28.2.08

Grapas febreriles 2008 (critiquita 231)

Últimamente fantaseo con que dejo de comprar "Justicia" y la JLA de Meltzer, pero luego me doy cuenta de que ir a la fuente con 5.5 € no sirve de nada, porque no hay comics a ese precio! Estamos en un mercado desequilibrado o hay grapas (2-3.5 €) o hay tomos caros, siendo los más baratos los que cuestan 7.3 €, siempre y cuando tengan 4 grapas estadounidenses (no quiero ni pensar cual sería el precio si el € no estuviese tan fuerte). No hay comics con precios medios, 5-6 €, prueba de que nos hemos vueltos locos. No sé si ha sido cosa de los editores que han perdido el norte con esto de intentar a toda costa ampliar puntos de venta (que no es lo mismo que aumentar compradores), o del fetichismo y los complejos de un sector de los aficionados, o de ambos, pero ahora los comics estan caros sobre todo porque las ediciones son caras. O sea que los comics no son caros, lo que es caro son los lujos que traen, tapas duras y papel extrabueno y eso es una locura, porque aunque muchos dicen que los comics son objetos de lujo, no lo son. Un objeto de lujo es un dildo de oro con diamantes, no 6 grapas de un superhéroe mainstream. Que un cómic no sea un producto de primera necesidad, no quiere decir que sea de lujo. Los comics (salvo veleidades de culturetas europeos) nacieron con la vocación de ser populares, accesibles, por el simple hecho de no ser productos de primera necesidad. No hay que subirse a la parra porque la gente no vive de comics, pensaron los primeros editores, así que editemos lo más barato posible. Pero ahora parece que esa enseñanza se ha perdido y por eso, muchos aficionados nos estamos quedando atrás. Como la parte perjudicada de esta nueva política editorial y moda consumista espero que estas peten bien y rápido, porque esta distorsionando lo que es un cómic. En fin, que si me ahorrase 5.5 € no tendría en que gastarlos porque no hay más grapas que me interesen y porque no me da ni para el más barato y cutre de los tomos.
Tras esta disquisición sobre el tema del momento vamos al grano.
Supergirl y la Legión de Superhéroes nº 10, M. Waid y B. Kitson, Planeta DeAgostini 2008. A este largo arco argumental le esta pasando lo mismo que al anterior. Empezó muy bien pero se desinfla a pasos agigantados. Además, este arco argumental adolece de la similaridad con el anterior con lo que sabe a gastado. Y es que, como ya dije la primera vez que escribí sobre la Legión en el blog, es muy difícil currarse historias en el siglo XXX del UDC porque es un futuro tan bien avenido, pacífico y tecnológico que es complicado buscar amenazas y que estas sean capaces de perjudicar en algo. De este modo, Waid lo ha hecho muy bien cuando se encargaba de hacer historias cortas centradas en un legionario, pero cuando ha escrito largas sagas ha fallado por hacerlas con proporciones galácticas. No ha habido termino medio para Waid y creo que esa es la clave para explicar el declive de esta cole que, a pesar de eso, por su calidad, ni mucho menos merece una cancelación ya que sus autores siempre han hecho un buen episodio. Tirando más de oficio que de talento es cierto, pero han hecho siempre un cómic entretenido, interesante y atractivo, salvo los 2 que incluye este número español que son un poco aburridos y demasiado poco emocionantes para lo que estan contando, tanto la prosa de Waid, por ser demasiado mecánica y tópica, como el dibujo de Kitson, por ser inadecuadamente pulcro y estático y tener una narración poco dinámica. Con todo, me da mucha pena quedarme sin esta grapa, y más ahora que cambia su equipo creativo y por tanto, hay un cambio que puede ser a mejor.
JSA nº 3, G. Johns y D. Eaglesham, Planeta DeAgostini 2008. Este comienzo del nuevo volumen de esta cole, esta siendo mejor que la mayor parte del anterior. Johns, por lo que sea, ha insufaldo más brío y dinamismo a sus guiones y a los pjs los escribe más pasionales. El tono respestuoso y distante del anterior volumen lo ha cambiado por una aproximación más cercana y más emotiva. Quizás el contar con un dibujante bastante bueno y espectacular le ha animado. Con todo, sus guiones siguen bastante los esquemas establecidos por lo que, aunque resulta entretenido, muy fresco no me esta pareciendo. Y luego hay cosas como que cae un cadáver en la mansión de la JSA y acto seguido las adolescentes de la JSA se van a elegir trapitos como si nada. Lo cual me da entender que Johns mucho empeño en esta cole no esta poniendo. En cambio Eaglesham sí, supongo que porque nunca ha sido tan mediático como ahora. Se curra mucho las páginas, su realismo ideal es bastante atractivo y se esfuerza por hacer un cómic dinámico y emotivo. El resultado no es apoteósico pero alegra la vista, por lo que para mi el gran valor de esta cole es el dibujante. Empiezo a creer que lo que necesita esta cole es un cambio de guionista.
JLA nº 6, B. Meltzer y E. Benes, PlanetaDeAgostini 2008. Esta cole tiene los días contados a corto y medio plazo porque Meltzer se ha pasado con su historia ñoña y melodrámatica. Y no por esas cosas, que también, porque yo no busco eso en los comics de superhéroes, sino porque lo ha hecho con una trama insustancial por lo larga y lenta que ha sido. El caso es que es un tipo que vale, sus peleas estan mejor desarrolladas que la media por ejemplo, por lo que creo que este si necesita un editor que le marque estrechamente obligándole a acercarse un poco más a los convecionalismos del género, que es más de acción y de aventuras que de culebrones y tragedias, pero ya es tarde. Con todo, este número me ha gustado, es el mejor de los 6, es entretenido y tiene intensidad, aunque el final no me ha convencido porque me ha hecho pensar, tanto sufrimiento (el mío claro) para esto? Por su parte E. Benes, que tiene el mérito de hacernos más diferibles los sosos guiones de Meltzer, sigue en su línea de buen profesional con un estilo hortera. Aunque esta más torpe que en números anteriores, porque el lacrimógeno guión y el villano elegido (Salomon Grundy) pone en evidencia las carencias de un dibujante que tiene como referencia a Image. En fin, habría sido una estupenda saga en 3 partes. Si el mercado no fuera tan amplio seguiría con la cole, pero como no es así, me voy esperando a un equipo creativo que lo haga mejor o me llame más la atención.
Justicia nº 6, J. Krueger y A. Ross, Planeta DeAgostini 2008. He de reconocer que me la han colado. No pensaba hacer esta maxiserie, pero tanto insistir en que era el equipo creativo de Tierra X (magna opus incomprendida por los tiempos en que le ha tocado vivir) y que estaba teniendo éxito en EE.UU., me hizo pensar que igual estaba bien. 6 números después empieza a dolerme porque es una historia tan lenta y poco original que aburre. Cada vez me da más la sensación de que esta cole es una versión de Identity Crisis que han hecho los autores para demostrar lo buenos que son y como se han de hacer las cosas. Reconozco que las bases de esta maxiserie me gustan más que las de la otra, pero el trabajo gris que estan haciendo los autores no esta haciendo que me guste más. Aunque tampoco esta ayudando Ross con su virtuoso, académico, frío, hipercorrecto y poco variado estilo (nadie que no sea capaz de dibujar a WW espléndida debería encargarse de dibujar la JLA). A mi me aburre, no me transmite nada y desde que ha salido el Capitán Marvel, ya no sé si estoy releyendo el KC o leyendo "Justicia". El caso es que en este número empiezan a hacerse revelaciones, por lo que la cosa se pone interesante. Voy a seguir con este título porque son sólo 12 números y me quedan 6, que si no ...

27.2.08

Critiquita 230: Shadowpact, B. Willingham et al., Planeta DeAgostini 2008

Este cómic continua el tomo "El día de la venganza". Como aquel tomo me gustó, me pareció que su premisa tenía muchas posibilidades por ser fresca y original, (cuantas series de un grupo de superhéroes magos ha habido?) y que su guionista es el mismo de "Fábulas", serie de Vertigo que no he leído por estrecheces de presupuesto pero de la que todo el mundo habla bien, le tenía bastantes ganas.
Este tomo esta compuesto por varias historias en las que el Shadowpact se enfrenta al Pentáculo, una organización mágica misteriosa y reverso tenebreso del supergrupo prptagonista, que quiere traer un antiguo poder de nuevo a la Tierra, aprovechando que el UDC esta inaugurando la 10º Era de la Magia.
Willingham escribe un tomo normalito, de esos que entretienen pero que apenas dejan huella una vez terminado. Ha sido así porque Will no ha querido quedarse calvo haciendo este cómic y ha decidido tirar de oficio. El resultado es una cole con cierto regusto ochentero (Will es un autor que comenzó a publicar en esa década), lo cual a un "viejales" como yo le ha gustado, pero también tiene la insustancialidad de los comics de hoy y cae en el estiramiento de los argumentos. Así pues, tenemos unos guiones con muchas más letras de lo habitual, con una trama principal que avanza poco a poco punteada por varias subtramas y con una atención, hoy desacostumbrada, a los pjs, o sea, como se hacían las cosas antes, sólo que con el estilo vacuo de la modernidad. Por tanto es un cómic gris, aunque cuenta con algún momento sorprendente e inteligente como la resolución de la primera historia o del un año después.
El tomo de 7 grapas esta dibujado por 5! tipos. El primero es Willingham, al que se nota en sus páginas que le pesa demasiado el encargarse de varios títulos al mes. Así pues, su habitual estilo torpe de realismo agradable produce un resultado pobre ya que las viñetas son muy sencillas, hay pocos fondos, y estos son muy simples, y hay muy pocas viñetas por página. Todo lo cual señala que el propio Will no tuvo tiempo suficiente para dibujar. Al menos el resultado es el mínimo exigible. Un par de números los hace un tal C. Walker, quizás el mejor del tomo gracias a su estilo mignoliano, pero el problema es que con él, la pobreza visual es aún mayor. Apenas hay fondos y detalles, por lo que atractivo del dibujo se diluye en viñetas grandes y vacías. S. Scott hace un número con un estilo en la misma línea que Will. Quizás sus páginas son las más trabajadas, pero el resultado sigue siendo pobre por el poco encanto de unos dibujos con poca personalidad y con ecos de T. Raney (ande estará?). T. Derenick hace el penúltimo número. Su estilo mezcla de J. Buscema e Image nos retrotrae justo a la parte de los 90 que todos queremos fingir que nunca pasó. Por último esta un irreconocible S. McManus con un estilo caricaturesco con cierto aire de dibujo animado, que se sale un poco del scope, pero que es el trabajo más sólido del tomo a pesar de que cae víctima de un color soso. En conjunto este tomo es pobre y poco trabajado, lo que deja sólo al guión y por tanto deprecia el resultado final. Otra cosa que no me ha gustado de este apartado es que se ha cambiado los diseños de algunos pjs. No me molesta el cambio, sino los resultados. Al Detective Chimpancé le han quitado la gorra holmesiana y a Enchantress (no se ha traducido para que no recuerde al pj marveliano?) ha perdido su atuendo brujeril para enfundarse un uniforme más moderno pero sin encanto, así que los 2 pjs han perdido gracia.
La edición es de esas que sigue la edición estadounidense al pie de la letra. Si el tpb se salta un número de la cole, PDA también, si el tpb tiene las portadas al final en una sección que se llama cover gallery, PDA también. A mi esto no me parece nada bien. Si compro en español es para tener una edición española, no un calco castellanizado de la estadounidense. Quiero decir, que espero que la editorial española si incluya el número 4 o que ponga las portadas en su sitio como nos gusta aquí. Porque si los 2 tpb son iguales, para qué comprarse la edición española?
En fin, un tomo entretenidillo de esos que es muy difícil justificar su compra en un mercado tan competitivo y encarecido como el nuestro. El caso es que es una serie con mucho potencial, en teoría tiene la posibilidad de definir la magia del UDC, un aspecto importante que debería haber caído en algún peso pesado como Gaiman, Moore o Morrison y no en un segundón. De todas formas, los mediocres guiones de Will no estan mal, lo que duele es el triste aspecto gráfico y el baile de dibujantes con unos estilos que no encajan en una cole de magia por su sencillez e impersonalidad. Esta serie necesita alguien como Justiniano, el que se encargó del tomo que le precede, alguien con un estilo personal y barroco, pues es lo que mejor le queda a una historia de magia.

18.2.08

Videados 41: El barón Munchausen, Terry Gilliam 1989

Esta fue una de mis pelis favoritas porque el tiempo y los videados han hecho que ya no me entusiasme y emocione como antaño. No obstante, sigue conectando conmigo porque sigo creyendo que es importante lo que defiende y revindica.
La peli cuenta el desvaratamiento por parte del barón de un imaginario asedio turco (el de la peli se sitúa en el XVIII y el último fue en el XVII) a una imaginaria Viena (en la peli una ciudad costera, en la realidad un ciudad interior). Ignoro si este argumento es el del cuento, pero la fidelidad no es importante, ya que la razón para revisitar el cuento del barón Munchausen es que revindica la imaginación y la creatividad. Algo que es necesario hoy (en el hoy de la peli y en el actual para Gilliam y para mi), porque estan amenazadas por un mundo de leyes y burocracia que teme, desprecia y persigue lo que no puede reglamentar (desde el heroísmo hasta el Arte). Por eso Gilliam era el más adecuado para filmar las aventuras del barón Munchausen, pues, hoy en día, es el que mejor hace que lo fantástico tenga la misma entidad que lo real, que es la clave de este cuento.
Terry Gilliam fue uno de los Monty Python (hay mejor recomendación que esa?), el único estadounidense y el que se encargaba de esas animaciones de papel que parecían tan obsoletas, pero que hoy vuelven a ser muy modernas gracias al Flash. Esta característica es muy importante, ya que explica porque este director es uno de los mejores de la Historia en la conformación y uso del diseño de producción y la escenografía, siendo esto, además, su sello. Sus decorados y vestuario siempre estan muy bien hechos y son barrocos, fantasiosos y exhuberantes porque Gilliam lo necesita así para poder convertirlos en otro pj más (para él la pantalla verde es una aberración). De esta forma puede cobrar visualidad el principal discurso de la peli que es que lo imaginativo y fantasioso (encarnados en el barón) sólo son irreales si los consideramos así. La credulidad hace posible que se pueda llegar en globo a la Luna o que un enano sople tan fuerte como el lobo de los "Tres cerditos", cosa que no es despreciable ni perjudicial. Por lo que el ataque, secular ya, de las reglamentaciones, la burocracia, la mediocridad, la Razón, la homogeneidad (que nos deshumaniza al hacernos iguales) y la Ciencia a la imaginación, la poesía, la fantasía, la individualidad, la diferencia y la aspiración no tiene sentido, pues son estas cosas, no las otras, las que no hacen felices. Un dialéctica que en la peli también es presentada como una lucha entre la modernidad y la antigüedad (por eso la peli se ambienta en el XVIII, el Siglo de la Razón). La preocupación por el resultado de este enfrentamiento (que es un ataque de la razón a lo "irracional") es muy de la generación del director, que viene de una época donde la creatividad y el ingenio aún eran necesarios para superar las limitaciones de la tecnología (algo que fortuitamente hoy se ve en la peli, pues esta hecha enteramente con efectos especiales tradicionales, recuerden la fecha de su factura, lo que contrasta con los curiosamente prosaicos efectos especiales digitales actuales) y donde había cierto miedo (entre los adultos) de que las máquinas, más eficientes e "inteligentes", los desplazasen como trabajadores. De forma que esta dialéctica también es la que hay entre lo útil y lo inútil, la cual para Gilliam esta mal planteada, ya que la fantasía y la esperanza es realmente lo útil. En mi opinión, esta dialéctica esta más presente ahora que en el momento de esta peli, por lo que el tiempo no ha afectado al film. Así pues, esta peli es otra "Brazil", pero esta vez más para todos los públicos y más positiva.
"Las aventuras del barón Munchausen" esta dirigida con eficacia por Gilliam, con sobriedad y clasicismo, pero con cierto carácter meliesiano y jugando con el ritmo aprovechando el guión episódico. Que es sencillo pero inteligente y entretenido, con algunos momentos brillantes (el episodio de la Luna) y otros muy divertidos (la ópera del Sultán).
En general los actores estan bien. Destacan la niña coprotagonista, (Gilliam es un buen director de niños) S. Polley, quien hoy en día, imagino, será una guapa pelirroja, y O. Reed, espléndido como el bruto y obtuso Vulcano. La lástima es que el actor protagonista, Neville, lo haga mal no consiguiendo, en consecuencia, dotar de carisma y verosimilitud a su pj (imprescindible para encarnar un fabulador con eficacia), que es el prota, a quien encima interpreta con flema británica cuando es alemán (por eso este pj gana con el doblaje). Así pues, una interpretación fracasada que perjudica a la peli dada la importancia de ese pj. Esto, junto con una b.s. poco acertada, son lo más flojo de la peli. Por último destacar otra vez el magnífico trabajo de producción (italiano sobre todo, por algo son la primera potencia mundial en eso), pues fue capaz de representar con verosimilitud el siglo XVIII y de dotar de veracidad lo fantástico, logrando, con ello, que la peli funcione. Pero no hay que olvidar que parte del mérito de eso lo tiene Gilliam, ya que es el que saca partido al atrezzo.
No puedo hablar de esta peli y omitir la participación de una Uma Thurman de veintipocos, bellísima y elegante con su cuello de cisne y su nariz recta, defendiendo muy bien un escote mortal para el espectador, de forma que encarna perfectamente a la Venus de Boticcelli. Con lo que redondea una peli de aventuras, en la mejor tradición del género, que, para variar, tiene la gravedad de un mensaje humanístico y crítico que habla a favor de la imaginación y lo diferente y en contra de la sociedad gris y mediocre que, poco a poco, se va imponiendo apoyándose en la desidia y el conformismo.

16.2.08

Grapas Marvel de febrero (critiquita 229)

De tooooooodas (léase con ironía) las grapas que saca Panini, estas son las 2 únicas que compro. Aún así, son el doble de las que compraba el año pasado y seguramente, hacía años, desde el última Gran Extinción tras fracasar la mutación back to the basics, que no compraba tantas. Yuju! (léase con ironía).
Thunderbolts nº 1, W. Ellis y M. Deodato, Panini 2008. Paradójicamente, cuando estos thunder se merecen el apelativo de nuevos (o algo que los distinga de los anteriores) es cuando lo pierden. Este número inicia otra etapa rupturista, cosa que, aunque era muy necesaria, no precisaba que cambiase el espíritu de la colección (redención y villanos civilizados). Por ello, aunque acogía favorablemente este truco de trilero (mismo envoltorio, distinto contenido), no esperaba nada de él, ni siquiera tenía ideas preconcebidas. Quizás por ello el número me ha parecido bien. No es ninguna maravilla, obviamente. Ellis escribe con el piloto autómatico puesto, así, él no se tiene que comer la cabeza intantando hacer algo diferente y los lectores transitamos por territorios desgastados de lo hollados que estan, pero que, gracias al oficio del piloto, resultan gratos. Y es que este número no tiene nada de original, es un ejemplo perfecto de los comics que se hacen ahora. Esta plagado de esquemas típicos, dilataciones argumentales, lugares comunes y convencionalismos. Sólo, quizás, la única implicación personal de Ellis en el guión, sea el cargar las tintas en la carácter villanesco de los pjs, para dejar en evidencia el despropósito que es la colección (sociópatas y psicópatas En la parte gráfica nos ha tocado un Deodato (tengo entendido que son un estudio, o igual esos eran los de los 90) burdo y tosco. Un tipo que se ha olvidado de aprender a dibujar, porque piensa que con manejar referencias fotográficas basta. Sólo hay que ver este cómic para darse cuenta de que no, pues el dibujo es totalmente irregular, al lado de conseguidos dibujos (de planos medios para arriba lógicamente) con leve tufo al estilo de los 90 (sexista y metrosexual), hay dibujos dignos de un infante, con lo que el acabado final resulta esquizofrénico e impide el asiento del lector. Narrativamente es igual, buenos y ágiles momentos con soluciones pésimas. Pero, sabe crear atmósfera manejando las sombras con una inteligencia y una capacidad inusitada en un cómic de superhéroes, lugar donde dibujantes y coloristas no suelen saber de iluminación. Este aspecto sombrío se conjuga perfectamente con el excelente color informático de R. Beredo. Este, interpreta muy bien el dibujo de Deodato y el espíritu de la cole, dándole un aspecto final atractivo y sugerente, que destaca sobre el resto de las series del UM. Así pues, queda un número profesional, sólido y eficiente, donde se conjugan perfectamente palabra e imagen. Creo que esta etapa no tardará en acabar. No me creo que una sociedad tan mojigata y moralista como la de EE.UU. soporte durante mucho tiempo, una cole tan pasada de rosca y donde se demuestra que el mal compensa. Además, no creo que Ellis y Deodato se queden mucho por aquí. Por cierto, no es estúpido que, pjs de ficción con años y años a sus espaldas, se parezcan de pronto a un actor? Qué intenta hacer con eso los dibujantes? No es ridículo que un mismo actor sea el rostro de diferentes pjs? A ver si se pasa la puta moda de una vez.
Runaways nº 11, J. Whedon y M. Ryan, Panini 2008. Este número me ha parecido mejor que el anterior. Aunque a mi el tono de la serie me recuerda más al Buffyverso que al UM, la cole sigue conservando la frescura y divertimento que cultivó Vaughan en su etapa. Whedon no se come la cabeza con el argumento, pero como hace en la tv, es capaz de dotar de interés una historia manida gracias al humor, las sorpresas y una buena caracterización de pjs. También hay que agradecerle que le haya dado más papel a Molly. Por su parte Ryan se muestra como un dibujante verde pero con futuro. Su dibujo es hierático y limitado en recursos, pero eso se mejora trabajando. En cambio, su buena narrativa es más de talento que de experiencia, por lo que lo más difícil lo tiene. Naturalmente, lo bien que queda en la cole se debe a la colorista Strain que, con un color suave y sencillo, imprime mucha vitalidad al cómic y ayuda a estar más presentable (como el maquillaje) al dibujo de Ryan, que aún no tiene muy claro como simular tridimensionalidad, sobre todo si no dibuja los pies de sus pjs. De este modo, este número es otro buen y satisfactorio número de esta cole, con lo que consigue mantener el buen nivel que tiene desde hace poco más de 2 años, todo un logro para los estándares actuales. A destacar sobre todo el desarrollo, con consecuencias sorprendentes pero lógicas, de el trasfondo de El Orgullo por parte de Whedon y la vuelta de un continuará tan emocionante como los de Vaughan. Por cierto, nuestro número 14 ha salidoe ste mes en EE.UU. Cuál es el futuro de esta serie? Se congelará? Pasará a tomo (diso no lo quiera)?

14.2.08

Videados 40: El almuerzo desnudo, D. Cronnenberg 1991

Inmerso en una crisis vital, que explica la erraticidad de este blog en lo que llevamos de año, escribo este post. Es otra peli rara de estas que tanto abundan por el blog. La he querido ver desde que la vi anunciada en un Cimoc de 1990 o 1991. No he podido hasta hace unos días porque jamás ha sido estrenada comercialmente (no esta ni doblada) en España, y eso que se anunció para el año pasado. Me da rabia el estado de los cines en este país porque prima lo comercial y la hegemonía del cine comercial estadounidense es casi total. En eso creo que tienen razón los que explican el poco eco del cine español por estas circunstancias. Hay pocos sitios donde se puede ver algo que no sea cine comercial estadounidense.
Comienzo aclarando que almuerzo desnudo se debe entender como el almuerzo al desnudo. Es decir, ese momento último, el momento de la verdad, en el que echamos una última mirada a la porción de comida que nos vamos a meter en la boca. Un acto archicotidiano y ultrahabitual pero que no por ello deja de ser un momento transcendente. Lo aclaro porque a mi me ha costado entenderlo. El significado de el almuerzo desnudo, de tal asociación de palabras, siempre se me ha escapado. Tras ver la peli pensé que la traducción más adecuada sería almorzando desnudo (como lo hacen los animales y los insectos), pero después de documentarme un poco para el post, he visto que el almuerzo desnudo esta bien aunque, al no tener el artículo al, dificulta que las mentes menos despiertas lo pillemos.
La peli es interesante y curiosa, lo que es un logro teniendo en cuenta el material de partida, la famosa "novela" "El almuerzo desnudo", libro inclasificable, autobiográfico, escandaloso, ácido (pillan el chiste?) e ininteligible, pero también un poco plomiza y desagradable en algunos momentos, a veces visuales, a veces orales. Está bien dirigida (aunque se nota el bajo presupuesto) con un ritmo lento y sostenido, levemente insufrible, y bien actuada por todo el reparto, ya que todos reflejan muy bien las cualidades de sus pjs, todos ellos freaks y marginados. Se incluye en el grupo que etiqueto como cine lisérgico. Es decir, películas donde se trata los efectos de las drogas y de la drogadicción sin moralina y sin juicios. Un cine donde se intenta explicar qué es la drogadicción y se intenta reproducir los efectos psicoactivos de las drogas. Así pues, está en la línea de "Drugstore cowboy" o "Miedo y asco en las Vegas" (ambas dignas de verse). El resultado es una peli fría, pues su creador ha querido que el espectador no tenga la sensación de estar viajando, sino la de estar presenciando el viaje de otro, lo cual, en cierta forma, me imagino, es la sensación que da la lectura del libro, cuyos mayores valores son la acertada recreación de los fantasiosos 50 del libro y la no diferenciación estilística de la realidad y la psicodelia, pues paradójicamente, esta unidad de lo real y lo irreal es lo que da coherencia y linealidad a un relato sobre la autodestrucción y la lucha por el dominio, el amor y el autoconocimiento. El único pero es que, al no contar la peli con el dinero suficiente, no pudo recrear con suficiencia en todo momento la lisérgica atmósfera. Lo que más me ha llamado la atención de la atmósfera es el color, muy vivo y plano, algo poco habitual, quizás hecho así para (como Almodóvar) imitar el color de las pelis de aquella época.
La novela es la transcripción (yo no la he leído, bueno, lo intenté en mi juventud y no pude con ella, así que lo que en el post digo de ella es por referencias) de los cuelgues de su autor, Burroughs, miembro del beat, movimiento cultural, esencialmente literario, de los 50 que surge de la marginalidad y del asco y repulsa por la paranoica sociedad estadounidense pero, a pesar de eso, feliz de aquella década. Una sociedad ferozmente burguesa y por tanto insufriblemente mojigata, temerosa, homogénea e intolerante. Así, aquel movimiento es la semilla de la contracultura de la siguiente década. La ininteligibilidad de la novela no impidió a Cronenberg hacer una película narrativa al uso porque inteligentemente utilizó la obra y la biografía de Burroughs para que el espectador pueda decodificar el hermetismo y la cripticidad de los viajes de este (aún así se interpreta mejor si se sabe un poco del autor y su contexto). Lo que pierde el libro al ser adaptado y normalizado es su feroz crítica social. No me parece mal, pues Cronenberg no hizo esta peli para criticar, sino con el mismo espíritu con que Picasso hizo cientos de meninas. Pero no hubiera estado de más, ya que estamos encaminándonos otra vez a esos años 50 hipócritamente felices que odiaban y temían lo diferente. Aunque es cierto que eso es más evidente ahora que en 1991. Así, la peli es más la recreación del proceso de escritura del libro que una adaptación del mismo, aunque si no somos conscientes de eso, nos parecerá un film de CF un tanto surrealista. De todos modos se basa en símbolos y metáforas personales producidas por una mente drogada muy difíciles de decodificar con un solo videado. Mi propuesta es la siguiente:
Los insectos en la peli significan 2 cosas. O ciudadanos de nuestra sociedad deshumanizada y desquiciada por la burocracia que están obligados a cumplir una función necesaria para el colectivo y no pueden hacer otra cosa, idea que deriva de Kafka, o los efectos de las drogas. Hormigueos, pinchazos, etc. son metáforas recurrentes de los drogadictos. Los ciempiés simbolizan a las mujeres o a los homosexuales pasivos y las cucarachas a los hombres sexualmente activos. Esto es así, porque el tema principal de la peli es la aceptación de la homosexualidad, algo muy dificultoso para los gays de aquella época. Una homosexualidad Clásica o musulmana. Aquella donde hay 2 grupos claros diferenciados por la edad (maduros y jóvenes), la posición social (ricos/poderosos y pobres) y el rol sexual (activos y pasivos). Así, la peli muestra los diferentes acercamientos a la homosexualidad del protagonista, quien se cuestiona si es homosexual o no y, si lo es, si debe ocultarlo o no. Una reflexión introspectiva en la que la drogadicción, el sexo y el proceso de creación son diferentes vías para conseguir el autoconocimiento (quizás el leitmotiv de todo). Las drogas son como la escritura, un vehículo a mundos ficticios y, por eso, los efectos de las drogas y de lo escrito son el mismo. Por ello, el estilo literario de Burroughs (sensorial y experimental) busca mimetizar un viaje. También, las drogas y la escritura (y más las técnicas empleadas por Burroughs) son formas de intentar llegar y hacer aflorar el yo más íntimo, de llegar al corazón de la cebolla. El sexo se une a las drogas y la escritura mediante la máquina de escribir pues ella, además de un utensilio de escritura, es una zona erótica (vagina, ano, pene, boca). Una criatura, que a veces es el jefe de su usuario y otras su guía espiritual, y la creatividad. Esto explicaría la relación que el prota mantiene con su máquina. Una relación análoga a la que tiene con la droga. De hecho, se puede decir que es un cyborg debido a la relación tan estrecha que tiene con una máquina. Por último, la Interzona es a la vez un mundo de ficción literario, el submundo de la droga y las alucinaciones provocadas por estas. Una región donde lo real y lo irreal conviven de la misma forma en que los antiguos pensaban que lo hacían lo mágico y lo real. Mezclados, superpuestos, inseparables (pillan el chiste?).
Lo más curioso de esta peli para mi es que recuerda mucho a los mundos de P. K. Dick. Un escritor de CF, de los mejores que en el mundo han sido, que también creaba a partir de las drogas. Es curioso como en ambos escritores están el interés por la mente, las fantasías paranoides (algo propio de EE.UU. de los 50, presa de la historia anticomunista y el miedo a la guerra nuclear, no sólo de los que se drogaban), las relaciones amor-odio con las mujeres (P.K.D. no era gay, aunque tampoco creo que Burroughs lo fuese), los insectos (casi todos los extraterrestres de P.K.D. recuerdan a insectos), la psiquiatría y el submundo de la droga (camellos, etc.) como inspiración de sus mundos de CF. De hecho, Burroughs acabó escribiendo CF y, como P.K.D., exploró también la relación hombre-máquina (en la peli esto se refleja en la relación escritor-máquina de escribir). Un tema muy tratado en esa época, aunque Burroughs lo desarrolló más que P.K.D., preludiando el Cyberpunk, tal vez porque vivió más. Es algo tan evidente para mi, la semejanza digo, que me extraña que no se mencione más. De hecho, esta peli me ha recordado mucho a "Esperando el año pasado" pues esta novela de P.K.D. también tiene insectos inteligentes, drogas, espías, efectos literarios inspirados en los efectos de las drogas y los cuelgues son rupturas temporales en la vida de los protas.
Así pues, "El almuerzo desnudo" gustará a los fans de T. Gilliam, D. Lynch, Jodorowsky, P.K.D., de lo subversivo o de lo underground, a aquellos que no necesitan un relato convencional y racional para disfrutar y a los que se les excita la amígdala cuando leen un escrito del Espermatozón. De todas formas, pertenezcan o no a alguno de esos grupos, véanla, que al salirse de lo habitual merece la pena.

5.2.08

Grapas DC de enero (critiquita 228)

Justicia nº 5, J. Krueger y A. Ross, Planeta DeAgostini 2008. La serie esta defraudándome, no es mala, es correcta. El problema es ese, que es simplemente correcta, aunque bueno, naturalmente hay que esperar a que termine, pero de momento no me parece gran cosa. Esperaba algo más de estos autores (los autores de "Tierra X"!!) y de estos pjs. De momento es una historia muy actual: en torno a un misterio, de ritmo lento y fragmentada en varias líneas, como un episodio de tv cualquiera de hoy en día. El tema es que el desarrollo de la historia esta siendo muy manido. Cuántas veces ha atacado un enemigo misterioso uno a uno a los miembros de la JLA? Cuántas veces los superhéroes se limitan a salvar la situación y no capturan a los villanos para interrogarles? Cuántas veces han sido escritos como iconos y no como "personas"? En fin, que es un cómic donde nada nuevo luce bajo el sol y encima el Ross este cada vez me sobra más. Canario esta llorando de verdad (página 16, viñeta 3)? Muestra tristeza o alguna emoción? Es que el estilo de Ross es clásico hiperrealista. Lo cual es muy adecuado para historias claras y brillantes, para historias donde se muestran a los superhéroes como son tales, es decir, seres casi divinos, inspiradores, poderosos, espléndidos, no para esta historia sombría y melodramática. En fin, hubiera preferido la edición italiana, más barata y más rápida, algo que estoy seguro que favorece mucho a esta historia.
Supergirl y la Legión de Superhéroes nº 9, M. Waid y B. Kitson, Planeta DeAgostini 2008. Este cómic, ante todo, es una muestra de la Nueva Edición. Una edición más ágil y más inmediata. La serie no vende, pues la aceleramos. La pasamos a bigrapa para que así nos la quitemos de encima cuanto antes y deje menos pérdidas. Quizás la serie haya perdido fuelle y Waid se este repitiendo (la historia que esta en curso me recuerda, en estructura, a la de los tomos), pero sigue siendo un cómic que cumple cada mes, haciendo las cosas de forma bastante clásica. Es decir, es entretenido, gracias a que cuenta algo y sus pjs no estan ensimismados, bonito y te inspira a seguirlo gracias a una historia bien desarrollada y que dota de cierto carisma a los pjs. Es una pena que sea la primera grapa del UDC que cancela a una PDA. La verdad es que fue una decisión arriesgada publicarla en grapa. Quizás la etapa que viene después de Waid hubiera sido el momento perfecto para empezar con grapa. Es tan difícil editar ...
JSA nº 2, G. Johns y D. Eaglesham, Planeta DeAgostini 2008. De momento parece que ha vuelto a la JSA el mejor Johns y encima con más brío de lo habitual, aunque las historias siguen siendo un poco áridas por la continuidad que hay detrás. Un problema (a lo mejor esta palabra es exagerada) que PDA no se esfuerza mucho en resolver, será que no hay mucha información en internet? De momento a la serie le ha favorecido mucho el cambio. Tiene más dinamismo y un dibujante, aunque un poco torpe, mucho mejor que cualquiera de los anteriores. Su estilo es clásico aunque bastante personal y su acabado es atractivo, lo cual hace más grata la lectura. Aunque es un poco estúpido que a estas alturas un exsuperhéroe vaya por hay sin una pierna en vez de tener una prótesis superchachiguay fantacientífica que además le de superpoderes, por lo menos, este cómic parece que va a ser un cómic que va a cumplir cada mes. No sé, a Johns le noto con ganas.
JLA nº 5, B. Meltzer y E. Benes, Planeta DeAgostini 2008. Ya me he cansado del tema, en cuanto termine el cruce con la JSA, la dejo hasta que ofrezca algo más que una historia correcta absurdamente alargada y ñoñamente melodramática. Lo único bueno que tiene Meltzer es el tratamiento de pjs y su gran conocimiento del UDC, porque el resto es insufrible, su ritmo leeeento y la falta de aventura y carácter superheroico de las aventuras es desesperante, ya que no es lo que busco en un cómic de este género. En fin, un cómic olvidable que no duele tanto gracias a que tiene un dibujante eficiente aunque con un estilo muy hortera. Quién quiere comprar un cómic que no dan ganas de releer?
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