, así que la cosa no parece tan convencional y manida. Deodato aquí demuestra mejor que en los anteriores números lo mal dibujante que es. Para mi no tiene el nivel suficiente para estar en Marvel. Su dominio de la anatomía es nulo, así como el de la perspectiva, esta demasiado condicionado por la referencia fotográfica y narrativamente es capaz de lo peor y de lo mejor en tan sólo 22 páginas, aunque en este número en las 2 grapas esta notable. Así que por mi que lo baneen ya. Lo único en lo que es excepcional en el condicionado mercado industrial estadounidense, es creando atmósfera. Hay que ser justos, así que hay que reconocer que el tenebrismo por el que ha optado, ha sido una gran idea porque le da mayor interés y atractivo al guión. El tema es que con Deodato es imposible saber si a un pj le han roto el cuello porque no sabe dibujar el cuerpo humano y la atmósfera es algo que cada vez más recae en el colorista, así que para que queremos semejante paquete? Porque los Thunderbolts son, por fin, espectaculares gracias a Beredo (acordaos de los Thunderbolts de Bagley, de ese color sosísimo con una gama corta que vulgarizaba el trabajo de Busiek y Bagley), que hace un trabajo soberbio con su color denso y luminoso y su técnica cuasi realista. De esta forma, hace que este cómic tenga su aquel, sea diferente y que los guiones de Ellis tengan su interés, siempre y cuando el manazas de Deodato no te saca la lectura con sus anatomías inhumanas, su perspectiva de risa o su confusa narrativa.
Runaways nº 13, J. Whedon y M. Ryan, Panini 2008. Continuamos con esta historia fresca y entretenida. Whedon confirma otra vez que es un guionista divertido, pues tiene humor, inventiva y trata bien a los pjs, por lo que casi siempre resultan agradables sus trabajos. Por su parte, Ryan hace lo que puede. Su mayor tara es lo rígido que le quedan sus figuras, por lo demás se lo curra haciendo un trabajo como mínimo correcto, ya que el resto va por gustos. La colorista sigue siendo un gran valor en esta cole, sintiéndose más segura de modo que ya se atreve a hacer experimentos, en este número con la luz. Así pues, tenemos un número más de esta historia que quizás se esta alargando un pelín, se hecha de menos la agilidad de Vaughan a quien nunca le duraban tanto las tramas, pero lo importante es que sus autores siguen sumando números entretenidos a este título y ya van 37!
VGL, varios, Panini 2008. Absolutamente decepcionante me ha parecido este tomo. Me ha jodido tirar el dinero en este cómic con la sobreoferta que hay hoy. Me cagüen en el lobby proSlott que hay en Tebelogs, aunque he de reconocer que no lo compré por Slott (aunque me imaginaba que era un seguro), sino porque los pjs me gustan. Me resultan simpáticos por lo surrealistas y torpes que son y me parecen un grupo fresco pues permite contar historias de superhéroes desde una óptica menos seria y épica. De hecho, lo que me esperaba encontrar son historias como la de la miniserie que inicia el tomo. Que no me ha parecido mal del todo, pero me he perdido porque los villanos me han desorientando al desconocerlos. Esta miniserie tiene su gracia y son muy cachondos los títulos de cada episodio, pero creo que esta de más el toque sórdido y triste que le da a los guiones. En un universo que no muere nadie, por qué la tienen que palmar tantos pjs? Por qué la vida de algunos de los miembros de un grupo cómico ha de ser una tragedia? Slott me ha destrozado el grupo y el resto del tomo me los ha rematado. Porque lo que siguen a la miniserie son historias malas (aunque lo del viaje al futuro es simpático) convertidas casi en basura por culpa del baile de dibujantes con estilos tan distintos que sufren, ya que la brusquedad del cambio afecta mucho a la lectura. En suma, un tomo verdaderamente malo lleno de dibujantes de tercera, entre los que sobresale el simpático y clásicote Pelletier y Medina con su simpático y dinámico estilo amerimanga, los cuales no pueden hacer nada ante unos guiones delirantes pero con poca gracia. Hacía tiempo que no leía algo tan malo o más bien, que no compraba algo tan malo.

15.4.08

Videados 44: Amadeus, M. Forman 2001

Digo 2001 y no 1984 porque parto de la versión "definitiva" hecha unos cuantos lustros después, que entre otras cosas, cuenta con unos 25 minutos de metraje añadido.
"Amadeus" es una mis pelis favoritas. Me encanta porque me parece aposionante y el pj de Salieri, uno de los mejores pjs de ficción de todos los tiempos. Me parece excepcional, así que más o menos 5 años después (no me preguntéis como lo sé) de verla por última vez, la he visto de nuevo, esta vez en v.o.s.
Para empezar hay que decir que esta peli es puro Cine en el sentido de que es un ejemplo perfecto de lo que es una producción cinematográfica. Mucho dinero y cientos de personas (en este caso) trabajando juntas para elaborar una obra de ficción. En "Amadeus" vemos esto en grado sumo, pues es una de las mejores superproducciones de todos los tiempos. Es increíble lo creíble que resulta la recreación del último cuarto del siglo XVIII con todo lujo de detalles y sin renunciar a escenas de multitudes. Eso es Cine.
"Amadeus" es una gran peli (hasta el cartel es muy bueno). Esta muy bien dirigida, a la manera clásica y sacando partido de la producción, de modo que el relato atrapa e induce una especie de viaje astral a la Viena del siglo XVIII. El montaje es excepcional, dando ritmo a la narración y modificándolo cuando es menester, de modo que aumenta la emoción, la tensión o la tranquilidad de los acontecimientos que estamos viendo. Del mismo modo acopla la música a las escenas logrando un todo de gran potencia. En suma, la dirección y el montaje, convirtieron el guión en una película sobresaliente.
El guión es magnífico, de lo mejor de la peli. Basado en una obra de teatro (igual lo estáis notando, parece que las versiones fílmicas de obras de teatro me suelen gustar), aunque aquí, no como en "Titus", se ha modificado la obra todo lo necesario hasta hacer una película. El guión, como decía, es maravilloso, pues de modo sintético te explica maravillosamente la época, quien era Mozart, quien era Salieri, que supuso Mozart para la Música, como es la música de Mozart y como aquella época recibió a ese genio (aunque hay que decir que es una versión idealizada de los hechos) sin olvidar el construir un relato apasionante y emocionante, que es lo principal.
La gran joya del guión es el pj de Salieri, magnífico a mi modo de ver. A mi no me suele gustar que se nos narre los hechos a través de un narrador, porque en general este narrador es un pj construido para servir de guía al espectador, con lo que la historia pierde cercanía y se difumina. Pero en este caso, es diferente, porque en verdad el protagonista de la peli es Salieri y este me encanta. Esta tan perfectamente construido que resulta muy atrayente. Es villano y víctima a la vez, el mayor admirador de Mozart y el único que se da cuenta de realmente quien es y de lo que representa y su más feroz y encarnizado enemigo, y sobre todo, un pj con el que todos nos podemos identificar porque es profundamente humano, en el sentido de que es frágil, que es lo que le hace realmente grande. Nos podemos identificar con un compositor del siglo XVIII (sólo esto ya prueba la excepcionalidad del guión) porque en esencia es alguien al que le pisotean y destruyen los sueños por los que ha luchado toda su vida. De este modo, no es un antipático envidioso, sino un tipo totalmente roto, inerme ante lo que le toca vivir, como todos, por eso, además de identificarnos con él, nos compadecemos de él (y, por tanto, de nosotros mismos en una genial pirueta, en cierto modo muy teatral). Pero la excepcionalidad de este pj, todos los pjs de ficción han de ser así, es que, como los héroes, no acepta agachar la cabeza aunque aquí, como es un villano, sus objetivos son mezquinos y su tácticas arteras y traicioneras. Es un pj totalmente trágico, aunque no pertenezca a una tragedia, porque no es capaz, como Job, de resignarse ante las bofetadas del "dios de los cristianos" porque es profundamente humano, por lo que no puede soportar los designios divinos. Esto es otra de las cosas buenas de este guión, como esta reflejada un tipo de mentalidad cristiana que debía estar bastante presente en una época mucho más religiosa y menos relativista que la nuestra. En suma, Salieri es un pj absolutamente conmovedor, por eso a pesar de su maldad no le podemos odiar, ese es su triunfo y el de Shaffer (el guionista).
Mozart, quien curiosamente esta a la sombra de Salieri en la peli y en el guión (de ahí el éxito de la peli, pues no nos podemos identificar con un genio, pero si con un mediocre), es un pj interesante y muy bien construido. Es un pj que anuncia ya la posmodernidad, pues es un "héroe" cargado de vicios. Es una persona débil, infantil, concupiscente, caprichosa, irresponsable e ingenua, pero es el bueno. No tiene características de "héroe", ni es admirable ni ejemplar, al contrario que el Salieri preMozart, que era sacrificado, esforzado, trabajador, triunfador, inteligente ... Es posmoderno, porque su "heroicidad" no esta unida a una personalidad y vida ejemplar. Un pj poco atractivo en ese sentido (sin duda, por eso, no es el protagonista de su propia biografía), pero que funciona perfectamente porque es el opositor perfecto de Salieri, ya que las flaquezas de uno son los puntos fuertes del otro y viceversa. Y ahí esta otra joya del guión, la pareja antagonista. Fabulosa por su originalidad, el prota de la peli es el típico antagonista y el antagonista es el típico protagonista, su cualidad proteica, a veces el malo es el bueno y el bueno es el malo, y su complementaridad, sus integrantes son absolutamente antitéticos, por eso hay drama. En fin, es un guión magnífico del que podría hablar más, mencionar la inteligencia con el que esta relatado el enfrentamiento, los detalles sutiles y maravillosos como el de un Salieri casto y trabajador (casi el ideal de cristiano) y por eso glotón, la frescura que ayuda a hacer soportables las casi 3 horas, su sabia estructura, etc.
Tampoco es que hagan un flaco favor el diseño de producción, magnífico por su perfección, destacando en él, la imaginería operística por su vistosidad, creatividad y atractivo, y las actuaciones. Todas ellas competentes, apuntalando muy bien las interpretaciones de la pareja antagonista. Aquí, T. Hulce, Mozart, tuvo la mala suerte de tener en frente a F. M. Abraham (es gracioso como la situación histórica se invierte en la actual) inspiradísimo, haciendo una intepretación sublime, una de las mejores del Cine, al menos del sonoro. No entiendo como este tipo no se ha comido el mundo, aunque es cierto que tiene físico de secundario, después de esta peli, porque esta excelente, maravilloso, comunicativo, conmovedor, creíble, en suma, transmite de forma pocas veces vista, de modo que salva la peli, pues no convierte en agua de borrajas el trabajo de todos sus artífices, en lo que es un triunfo del casting, pues supo ver en un desconocido el mejor actor para Salieri.
Otro punto fuerte de "Amadeus" es su b.s., su música. Algo lógico, porque pocas pelis cuentan con una banda sonora compuesta por un genio musical. Su gran virtud es que es un actor más. De este modo, la música siempre esta presente como el típico pj al que los espectadores no ven pero del que todos los pjs hablan. No lo vemos, pero podemos oírlo y conmovernos escuchando, entre otros, "Don Giovanni", "La flauta mágica" y, sobre todo, el Réquiem, que gracias a su inmensa potencialidad convierte en sublime el final de la película. La composición de esta b.s. y utilizarla de este modo es otro detalle que muestra la inteligencia con que se ha hecho la película. Lo importante no es rodar, sino planificarla para tenerlo todo atado y claro y así, que el rodaje vaya como la seda. Ahí, Forman y los demás miembros importantes de su equipo, estuvieron sobresalientes y por eso nos pudieron legar este peliculón.
La nueva versión no me ha convencido más que la primera. En mi opinión se ha añadido excesivo metraje, hay bastantes escenas nuevas que no aportan nada o son reiterativas. Por eso, aunque hay algunas que ayudan a perfilar el conflicto (la del camerino de la amada de Salieri "profanada" por Mozart, por ejemplo), en conjunto creo que el resultado no le sienta bien a la peli porque la lleva a durar 3 horas, que no se hacen pesadas nunca, pero con esa duración es inevitable que el espectador pierda frescura e interés y que se diluya la tensión de la peli al tener que distribuirse entre más minutos. En suma, en mi opinión la peli estaba muy bien como estaba (no suelen ser acertadas las revisiones). Otro pequeño detalle que no me ha gustado es el doblaje. Aunque la he visto en v.o.s., he visto que el doblaje es nuevo (como había 20 minutos más) y que este es muy inferior al de 1984. Lo cual ha sido una gran pérdida, porque el primigenio doblaje estaba a la altura del original.
En fin, "Amadeus" es una gran película en todos los sentidos porque muestra perfectamente las grandes posibilidades del Cine para convertir lo increíble en creíble, para emocionar, para conmover, para deleitar y para transmitir. Y menudo final! Uno de mis favoritos (ahora que caigo, me recuerda un poco al de "La naranja mecánica", la verdad es que es un plano bastante kubrickiano). Una de las escenas más hermosas y conmovedoras del Cine, Salieri absolutamente acabado, recorriendo un manicomio bendiciéndonos a todos los mediocres.

10.4.08

Revindicando "Titus"

"Titus" (J. Taymor 1999) es una de las pelis que más me ha impactado. Pocas pelis me han hecho compadecer con los pjs, angustiado e inquietado tanto como esta. Pasé viéndola, como se suele decir, un mal rato. Quería que terminase para escapar de ese "sufrimiento", pero disfruté, porque la historia me enganchó, no en vano el guión es una adaptación de una tragedia de Shakespeare (aunque hay algunos eruditos que discuten su autoría), la primera.
La obra esta ambientada en una Roma imperial ficticia, ninguno de sus pjs es histórico, tampoco sus hechos (aunque puede parecer que se ambienta en la 2º mitad del siglo III d. C.), pero su espíritu es romano. Es compleja, ya que habla de bastantes temas, un tanto inconexos, siendo el principal la venganza y la crueldad con la que va emparejada, ya que "Titus" nos cuenta el enfrentamiento entre 2 familias aristocráticas, una romana y otra goda, que empieza como un conflicto internacional, luego se torna interfamiliar y termina en una espiral de venganza que acaba hasta con el apuntador.
La peli es absolutamente sorprendente si la ves de nuevas, como fue mi caso. No me esperaba de Shakespeare algo así y tampoco sabía que la directora era alguien de y en Broadway. Por eso, la película puede resultar más chocante y extraña de lo que es. Como se sale de los cánones habituales, ha hecho que sea vituperada y vilipendiada por el espectador medio por considerar su heterodoxia pedante, extravagante y absurda. Reacción previsible que explica porque, aunque la peli es de 1999, aquí, tras varios amagos, no fue estrenada hasta 2004.
Siempre pasa y pasará lo mismo. La mayoría de la gente no tolera lo raro, en parte porque ha perdido el gusto por lo diferente y en parte, porque no sabe que hacer con algo que no encaja en sus esquemas. Creo que tienen un poco de razón, ya que la directora no acertó plenamente con su propuesta. No se dio cuenta de que el Cine no es Broadway.
Broadway se mueve en unas coordenadas que no quedan igual de bien en Cine. Broadway, al ser teatro musical, es extravagante, excesivo, histriónico y sobre todo kitsch y eso en pantalla grande en una sala a oscuras resulta feo y cuando no, de mal gusto. No obstante, esta muy bien y, sobre todo, es muy respetable que Taymor haya sido audaz y haya optado por hacer una propuesta diferente y original. Porque en "Titus", la clave esta en que su directora no quiso hacer una peli convencional, es decir, un producto de entretenimiento, sino que intentó hacer una parábola sobre el tratamiento actual de la violencia; y eso es lo que despista a la gente, porque espera (y quiere) ver otra cosa. Esta intención marca que "Titus" no tenga el aspecto de una película convencional. Es decir, no es una peli de romanos. El vestuario esta inspirado en el de la clase alta de principios del siglo XX con citas romanas (las togas, algunos peinados), que trata de expresar la personalidad de cada pj, y casi todo ella esta rodada en ruinas romanas o en edificios del siglo XX (algunos construidos por Mussolini). De esta forma, lleva el ahistoricismo del texto de Shakespeare más lejos, para conseguir mejor su objetivo moral. Por eso crea un aspecto ficticio, que es lo apropiado para una historia ficticia, para marcar distancias para que el espectador reflexione sobre lo que esta viendo. La dirección esta en consonancia, no es convencional. Es bastante cinematográfica y traslada bien la teatralidad del texto (los pjs reflexionan en voz alta, se dirigen al público, hablan en voz baja para que no les oigan los otros pjs, pero les oye todo el mundo, etc.) haciendo que no resulte rara, pero no controló los excesos histriónicos de algunos de sus actores, barroquiza muchos momentos e incluye disgresiones (algunas innecesarias), de aspecto surrealista para subrayar la locura de la historia, y momentos metalingüísticos (el principio y el epílogo). Por ello "Titus" es una obra exigente, es decir, requiere del espectador un compromiso y una cultura mayor de lo que habitualmente pide una peli (o producto de tv), por eso es difícil aceptarla.
Shakespeare no es fácil, ya que no utiliza un vocabulario cotidiano ni se expresa de forma sencilla, además de que no escribió pensando en el espectador del siglo XXI. Naturalmente resulta comprensible, hermoso y genial, estamos hablando de Shakespeare, pero exige mucha más atención que la peli o serie de tv de turno, además de que exige cultura para comprenderla completamente, pues "Titus", aunque no es histórica, ha captado bien la mentalidad romana (más republicana que imperial) y, como producto de su época, tiene muchas referencias a la mitología grecorromana y a su propia época que no sonaban a chino al culto y aristocrático público del siglo XVI, pero sí al público popular. Tampoco es fácil asumir el aspecto absolutamente inusual, son romanos pero no lo parecen, pero tampoco se parecen a nada, con lo que no hay ninguna referencia a la que agarrarse, y la dirección autoconsciente y estridente, que enfatiza constántemente que estamos viendo una peli no dejando que el espectador se abstraiga en la pantalla, y de enorme impacto visual, que no dulcifica sino que amplifica, sin caer en el gore, los actos desagradables y truculentos que ocurren. Por eso, el espectador medio no la encuentra accesible, porque no puede codificarla adecuadamente, por lo que la considera una mala película.
Pero no es así. "Titus" es una buena peli. Esta bien interpretada, algunos actores se pasan, pero otros estan perfectos como J. Lange o A. Hopkins, que va de menos a más, y uno esta genial, H. Lennix, que esta espléndido en su papel de moro(!), dominando la peli y comiéndose a los que comparten plano con él, de forma que da vida perfectamente a este pj. La dirección, aunque excesiva, esta bien, consigue lo que quiere (que no era fácil) y crea momentos visuales hermosos y potentes (el desfile-danza de los legionarios recubiertos de barro del principio) y consigue que no pesen las más de 2 horas que dura. El diseño de producción es notable, simbólico, aunque muy difícil de pillar, y contribuye enormemente a la singularidad impactante de la peli y a sus objetivos, y el texto es espléndido.
No conozco el original pero, a pesar de que es un poco deslavazado (puede que sea culpa de la adaptación), esta muy bien, es intensa y emocionante y tiene grandes momentos (las flechas lanzadas a los dioses para pedir Justicia). Lo más impresionante es lo bien que supo captar la mentalidad ideal romana que se deduce de sus mitos historizados, severa, ultrapatriótica y cruel y el pj del moro (eufemismo de negro), que tiene el mejor texto y que me ha parecido muy moderno. Pues, aunque se ve tras él un tufo racista (además lleva un nombre judío), me ha parecido un pj muy moderno porque esta muy orgulloso de su condición. Es el malo de la obra porque es el único que no es una víctima. Pero lo es, porque vive en un mundo racista donde todo el mundo espera lo peor de él y no le considera una persona (es un esclavo). Al criarse en un mundo así, ha optado por hacer el mal como método de rebeldía (las víctimas de sus maquinaciones son sus amos) y como camino para conseguir un mundo mejor, un mundo sin racismo. Por eso, aunque es el malo, es el único que se sacrifica (en una especie de metáfora de la crucifixión), el único que desea un mundo mejor para sus hijos y el único individuo, pues los demás no paran una venganza que esta aniquilando a sus familias y, al estar sometidos al estado o a la familia, no son individuos, es decir, alguien por si mismos. En suma, aunque es más burda y truculenta (lógico que sea la primera) que las grandes obras de Shakespeare, es una gran tragedia porque aún (4 siglos y cuarto aproximadamente) produce un efecto catártico, que es lo que distingue a las grandes tragedias del resto.
Y por eso revindico la película "Titus", ya que también es catártica, lo que quiere decir que ha conseguido conservar el espíritu del original y construir una obra lo suficientemente potente y conmovedora como para provocarlo y eso no es nada fácil, y además, es valiente, al no haber apostado por lo fácil ni haberse sometido al mercado, y nos eleva y nos trata de inteligentes al haber optado por un discurso difícil. Pero sobre todo, lo que revindico es la tolerancia, la apertura mental, la capacidad de abstracción y no ser acomodaticio.

9.4.08

Critiquita 234: Estela nº 9, Morvan y Buchet, Norma 2008

25 meses después del último número, Norma ha publicado otra entrega de esta estupenda serie de CF. La razón es que el número 10 ha tardado casi 2 años en salir en Francia y Norma le ha esperado para continuar aquí.
Esta nueva entrega nos cuenta otra historia de infiltración de Navis. La cual, sirve como excusa para seguir profundizando en la línea argumental que encadena la serie que es, averiguar que hay detrás de la institución intergaláctica Estela.
Morvan sigue con sus historias sencillas autoconclusivas que forman partes de un todo, a las que intenta complejizar con un dilema moral. En esta ocasión, el guión resulta entretenido y emocionante a pesar de su simpleza, gracias a un inteligente uso de los flashbacks y la sorpresa. Lo cual es seña de un guionista eficaz y profesional, pues sabe como dotar de interés una historia nada original. Por eso, a los aficionados a la CF todo en este cómic les va a recordar a algo, aunque eso no quita que el mundo de Estela tenga personalidad propia.
Buchet es el gran valor de "Estela", ya que Morvan se va descolgando con historias bien contadas pero sin chispa. Lo es porque es un gran dibujante de comics. Lo tiene todo, sabe dibujar, diseñar y narrar, por lo que es él el que consigue hacer interesantes y atractivos los comics de "Estela". Quizás lo que más sobresale es su gran creatividad e imaginación. Es realmente impresionante lo variado y singular que ha hecho el mundo de Estela gracias a sus diseños bonitos, elaborados y originales de naves, alienígenas, tecnología y vestuario (faceta en la que este número es uno de los mejores). Su estilo es realista y sintético, el típico europeo juvenil pero modernizado. Esta fundamentado en un portentoso dominio del dibujo, ya que Buchet maneja la perspectiva, el volumen, la anatomía, etc. perfectamente. Por eso, su dibujo es muy bueno y atractivo y una base muy sólida donde sustentar diseños y la narrativa. Esta última es muy europea, es decir, sigue fielmente un estilo marcado de narrar un cómic, pero destaca por lo ágil, fluida, variada y espectacular que es, gracias a esa cantidad de recursos que domina Buchet con pericia. Donde mejor se puede ver eso es en las peleas cuerpo a cuerpo (en este número, 2), porque estan perfectamente coreografíadas gracias a un excelente dominio de la perspectiva, la anatomía y el ritmo, por lo que son complicadas, pero también verosímiles y fáciles de seguir. En suma, Buchet, por su soberbio trabajo, es la razón del éxito de este cómic, ya que este no cuenta con un guión destacable. Tampoco podemos olvidar el color, sencillo y plano, colorista y fuerte, dado con sabiduría y elegancia, pues apuntala con eficacia el soberbio aspecto visual de "Estela".
Esta serie la edita Norma en su línea, cada vez más abandonada, Pandora. La línea barata de cómic europeo (9.5 para 48 en color tamaño europeo y en rústica), mi favorita, por lo que desde aquí pido a Norma que la potencie más porque es un precio muy competitivo y no te deja la sensación que has pagado demasiado por él. Pagar 13-4 euros por un número es demasiado y pagar 20-5 por varios no esta mal, pero es un desenvolso demasiado alto para hacerlo todos los meses.
Así pues, el número 9 de "Estela" es un buen cómic de género, entretenido y atractivo sin ser nada del otro mundo. Lo malo es que no son razones de peso en un mercado como el nuestro, cuya oferta excede al poder adquisitivo del aficionado ecléctico.

8.4.08

Revisión de Chungking Express

He vuelto a ver "Chungking Express" (Wong Kar Wei 1994). Lo curioso es que hace poco más de 13 meses que la revideé de nuevo y posteé sobre ella. No suelo ver una misma peli tan "seguida", pero era una ocasión espacial. La primera vez que podía verla en pantalla grande.
Iba a verla sin la idea de hacer un nuevo post, pero he cambiado de parecer porque la peli me ha parecido maravillosa y la he entendido por primera vez.
Ver varias veces una misma peli es muy recomendable, porque es el único medio de aprehenderla totalmente. A veces te gusta menos y otras más, pero siempre la entiendes mejor que la anterior vez. También es un buen medio de apreciar como cambiamos, algo que suele pasarnos inadvertido. Todo este rollete es para deciros que la primera vez que la vi me encantó, en las siguientes me pareció que no estaba tan bien, pero en esta última vez me ha parecido genial, me ha gustado quizás más que la primera vez. No sé si ha sido que tenía el día, el verla en un cine o qué, pero me he dado cuenta de un montón detalles que hasta ahora me habían pasado desapercibidos y que hacen de esta peli una minor magna opus. Así que ahora me da vergüenza el post que le dediqué (videados 23 para los morbosos).
Es una peli sencilla y modesta, pero eso no quita que tenga cierta complejidad y sofisticación y que sea redonda y sólida. Se compone de 2 mediometrajes semiindependientes y se la puede calificar de comedia romántica, siempre sin olvidar que es una peli de autor.
"Chungking express" es una peli positiva y optimista que trata con humor la ruptura sentimental en sus 2 historias. Los protas son 2 polis (uno por historia), aunque podían haber sido cualquier cosa, que casi podían ser el mismo, que son dejados por sus parejas. En la primera historia el prota es incapaz de superarlo, niega constantemente que le han dejado hasta que ya resulta evidente incluso para él. Entonces, crea para sí un proceso catártico para poder asumirlo y poder seguir. Un proceso desquiciado y delirante que consiste en comerse 30 latas de piña en almíbar que caducan el 1 mayo, el 1 de mayo, enamorarse de la primera mujer que entre en el bar en el que está y correr hasta dejar el cuerpo sin agua con la que llorar (curiosamente lo hará bajo la lluvia). Durante este delirante proceso reflexiona sobre la caducidad. Todo caduca? El amor también? La dificultad para el pj es que tiene que asumir el fin de su amor sin dejar de creer en el amor eterno ("te amaré durante 10.000 años" es la contraseña de su busca, recordad que estamos en 1994), he ahí el quid del por qué le cuesta tanto asumir los hechos. Paralelamente a esta historia, transcurre la de una misteriosísima delincuente que la buscan para asesinarla por haberla cagado. Hacía el final de esta parte, estos pjs se encuentran y, aunque no pasa nada entre ellos, eso les sirve para superar sus problemas. Ambos encuentran la fuerza para volver a empezar en una mañana lluviosa, metáfora mítica del renacimiento o la regeneración. El amor caduca, pero hay más mujeres, es decir, más posibilidades de amar, más principios, y siempre estan los recuerdos, nos y se dice el prota al final, que es el principio de la siguiente historia.

Esta es la mejor parte de la peli, ya que esta mucho más trabajada que la anterior y la que la hace grande. Es más alegre, sin duda, por eso, es eminentemente diurna y al aire libre, mientras que la anterior fue nocturna y en ambientes cerrados y con un ligero recubrimiento de cine negro. Es simultánea pero consecutiva, quizás por un cambio sobre la marcha que no se ha corregido, y sigue el esquema de la peli romántica de forma particular. Tenemos a otro poli, un enamorado de la rutina (sus rondas), al que dejan por cambiar, por querer experimentar cosas nuevas, en lo que es uno de los gags más graciosos de la peli. Este pj, que es también incapaz de superar el que le hayan dejado, cosa que se nos muestra en unas escenas maravillosas por su sencillez, originalidad y poesía, capta la atención de una chica que trabaja en un bar a donde siempre va. Esta, por una serie de acontecimientos, acaba con una copia de las llaves del apartamento del poli. Así que acude a su casa en secreto y se la adecenta sin que este sea capaz de advertirlo, en un juego divertido y rocambolesco que define muy bien como es la peli (por lo que a mucha gente le recuerda a "Amelié", pero a parte de que esta es de 2001, es una peli muy inferior). Hasta aquí puedo leer, pero añadiré que esta parte trata del poder transformador del amor. De como el amor nos hace intentar cambiar a nuestra pareja para hacerla más a nuestro gusto (siempre, naturalmente, pensando que es por su bien) y de como, de nuevo por amor, nos dejamos cambiar. Este aspecto de las relaciones sentimentales (y humanas) esta maravillosamente reflejado de forma fresca, original, cómica, positiva y con escenas fantásticas de comedia de enredo.


Pero lo que realmente convierte esta propuesta fresca, sencilla y divertida en una peli muy destacable es el equilibrio conseguido por sus artífices, la dirección y los actores, entre sofisticación y naturalidad.
Wong Kar Wei, director y guionista de "Chungking Express", ejerce aquí esas funciones de forma excepcional. Su dirección es sencilla, discreta y natural, a pesar de que utiliza muchos efectos de cámara, siempre con propósitos narrativos, compuesta de planos hermosos por su armonía, simetría y por su fantástica fotografía colorista y luminosa. Muchos de estos hacen sentir al espectador como un voyeur. Con todo esto crea un ambiente de intimidad que acentúa la soledad de los pjs pero también la verosimilitud de sus historias, de forma que consigue hacer muy cercana la peli, consiguiendo que el espectador se identifique con los sentimientos de los pjs, elevándole así de su condición de espectador hasta la de cómplice, sobre todo en la segunda historia. Pero lo mejor es el ritmo que logra, ágil y siempre adecuado a lo que se esta narrando, que hace que la peli fluya con tranquilidad y desapercibidamente de forma que hechiza al espectador abstrayéndole.

Lo mejor de la peli seguramente sean sus actores. Las parejas de cada historia, guapos y carismáticos, hacen grandes interpretaciones con sentimiento pero con naturalidad y estan muy bien apoyados por los pocos secundarios (entre los que sobresale una tal Valerie Chow por su belleza). Por eso consiguen concretar la realidad y la verosimilitud que busca la dirección y equilibrar las historias un poco absurdas (no son así las historias de amor para sus protas?) y una dirección un tanto efectista. Son las interpretaciones sobrias y contenidas, pero muy naturales y simpáticas, las que consiguen atraer definitivamente al espectador y hacer que se sienta parte de la historia, que esta dentro de la peli en las mismas localizaciones que los pjs. Unas notables actuaciones que, donde brillan más, es cuando aguantan planos sin tener frases que decir, lo cual dice mucho de su calidad.
Para terminar de redondear esta peli y convertirla en maravillosa e inolvidable esta la bs no original. Son sólo 4 canciones, la principal es "California dreaming", potentes y espléndidas que, al repetirse a lo largo de la peli y ser utilizadas inteligentemente, consiguen que las asociemos con los pjs de modo que se convierten en una parte del mensaje transcendiendo así, su papel de acompañamiento.




Todas estas son las virtudes que hacen de "Chungking Express" una maravillosa, fresca, sentimental, cercana y simpática peli que nos dice que del desamor también nace el amor.
Seguramente me ha salido un post demasiado racional y científico y por tanto, por lo que no hago justicia a la peli al no haber podido reflejar su valor artístico. Pero créanme, es una gran película que tiene pinta de que será un clásico (14 años después sigue tan lozana y cercana como el primer día), ya que siempre lo son las pelis conmovedoras sobre el amor.

7.4.08

EXTRA! EXTRA! VIVA CHARLTON HESTON!!


Charlton Heston ha muerto, pero sigue siendo mi actor favorito. Pienso que no hay nadie como él y que, seguramente, no lo habrá.
Es mi actor favorito porque es al único que puedo calificar de impresionante. Ni Brando, ni Caine, ni O´Toole, ni ningún otro actor excepcional me lo parece, porque Charlton Heston es el único, hasta ahora, que ha podido encarnar al Héroe Mitológico, al héroe total y definitivo. Su físico, su sobriedad y su interpretación severa y contenida, que dejaba entrever que debajo había un volcán, hicieron que sus pjs fuesen impresionantes. Y eso que siempre he visto a este actor en la tele, en pantalla grande debe ser acojonante. Por eso, lo más ajustado que se puede decir de sus actuaciones es que tienen la terribilitá de Miguel Ángel (no fue coincidencia que interpretase a ese artista). Para mi, la sublimación de su estilo interpretativo es cuando apretaba la mandíbula. En ese momento sabías que el cielo se iba a desplomar sobre las cabezas de sus enemigos. Ningún otro actor me ha hecho pensar que era capaz de derribar el cielo. Era un gesto absoluto de determinación y poder tal, que bastaba para encarnar a la perfección la fuerza de la Naturaleza que es un Héroe Mitológico.
La mejor forma de explicarlo quizás sea tomando como ejemplos un par de títulos de pelis suyas, "El más valiente entre mil" y "El último hombre vivo"/"Omega man". Sólo Charlton Heston es capaz de hacer esos títulos creíbles. Si alguna catástrofe aniquilase a la humanidad, es evidente que sólo sería capaz de sobrevivir Charlton Heston. Eso es lo que era capaz de encarnar con éxito y por eso, ha sido el único capaz de interpretar a un Héroe Mitológico, Moisés, sobreponiéndose al pj haciéndolo creíble. Qué actor podría partir en 2 el Mar Rojo? Quién podría derrotar a Yul Brynner? A quién seguirías 40 años por el desierto? Quién sería capaz de sobrevivir en un planeta dominado por simios? Quién podría interpretar a un héroe de Cantar de Gesta? Quién puede ganar una batalla después de muerto? Nadie salvo Charlton Heston porque él ha sido el único capaz de interpretar a un humano sobrehumano. Por eso, después de él, nunca se ha vuelto a rodar películas con pjs semejantes. En Hollywood han tenido que recurrir a robots indestructibles del futuro y cosas así para hacer creíble que un humano fuese una fuerza de la Naturaleza. Sólo con él un tipo de cine ha podido existir, en eso reside la talla de Charlton Heston.
Es una pena que se haya ganado el odio de mucha gente que ha olvidado que era estadounidense. Naturamente no estoy de acuerdo con sus ideas más llamativas, pero él era ciudadano de un país que aplica la pena de muerte y donde cualquiera puede tener un arsenal en su garage. No era un bicho raro, un retrógrado o un conservador, era un patriota estadounidense y un tipo muy comprometido. En los 60 era demócrata, estamos hablando de Kennedy y Jonhson, el partido que cambió EE.UU. a mejor con la oposición de muchos de sus ciudadanos. También, fue una de las pocas figuras de Hollywood que apoyó notoriamente y significativamente a Luther King y un activo sindicalista. Es evidente que para él, la cuestión de las armas era algo que trascendía los partidos, era para él algo tan importante como para muchos de los españoles son los toros. Algo que había que defender porque en eso esta la esencia de una patria y por tanto, era una causa que su prestigio debía apoyar. No hay que olvidar que él hizo posible "El planeta de los simios", que es, casi seguro, la mejor película antibélica de todos los tiempos. Su escena final impresionante, con Charlton Heston maldiciéndonos, es algo que será insuperable por siempre. Alguien que no temió pasar a la historia morreándose con una chimpancé, no puede ser un mal tipo ni un republicano. De hecho, en "Bowling columbine", se puede constatar que era un tipo simpático que contestaba su propio telefonillo.
Charlton Heston fue, por tanto, un tipo muy comprometido, con personalidad propia y grandes convicciones, no fue en ese sentido una marioneta o un producto de Hollywood. Fue un tipo que quería ser actor. El problema es que tenía un carisma tan portentoso que hacía difícil que nos diésemos cuenta de sus interpretaciones. Por eso, casi todas las pelis que hizo tratan de demostrar que era capaz de actuar y hay que decir que era muy capaz. No fue el antecesor/precursor de Schwartzeneger o Stallone que muchos piensan. También es digno de mención que fue uno de los pocos grandes de Hollywood que jamás dio un escándalo. Fue un tipo serio, independiente, modesto, profesional, responsable y comprometido, en definitiva, alguien modélico, como muchos de los pjs que interpretó y como ellos, insustituible, sin parangón e irrepetible.

3.4.08

Fuentes de inspiración de la Silver Age

Tras una década (1946?-1956?) desaparecidos, los superhéroes volvieron transformados, lógicamente, porque la sociedad que los había alumbrado no existía ya. Uno de los principales cambios que adoptaron para volver a hacerse querer fue el incorporar la Ciencia Ficción de tal forma que, volvieron como un subgénero de la misma o quizás, como un contenedor.
Como muy bien señala el articulito incluido en el nº7 de "Justicia", este cambio se puede apreciar en cosas como el cambio del origen de Linterna Verde, antes fantástico-mágico, después extraterrestre-científico, o el de Hawkman, antes fantástico y después extraterreste. Es lógico porque la década de los 50 fue trascendental para la CF. En aquellos años el género dio un paso hacia delante en su popularidad, convirtiéndose en un modo importante de entretenimiento. Grandes novelas, pero sobre todo el cine de serie B, popularizaron el género hasta extremos nunca vistos, en parte porque sus temas ahora interesaban a todos, pues la Ciencia empezaba a ser experimentada por las masas como un factor determinante en sus vidas. De ahí que para calmar la incertidumbre de esa situación, necesitasen hablar del tema y ahí estaba, principalmente las pelis, los relatos de ficción más accesibles para el público, para cubrir esa necesidad.
En estos años se gestaron grandes conceptos que hoy son importantes en los superhéroes como el de los mutantes. Los mutantes entendidos como el futuro paso evolutivo de la humanidad que ya esta ocurriendo, se empezó a tratar en los años 50. En general desde la perspectiva del mutante, que se veía como un bicho raro e inadaptado en una sociedad quizás no de inferiores, pero si de torpes. Novelas como el ciclo de los No-A de Van Vogt, que no he leído porque siempre que lo veo en una tienda de libros viejos es uno de los elegidos para pagar la jubilación del dueño, nosesimexplico. O "Más que humano" de Sturgeon (esta si tiene una edición reciente y es una novela peculiar e interesante), avanzan y proponen las ideas que desarrollarán Lee y Claremont, entre otros, a su modo con la gente X.
Otra fuente de inspiración se pueden encontrar en "Invaders from Mars", que es el motivo de este post. El otro día por primera vez (y última) vi esta peli. Es una peli de 1953 que, por ser una obra influyente sobre todo estéticamente, tiene cierta importancia dentro de la vertiente cinematográfica de la CF. La peli es mala porque intentó llegar lejos sin presupuesto, por lo que se resiente a medida que se va haciendo evidente el escaso presupuesto de la misma, quedando como algo tediosa y burdo. El valor de esta peli es que es de Menzies. Un tipo no desconocido, sino olvidado hoy en día, que fue el mejor diseñador artístico cinematográfico de la primera mitad del siglo XX. Fue un tipo con una enorme creatividad y un gran talento por lo que, aunque no salvó a la peli de su mediocridad, si la dotó de uno de los mejores aspectos visuales del cine de CF de su época, contando con pocos medios y con la rudimentaria, comparada con la de hoy, técnica de aquellos años.
Así, su diseño de los marcianos creo que es evidente que inspiró a Kirby para algunos de sus pjs, los topoides y la Inteligencia Suprema.

















Siento no poder proporcionaros elementos de juicio más claros. Sin embargo creo que el caso de los topoides es fácil de ver. Fijaros en los rostros de las figuras marcianas de la dcha., que es donde esta el parecido. En "Invaders from Mars" estos pjs son mutantes marcianos creados para vivir en la Tierra donde se ocultan en túneles subterráneos. Aunque en la peli son verdes (el color del Hombre Topo) y fueron interpretados por los hombres estadounidenses más altos de la época (más de 2,15 m.), esta claro que el rostro y su carácter de necios lacayos viene de la peli.
La Inteligencia Suprema es menos evidente, pero creo que no patino. Tenéis que fijaros en el ser de la burbuja de las esquinas superiores izdas. de las imágenes de la peli. Es el cerebro de los mutantes marcianos. Un ser sin extremidades locomotoras y totalmente dependiente, pero el jefe. Es verde como el pj marveliano, pero Kirby prescindió del muñoso cuerpo y le puso los tentáculos en la cabeza. Haciendo así, un pj menos delirante (interpretado por una enana circense mexicana) e inquitante, pero más ominoso y temible. Estáis de acuerdo?

2.4.08

Grapas DC marzo (critiquita 233)

JSA nº 4, G. Johns y D. Eaglesham, Planeta DeAgostini 2008. Por el momento esta nueva etapa/volumen de esta cole no esta resultando gran cosa. Es mejor que lo anterior, pero la media no ha subido significativamente. Johns ha aprovechado el cambio para dar más acción y viveza a sus guiones, las líneas maestras de loar al legado y bucear en el pasado del UDC del volumen anterior, siguen. El resultado es un guión entretenido, pero un tanto insustancial y convencional. Un guión para gente convencida que quiere más de lo mismo. Me gusta Eaglesham. Como las coles que me suelen gustar son de segunda división, por lo que cuentan con unos autores acordes, por lo menos el dibujante, se me suele olvidar lo que es leer un cómic bien dibujado. Tampoco es que Eaglesham sea un fuera de serie, no domina bien la anatomía y narrativamente no es nada del otro mundo, pero tiene un estilo muy agradable e intenta ser espectacular y se lo curra, bondades que hacen que hacen que el ramplón guión sea más tragable y dulce. Mejor ejemplo que este número no lo hay, pues al ser pura acción, casi toda la responsabilidad recae en el dibujante, e Eaglesham, sale airoso al elevar la calidad del resultado final por el dinamismo de sus dibujos (comparen la estática y manida portada de Ross con la espectavular y dinámica de Eaglesham). Demasiadas veces se olvida que en un cómic es necesario un dibujo y una narrativa competente, no vale cualquier cosa, sino pensad en como sería Sandman si hubiese tenido no dibujantes buenos, sino competentes.
Justicia nº 7, J. Krueguer y A. Ross, Planeta DeAgostini 2008. Este mes me he saltado el número de la JLA porque he visto que es demasiado meltzeriano, así que esta es mi única ración de la JLA del mes pasado. La historia se ha animado y acelerado desde el número anterior, en mi opinión tarde, pero menos mal. De todas formas, la historia no resulta original ni novedosa por el tratamiento de los pjs como iconos y de la JLA como una institución toda luces y sin ninguna sombra. Un tratamiento frío, distante y encima, últimamente, muy visto. Sus autores no son capaces de darle a eso, algo especial como hizo Morrison. La historia se desarrolla lentamente y fríamente sin ofrecer situaciones nuevas, lo que deja a esta maxiserie como una historia más, sin nada identitario o diferencial a la legión de historias de este grupo. En fin, quizás hable mi decepción, ya que me esperaba algo mejor, pero creo que ya va siendo hora de que salgamos de esa espiral en la que estamos desde hace algunos años en el género, donde los superhéroes solo interaccionan entre ellos en un ombliguismo que lo ha despojado de todo lo heroico y aventurero. Por su parte, Ross, con su virtuosismo académico ya muy visto, es incapaz de hacer algo por la historia, es incapaz de darle calidez, emoción o cualquier cosa que compense la falta de garra y el exceso de lugares comunes de esta historia que parece nacida de la megalomanía de sus autores. Pero lo peor es que no compensa la edición. Ni el trabajo de Ross precisaba de mayor tamaño ,ni el interior compensa el euro de más de este formato.
Supergirl y la Legión de Superhéroes nº 11, M. Waid, B. Kitson y K. Sharpe, Planeta DeAgostini 2008. Primera baja de la grapa de DC no encubierta por la remodelación postcrisis, aunque en ningún lado del cómic, PDA se digna a avisar que este es el último número, que a partir de ahora se pasa a tomo. Me parece vergonzoso que oculten su fracaso o su exceso de optimismo. En fin, vamos al turrón. La cole había pegado un bajón en los últimos meses que justifica la mala acogida que ha tenido al juntarse con que las dos macrosagas que se ha montado Waid, esten casi calcadas. La cole ha tenido bastantes números entretenidos y gratos, pero en cuanto Waid ponía el peso del guión en desarrollar sus macrosagas, la calidad descendía en picado a niveles alarmantes. En esta última trigrapa el nivel sube un poco, pero no es un colofón digno a esta etapa que empezó muy bien. Waid ha pecado demasiado de correcto y de profesional, saliéndole bastantes números demasiado gélidos y convencionales, fallos que los dibujantes con los que ha contado no han podido enmascarar o aligerar, ya que también fallan en eso. Kitson es un dibujante correcto, pero con un excepcional sentido estético que le hace ser mejor de lo que es a primera vista, a cambio, su estilo es demasiado estático, limpio y clásico, no aporta mucha emoción y dinamismo, con lo que es incapaz de cubrir las carencias de Waid, de ahí que el "fracaso" de esta cole sea culpa de los 2. Sharpe es un dibujante de relleno en esta cole. Con un estilo clásico pero actual, que abusa de las poses y de la correción, tampoco es capaz de añadir algo al guión. Así pues, una grapa mejor que las anteriores e inmediatas, que no es mucho. Aún así, no deja de entristecer que ya no haya más grapas para esta cole con tanto potencial.
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