31.12.09

Lo que ven los cojones de Norman Osborn

Deodato me parece un dibujante malísimo. No entiendo como alguien tan torpe puede tener éxito, sobre todo en una industria que se pirra por la gente que dibuja bien. Misterios de la mente humana supongo. De todas formas, creo que Deodato es el dibujante más inteligente de la escuela Image. Sólo hay que ver que, a diferencia de todos los demás, ha evolucionado, ha cambiado, se ha reiventado. Yo le veo un dibujante muy torpe, pero inteligente (como dibujo como el culo apuesto por el tenebrismo pa que se note menos), con personalidad (aunque el paradigma ha cambiado sigo dibujando como si aún estuviésemos en 1995) y con cierto talento, todo lo cual explica porque el asunto queda menos penoso de lo que debería.
Tras el nº 3 de Vengadores Oscuros he descubierto otra buena cualidad de Deodato. Su audacia. La verdad es que estaba claro que lo era. Es un brasileño que trabaja para una empresa de EE.UU. y, a pesar de dibujar como el culo, se gana la vida dibujando. O sea que audaz, un rato es. Pero esta audacia no se me había hecho patente hasta que vi esta viñeta (la última de la página 5 de la susodicha grapa):


A lu ci nan te. O mejor: EXCELSIOR!
No sé como calificarlo. Si Deodato controlase lo que hace con el lápiz (eso es la mejor definición de buen dibujante) no tendría dudas de que esta hecha aposta. Pero con un tipo tan negado, no sé si tal audacia ha sido casualidad.
Es una viñeta que, si no queremos ser soeces pero honrados, sólo podemos calificar de cubista. Vigía esta en el suelo (no flotando como el color y el fondo inexistente sugieren), por eso le vemos en picado. Deodato eligió esta perspectiva porque se le ocurrió unir el punto de vista de Norman Osborn, que es a quien pertenecen las extremidades del primer plano y que esta sentado en una silla delante del Vigía, por eso le ve desde arriba, con el del lector. Pero en algún momento eso se torció, quizás se olvidó de lo que estaba haciendo, quizás repaso las páginas borracho o quizás, esta es la que yo creo, como es un dibujante malísimo, pero con mucha moral, la cagó en la ejecución porque, aunque en su dni ponga que es dibujante, no lo es. Las extremidades deberían haberse dibujado, también, simulando un punto de vista elevado. Pero Deodato no lo hizo así porque es tan inútil, que es incapaz de hacerlo, y tan taimado (porque tonto no es), que trata de timarnos de nuevo, intentanto colarnos otra vez algo que esta mal como si estuviera bien, con otra de sus chapuceras viñetas (de la que este cómic, como siempre, es un amplio muestrario).
Por eso, el punto de vista de la viñeta es, evidentemente, el de los cojones (o genitales) de Norman Osborn, que es también, gracias a una feliz pirueta, el punto de vista del lector. De modo que los cojones de Norman Osborn se identifican con nuestros ojos, facilitándonos así, Deodato, el cumplimiento del sueño que tenemos todos de ver lo mismo que la bragueta de Norman Osborn (seguramente muchos habríamos escogido un momento distinto al de Deodato para hacerlo). O o tal vez Deodato ha querido que nos sintamos como los cojones del amo de las marionetas del UM actual. Si estas chalado y lo piensas, mola y tiene sentido.
Así pues esta viñeta es una de las jugadas maestras de Deodato que explican porque vende cuando no sabe ni hacer la o con un canuto, pero que mi cinismo, conservadurismo y pose intelectual me impiden apreciar como tales.
Así, esta viñeta, convierte a Deodato en el autor de la viñeta más audaz del siglo XXI de Marvel. Un honor que va a disfrutar durante mucho tiempo porque es difícil superar una viñeta tan vanguardista y valiente (me imagino que Marvel se habrá visto inundada por un montón de protestas de mojigatos yanquis que se han sentido sucios por culpa de Deodato). Sólo lo podrá superar una viñeta que adopte el punto de vista del ojete del Capitán América o el de la vagina de la tía May. Pero la verdad, creo que aún va a llover mucho (y estamos en pleno cambio climático) antes de que algún dibujante haga una viñeta aún más audaz que esta. Algo dentro de mi se ha soltado para siempre tras concebir los ejemplos que he puesto, así que intuyo que dibujarlo debe ser demoledor. Pero tiempo al tiempo.
Make mine Marvel!

27.12.09

De Frankensteins

Los hados han querido que hayan salido simultáneamente dos cómic que adaptan Frankenstein o el moderno Prometeo de M. Shelley. Uno francés editado por sm (tomo esto como prueba del éxito de sus adaptaciones literarias) y otro español editado por Parramón. Ambos cómics, lógicamente, tienen semejanzas y diferencias.

Lo que más sorprende de estas adaptaciones es el parecido de los dos estilos dibujísticos empleados. Tanto el autor del de sm, Frankenstein de Mary Shelley, M. Mousse, como la dibujante (ilustradora la llama la editorial, lo que es significativo) del editado por Parramón, Frankenstein, M. Ribas, tienen un estilo infantil. Mousse en la línea del estilo clásico juvenil de la bd aunque, evidentemente, con toques personales y posmodernos, y Ribas bastante personal y femenino mainstream, o sea, sus figuras son muñecas.



Así pues, el primer cómic tiene un estilo narrativo bastante clásico en términos franceses y un dibujo amable, caricaturesco, estilizado y claro. Por ello resulta tan eficiente como insuficiente. Mousse narra bastante bien y maneja muy bien el ritmo, pero como francés ignora el valor narrativo de la splash page o de las viñetas grandes así que al final la cosa queda impotente. En cuanto al dibujo, Frankenstein no es una historia de personajes con ojos enormes, pero su evocación del grabado es bastante atractiva. Hay bastantes viñetas chulas en el cómic. Por eso es una lástima que sm lo haya reducido ya que con ello la editorial española ha dado al dibujo un aspecto rudo pues por la reducción el trazo resulta muy grueso, tanto que a veces es algo críptico y confuso.

El dibujo de Ribas, a pesar de ser también infantil, es muy diferente del de Mousse ya que es delicado, caricaturesco y preciosista, además de femenino (blando, suave, agradable, predominio de la silueta y la línea fina y curva). Lo que le da consistencia es la técnica grattage, que acabo de descubrir y que Parramón dice que esta de moda en la novela gráfica. Es una técnica cercana al grabado donde predomina el negro. Por lo que esta técnica es el elemento definitorio del aspecto visual del cómic, y el que le conecta con el relato pues evoca a la iluminación de las velas propio de la época en la que ocurre la novela. Sin embargo Ribas se olvida que hay escenas que pasan por el día. Por tanto, ya que Mousse apuesta por el color (sencillo, plano, con predominio de colores otoñales salvo en las escenas árticas), esta es la principal diferencia entrambas adaptaciones. Por eso Ribas falla en lo mismo que el francés, la novela de M. Shelley no es una historia de muñecas. No obstante su Frankenstein es fiel al original, no está hecho con trozos ni es una mole. Pero esto es anecdótico. No lo son su narrativa convencional y sus figuras rígidas poco expresivas como los muñecos de madera que evocan. Así, el trabajo de Ribas resulta insuficiente.

La gran diferencia de stos cómics está en el guión, en como se ha optado en cada caso hacer la adaptación. Si bien ambos trasladan textualmente la prosa de M. Shelley siempre que es posible, lo cual tiene su dificultad porque la prosa gótica es densa y prolija, por tanto, nada adecuada para el cómic y marciana para el lector posmoderno, se enfrentan de manera diferente a la tremenda densidad del fondo de la novela, que no es sólo su complejidad filosófica, sino también un excepcional retrato de la mentalidad de una época, por lo que cuesta creer que sea obra de una joven de 20 años, pero es que entonces se vivía mucho más intensamente. Así pues, es la resolución de ese punto lo que realmente diferencia a ambos cómics y explica que el de Mousse sea mediocre, como cómic y como adaptación, mientras que el de S. A. Sierra (guionista del cómic de Parramón) sea notable. 

Para su adaptación Mousse decidió centrarse en el argumento dejando así el guión como un simple relato para pasar el rato. De este modo, a pesar de que su adaptación es más larga -144 páginas frente a las 90 de la de Parramón-, el cómic apenas profundiza en el espíritu de la novela. Cosa curiosa pues se nota que Mousse la ha estudiado. Su fallo es haberla mezclado con las pelis más famosas del personaje (la de Whale y la de Brannagh) ya que estas la aguan bastante al convencionalizarla en exceso y reinventar la criatura. Por eso, Frankenstein de Mary Shelley queda como el típico relato decimonónico de Terror: melodramático, folletinesco, oral (transcribe relatos orales), vivencial (los relatos siempre pasan por ser relatos de acontecimientos experimentados, de ahí que haya fragmentos en forma de diarios o cartas) y romántico, que además, en este caso, tiene un sabor de CF cruda, pues la magia es sustituida por la ciencia y el demonio por una creación científica. Así, el resultado final es una traición al original pues la novela de M. Shelley es más que un relato de gótico de Terror solvente, original y sólido que preludia la CF. La angustia y la crítica del original apenas se percibe en la adaptación de Mousse. Encima sin que dé algo a cambio.

A diferencia del autor francés, Sierra nos transmite el espíritu de Frankenstein a pesar de que innecesariamente introduce invenciones de las adaptaciones cinematográficas, las cuales, como se ha dicho, aguan la fuerza de la novela de M. Shelley, y suyas. Quizás la clave de este éxito sea que su guión es menos comiquero que el de Mousse (en muchos momentos se tiene la sensación de que se esta leyendo un relato ilustrado). Puede que se pudiese haber hecho sin haber desnaturalizado en algún grado el Cómic, pero no tiene mucha importancia porque esta desnaturalización sale rentable, ya que el cómic de Sierra&Ribas transmite la densidad, la complejidad, el dilema, la angustia romántica y moderna del texto de M. Shelley. Así, mientras la adaptación de Mousse deja frío e incluso aburre (aunque seguro que con un tamaño mayor su lectura no sería tan pesada), la de Sierra&Ribas atrapa, subyuga y emociona de modo que consigue trasladar al cómic la angustiosa tormenta que es "Frankenstein o el moderno Prometeo". La clave está en que no agua la faceta vengativa del monstruo, lo más impresionante de la novela. Así, en el cómic de Parramón también se ve lo doloroso que fue el nacimiento del mundo moderno, la irrupción de la individualidad, de la intimidad, de la ciencia y de la razón. Como el resquebrajamiento del mundo tradicional, familia amplia, superstición y religión, fue desgarrador al ser sustituido por otro muy diferente que ponía a la humanidad sola e indefensa ante el Universo al hacerla sentir ínfima y despreciable ante la vastedad de la Naturaleza y alejar della al dios cristiano más aún. Por ello Ribas remite a los cuadros de Friederich, influencia fundamental en Frankenstein, donde la humanidad se enfrenta a y trata de escrutar una Naturaleza críptica, poderosa y mortal porque la ciencia la estaba disociando del dios de los cristianos, lo cual llevó a preguntarse si esta, que parecía que lo iba a poder todo, es buena para el humano pues su replanteamiento del lugar de la criatura en el cosmos era un desafío al padre. De este modo, "Frankenstein o el moderno Prometeo" ha sido trasladado notablemente por S. A. Sierra a un guión de cómic por lo que su adaptación triunfa, a pesar de sus errores, a diferencia de la de Mousse.

La ediciones también tienen sus semejanzas. Mismo tamaño y mismo precio, 15€, nada menos. Lo cual sentencia al cómic de Parramón como muy caro pues tiene menos páginas (1/3 menos) y es en b&n, lo cual es una lástima porque supone un serio handicap para un notable cómic y unos autores noveles prometedores. Creo que el precio es una aberración porque es más elevado que muchas de las ediciones de Frankenstein que hay ahora en el mercado.

Así pues, tenemos unos cómics con una clara vocación juvenil. Lo cual creo que es erróneo ya que la novela que adaptan no es tal. Mucho menos ahora, en plena posmodernidad, ya que la novela de M. Shelley es una antigualla por lo que exige al lector una cultura que en el cole o en la tv-cine-videojuegos no se da. Naturalmente un adolescente puede pillar el tema e incluso puede que algunos lleguen a simpatizar con la angustia vital de la novela, pero dudo que muchos puedan con algo poco dinámico de un tiempo ya lejano. Desto es prueba el que la novela jamás se ha adaptado al Teatro, al Cine o al Cómic fielmente. Es demasiado difícil, demasiado crítica  y demasiado profunda para el gran público, cada vez más según avanzan los años. Por tanto estas adaptaciones no se erigen como buenas alternativas a una de las novelas más importantes de la literatura occidental. De hecho, dalguna forma, inciden en el desprecio que la industria del entretenimiento lleva ya casi 2 siglos haciendo a la escritora inglesa al continuar tergiversando y restando potencia a su mensaje. Es sintómatico del miedo que Frankenstein o el moderno Prometeo da a Occidente el que casi 200 años después este siga sin atreverse a popularizarla sin adulterarla. El monstruo no está hecho con partes extraídas de varios cadáveres, Frankenstein no quiere vencer a la muerte sino crear seres vivos y su creatura es buena y bondadosa. Eliminar esto es hacer incomprensible la inmortal obra de M. Shelley.

18.12.09

Top de pelis del 4º año de El CritiKrator

Otro top para commemorar el 4º aniversario y para terminar los fastos que celebran tal acontecimiento.
Este año ha sido el más cinematográfico desde que tengo blog. No sólo he ido más al cine, sino que este ha ganado en presencia en el blog, y esto es muy significativo porque este año ha habido menos post que nunca. Todo esto ha sido porque este año he videado muchas pelis buenas, aunque de nuevo, como vais a comprobar en el top, las mejores son de otros años. A pesar de eso, este año no ha estado mal, como ha habido más pelis que me han llamado la atención, he ido más al cine que en cualquiera de los 3 años anteriores.
De todas formas, estas pelis no me han enamorado. Algunas se han ganado un post, entre estas la mejor ha sido "Gran Torino", y otras no. Estas últimas han sido unas cuantas: "Déjame entrar" que me ha parecido demasiado sueca (gafapasta) y demasiado cruel y agria, aunque hay que alabar su singularidad y voluntad de hacer algo diferente y aplaudir que así, cuando hoy eso cada vez es más difícil, haya obtenido un buen resultado, que más que las bondades de la peli ha sido transcender fronteras (y eso es mucho siendo sueca). "Distrito 9" que, aunque demuestra que hoy lo mejor esta fuera de Hollywood, ya que si esta peli hubiese estado producido por un gran estudio no hubiera sido tan convincente, sórdida y agria, el presupuesto le corta las alas y el guión esta poco trabajado, por lo que acaba siendo una buena idea simplificada víctima de la acción y los efectos digitales. "Resacón en las Vegas" es la peli, quitando la de Eastwood, que más me ha gustado de este año. Aunque como comedia le falta acidez, crítica y espíritu políticamente incorrecto es una obra solvente y fresca (chistes y gags nuevos en un tema muy manido ya), que habría estado mejor con unos actores más cómicos y un ritmo más agil, de todos modos, el chiste del bebé masturbándose y las fotos finales son memorables. "Moon" ha sido una peli muy floja, vuelvo a dejar de fiarme de los premios de Sitges. La peli es ambiciosa y estilísticamente impecable, mucho más viendo como ha solventado la castrante falta de presupuesto, pero los autores (director y guionista) no estan a la altura de su idea de modo que, en vez de ser una peli filosófica y profunda, es un cuento facilón como demuestra ese final tontorrón. Mi gran apuesta del año, "Malditos Bastardos" me ha salido mal. Yo me esperaba unos "Violentos de Kelly" y me he encontrado con una peli muy mediocre víctima de un Tarantino al que le pone mucho, la peli lo demuestra, escucharse. En esta peli se habla demasiado y hay demasiado poca acción y humor. Por otro lado, es una peli muy conservadora. Me parece muy fácil juzgar y condenar a los nazis (aunque igual la peli quiere decirnos que somos tan malos y crueles como ellos) y por tanto poco interesante ver la enésima peli donde eso se hace. Qué va a ser lo próximo Tarantino, una peli mitiéndose con el Imperio Romano por perseguir cristianos? "Star Trek" la vi porque tengo buenos amigos trekkies, pero me pareció muy floja y mediocre y con un malo demasiado ridículo (un minero!) para hacer que el público se crea que es una amenaza. De todas formas, aplaudo su valentía de intentar hacer algo nuevo aunque respetuoso con algo viejo y de hacer el boca a boca a una franquicia demasiado hortera e inmovilista. Y por último "El imaginario del dr. Parnaso" de T. Gilliam. Un autor (casi) siempre muy interesante visualmente, que aquí esta mejor que últimamente gracias a que cuenta con unos sólidos actores. De todas formas la historia es confusa y el resultado es mediocre, aunque quizás el problema sea que se esta encasillando y como esa es la antítesis de su estilo, sus imaginativas, fantasiosas y barrocas pelis se resienten. Y ya, sin más, el top:
El planeta de los simios: Una de las mejores pelis de CF de todos los tiempos. Grande y enorme. Sobria pero espectacular. Con una magnífica historia pop y un inconmensurable C. Heston que es capaz de reunir en sí mismo todo lo patético y todo lo heroico que tiene la humanidad. Un clasicazo que nunca morirá con una bs maravillosa, momentos brillantísimos y uno de los mejores finales de todos los tiempos.
Susana: una peli menor de Buñuel que gracias al tiempo se ha convertido en un clásico menor. Es una peli sencilla y sobria, pero gracias a que Buñuel captó la locura y la pasión de las relaciones heterosexuales y la dotó de un mensaje subversivo y R. Quintana esta super erótica, "Susana" es una peli muy agradable de ver.
Dune: otra gan peli de CF a pesar de que es fallida. La dirección de Lynch es perfecta, el diseño de producción es convincente y evocador y los actores estan sólidos, por eso, la peli es digna de versa a pesar de que no pudo con el reto ciclópeo de adaptar una novela tan densa, larga y filosófica como es "Dune". De todas formas, como les escribo, una peli con momentos brillantes y espectaculares.
Asesinos natos: un delirio que Stone y Tarantino convirtieron en una peli extravagente, pasada de rosca, exagerada, cómica y sobre todo apasionante y flipante. Una peli que a pesar de que los protagonistas no estan a la altura, es un soberbio espectáculo lisérgico. Aunque claro, en tv pierde mucho.
Psicosis: uno de los peliculones de Hitchcock. Una peli magnifíca como demuestra que ha resistido muy bien el paso del tiempo a pesar de ser muy de su época. La dirección del maestro del suspense sigue funcionando e inquietando y el trabajo de los actores, sobre todo de Perkins, es magnífico, lo que hace que, a pesar de la ingenua y pasada ya escena final de Norman Bates hablando a la cámara, la peli sigue emocionando y siendo espectacular. Y todo eso sin mencionar la escena de la ducha.
Cuando al destino nos alcance: hubo una época maravillosa donde se hacía CF pop como churros. De todas esas pelis, un tanto pasadas de rosca (eran los 70), pesimistas y audaces, emerge como un coloso esta. Una peli sencilla donde, además, casi todo el presupuesto debió de irse al sueldo de C. Heston, pero que aún así consiguió ser una peli tierna, entrañable y entretenidísima que se ha mostrado más profética de lo que muchos pensamos cuando la veíamos en el siglo pasado. Por eso ha conseguido pasar la prueba del tiempo. Pero en tv no es lo mismo.
El bueno, el feo y el malo: una de las pelis más grandes del cine. Una peli, como "Psicosis", revolucionaria e histórica. El Cine no ha vuelto a ser igual porque es imposible serlo después del tremendo espectáculo que nos legó Leone. Más allá de un guión sencillo y pop redondísimo, más allá de unas brillantes actuaciones, sobre todo de Wallach que, como se suele decir, se come la pantalla, esta una dirección soberbia por parte de Leone que, partiendo de la sencillez y el sosiego, nos lleva a uno de los momentos cumbre y más paroxísticos del Cine. Ese duelo final donde la peli baila una danza de muerte extática haciendo, con ello, trascender al público, no tiene precio.

15.12.09

Critiquita 288: All Star Batman y Robin, F. Miller y J. Lee, Planeta DeAgostini 2009


Gracias a la biblioteca del barrio donde vivo he podido leer el otro cómic del año. Y la verdad, le escribo un post por eso (es curioso que desde que se publicó en España ya no se ha vuelto hablar de él), ya que por sí mismo no me ha motivado.

Lo 1º decir que no me ha parecido tan espeluznante como la opinión mayoritaria dice. Me esperaba un cómic malísimo, pero me he encontrado con un cómic mediocre que rezuma extravagancia por todos lados. Este último punto creo que es el mayor handicap de este cómic pues lo hace ininteligible. Quiero decir, lo he leído entero y no me he enterado, igual que todo el mundo, de qué es lo que Miller quiere contar. De esta forma, la falta de respuesta a la pregunta de qué está contando  es lo que más perjudica a esta obra. Qué es? Una gamberrada? El producto de una mente decadente? Una parodia del grim&gritty que el contribuyó a crear? El delirante pensamiento de un neocon? Un timo? Ni idea. Y lo malo es que nada se puede descartar, porque en sus páginas se pueden encontrar elementos que respondan afirmativamente a todas esas preguntas. De todas formas, aún siendo una excentricidad, es la típica obra milleriana, pues esta presente el tema ordálico, el psicológico, el de descenso a los infiernos y el de la génesis de un ser sobrehumano y, dentro del universo milleriano de Batman, la dialéctica entre este y Superman, además de estar (co)protagonizada por un niño (Martha Washington, Ronin o Badboy).

Lo importante aquí es Robin, él es el auténtico protagonista, aunque en realidad es un vehículo para hablar sobre Batman. La sensación que me ha dado la lectura es que este cómic es una especie de evangelio perdido. Me explico, de Jesús no sabemos nada, los evangelios hablan de su nacimiento y luego pegan una elipsis tremenda que nos lleva a 30 años después. Esto hace que no sepamos nada de la infancia y juventud de ese pj. Con los superhéroes, exceptuando a Superman, pasa lo mismo, en especial con Batman (aunque su longevidad y éxito ha hecho que hayan surgido historias ambientadas en ese hueco). De la infancia de Batman sólo sabemos que sus padres fueron asesinados en su presencia, todo lo demás es de muchos años después. Esto es evidente si nos circunscribimos exclusivamente al Batman de Miller. En fin, que a mi me ha parecido que este guionista quiere contarnos la infancia y juventud de Batman a través de su relación con Robin, alguien bastante similar a él, así como la conversión de los superhéroes en tales.

Batman y WW son retratados aquí como unos psicópatas y Canario Negro como una sociópata. Todos disfrutan enormemente con la violencia y no les redime, en estos tiempos pacifistas que no sé si serán compartidos por Miller, que hayan decidido centrarse en los delincuentes. De esta forma, todos los superhéroes de "All Star Batman y Robin" son justicieros, es decir, superhéroes más cercanos a como eran primitivamente (cuando Batman iba con pistolas). En esto Miller sigue siendo el mismo pues, como en su DD, sigue presentando a los superhéroes como gente muy violenta que se toma la justicia por su mano, o sea, locos. Y para él, parece ser, el más loco de todos es Batman. De ahí que el Batman de este cómic sea un chalado patético aunque peligroso (cuestiona el status quo, anima a más gente a hacer lo mismo y, sobre todo, impide que los superhéroes tengan buena imagen). Aquí entra en juego Robin pues parece que este es la pieza fundamental para la curación de la psicopatía que sufre Batman. Leyendo a Miller parece (porque la obra está inacabada) que el hecho de empezar a ser un padre (que lo sea de forma muy peculiar no invalida su paternidad) le va a curar, mediante el mecanismo freudiano de transferencia (algo me hace sospechar que Miller controla de Psicología), su trauma infantil. Es decir, Batman siendo padre va a rellenar el hueco que la traumática pérdida de su padre dejó.

Esto lo cuenta el guionista con su estilo heredero de las novelas hard boiled e imponiendo una narrativa más a lo Sin city que mainstream. Pero, a pesar de que sigue siendo capaz de emocionar y comunicar, se ha abonado con pericia al descompressive storytelling y no cuenta nada excesivamente interesante e, incluso, novedoso. Lo cual hace que su trabajo sea mediocre y por tanto, en vez de ser revolucionario, sea, tan solo, una gamberrada sin consecuencias (aunque aún la obra no está terminada).

Si Miller está mediocre, J. Lee está nefasto, aunque a diferencia del 1º, esto es lo habitual. Yo sigo sin entender como un dibujante tan malo ha sido uno de los más revolucionarios de la Historia. No tiene ni idea de anatomía ni de perspectiva y sus nociones de estética, composición y narrativa son mínimas. Sus viñetas son tan pésimas que sacan a uno de la lectura. Esos hombros imposibles, esos cuellos dislocados, esas piernas dispares, esas muñecas tan gruesas como los bíceps, esa incapacidad para expresar emociones (de ahí lo de los dientes cerrados una y otra vez, expresión tanto de la frustración de los dibujantes por su torpeza, como de su incapacidad para dibujar cualquier otro gesto emocional). Y saliéndonos de la anatomía, nos encontramos con un estilo limitadísimo que no sabe más que maldibujar cuerpos musculosos, jóvenes, muñecas y uniformes superheoricos. Esto último es ridículo. La incapacidad de Lee por dibujar vestidos de calle (los comics Image, y por extensión los de Lee, son atemporales en el sentido de que por su moda no se pueden datar), hace que los comics donde tienen mucha presencia ambientes no superheroicos, como este, estos sean absurdos. En fin, viendo esto me explico que Lee luchase por controlar los guiones, ya que un guión como diso manda exige cosas que él es incapaz de hacer como expresar emociones (cómo debía sufrir con las parrafadas introspectivas de Claremont), dibujar personas normales, trajes de paisano, interiores, etc. En cuanto a su composición, esta es muy elemental y sobre todo convencional, de forma que es muy repetitiva y por eso sosa ya que se limita a reiterar una y otra vez los mismos esquemas, muchos de ellos empleados desde hace décadas. Tengo que reconocer que aquí narrativamente esta bien, pero es porque Miller, se nota un huevo, le ha impuesto la narrativa para hacer un favor tanto a él como a la humanidad. De esta forma, aunque pésimo, el trabajo de Lee resulta legible y sólo estorba en vez de incordiar. El gran problema de esto es el estilo contundente y realista con el Lee que quiere ser entintado, ya que este lo único que hace es poner más en evidencia todos los errores que comete. No respetar la anatomía no tiene porque traer malos resultados, ahí esta el majestuoso dibujo de G. Colan y dibujar mal tampoco, ahí esta el potente dibujo de Miller (como demuestran sus portadas, mucho mejores que las de Lee porque son más originales, contundentes, delirantes y expresivas). El truco esta en el entintado, si este no contradice el dibujo es perfecto. Lee, como dibujas con el culo, no hagas que te entinten como si lo hicieses de puta madre porque el resultado es aberrante.

La edición de PDA no me ha gustado. No he visto ningún error en ella (si obviamos la rotulación del título), simplemente la encuentro fuera de lugar. Para empezar el tamaño, ignoro si el original es así de grande, pero, desde luego, este tamaño no favorece las continuas y groseras meteduras de pata de Lee. No me parece bien PDA que manipules el tamaño de los originales, lo admito si es por imperativos mercantiles, pero por lo menos hazlo con sentido, no aumentes lo que no está hecho para ser aumentado (como el dibujo de Gibbons) ni disminuyas lo que no está hecho para ser disminuido (como casi toda la bd que publicas). Por otro lado, el aspecto de tomo de enciclopedia no encaja con el contenido así que resulta una edición aberrante. Aunque de todas formas, a diferencia de la de ASS, no es lo que ha hecho que no vaya a comprar este cómic.

Así pues, tenemos un cómic muy heteredoxo, lo que explica que haya descolocado y sacado de quicio a los lectores habituales pues el estar acostumbrados a unos convencionalismos y unos cánones muy concretos ha hecho que hayan perdido cintura (no es casualidad que el estereotipo de fan pijamero sea un gordo). Pero esta heterodoxia, siempre bienvenida en todo ámbito industrial, no puede ocultar ni justificar el trabajo, por el momento ya que está inacabado, de Lee y Miller. Nefasto e incapaz de hacer algo a derechas en el caso del 1º y muy mediocre en el caso del 2º (aunque igual es que tiene que hacer las cosas así para motivarse a escribir guiones de superhéroes, un género que no le atrae ahora y en el que ya ha dicho todo, que van a ser dibujados por Lee). Así pues, entre el formato tomo de enciclopedia y el trabajo de los autores la lectura de "All Star Batman y Robin" es un poco plomo y absolutamente olvidable.

11.12.09

Top de comics del 4º año de El critiKrator

Pues nada, como viene siendo habitual recapitulamos un poco como ha sido este último año critiKrator (de 23-XI a 23-XI).
Lo 1º decir que, este, me ha parecido mejor que los 2 últimos, pero no porque este año hayan salido cosas mucho mejores que en los pasados, sino porque, a mi parecer, la media ha subido. Los comics este año se han hecho un poco mejor que últimamente y eso, donde más lo he notado ha sido en las grapas. Desde que se marchó Vaughan de Runaways, no había vuelto a leer una grapa que me hiciese largo el mes. Este año la JSA, por la que no daba un duro, me ha dado un buen año aunque aún hay que ver como termina el tema porque esta yendo de más a menos. Por otro lado, los Thunderbolts sin Ellis me han gustado más porque han perdido mordiente y han ganado en clasicismo, aunque yo he dejado la cole porque han quitado a todos sus protas. Será por eso que las grapas de esta serie han bajado hasta el punto de ser cancelada en febrero? Y también esta Thor. A pesar de que es pasto de fill-ins, no esta mal y cuando se juntan Stra y Coipel la cosa es muy satisfactoria, aunque en mi opinión Stra tampoco esta haciendo nada especial ni bueno, pero con Coipel todo sabe mejor. Así pues, a diferencia de otros años, no hay comics especialmente buenos en el top, pero es el más igualado.
Este año ha visto también algunos cambios. El más significativo es que hasta ahora predominaban las lecturas DC, supongo que por el mayor volumen de novedades y porque mis relecturas eran sobre material DC, pero este año Marvel ha ganado interés y así ha pasado a ser el universo superheroico, aunque por poco, más presente en el blog. Esto contrasta con el puesto tan bajo de Panini en este blog (miren las etiquetas), parte de la culpa se debe a que este año he dejado de reseñar las grapas mensuales y que PDA no publica grapas.
En fin, a ver que pasa este próximo año, que entre la crisis y que las editoriales han tocado techo, parece ser que va ser bastante crítico. Así que igual en el 2011 el mercado es muy diferente a este 2009 que termina.
Y ahora sí, sin más dilación les dejo de robar tiempo. Mi particular top 10:
Marketing&Utopía: F. de Felipe, con su peculiar estilo síntesis del de Brugera, Groening y el europeo, creó una distopía futurista donde el humor negro y cruel español se junta con la CF y el idealismo estadounidense, de forma que nos queda un cómic de relatos cortos macabro, espeluznante y fabuloso que recuerda a las historias para la tv de Hitchcock. Un cómic buenísimo que ha ganado con los años y que, con su calidad, denuncia que la obra de este autor no esté disponible para el gran público. Si es por tema del autor me callo, pero si no, no entiendo a las editoriales.
Manhaunter: el sorpresón del año. Me lo pillé porque lo recomendaba Moore y descubrí un cómic buenísimo. Es una historia de espías, asesinos y sociedades secretas magnífica y muy bien construida a través de sorpresas y giros argumentales por Goodwin, y muy bien dibujada por un primerizo Simonson con muchas ganas de gustar. Un cómic muy setentero pero, tan bueno, que eso no le ha impedido convertirse en un clásico. Por eso no extraña que sea uno de los mejores 15 comics del UDC que ha sacado en todo este lustro PDA.
JSA: este último año de esta cole me ha parecido estupendo pese a que empieza a flaquear. Empezó muy bien utilizando la mitología kirbiana y apoyándose en el limitado pero atractivo y majestuoso dibujo de Eaglesham, de forma que la parte central de este año era el cómic que más esperaba cada mes. La cosa pintaba muy bien por el aire misterioso y por la sensación de que cualquier cosa podía ocurrir, al final el asunto, como es Johns el guionista, se ha vuelto bastante terrenal y convencional, ya que de nuevo tenemos la división de un grupo superheroico en torno al tema de siempre (hasta que punto debe llegar el intervencionismo superheroico en la humanidad), entre conservadores (que son los más drásticos e intervencionistas paradójicamente) y los liberales. Algo ya muy visto, al menos desde "Tormenta Galáctica". Hay que esperar a ver en que acaba todo, pero lo que esta claro es que Johns no es Gaiman, Moore o Morrison. A pesar de eso, que nos quiten lo bailao.
Percevan: bd juvenil de la buena. Unos comics de Fantasía sin brillantez pero muy bien hechos, sobre todo el dibujo, de forma que pueden disfrutarse con cualquier edad y han aguantado el paso del tiempo (los 1º tienen ya más de 20 años). La cole es bastante irregular, de forma que hay algunos episodios mediocres, pero a cambio tenemos "El arenal del Jerada" y "El arcantano negro", 2 historias muy interesantes y atractivas gracias a que el trabajo y la imaginería de Luguy compensan tanto sus limitaciones como las del guionista.
Wildcats 3.0: el vol.III de este supergrupo es un cómic superheroico estupendo a pesar de que es un coitus interruptus en toda regla. No porque termine mal, sino porque fue cancelada. Este hecho es fácil explicarlo. El asunto es que Casey planteó un cómic de CF y con cierta profundidad intelectual, en vez de seguir la línea pop de los superhéroes Image. El público quería guiones que fuesen simplemente un vehículo de lucimiento para los dibujantes y que estuviesen plagados de acción y de atractivas muñecas, así que fue un claro caso de dar pañuelo a quien no tiene mocos. Una pena, porque el cómic iba por muy bien camino amparado por el sólido y muy cuidado dibujo de Nguyen y la ambición de Casey por hacer algo diferente y desarrollar las posibilidades del género que las editoriales mantienen deliberadamente, como demuestra su cancelación, latentes. Pocas veces una cancelación ha sido tan trágica.
Jack, Sota de Corazones: una POM del gran Mantlo muy bien apoyada por Freeman. Una miniserie interesantísima con todos los elementos, melodrama, acción, aventura y mitología, que hacen de Mantlo un gran escritor de comic pop y uno de los mejores guionistas de la Marvel de los 80. Una historia estupenda, increíble y singular que denuncia el olvido injustísimo que esta sufriendo esta gran y desafortunada persona y guionista.
ClanDestine: seguramente la magna opus de Davis. Entretenimiento puro muy bien realizado. Un cómic sin pretensiones y convencional, pero con un excelente dibujo y un aire de sitcom familiar que son los que hacen que este sobresalga en el oceáno repititivo y convencional del mainstream.
JLA: Tierra 2: este es el gran cómic de Morrison y Quitely, que no os vendan la moto. Aquí, a través de la inversión de términos, ambos autores preludian su ASS. Nada mejor para apreciar a los superhéroes de siempre que experimentar su lado oscuro. Un magnífico cómic que va de menos a más con un guión de Morrison muy preciso y un trabajo de Quitely que hace pequeñitos a los demás dibujantes del mainstream en activo exceptuando a Davis.
Hyperion contra Nighthawk: un cómic modesto pero singular y por ello sobresaliente. Es original porque es un cómic mainstream comprometido. Esta vez Marvel no nos habla a través de una ingenua parábola de uno de los grandes problemas de la humanidad moderna. Tampoco nos simplifica un complejo problema humano. Por eso nos hace ver lo que valen los superhéroes de verdad ante un problema de verdad. Un cómic agrio y honrado muy bien contado y con un notable Gulacy que se sale en las escenas de acción.
Conan el Bárbaro: el de Owsley/Priest. Esa es la mejor etapa de esta cole, no escuchéis a esos vejestorios trasnochados que se empeñan en destacar la saga de Belit de Thomas&Buscema. No esta mal, pero ha envejecido y sigue teniendo el handicap de un J. Buscema que no estaba por la labor de currarse un mundo de Fantasía. En cambio, la larga etapa de Owsley es notable gracias a la perfecta integración de este guionista con sus dibujantes y por la ambición y originalidad que le puso a sus guiones. Por eso, más de 20 años después, esta etapa de Conan sigue siendo moderna y contando unas historias entretenidas y emocionantes y unos dibujos estupendos, especialmente bonitos cuando Semeiks se pone a dibujar.
En fin, pues esto ya esta. Aquí esta la 5º esencia de este 4º año.
Vaya, ahora que me doy cuenta de que, como siempre, apenas hay novedades de este año.

5.12.09

Relecturas LXXV: El Rey Mono, S. Pisu y M. Manara, Norma 1993

Terminé la enésima lectura de este estupendo cómic con una sensación nueva, la de que me estaba perdiendo algo. Antes, para mi, este cómic era una versión del mito del Rey Mono en clave moderna, occidental y ecléctica. Pero en esta última lectura he vislumbrado un fondo contracultural sesentayochista y algún tipo de moraleja, así que inmediatamente me he puesto con internet, a ver si conseguía que lo que había entrevisto ganase en nitidez, y he descubierto que este cómic es una especie de burla o sátira de Mao. De modo que he disfrutado sin enterarme, lo que me ha desarmado totalmente y así, el post que tenía en mi mente ha sido abortado.

Este cómic es de 1976 y por lo visto sale de los círculos de jóvenes intelectocomunistas italianos de aquella época. Unos jóvenes, me imagino, desencantados y desorientados porque el aura romántica y utópica del comunismo había sido asesinada por el soso, tontorrón y funcionarial Brézhnev y el megalómano Mao. Gracias a ellos, el comunismo no iba a prosperar en Occidente porque nadie allí iba a pasar por el aro después de vislumbrar lo que era el comunismo. Así que, por lo visto, tocaba bajar los humos de aquellos grandes genios, parodiarlos y reírse de ellos. Vamos, eso me parece a mi, porque, desde luego, este subtexto del cómic me es bastante ignoto, por lo que lo que creo ver en él es probable que sea erróneo. Y es que lo único malo que tiene "El Rey Mono" es que hoy es un cómic ininteligible si no se le contextualiza. Es plenamente disfrutable, pero desde luego las intenciones de su creadores ya no llegan al público joven. Seguramente un fallo suyo, pero nimio pues crearon un cómic que, a pesar de haber perdido parte de su carga, sigue siendo una notable lectura, pues ha pasado de ser un cómic político que no dejaba ver el bosque a ser un cómic sin pretensiones, entretenido, gamberro y divertido. Si uno no se percata de esto de Mao y tal, "El Rey Mono" simplemente es una versión más de ese mito chino, aunque no estoy seguro de si se le puede llamar mito. Del mismo modo que el comienzo de "Bola de dragón" es una versión imaginativa, pero fiel, de este mito, lo es este cómic.

Me ha sorprendido que las aventuras del Rey Mono (una cosa que me gustaría saber, porque afecta mucho a le lectura, es si los antiguos chinos creían que ellos y los monos estaban relacionados) sean tan universales, pues los chinos, los extremorientales en general, siempre han sido gente cerrada y ombliguista, pero demuestra, al igual que el comucapitalismo chino, que todos somos permeables.



El Rey Mono es un simio de piedra que amenaza el Cielo, es decir, a los dioses igual que el hurrita Ullikummi y sus versiones griegas Tifón y los gigantes (estos últimos eran las personificaciones de las montañas, del mismo modo que Ullikummi era hijo de una montaña). Pero antes de esto, descubre la mortalidad ("si eso es lo que te sucede, quiere decir que la religión llegó a tu corazón. Tu quieres ser inmortal!") por lo que inicia un viaje (sus aventuras) para hacerse con la inmortalidad, como el 1º héroe conocido: Gilgamesh (también rey, que indica el aspecto sacral y sobresaliente del cargo en el sentido de que son los únicos que parecen tener un problema con la mortalidad, sin duda, por su ambigüedad, pues ni son dioses ni simples humanos, lo que evoca aquella primigenia otra vida a la que sólo podían acceder unos pocos privilegiados como sugiere la historia de Egipto). Como aquel, fue en busca de un sabio del que aprender el secreto de la inmortalidad, pero como estamos en Oriente, la cosa no se consigue tomando algo sino convirtiéndose en sabio. Este proceso le humaniza (lo cual recuerda a Enkidu el amigo de Gilgamesh, que también era peludo y representaba a la Naturaleza Salvaje, cuya muerte, al igual que el amigo del Rey Mono -en el mito, no en el cómic- suscitó en su amigo el deseo de la inmortalidad) y le dota de poderes mágicos, entre los cuales destaca el polimorfismo, lo que recuerda a Proteo, a los mitos celtas y a los chamanes, de modo que logra la inmortalidad. Tras esto regresa a su reino pero como le sabe a poco, se hace con un arsenal mágico de destrucción masiva y acaba yendo al Reino de los Muertos a tachar su nombre y el de los suyos de sus libros. Un descenso con vuelta a los infiernos que recuerda a miríada de héroes desde los paganos Hércules y Orfeo hasta el cristianísimo Jesús. Naturalmente esto suscitó el mosqueo del dios supremo (es que la capacidad de mosquearse de estos seres es mucha), ya que el Rey Mono estaba subvirtiendo el orden, era demasiado poderoso y estaba interfiriendo en lo divino. Por eso, el Emperador de Jade, más astuto que sus contrapartidas occidentales, decide integrarlo en la jerarquía divina con un cargo. El plan acaba fallando porque la soberbia del Rey Mono acaba chocando con el hecho de que su cargo es meramente simbólico, así que vuelta a empezar. Lo que lleva al emperador a optar por la solución definitiva, así que envía a los generales del Cielo contra el Rey Mono. Estos son derrotados en un combate de polimorfismo, que recuerda lejanamente a la lucha entre Cerridwen y Gwion (la capacidad de transformarse en el universo intelectual celta se relaciona con la sabiduría y la inmortalidad) o los combates de ingenio en forma de poesías y adivinanzas de celtas y germanos, de forma que recibe un cargo con sustancia que, cual político español, aprovecha en su provecho, simbolizado en el cómic por la desaparición de su paredros femenino o conciencia. De modo que, entre otras cosas, come los Duraznos de la Inmortalidad (las manzanas de las Hespérides, las manzanas doradas germánicas o las manzanas del Edén) y un elixir (que recuerda al relato de Gwion) destinados, evidentemente, a los dioses y no a él. Gracias a estos abusos vuelve a suscitar la cólera del Cielo y esta vez ha de enfrentarse a Erh Lang, el pj más genial del cómic (un hombre obeso con pezuñas de cerdo, una máscara antigás, un caso de la Wehrmatch y un tanga negro). El cual le vence en otro combate de ingenio -lo mejor del cómic- lo que lleva a su ejecución. Pero esta no se hace efectiva porque el Rey Mono es ya indestructible. Ante esto, los dioses chinos invocan a Buda, quien vini vi vinci al Mono en el clásico affair de la palma de la mano, siendo este último sepultado bajo una montaña (un poco como Prometeo o Loki).

Hay quien dice que es fácil ver una biografía no autorizada y demoledora (en el cómic el Rey Mono, es un mono, un incordio follador y jodedor) de Mao. No tengo ni idea si eso es así (aunque el Rey Mono lleva el sombrero del ejército comunista chino y su rostro, más que simiesco, es sinoide), pero desde luego el cómic cuenta el viaje de un egoísta megalómano hacía la presidencia de los dioses (los poderosos deben dar preferencia a los más fuertes) que acaba muerto, como Beleforonte, como Ícaro, como todos los humanos que desafían a los dioses, y enterrado por una montaña que representa todos los sueños rotos por el fracaso del 68 (eso creo). Lo que no estoy seguro es el papel que juega EE.UU. en esto. Evidentemente en el cómic son veladamente, aunque machaconamente, ridiculizados (aparecen unos mandriles cuyos culos son la bandera estadounidense que acaban follados, quizás sodomizados, lógicamente, por el Rey Mono), pero no sé si, además de criticar (demagógicamente) al capitalismo, se critica el acercamiento chino a EE.UU. ocurrido en aquella década. En fin, todo eso subtexto político, la verdad, es que da igual, porque la historia satisface perfectamente, y seguramente ha ganado por la especie de proceso de laización a la inversa que el Tiempo ha operado en él, gracias a la labor de Manara que aquí se muestra como un dibujante genial y soberbio. Lo cual hace pensar que desde hace años dibuja con un solo hemisferio cerebral, porque la tremenda imaginación y la ambición formal de "El Rey Mono" contrasta con su limitado y encasillado trabajo habitual. Manara no me parece ningún genio, pero desde luego el recuerdo (y legado) que va a dejar esta por debajo de su capacidad real, un poco como Ennis. 

Como iba diciendo, el cómic es una versión libre del mito del Rey Mono, lo cual de por sí está bien porque los mitos siempre son entretenidos y atemporales, pero es por Manara por lo que este sobresale y se convierte en una obra singular dentro, tanto del cómic europeo como de la obra de este dibujante. Lo 1º que hay que decir es que ni es porno ni erótico aunque, naturalmente, hay muchas mujeres (orientales) desnudas y alguna escena de folleteo (y bestialismo) en sus páginas. Pero el argumento no está al servicio de eso, Pisu y Manara quieren contar su parábola y ya está, sólo que Manara es quien es. La clave del cómic son sus dibujos, pues son los que lo hacen divertido, gamberro y original, en definitiva, que merezca la pena leerlo. El dibujo enriquece la simple y lineal historia de forma que singulariza esta versión y la hace atractiva porque es soberbio (bastante dependiente de la fotografía), muy trabajado y variado, tiene un entintamiento sencillo pero perfecto y despliega una imaginería brutal, el sátiro italiano hace que la lectura del cómic sea explosiva y salvaje. Manara lo mezcla todo, desde el Barroco hasta la imgeniería más pop y comercial de aquellos años, de forma que el cómic es una bizarra mezcla de estilos y culturas que forman un todo armonioso gracias al estilo realista, lo que da más fuerza y contundencia a la fantasía del cómic, del autor. Por tanto el dibujo hace espectacular, atractivo, innagotable y sobre todo, y más importante, clásico a "El Rey Mono". Pero no sólo es la tremenda imaginación y eclecticismo, que preludia el posmodernismo, exhibido por Manara y su pericia técnica, también la experimentación formal (quizás no muy afortunada) con las viñetas y las páginas, que es lo que hace que el cómic este más cerca del estilo estadounidense que del europeo. En definitiva, el trabajo en b&n de Manara es buenísimo, de modo que lleva más lejos al guión de lo que este podía haber llegado solo, pues es su bizarría barroca y su modernidad la que creó viñetas soberbias y un cómic inolvidable y visualmente riquísimo.

De este modo, "El Rey Mono" es más que un cómic que versiona un mito pues Manara hace que trascienda sus propias limitaciones convirtiéndolo en un cómic socarrón (por no decir cachondo pues, Manara simplifica el significado de esta palabra), hermoso y bizarro, en una entretenida lectura que destaca por un dibujo perfecto y una imaginería rica, singular y estimulante.

2.12.09

El Conan de J. Owsley parte III: Epílogo

Pues con este post cerramos la relectura de la etapa de J. Owsley/C. Priest en Conan el Bárbaro, la, para mi, mejor etapa de la colección. Me gusta más que lo mejor de la etapa Thomas-Buscema y, aunque, no llega a las cotas de calidad de los momentos cumbre de la etapa Thomas-BWS, en conjunto creo que es más sólida y regular que aquella.
La última parte de la etapa de Owsley se extiende desde el nº 201 hasta el 213 (ambos inclusive) de la numeración estadounidense de la cole "Conan el bárbaro", que son los 139-151 forum publicados entre 1988 y 1989. En esta etapa, quizás porque Owsley se desfondó tras más de 2 años al frente de la cole, no hay saga. Owsley regresa al esquema de héroe errabundo que estableció Thomas como el canónico para la serie. Pero antes de escribiros sobre esta con algo de detalle, es obligatorio hablar de los nº 137 y 138 forum.
Estos nº contienen la historia "La venganza del bárbaro" escrita por Thomas y dibujada por Buscema-Alcala con un precioso (se intuye más que constata) color, de acaruela seguramente, de M. Severin (seguramente el colorista más importante de EE.UU.). Estos nº no pertenecen a la serie, sino a "La Espada Salvaje de Conan", pero a pesar de eso se publicó en "Conan el bárbaro" porque es un especial a color.
La historia es muy clásica y mezcla a los piratas con la típica historia de Espada y Brujería de horrores de tiempos remotos. El guión de Thomas es entretenido porque su habitual prosa densa y barroca esta mejor integrada en el cómic aunque, en mi opinión, el melodrama esta de más, pero lo que hace interesante a esta historia es el apartado gráfico. No lo puedo enjuiciar con precisión porque la reproducción no es muy buena -supongo que por los materiales- de forma que el dibujo muchas veces pierde nitidez y los colores se empastan, pero el trabajo de Buscema-Alcala esta bastante bien. Buscema se implicó mucho, como demuestra que no escatimó en fondos, y Alcala entiende mucho mejor el lápiz del anterior que Chan, de modo que no enmascara el dibujo, sino que lo realza y le añade solidez, por lo que el resultado es fantástico, sencillo y sobrio pero elegante y atractivo. A ello se sumó el color de Severin, que parece que fue fabuloso. El color es sobrio y esta aplicado con sencillez pero el resultado es maravilloso, la luminosidad de los momentos diurnos es muy realista y evocadora y la oscuridad de los momentos nocturnos es ominosa e inquietante, así que es uno de los comics más reales, estoy tentado de decir palpables, y por ello absorbentes, que yo he leído en mi vida. De esta forma, una historia nada original y fresca pero con oficio, es elevada a las nubes por J. Buscema, Alcala y Severin. Si estuviese impecablemente impresa, sería una auténtica maravilla visual.


Y ahora sí, la 3º parte del trabajo de Owsley. Como escribía, esta última parte esta compuesta por historias cortas autónomas. No obstante se las puede agrupar. Así que este tramo se puede dividir en 2 partes. La 1º la forman los nº 201-209 y la 2º, lógicamente, los que restan. El leitmotiv de la 1º parte es cerrar los flecos sueltos dejados por la anterior saga, la de El Devorador.
Una cosa de la que no he hablado mucho en los post dedicados a la etapa de Owsley, es que este guionista creó una serie de sólidos secundarios, cosa casi inaudita en la cole. Aunque no son muy originales, Owsley los hizo verosímiles y simpáticos de modo que, en una cole protagonizada por un solitario (condición exacerbada por Priest), acabaron suponiendo un problema. Al principio estaban para mediar entre el público y un Conan taciturno y distante, pero como la cole debía seguir progresando se habían convertido en un problema que había que resolver. Así que estos nº estan dedicados a despachar la relación entre los secundarios y Conan para que este volviese a ser un pj solitario y errabundo, tal y como lo encontró Priest en su momento.
De este modo Simeón, un excéntrico, extravagante y muy simpático pj (muy bien plasmado por J. Buscema) que aportaba el alivio cómico a una historia (la de El Devorador) cada más sombría, Keiv, heredado de la saga de Tetra, un superficial y egoísta pícaro que quedaba muy bien en contraste con Simeón y Conan, Shapur, un maduro soldado admirador de Conan, Thulsa Doom (cuyo diseño me parece la bomba, un esqueleto parlante), un nigromante enemigo de Kull rescatado de Arallu (el infierno) por Conan, una Red Sonja desacralizada por Priest que recuerda a Conan su pasado como ladrón aventurero, Anneka, hija de Shapur, interés romántico de Conan que intenta hacer seria la relación que tiene con el cimmerio (uno de los mejores ejemplos de lo bien que Priest caracterizaba a los pjs) y Heku, un esclavo samurái de Conan que le admira-odia, son despachados uno por uno en nº entretenidos que no han envejecido nada, ni siquiera visualmente. Entre estos destacan los 4 últimos, "La trilogía de Heku" y "El caballo negro". La 1º historia se extiende a través de los nº 206, 207 y 208 estadounidenses (145-6 forum) y para mi, sobre todo en su momento (1989), son una de las mejores historias de la serie. Priest la tiñó de orientalismo, Bushido y Zen (invisible, invulnerable e invencible), de forma que es una historia que se sale del scope de la serie, y la contó con sencillez y linealidad, siendo el resultado una historia original, con una profundidad desacotumbrada tanto en Marvel como en la serie y muy interesante porque Owsley nos cuenta como ve él a Conan. Priest lo compara con un samurái poniendo de relieve que él es también un guerrero sujeto a un código de honor que vive para el combate, con una voluntad de hierro y sin miedo a la muerte, por eso mismo, alguien muy distinto de un humano normal, lo cual le aleja de ellos. El conflicto de la historia es que Heku, el exclavo de Conan, es el hijo del jefe de un clan oriental que recuerda a la horda mongola, así que este ha de recuperar su libertad para poder dirigirlo. Lo interesante de esto es que Heku ha acabado siendo exclavo de Conan porque este debía ser su maestro, de forma que se ve obligado a matarlo por eso de que el aprendiz ha de demostrar que ha superado al maestro. En fin, una buena y singular historia que esta, afortundamente para nosotros los lectores, bastante bien plasmada por Semeiks-Isherwood de forma que lo concebido por Owsley no queda en agua de borrajas, pues plasmaron la magnitud, el misterio oriental, el aire iniciático y la epicidad de la historia.
La otra historia es más modesta y muy del estilo de la cole, pero original y fresca. En ella Owsley compara a Conan con la montura sobrenatural de El Devorador de Almas por ese carácter primigenio y natural, de noble bestia, que Howard le dio a su creación. Con este nº Priest termina de despojar a Conan de todo lo que le añadió de forma que nos puso, como muy bien puso en boca del bárbaro, en "un nuevo comienzo".
Los 4 nº que restan son bastante buenos y originales y parecen estar lejanamente inspirados en la etapa Thomas-BWS. En ellos aún vemos al último gran secundario de Owsley, Sevante, una muchacha de harén, presentada en "La trilogía de Heku", que quiere salir de ahí para ver mundo y encuentra en Conan el vehículo para hacerlo con seguridad, de forma que ambos juegan al gato y al ratón en "Tormenta" (210/148). Uno de los mejores nº de toda la cole gracias a la cómica dialéctica entre Conan y Sevante (la particular antagonista de este nº) y un aspecto visual muy atractivo. Esta historia nos lleva a la última de Owsley, que también es una trilogía, "La Casa estrecha" (eufemismo para ataúd). Para ella Owsley, de nuevo, encuentra inspiración en Oriente, esta vez en la secta de los Asesinos. De modo que en esta historia Conan se enfrenta a una secta de tales que le acaban sometiendo a una ordalía (en cierto sentido, nos dice Priest, no hay mejor asesino que Conan). Es una historia que va de menos a más, de forma que el último nº, "La prueba" (213/151), engrosa la lista de los mejores de la cole y supone un magnífico, aunque agrio por eso mismo, punto y final a la grandísima etapa de Owsley como guionista de "Conan el bárbaro".
Que lo dejase aquí creo que no fue algo planeado, pues había sembrado de tramas secundarias esta última parte (El Devorador de Almas como humano, Heku y alguna cosilla más) y el última nº termina con un asesino diciendo "Claro que lo volveremos a ver". Pero luego, nada. Estos detalles me hacen pensar que Owsley tenía planes para seguir pero, por lo que fuese, dejó la cole. Al menos alguna de estas tramas las recogió en "Conan rey", cole que, como esta, hizo reverdecer.
Así pues, para mi Owsley es el mejor guionista que tuvo la cole. Me parece mejor que Thomas, ya que la mejor etapa de este es en la que estaba emparejado con BWS y era este último la verdadera cabeza creativa. La fuerza y la calidad de los 1º nº de la cole se deben en gran medida a la tremenda ambición, a la energía juvenil y a los sueños de un joven BWS. Por eso Priest es el mejor guionista. Su estilo es ágil y complejo y se relaciona bien con el dibujo, como argumentista es original, con él la Era Hibórea es más sólida y verosímil, sus historias son entretenidas, tienen sorpresas y muchos momentos emocionantes y creó a toda una plétora de buenos secundarios que mejoraron las historias e incluso generaron algunas (tal era la riqueza con que fueron creados), de modo que nadie puede superarlo. El único pero que se le puede poner es que su Conan esta demasiado imbuido por los 80, por esos héroes amargados, taciturnos y serios, de forma que en su propia cole pasó a un segundo plano, una sombra que sólo salía en los momentos de acción. Con ello perdió su humor (poco pero tenía) y, sobre todo, su carácter amoral y pícaro, aunque es cierto que con la marcha de Thomas, Conan lo fue perdiendo. Owsley, al meter en embolaos de alto alcance a Conan, hizo desaparecer los puntos oscuros que hacían que este no fuese el típico héroe estadounidense, desaparecieron los prostíbulos y Conan dejó de lado su egoísmo y su oficio de ladrón-saqueador de tumbas. Eso, aunque no lo convirtió en el típico héroe intachable, lo desnaturalizó privándole de una cualidad que lo hacía, a la par, singular y atractivo. Pero eso no importa porque Priest nos dejó a cambio casi 3 años de comics como mínimo entretenidos y originales y la etapa de calidad más larga.
No voy a hablar mucho de Semeiks porque esto ya esta siendo demasiado largo. Me lo guardo para el próximo post, pues todavía hará un puñado de nº más. Aunque hay que dejar claro, que plasmó muy bien los guiones de Priest, de modo que es también corresponsable del gran momento que vivió esta cole en estos nº. Pero hablar de él ahora es insoslayable pues estamos ante sus mejores nº, aunque no todo el mérito es suyo, ya que estos son atractivos no sólo por él, sino también por sus entintadores, Isherwood y Alcala, y por el colorista Roussos.
"La trilogía de Heku" es la magna opus de Semeiks-Isherwood. En él se unen la imaginería y los paisajes de aire europeo (Moebius) y las atractivas composiciones de Semeiks, con el sabio y eficiente entintado de Isherwood y con el sencillo y sobrio pero espectacular color de Roussos. El resultado son unos increíbles nº, a la altura de los mejores de J. Buscema o BWS, donde lo visual brilla y plasma tan bien los guiones que el resultado final es fabuloso. También el aspecto gráfico de "La tormenta" y "La Casa Estrecha" estan entre los mejores. Esta vez Semeiks es auxiliado por Alcala, cuyo entintamiento da un aire más buscemiano a los dibujos de este, y de nuevo por Roussos en el color. La secuencia de la estampida (que recuerda al enfrentamiento contra los dragones del principio de "Clavos rojos") de "La tormenta" y la secuencia del viaje por el desierto de "La Casa Estrecha" son espectaculares. Sobre todo esta última porque el eficiente dibujo y maestría compositora de Semeiks, entintado con elegancia por Alcala, dejan, con sabiduría e inteligencia, espacio para que el color se luzca, ya que este es el que mejor puede transmitir la vastedad, la luminosidad y la hostilidad del desierto. Impresionante.



Así pues, cerramos la etapa Owsley con disgusto pues es la última gran etapa de la cole. Aún le restan a esta unos 5 años más de vida, pero ya nunca superará la mediocridad y durante un tiempo incluso volverá a ser muy floja. Como es habitual en esta serie, a un ciclo de excelencia le sigue otro de decadencia aún más largo, la lástima es que la serie fue cerrada de modo que ya no hubo más ciclos excelentes. Pero bueno, de eso ya escribiremos en un futuro. Ahora quedémonos con el estupendo final de su etapa. Con unos comics que no han envejecido nada, llenos de originalidad, acción y sensación de maravilla.

26.11.09

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte II: Infancia y adolescencia

Pues nada, continuo con el análisis informal de este manga antes de que empecemos a olvidarnos de lo anterior. Ya comenté que no sabía muy bien como estructurar el tema. Quizás lo suyo habría sido escribirlo todo, luego reescribirlo para integrarlo y, después, dividirlo en temas, pero como esto va a ser un análisis informal (aunque se va intentar ser exhaustivo y riguroso) voy a desarrollar el tema según arcos argumentales. Los fallos de este método son que seguramente según se vaya avanzando habrá que volver atrás a matizar o reelaborar y que algunos temas en vez de estar en uno solo post estarán repartidos en varios, lo que dificultará un poco la lectura y posterior consulta. Pero bueno, esto es un blog.
Antes de empezar con la aproximación informal a los 2 1º arcos argumentales voy a hablar un poco del arte de Y. Kishiro porque se me olvidó hacerlo en la intro, aunque igual estuvo bien porque si no hubiera quedado demasiado larga.
El estilo de dibujo de Y. Kishiro está influenciado por Toriyama ("Dr. Slump" es un manga lejanamente similar al de Alita) y es manga, entendiendo esto como que está dentro del estilo que todos reconocemos como propio del cómic japonés, es decir, un canon irreal consistente en piernas largas y un tronco pequeño, figuras esbeltas, ojos como platos,  peinados singulares y cierta caricaturización. Dentro de este canon Kishiro es particular quizás debido a su interés por el Cómic Occidental, pues su singularidad es que su estilo tira más hacía el realismo, una deriva que se exacerba a medida que avanza el cómic. Es fácil verlo. Al principio tenemos pjs como Ido, que es una síntesis del cómic juvenil francés y el manga, pero a partir más o menos de la mitad, los diseños de los nuevos pjs son más realistas, menos caricaturescos. De modo que a lo largo de la obra el dibujo evoluciona desde un estilo suelto y suave hacía uno agresivo y geométrico. La certeza de que no domina bien la anatomía humana (porque a pesar de dibujar desde niño, no fue hasta la tardoadolescencia que empezó a dibujar la figura humana) empuja a Y. Kishiro, como a muchos dibujantes, a geometrizar la figura humana y a sustituir la curva por el ángulo. De este modo, las tramas, la línea recta, la angulosidad y el geometrismo se van afirmando hasta ser lo característico de los comics más recientes de esta serie. Así pues, Y. Kishiro es tan solo un dibujante notable al ser torpe con la figura humana y no muy expresivo. Otro fallo que tiene es que usa en exceso clichés y convencionalismos (pero bueno, eso es consustancial a una forma de entretenimiento industrial y pop). Pero, a pesar de estas cosas, su dibujo es bueno (ser un genio de la anatomía es muy difícil y dibujar correctamente la anatomía lleva mucho tiempo y un mangaka no lo tiene) y atractivo porque Y. Kishiro es genial como dibujante de CF. De modo que borba todo lo que es esa temática, ciborgs, tecnología futurista, etc. En esta faceta es espléndido y espectacular. Por otro lado, es un gran diseñador de pjs (algo en que los mangakas son sobresalientes, no como los dibujantes estadounidenses) y un gran narrador, como casi todo mangaka. Es bastante cinemático, a pesar de que apenas utilizan las viñetas-cinemascope (deberían aprender los dibujantes estadounidenses de superhéroes), lo que encaja muy bien con la historia, pues esta está llena de acción y dinamismo. Así que, en definitiva, aunque Y. Kishiro es un dibujante un poco torpe y limitado en los detalles o en las partes, en el todo es sobresaliente y espectacular.
Aunque sería oportuno contextualizar Gunnm me es imposible hacerlo porque por aquí no sabemos mucho sobre la cotidianidad japonesa. Sólo puedo decir que Gunnm se publicó en 1991 con el título "Hyper Future Vision Gunnm" poco tiempo después de empezar la era Hirei, cuando Japón iniciaba una crisis económica, de la que no iba salir en toda la década, que hizo que no creciese la economía aunque Japón no dejó de ser en ningún momento una potencia economica mundial. Y ya, porque la wiki, en los idiomas que conozco, no dice más. En cuanto al manga, este estaba terminando su última edad dorada (la que alumbró "Akira" y "Bola de Dragón"). Puede que sea importante mencionar a la peli "Tetsuo" (1989) de S. Tsukamoto (inolvidable por lo alucinante que es) y al manga "Patrulla especial ghost" de M. Shirow, publicado en Japón entre 1989 y 1991, por la lejana afinidad de estas obras con Alita. Internacionalmente lo más relevante de ese año fue la desintegración de la URSS y la 1º Guerra del Golfo. En cuanto al Cyberpunk, este cumplía una década y estaba en pleno apogeo (es la época de "Robocop" y los jdr de esa temática).
Detengámonos un momento para hablar sobre este subgénero de la CF porque Gunnm, a pesar de pertenecer al Cyberpunk, es bastante singular ya que  en vez de incidir en los ordenadores, en el ciberespacio y en la realidad virtual (esos temas los empezó a tocar 10 años después) pone el acento en la cibernética, no esta protagonizada por antihéroes, no cuenta historias de forma moderna, el prota de Gunnm es un héroe clásico aunque femenino (Japón es un país machista), y la historia sigue el esquema del viaje del héroe. Salvo esto Gunnm es puro Cyberpunk pues los personajes son marginados y la historia se sitúa en un futuro distópico, no postindustrial sino postapocalíptico, donde el ser humano se tunea para sobrevivir porque la vida carece valor.
INFANCIA:


Gunnm se empezó a publicar en España, como sabemos, en 1993 con el título "Alita, ángel de combate", que es traducción del título estadounidense. El título japonés de la 1º historia/capítulo/arco argumental es "Ángel oxidado" (no estoy seguro de que sea una traducción fiel del japonés) y se puede ver, sin mucho esfuerzo, como la infancia de Gally/Alita. La historia es lineal y no tiene mucha ciencia: comienza (de una forma visualmente magnífica) con Ido, un ciberdoctor del Patio de los Desperdicios, encontrando en el vertedero de Salem, mientras busca basura cibernética recicable, la cabeza de Alita. Tras comprobar que sigue funcionando, a pesar de tener entre 200 y 300 años, decide llevársela a casa y reconstruirla. Así descubrimos que Alita está amnésica. Paralelamente a estos acontecimientos, un monstruoso ciborg psicópata, Makaku (macaco?), esta actuando en el Patio de los Desperdicios. Alita poco después de ser reconstruida se hace cazarrecompensas de modo que se cruza y se enfrenta con Makaku en una lucha agónica. El triunfo, lógicamente, es para esta última.
Un argumento, pues, ni original ni complejo. La típica historia donde el héroe se enfrenta al monstruo para defender a la sociedad (aunque aquí no se hace sólo por motivos altruistas), sufre mucho y triunfa. Lo importante está, entonces, en los detalles. Estos dibujan esta historia como el (re)nacimiento y el crecimiento de Alita, el cual acaba provocando un conflicto con Ido. Un conflicto claramente paternofilial, pues estalla cuando Alita, el hijo, decide un futuro para sí misma distinto al que Ido, el padre, había elegido. Ido quiere mantener a Alita a salvo de la mísera y cruel vida del Patio de los Desperdicios pero Alita no quiere eso. Ella acaba triunfando porque Ido acaba asumiendo la verdad de que ella no es su criatura (Gally, como Ido bautiza en el original a Alita, es el nombre de su mascota muerta) y que no puede imponerle una identidad, ya que a las personas no se les puede definir desde fuera. Idea revolucionaria, no para nosotros, pero sí para los japos pues, como saben, allí aún la libertad de elección no es visto universalmente como algo lógico y natural. Muchos padres siguen imponiendo a sus hijos una profesión o una meta o concertándoles matrimonios.
Alita escoge ser un guerrero porque es la forma que tiene, tanto de madurar como de conectar con su pasado olvidado. Parece que para Kishiro es en el peligro y en la lucha donde se ve realmente quienes somos. Aunque también puede ser que un guerrero como Alita sólo puede conectar con sus instintos y su inconsciente dando hostias. Que sólo combatiendo puede rememorar. Seguramente por eso lo 1º que recuerda es el Panzer Kust, el arte marcial ciborg (y 1º pista de la germanofilia de Y. Kishiro). Así tenemos la metáfora, muy común en el manga, de la vida como lucha constante. Solo que, como estamos hablando de japoneses, la victoria es lo que importa, es lo que la hace a uno progresar. Recordemos que Japón es una sociedad muy competitiva. De las derrotas, allí, no se aprende (sin duda por eso Japón ha decidido disimular su derrota en la 2ºGM y los japoneses tienen un temor patológico al fracaso). También es la expresión de la idea de que venciendo a los demás en la lucha es como uno se va definiendo a sí mismo.
Analicemos, pues, un poco el combate en Gunnm. Luchar permite a Alita rememorar, encontrar una identidad (recordemos que está amnésica, algo no fortuito, pues la identidad reside en la memoria) y ser independiente. No sólo le permite independencia económica y vital (un cazarrecompensas no tiene jefe), sino también le proporciona libertad (la capacidad de luchar y la libertad son una misma cosa en las sociedades guerreras) y un propósito. Lo que nos conduce al binomio japonés o la unión íntima para la cultura japonesa entre la identidad y el propósito, es decir, somos lo que hacemos (de ahí las decenas de mangas sobre profesiones o el tópico leitmotiv de sus pjs: buscar ser el mejor en algo). El propósito es la semilla que nos hace madurar ("crecer sobre sí mismo" hace decir Kishiro a Alita). Otro aspecto a tener en cuenta del combate en Gunnm, es que este lleva a Alita a cambiar de cuerpo. 1º era una cabeza (bebé), luego tenía un cuerpo frágil (niño), inadecuado para la vida que ha elegido, por lo que vuelve a cambiar de cuerpo (sin duda metáfora de los cambios que trae la adolescencia). El nuevo es un modelo conocido como furioso/descontrolado/berserker/salvaje. Un modelo bélico que tiene el peligro de descontrolarse (un guiño a la vieja metáfora del caballo y la brida?), es decir, de controlar a su portador para convertirle en una warmachine. Aquí esta la prueba de madurez que Alita ha de superar: no debe dejarse dominar por su cuerpo ("La mente no es más que un juguete del cuerpo" dice Makaku citando a Nietzsche). De esta forma, Kishiro disocia el cuerpo de la mente (recordemos que Alita sólo tiene de humano, de carne, su cerebro), así que como nuestra identidad está en la mente y no en nuestro cuerpo  (una de las tesis de la obra) podemos cambiarlo. Esta dialéctica, no podía ser de otra forma, también está en su adversario, Makakau, ya que también esta reducido a una cabeza. La diferencia es que este es un monstruo porque se deja dominar por el poder de su cuerpo. También hay que ver en esto metamorfosis y evolución, como por ejemplo en los célebres pokémon, como alternativas explicativas a la maduración y, la concepción del cuerpo como una herramienta limitada que, por eso, debe cambiarse. Lo que hace a la cibérnetica ser una forma de evolucionar, de transcender, de ir más allá de los límites impuestos por la carne. También es una visión del cuerpo como algo especializado que mediatiza. Los cuerpos ciborg que dibuja Y. Kishiro siempre están especializados. Sus formas y capacidades están orientados a la profesión del ciborg. El cuerpo no es polivalente. Por último, hay que recordar que el mundo de Gunnm es un lugar despiadado ya que la ley del más fuerte prima en él (lo cual lleva a Alita a preguntarse si la vida es fea o bonita, un pecado o un don, un pensamiento que refleja la angustia dolescente), por eso Alita decide consagrarse a la lucha con fines egoístas. Es decir, no por hacer el Bien (y recordemos que estamos en un mundo distópico), sino para satisfacer tanto la necesidad de un proprósito vital como la de recuperar su identidad. Aspecto importante que no hay que olvidar.
El antagonista de esta historia no es un pj genérico o sin profundidad. Tampoco es el típico villano inhumano al que es fácil odiar ni el típico villano al que se acaba compadeciendo porque es una víctima. Es así porque Kishiro logra un equilibrio entre ambos extremos pop. Lo que es  una de las mejores cosas de esta historia y de la serie, ya que la ausencia de maniqueísmo contribuye a dar credibilidad, complejidad y realismo. De quien estamos hablando es de Makaku. Un pj similar a Alita al ser otra persona a la que un doctor le proporciona un cuerpo que cumple sus deseos. La diferencia es que Makaku pide el cuerpo de un monstruo. Es su deseo porque es el producto de una sociedad tan despiadada como la nuestra (recuerden que la sociedad de Alita es una metáfora de la nuestra). La forma monstruosa que elige Makaku, en parte gusano, en parte serpiente y en parte feto, representa como se siente tras una vida de desprecio, pobreza y marginalidad. Es el mismo principio por el que Alita tiene el cuerpo salvaje: "El alma de un guerrero, necesita el cuerpo de un guerrero". Ha de haber armonía entre cuerpo y mente, este es uno de los temas de esta parte. Como Makaku no controla a su monstruo interior, su exterior es monstruoso y como Alita lo tiene dentro, en su cuerpo salvaje, porque lo domina, su exterior es humano. De ahí el contraste que hay entre la personalidad vengativa y el cuerpo gigantesco de Makaku y la personalidad heroica y el cuerpo humano, pequeño y esbelto aunque poderoso de Alita. Makaku es la cara oscura de la infancia: la crueldad, el egoísmo, la envidia... y, quizás, también el inconsciente, el ello, el monstruo que llevamos dentro. Me hace pensar esto el que Makaku robe cuerpos, es decir, los posea, todos tenemos un Makaku dentro, y que la lucha final tenga como escenario las cloacas. Lo subterráneo, lo subyacente, no es eso el subconsciente? Esto además explicaría porque Makaku es el único antagonista de Alita que no practica un arte marcial. y encaja con su comportamiento de bestia salvaje herida que sólo puede olvidar su dolor cuando lo causa a otros. Por eso,  la victoria de Alita sobre Makaku ha sido porque esta ha aprendido compasión y piedad, los seguros necesarios para no convertirse en un monstruo. Así, Alita, como ha superado las adversas circunstancias de su infancia que podían haberla convertido en un monstruo a diferencia de Makaku, al final de la historia conserva la humanidad  y pasa a la adolescencia.  De esta forma, en esta 1º parte quedan establecidas las 3 principales constantes de Gunnm: viaje de autoconocimiento, combate como rito de paso o iniciación y victoria entendida como autosuperación.
Detalles secundarios en esta 1º historia que no deben pasar desapercibidos son: el bar Kansas, localización importante en el 1º/3 de la serie, que Desty Nova es el dr. Frankenstein que ha creado a Makaku, como aquí es una sombra misteriosa nada indica que va a ser un pj crucial en Gunnm, y la introducción de Koyomi, pues es el bebé a rescatar.
ADOLESCENCIA:

La 2º historia se titula "Lágrimas en un ángel" (el japonés es doncella de acero). Quizás es la más floja de toda la obra. Es la historia del 1º amor de Alita. Un contecimiento importante para autoconocernos y madurar (sólo tras él es cuando dejamos de ser niños). El pj que hace tilín a Alita es Hugo/Yugo que, a diferencia de ella, es un humano adolescente, por lo que descubre a Alita lo diferente que es un humano con cuerpo cibernético y lo frágil que es un humano orgánico. Quizás la imposibilidad de sexo (Gunnm es un manga asexual) es algo que convenga analizar.
La historia es demasiado melodramática y topicona y por eso aburre a pesar del buen hacer de Y. Kishiro. Es en la única historia donde no aparece Desty Nova y donde el enfrentamiento marcial es secundario. El combate importante para el viaje de madurez de Alita es su relación con Hugo. El sueño que este tiene, ir a Salem, es lo que provoca el conflicto de esta historia, ya que Ido (como figura paternal que es) intenta hacer ver a Alita y a Hugo que es un sueño imposible (recordemos que Alita terminó la anterior historia queriendo luchar sin más precisiones, pero ahora su objetivo es ayudar a Hugo en su sueño y, naturalmente, acompañarle). No le hacen caso de forma que, por desgracia, la historia tiene un final trágico.
Como acabo de mencionar el enfrentamiento de este arco argumental es el que hay entre el amor a otro y el propósito-identidad ("aunque sea un sueño estúpido, aferrarme a él es mi única prueba de quién soy!" dice el objeto del amor de Alita). Para Y. Kishiro, si el propósito-identidad prima, el amor no puede sobrevivir o triunfar, ya que el 1º es la dedicación absoluta y entregada a la consecución de un anhelo, un deseo, una meta, de la que se espera un efecto transformador que traiga consigo la felicidad. De esta forma, el antagonista es Hugo, que creo que hay que verlo como otro Makaku porque son semejantes. Ambos, Hugo y él, son parias, son seres marginados del Patio de los Desperdicios, ambos son jóvenes y han tenido una vida muy dura, ambos han tenido una figura paternal negativa (Hugo a Vector, un empresario a servicio de Salem que ha alimentado los sueños del 1º para su propio beneficio) y ambos tienen el mismo sueño, dejar de ser un paria, aunque expresado de diferente forma. Makaku, desde la amargura y el resentimiento, quiere convertirse en alguien poderoso y Hugo, desde la esperanza, quiere convertirse en un privilegiado ciudadano de Salem. Lo último que tienen en común es que su sueño no se cumple.
Lo crucial de esta parte es que la pérdida del 1º amor hace a Alita consagrarse sólo a sí misma, a su proyecto. De este modo se hace patente lo apuntado en la anterior historia, la soledad del camino del héroe. La constante competición y la meta de la autoperfección exigen total libertad y dedicación por lo que excluye a los demás, ya sean amigos, ya sean amantes.
Y bueno, pues aquí terminamos. Como ya dije en el anterior post sobre este tema, por favor, opinad, sugerid, añadid y matizad. No os guardéis nada.

23.11.09

Al final hubo 4º año

Hoy vuelve a cumplir el blog un año más. Y la verdad, ya no sé qué decir para no repetirme porque 4 años son demasiados, creo que los años de un blog son como los de los perros, 7 humanos. Tras 4 años tener un blog ya no parece algo extraño o extraordinario. A estas alturas es una rutina más, un hobby más, así que realmente cumplir otro año no es que despierte en mi emociones y sensaciones que nunca he sentido. Naturalmente me alegro de haber cumplido otro más y no haberlo dejado por cansancio y desencanto. La reducción a 2 post semanales, una mayor selección de lo posteable y una mayor soltura a la hora de escribir han hecho que las cosas negativas de tener un blog fuesen perdiendo peso a lo largo de este 4º año. Creo que la mejor prueba son los post anuales. Supongo, o es previsible, que cuando acabe 2009 habré escrito unos 80, lo que son 19 menos que el año anterior, pero una caída mucho menor que la que hubo entre 2007 y 2008. Así que las previsiones son que este 2010, de mi vida seguir igual (supongo que sí porque el país no va a crecer al 3% en el 2010), pues la cifra será similar a la de este año. Y es que de momento el blog es un hobby que no concibo dejar de practicar.
Este año ha sido mejor que el anterior. Ya hablaré un poco más detalladamente en los post que dedique a hacer los tops de comics y de pelis de este 4º año, pero este año, en cuanto a novedades se refiere, ha sido más satisfactorio que el anterior. La producción fresca sigue siendo mediocre, pero ha subido en calidad. Ahora las series regulares son más entretenidas y se han estrenado pelis que me han movido a ir a las salas de cine, de forma que este año he ido al cine más veces que los años anteriores más inmediatos. No obstante, como digo, seguimos instalados en una plomiza tranquilidad porque en lo creativo, tanto en Cómic como en Cine, apenas se mueve algo y seguimos huérfanos de creadores geniales.
Por otro lado, el próximo año se presenta incierto. Creo que la crisis y la evolución de la sociedad (es decir, internet) va apretar más las tuercas a los medios tradicionales de entretenimiento de los que se habla aquí. Los cines siguen perdiendo espectadores por lo que Hollywood, para compensarlo, ha decidido exprimirlos, lo que ha tenido resultados nefastos porque sus pelis son, como mucho, mediocres. Eso no atrae espectadores o no invita a repetir y, al haber desplazado al resto de cinmetografías de nuestros cines (nunca como hoy el cine estadounidense ha dominado las carteleras), los resultados son aún más nefastos porque, aunque quieras ir, no puedes porque no hay nada que merezca la pena. Menos mal que en Madrid hay un poderoso circuito de cine vose, porque sino, la mitad (o más) de las pelis que me llevan al cine ni las habría olido ya que, por lo que tengo entendido, los multicines de provincia sólo se han hecho para echar cine comercial estadounidense, ese que hoy es tan patético. Y las productores en vez de entender que parte del problema es que hacen pelis de mierda basadas en reglas caducas, han decidido que la culpa es de la tecnología, no de ellos (en eso parecen españoles), y ahí estan intentando vender que el cine 3D es la solución. No creo que lo sea, yo lo veo como una alternativa más, pero desde luego no va a ser una solución si las pelis que se van a hacer en 3D, tal y como sugiere pelis como "Avatar", son tan patateras como habitualmente.
Al Cómic le pasa lo mismo (aclaro que hablo de España sólo), aunque el problema no es creativo (también porque el mercado es más variado tanto en nacionalidades como estilos) sino editorial. Este año se ha operado un cambio, que no creo motivado por la crisis pero sí azuzado por ella. Este año los comics baratos han retrocedido, los formatos de lujo no cuajan, yo veo así el que estos no se mantengan sino que muten (sin hablar de los Masterworks), los BoME pasan a ser deluxe y los absolute tochales, y la cantidad de novedades mensuales ha ido bajando conforme avanzaba el año (aunque más que una bajada general, ha sido de algunas editoriales como PDA y Norma).
El asunto yo creo que esta en que las editoriales no han sabido abrir el mercado y, por lo tanto, todo lo que han crecido estos años a rebufo del Cine y de entrar en nuevos circuitos de venta, pasado la euforia, lo tenemos (bueno, eso se pretende) que soportar los coleccionistas. Yo creo que es más o menos evidente, aunque me imagino ahora a Viturtia con la boca llena de espuma por la rabia que le debe estar provocando mi alegre y temeraria especulación sin red. Lo apuntó Panini en verano dejando claro que su sustento son las tiendas especializadas. Ese es su mercado, de modo que este sólo va a crecer según la gente de buena voluntad vaya abriendo comiquerías (yo siempre he sospechado que eso esta tras las tiendas Norma), cosa que con la crisis parece que va a ser lo contrario. Esa es la estrategia de crecimiento de Panini, depender de otros para ello. Lo que deja claro esa carta es que Panini ha tirado la toalla en las librerías y en el kiosko. Que tampoco es que sea culpa suya, es lógico que los comics sólo quepan en grandes librerías ya que salen muchas novedades al mes, por lo tanto, eso deja muchos sitios en España fuera porque no pueden mantener una librería tipo Casa del Libro o FNAC. Por otro lado, si el kiosko esta en crisis no es porque ya no se vendan grapas allí. Vamos, que se ha tocado techo y ahora toca reducir tamaño porque no se cabe. Por otro lado PDA y Panini coinciden en que lo que mantiene su chiringuito son los supers, lo cual reafirma que somos los coleccionistas los que seguimos siendo la parte más grande del pastel. Que el comprador ocasional o el comprador que no le interesan los superhéroes o nunca estuvo o ha desaparecido. Esto último es lo que indica la supuesta crisis o declive del manga en España. Es comprensible porque es un sector fundamentalmente adolescente, los que somos mayores no nos acercamos mucho porque no hay mucho donde elegir ya que casi todo son productos para público juvenil, el cual, como todos sabemos porque lo vivimos en su momento, no tiene mucho dinero (siempre que voy a comprar, que es todas las semanas, oigo al jovenzuelo de turno quejándose de que no tiene dinero para todo). También creo que el reconocimiento indirecto que ha hecho Hernando de que Vertigo no vende mucho (como la BD), apoya lo que estoy escribiendo, que en España poco público hay que no sea fundamentalmente pijamero y/o mortadelero. También creo que el frikismo editorial apoya lo que estoy diciendo porque, quiénes se compran la "ediciones de coleccionistas", que son fundamentalmente de superhéroes? Pues eso, los coleccionistas de toda la vida. Este factor esta matando el cómic barato. No sé porque este año ha sido la confirmación de las ediciones frikis. No se puede discutir, ahí estan el nº 3 de Crisis Final de PDA, los tomos Powers de Panini y el Astro City de Norma. El último Powers y el AC, son 20€ por 6 grapas! Cuánto valdría eso en bigrapas o trigrapas, es decir, si cuanto más páginas más barato, cómo se explica eso? Este año los comics que valen al menos 1/3 más porque los extras se pagan, han aumentado hasta hacerse algo rutinario. Ahora es difícil encontrar una 1º edición pelada y todo indica que va a seguir o ir a más, ya que estamos pasando por el aro. Esta evolución no la entiendo, es que lo que queremos comprar son los extras? Si el cómic no lleva extras, no interesa? Qué cojones ha pasado? Quién tiró la 1º piedra? En fin, que a mi este 4º año me huele a que va a ser el último de la era de los comics baratos (me imagino que cuando todo sea digital la era volverá).
Y bueno, pues ya termino -que me he enrollado mucho- con el consabido final de los Oscar. Dando las gracias. Gracias a todos aquellos que me leéis, muchas más a los que se animan a comentar (aunque sea sin leer) y aún más a mis seguidores. También un saludo especial y cariñoso a Dani, Fer y a Ternin por seguir ahí desde el principio, a Hellpop, a Zimmerman, a Lucas, a Jose y a Ismael por su compañía y también a PAblo y el gotico (ambos grandes blogueros), nuevos y activos frecuentadores del blog. Tampoco voy a dejar pasar la ocasión de saludar a mi azote catalán particular. A todos gracias porque este 4º año es en parte culpa vuestra (así que espero que no os avergoncéis del resultado:) y espero poder manteneros este nuevo año que se inicia.
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