Critiquita 396: Elric: El Trono del Rubí,J. Blondel y D. Poli, Yermo Ediciones 2013

Parece que la propaganda del PP ha prendido en el mundo editorial del Cómic en España. A pesar de la crisis y a pesar del pesimismo últimamente han aparecido nuevas editoriales. La razón es que el panorama editorial español es muy reducido, hay muchos tipos de cómics que no se publican y también aún quedan muchas buenas obras por publicar o reeditar. Como las majors, Planeta y Panini, sólo quieren franquicias y mainstream, Norma se ha divorciado de lo que fue su bandera durante años, la BD de género, y la antigua Glenat está en una grave crisis, ha quedado un hueco muy grande que, por lo visto, ha hecho atreverse a algunos aficionados a profesionalizarse totalmente seguros de que o editan ellos sus comics favoritos o aquí no se van a ver. Así, si Ninth quiere traer al genial Toppi, Yermo, creada por un editor con experiencia, quiere traernos tanto BD actual de género como cómic mainstream  alternativo.

Hoy nos ocupamos de Elric. Este es uno de los personajes más importantes de la Fantasía moderna que hay, aunque ha triunfado más en el mundo anglosajón que fuera de él. Es normal pues es una creación de Moorcock, un mediocre escritor inglés pero con una gran cabeza y muy vanguardista. Por eso Elric con su posmodernidad  se adelantó 20 años al mundo y su obra ha influido en los mejores autores británicos de Cómic de la actualidad, Moore y Morrison, y en el escritor de Fantasía de moda, G. R. R. Martin, sus Targaryen vienen directamente de las novelas de Elric. En fin, no se puede entender el fantástico anglófono sin conocer la obra de Moorcock. Así, en EE.UU. ha aparecido mucho en los comics. Apareció en Conan, sus obras literarias se adaptaron al Cómic y se ampliaron las novelas con comics. Algo de eso hemos visto por aquí. Hoy parece agotado allí. Quizás por eso ha recalado ahora en Francia, probablemente el país que más comics de Fantasía produce. Un desembarco que es una vuelta pues allí se hizo la 1º adaptación al Cómic de un relato literario de Elric. Fue  Druillet al poco de nacer el personaje. Una obra primeriza pero por lo que dicen los franceses impresionante.

Esta obra que nos ocupa no es material original, lo que se venía viendo en EE.UU. en lo que va de siglo XXI, sino una adaptación de la obra de Moorcock. Así, este cómic, Elric: El Trono de Rubí, adapta casi toda la 1º novela, Elric de Meniboné. Lo cual hace pensar que la 2º entrega desarrollará mucho más que la novela la última parte ya que unir el final de la 1º novela de la serie con el principio de la 2º parece descabellado. En fin, este cómic, que adapta con fidelidad pero con una libertad consultada con y aprobada por Moorcock, guionizado por  J. Blondel, francés fan de las novelas que flipó jugando al juego de rol de ese personaje, el impulsor del proyecto, es interesante, captura el espíritu del original, introduce buenas aportaciones, está bien dibujado por Poli y Recth y bien coloreado con rojos y negros por Bastide y representa mucho mejor que los anglosajones el mundo decadente y depravado de Melniboné ya que al ser un cómic francés tiene más libertad y al ser una adaptación más moderna que las yankis puede ser más explícita. Sin embargo, no deja de ser convencional. La representación de lo caótico va por lo tradicional (tetas, drogas y sadomaso) y la imaginería privilegia lo estético sobre lo funcional llegando al resultado de Matrix, sus personajes parece que se pasan más tiempo en el espejo estudiando su look que haciendo otra cosa.

Así pues, tenemos una nueva adaptación que supera en fidelidad a la que hasta ahora teníamos y un cómic de género bien realizado. Una buena ocasión para quien quiera acercarse a este personaje tan importante de la Fantasía. Aunque por qué no ir a las novelas, actualmente disponibles tras muchos años (las originales y mucho más baratas aunque sin dibujitos)? y por qué otra adaptación al Cómic? Ambas respuestas no las da Elric: el Trono de Rubí y ese es su punto flaco.  Otro es que moderniza el original y eso siempre es modificarlo.

Fanzines: Postdata y Abetterutuf

El pasado finde fue el GRAF. Un salón del cómic independiente o minoritario ya sea porque no puede acceder a los canales normales de distribución o porque su contenido está lejos de lo que está dispuesto a consumir el gran público (ya el general ya el que compra Cómic con regularidad).

Estuve en 2 mesas redondas. Una sobre el autor y el género y otra sobre la salud económica del Cómic en España. Ambas interesantes y aleccionadoras y bien llevadas por los moderadores. La primera fue más caótica porque el tema es muy difícil y amplio. Yo me quedé con que la dicotomía autor/género es algo que nos interesa más a nosotros, los españoles, que no tenemos ni industria ni mainstream, que a los países de nuestro entorno. En EE.UU. ganó la empresa y en Francia el autor, aquí seguimos peleando. Es curioso como en el estado "adalid" de la Libertad el autor es un mero obrero y en el país centralista por excelencia es el individuo, el rey Sol?, quien manda. En el fondo es cultural, en EE.UU. el héroe es el empresario y lo que manda es el dinero y en Francia, porque la gente es más culta de media, se valora el arte y al autor (por ejemplo ellos fueron los que empezaron llamar autores a directores jolibudienses, Hitchcock o Ford por ejemplo, que hacían género porque allí la industria-empresa manda). De todos modos no nos olvidemos de que fue en Francia donde se inventó los derechos del Hombre, del individuo. 

La segunda charla estuvo bien porque los organizadores trajeron a representantes de casi todos los estamentos implicados en las ventas de los cómics. Mi conclusión es la misma. La cultura. En España estamos, yo diría, mejor que nunca. En el pasado, con Franco, se vendía mil veces más que ahora pero no había tele y el Cómic era infantil, hoy se vende poco (como los libros, aquí nadie lee, ni con Franco ni con la democracia) pero todo el mundo tiene su cómic. Es decir, el Cómic ahora vende poco porque la época de Franco instauró la idea de que el tebeo es pa niños por lo que los adultos lo dejan cuando se creen mayores (yo he conocido a varias personas que por el mero hecho de cumplir 18 dejaron de coleccionar comics). Esa percepción es el tope que ha impedido crecer al cómic español pero que se está empujando hacia arriba, afortunadamente pues ahora no se puede vivir de lo siempre, de los niños y de producir para el extranjero. Es lo mismo que en EE.UU., allí se reduce el Cómic a superhéroes y se tiene a estos como cosa de niños (aunque desde hace 20 años ya no lo son). En fin, el tridente falta de cultura, niños y empresa (cuando en España se vendían millones de comics la cosa estaba controlada por las empresas) se revela como terrible (en Francia la revolución victoriosa del autor en los 70 ha hecho que en ese estado el cómic adulto sea mayoritario si bien, lógicamente, nunca es superventas). Por qué estamos mejor que nunca? Porque la generación forum-Zinco, la que nos hicimos aficionados al cómic por los superhéroes, hemos crecido y por ello nuestros gustos y por la inconsciente revalorización de lo artesano y el objeto. La gente compra cómic porque es bonito, de ahí el viaje sin retorno a la tapa dura, porque es ligero (en lo que te lees Juego de Tronos te has leído mil comics ganando con ello por el mismo principio que el policultivo es mejor que el monocultivo), luego da menos miedo que el libro (hoy se vende más el libro ilustrado que el seco en las grandes superficies), y porque lo digital no lo afecta. No es lo mismo leer un cómic en papel, sobre todo los grandes, que en una modestita pantalla sin colores o en un incómodo formato horizontal (se nota que está pensado para pelis-videojuegos y no para leer).

En fin, que yo no venía a esto. Perdonen el desvarío. El caso es que me di una vuelta por el salón a ver que se hace en la zona marginal aunque yo no comulgo mucho con lo independiente porque suele tener un grafismo feísta (la mayoría de las veces por incompetencia del autor, en general, se es muy verde) y la historia ser una tontá o un tostón melodramático insufrible. Así que me sorprendí al ver allí algo muy diferente por lo que, debido al precio, no pude resistirme. Ese algo distinto en un panorama gráfico heredero de la EC y con una temática lastimera o sobre el cutrerío español (en eso el cómic independiente español es mainstream, la única diferencia entre la telebasura y lo que sale en un fanzine es la mirada) era la pequeña y frágil mesa de Javi de Castro, un chaval leonés con mucho talento.

Postdata: es un fanzine de 26 páginas, 13 folios doblados por la mitad, hecho en 24 horas precioso (disculpen, creo que se me ha caído un huevo) y elegante. Con muy pocos recursos, un dibujo sencillo pero atractivo y expresivo y autolimitaciones narrativas, todo ocurre en el mismo escenario, un portal, y en 24 páginas de 4 viñetas todas ellas mudas J. de Castro nos presenta una historia de varios personajes donde el amor fracasa, los perros mueren y la vida no se va de viaje cuya abstracción convierte al lector en coautor. El dibujo blanquinegro sugerente, la desnuda claridad de la composición y la sofisticación narrativa son irresistibles y de nivel profesional. En las librerías uno puede encontrar comics así pero mucho peor ejecutados, menos personales y 10 veces o más más caros. Así que es inevitable preguntarse, por qué ellos sí?

Abetterutuf: es un fanzine de 20 páginas, 10 folios doblados por la mitad pero dispuestos en vertical, de nuevo precioso y elegante y baratísimo. Con un par de viñetas verticales en casi todas las páginas, en B&N y también sin palabras J. de Castro nos presenta una fábula sarcástica de Ciencia Ficción. De nuevo su eficaz estilo minimalista heredero de la línea clara, la sofisticación narrativa y su composición clara y precisa hacen potente e irresistible una historia interpretativa que parece decirnos que las cosas no cambiarán si nosotros no cambiamos antes. En fin, esta obra, meses posterior a la anterior, confirma a J. de Castro como un autor ya hecho pues tiene su propia voz y domina más que suficientemente el arte de contar historias eligiendo imágenes representativas de su transcurrir. 

Lo mejor desto es que la obra de J. de Castro no se queda aquí, en su blog tiene más cosas y a lo mejor tienen la fortuna de vivir en una de las pocas ciudades donde su material se puede pillar (desgraciadamente Madrid no es una de ellas, desde que gobierna el PP nos pasamos de elitistas). Yo me he arrepentido de no hacerme con otras obras suyas. De todos modos espero y deseo que pueda dar el salto profesional el año que viene. Tiene todo para triunfar: un grafismo atractivo para todos los públicos, una ternura que agradará a las mujeres y una vena sarcástica que agria eso lo suficientemente como para ser grato a los hombres. A mi me parece un caballo ganador y perdón por tratarle de animal.

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte VII: Retomándolo

Lamento que esto se esté haciendo larguísimo...

Comienzo con un breve resumen de lo que llevamos ya que hace mucho tiempo que se habló por última vez por aquí de este tema. Alita es un manga que toca los temas típicos de la ficción japonesa: la búsqueda de superación, la lucha por la individualidad en un medio hostil y la consecución de una función social que cumplir. Todo con ecos del bushido: el paralelismo entre el arma y el alma del que la blande, cosa también típica y aquí obligada pues es un cómic de artes marciales. El ciberpunk permite radicalizar esta asociación pues confunde cuerpo y arma. Como toda cultura guerrera, el Japón de los samuráis desarrolló un código para limitar la violencia de los guerreros. Así, al igual que los caballeros feudales europeos, los samuráis fueron socializados al establecer que la actividad guerrera era reprobable excepto si se sometía a la sociedad. No recuerdo la palabra japonesa que designa al deber "filantrópico" de un samurái. El último aspecto básico relevante deste manga es la feminidad de la protagonista. Es algo que no he tratado porque me ha pasado desapercibido ya que la obra no trata el tema del sexo, habla del individuo, pero es importante tener en cuenta que Alita es manga para chicos pero está protagonizada por una mujer, cosa rara en Japón. Y esto no es en plan Tomb Raider, es decir, la prota no es una tía porque sus tetas grandes la hacen deseable, es una tía porque en Japón la mujer es símbolo de la debilidad y la modernidad porque aún no ha superado su cultura machista y tradicional. Por tanto, Alita es mujer, aunque no importe demasiado pues no tiene cuerpo biológico (si bien es cierto que el sexo está en el cerebro y no en el cuerpo), porque es una metáfora. Kishiro ha hecho a Alita una joven fémina pequeñita y de apariencia frágil porque eso magnifica y subraya tanto la peligrosidad del medio hostil en que se mueve como lo que tiene que sufrir para superar los obstáculos ya que su obra va sobre lo que es madurar en Japón, un lugar masificado ferozmente competitivo, egoísta y represivo. Con ello también realza el heroísmo y la ferocidad guerrera de Gally.

Lo último de lo que hablamos fue del cierre en falso de Alita. Una historia importante porque al darnos algunas claves del verdadero final de este cómic nos permite entenderlo mejor a los que no somos japoneses. Hasta el final Alita era un manga egoísta. Es decir, se centraba en el individuo. Esto se evidencia en que es una historia sin secundarios, todos los que salen son, tarde o temprano, apartados por Kishiro. Alita no tiene parejas ni amigos ni ayudantes. Es ella contra el mundo. En el falso final esto cambia pues Kishiro transforma a Alita en un Héroe Redentor. Es decir, la hace abandonar su egoísmo para convertirse en una heroína, en alguien que se sacrifica por su comunidad. Al final de su viaje Alita consigue salir de sí misma para convertirse en el Salvador. El tema social del samurái antes mencionado. La continuación, Gunnm: Last Order, obvia ese falso y precipitado final que Kishiro tuvo que hacer a finales del siglo XX por problemas de salud para contarlo con todo detalle. Por eso retoma las cosas desde el final de "Crónica de guerra". De esta continuación voy a analizar en este post los 4 1º capítulos porque considero que forman una unidad argumental. Creo que en el original no tienen título. Estos capítulos comprenden los nº del 1 al 8 publicados por PDA durante el 2004.

La continuación es un nuevo comienzo. Recuerden que el budismo está muy presente en Alita, es decir, las reencarnaciones, el samsara. Desty Nova reencarna a Alita. Un elemento esencial del manga es el karma, que es huella. Lo que hacemos en esta vida deja unas consecuencias que nos atan al mundo incluso después de la muerte. El budismo, la forma que nos permite eliminar y no producir karma para alcanzar el nirvana, es muy difícil, por ello Desty Nova quiere desarrollar la Karmatrónica, es decir, convertir en Ciencia lo espiritual. Esto que se nos revela ahora nos explica las razones por las que el científico loco ha elegido a Alita como sujeto experimental, cosa que hace que sea a la vez su Mentor y su Antagonista. Gally es una heroína de acción, es decir, es todo acto, por tanto es una gran generadora de karma(trones), lo cual explica porque siempre se reencarna. El karma es lo que preserva nuestra identidad de la muerte. El conocer como lo purga, al ser un ser de acción su karma es tan enorme que siempre todo lo que hace tiene consecuencias inmediatas para ella, es lo que le permite la investigación de esa fuerza cósmica (fenómeno físico para Desty Nova) inaccesible para el humano. Que estamos en un nuevo comienzo nos lo subraya el autor al comenzar con el primer recuerdo de la protagonista. Nunca hasta ahora habíamos visto a Alita de niña, entonces ya ciborg. Esto nos recuerda el medio por donde se mueve la protagonista, un mundo de hierro compartido por la crueldad y la bondad. La reencarnación queda claro porque Kishiro da a Alita un nuevo cuerpo, Imaginos (recuerden que en esta obra los nombres no son casuales). Pero esta en Alita es una resurrección más que un nuevo comienzo pues es un nuevo párrafo en una historia. El pasado está ahí. Alita no deja de ser quien es. Nace adulta, tal y como era. Tras esto el autor va rápidamente al grano. Introduce unos adolescentes desvalidos que necesitan de su ayuda, recuerden que la cosa terminó con Salem destruido, esto le sirve a Kishiro para enfrentar a Alita a la función social del guerrero y también con la humanidad. Qué es exactamente un humano? Este es un tema básico de este manga. Kishiro utiliza el ciberpunk para reflexionar sobre la humanidad. Las máquinas tienen aspecto humanos, por ejemplo lo orgánico se puede programar, el cerebro funciona como un computador (aunque es al revés esa verdad obliga a reconsiderar qué es lo específicamente humano) y la tecnología nos hace pensar que la humanidad no está en la carne. Así, Kishiro esboza que es para él un ser humano, cosa relevante porque nos justifica su caracterización de Alita. Ser humano es tener fe y autoconciencia, ser contradictorio, dubitativo, luchador y libre, cosa que no es una marioneta o una bestia. Es memoria. Es un estado. No obstante: vosotros mismos debéis encontrar una respuesta que os satisfaga. Este principio que nos resitúa termina con Alita decidiendo una nueva misión. Con el fin de la oposición Patio de los Desperdicios/Salem su vida ha quedado vacía. Su nueva misión heroica que le hará continuar su viaje vital es el rescate del cerebro de Lou/Row almacenado en Jeru, la contrapartida de Salem. Es un pequeño paso para Alita pues pasa de una misión egoísta a una misión altruista, ahora no va a pelear por ella sino por otra persona. Así, se aprecia lo que ha aprendido de Den, su último oponente, el héroe del Patio de los Desperdicios. Este es el momento en el que el pasado, el karma, reaparece. Aparecen clones de Alita que más que copias son facetas de ella. El más importante es el 6 (hay 12, 9 destruidos por Gally en la fase anterior). Nos lo indica que es el único masculino. También reaparece Nova. 

Antes de ir a Jeru Alita tiene que derrotar a Sachumodo, un nuevo Makaku. Un oponente monstruoso que representa el rencor del sufrimiento. Sachumodo quiere destruir todo, la aniquilación total, porque al no poder aceptar el sufrimiento ha perdido la esperanza y sin ella su rencor le ha generado odio al mundo que le ha hecho sufrir sin cuento. La pelea entre los niños Sachumodo y Alita, ambos como los bebés han de aprender como usar su cuerpo, simboliza la pelea de la madurez según Kishiro, definición que esencialmente comparto. Crecer es aceptar que el mundo es cruel y que no hay dioses por lo que el hombre es sólo información y es libre de elegir y desear. Sin embargo, Kishiro también cree en el Destino, fuerzas ultrahumanas ante las que estamos inermes, prueba de que existen es lo que hay tras la arbitrariedad de nuestro nacimiento, quién elige dónde nacer y a sus padres?, aceptarlo es necesario para madurar. El autor planta esta batalla a Alita porque esta necesita volver a afilarse, es decir, aceptar lo contradictorio y desarrollar la voluntad de victoria. Los recientes agresivos cambios en su vida y en el mundo la han desafilado. Ya no es un arma en perfectas condiciones porque el giro de los acontecimientos la han desnortado, es decir, ha perdido la voluntad de luchar. La pelea soluciona esto porque en este manga el combate es lo que permite la introspección al ser en los guerreros una cosa intuitiva, inconsciente. Así, Alita peleando recuerda y así nos enteramos de que quiso hacerse guerrera porque los fuertes no luchan ya que inspiran terror. No obstante, el problema real es que, como se ha dicho, carece de objetivo. La pelea le hace descubrir que no hace falta uno ya que basta con querer vivir. Como la pelea mortal, la derrota en esta, a diferencia de las demás, la aniquilaría totalmente, no más reencarnaciones, es una forma de saborear la Vida es lógico que dé claves sobre la misma. Así, enfrentándose a Suchimodo, Alita descubre que el que no haya respuestas a las Grandes Preguntas no es una maldición sino la causa de la libertad. El conocimiento aprisiona, sólo los idiotas y los ignorantes son verdaderamente libres. Por ahí iba Jesús. Todas estas revelaciones le permiten generar plasma-chi. Las mejoras y nuevas habilidades son clara metáfora del progreso del proceso madurativo. Este ahora es espiritual, no lo origina su cuerpo-máquina como antes. Sale del corazón, con ello por fin entendemos lo que le enseñó Jashugan. Como Alita es la que madura antes Sachumodo no puede más que perder. El instinto guerrero, que es una especie de invencibilidad pues es la tenacidad típica japonesa, no rendirse jamás, y el dominio del cuerpo logrados por Gally lo derrotan. Pero como no es un villano no es asesinado sino que sufre una regresión al estado fetal que es una especie de nirvana pues también es fusión con el Universo. El caso es que queda crisalizado con un innegable aire a 2001 lo que permite su conservación como advertencia y promesa de recomienzo.

Después de esto Kishiro pasa a ocuparse de la superficie. Aparece en ella Vector como un tirano y Kaos sin gafas pero con una mancha en la cara. Todo sigue esencialmente igual porque aunque el Cielo ha quedado vacío la superficie no acomete la obra de una torre para llegar hasta allí porque se ha quedado sin héroes. Den está muerto y Alita se ha marchado. Finalmente vemos que Kaos se convierte en héroe como estaba predestinado gracias a su capacidad para absorber de los objetos la huella de sus dueños. Desde el cielo le cae un avión de papel que le hace ver que todo sueño es un pecado-carga pero también es lo que hace vivir así que hay que tratar de cumplirlos. Quién arrojó ese avión? Naturalmente Alita. Así, Kaos queda como el representante de Gally en la Tierra ahora que ella va al Cielo. Alita así vuelve a revelarse como semidivina. Una pista premonitoria de su destino. Por ello ahora caigo que su origen es arquetípico, es el del Héroes Redentor, el que han tenido todos desde Sargón hasta el último que no sé quién es. Su caída del cielo revela su origen divino y su hallazgo en el vertedero es un nacimiento pesebrista, el más habitual del Héroe Popular. Una continuación de este subtrama lo tenemos en la historia "La rapsodia de Barjack", la última historia corta que sirve de puente entre la 1º y la 2º fase de la obra. En este relato vemos que Kaos y Vector van a colaborar en juntar Salem (la cual sabemos, no como los personajes, que está destruida) con el Patio de Desperdicios pero que el renacimiento de Den amenaza esa naciente y esperanzadora alianza que ha superado la violencia. Esto se cuenta en una típica historia de alumno y sensei. Koyomi estudia como hacerse una fotógrafa profesional mientras lidia con la reaparición de Den. Junto con "La patria" es de las mejores historias de Otras historias. Tiene mucho interés porque es la reproducción en pequeño de la historia de Alita pues es el relato de la búsqueda de un lugar en la sociedad por parte de un joven. La diferencia estriba en que aquí hay un viejo maestro que poda/doma mediante el enfrentamiento al joven talentoso pero indisciplinado para que pueda vivir en sociedad. Así, en esta historia Koyomi se adelanta a Alita adquiriendo una profesión, los profesionales son aquellos que han encontrado un lugar social para sí mismos, que le da la confianza en sí misma que todo adulto necesita, pues hacer algo y hacerlo bien es una forma de conseguirla. La profesión nos convierte en útiles para la sociedad dando una confianza y una autonomía que se ven atemperadas por lo social. De este modo esta modesta historia nos permite entender mejor la idea japonesa de sociedad y con ello podemos pillar mejor Alita.

Con todo arreglado abajo Kishiro puede hacer subir por la escalera a Alita. Así pasa al Otro Mundo, territorio desconocido para ella aunque es su casa, y llegamos a Jeru(+Salem), el techo del mundo aunque lo que la trae aquí revela que en realidad es un Infierno. Un sitio, más que maldito, peligroso. Alita se adentra en la senda del Héroe Redentor. Se mete en el Otro Mundo para salvar un alma, traer de vuelta a un muerto. La prueba definitiva del héroe. Alita será un Orfeo o un Heracles? Con la aparente ascensión nos enteramos de cómo es el mundo de Gunnm. Así conocemos que esta regido por LADDER (escalera [de Jacob]), el consejo de los diferentes estados humanos del Sistema Solar. Al estar en el Cielo naturalmente sale un dios a recibirnos, Aga Mbadi, indio como el budismo. Su divinidad no salta a la vista pues es de carne y hueso pero es que esta está, como debe ser, en su interior, su cerebro es uno y trino. Posee 3 cerebros integrados en el suyo por lo que es llamado Trinidad, ingenioso nombre que no alude a una peli de Terence Hill y Bud Spencer. El cristianismo es otro tema presente en este manga. Por eso es el más poderoso del Espacio conocido por el Hombre. Esto nos hace reparar en el hecho de que Desty Nova también es trino pues hay 3 versiones suyas en este momento de la obra, la diferencia es que esta trinidad está dispersa. El asunto es que LADDER es una sociedad estanca por ello necesita crea genios viables fuera, en Salem, para que vengan y la renueven. Las pruebas de que uno es un genio viable son la de no volverse loco por la genialidad y la de lograr subir a Jeru. Sólo 4 lo han conseguido, Desty Nova y los dueños de los chips (recuerden que así son los cerebros de los salemianos) que ahora forman el cerebro de Mbadi. Así se nos revela que el científico loco es como Alita, un héroe, es un luchador por la Libertad (quiere liberar a la humanidad del karma), es decir, un transgresor. Es decir, peligroso. Por eso lo que busca LADDER es absorverlo, domesticarlo, no dejarlo libre. El encuentro con la divinidad reinicia todo. Alita para escapar de la tiranía de Mbadi se ve obligada a automutilarse cosa que es una regresión, pues vuelve al aspecto que tenía al principio. Por ello todo recomienza en el Otro Mundo de Jeru, un mundo que recuerda tanto al de los muertos, así son considerados sus moradores por Jeru, como al del otro lado del espejo. Su autosacrifico le permite conocer a Ping, el trickster de este mito. El heraldo del cambio de este panteón que ha permanecido durante tanto tiempo oculto para poder vivir que ha olvidado su carácter heroico. No sólo es egoísta como Alita sino que también ha perdido la voluntad de cambio. Ping era Weasel (en inglés comadreja y escaqueador), el que popularizó la matusalenización robándola cual Prometeo. Lo malo es que eso no impidió que la élite se perpetuase como verdaderamente a ellos les gusta, no en sus herederos sino en sí mismos, así que fosilizó al mundo. Es el conflicto clave de la mitología griega, el cambio generacional. Su fracaso al intentar arreglar la cosa, sueño de juventud o de una noche de verano, es lo que le hizo renunciar a ser un Héroe Redentor al convencerle de que no merecía el esfuerzo. Con él ganamos las piezas que nos faltaban. La sociedades celestiales, Jeru y Salem, son ciudades que mediante nanotecnología aplican el control mental a sus ciudadanos pero Jeru es más perfecta porque libera la frustración en ellos producida por este volcándola en un sueño creado por los cerebros de los condenados de Salem. Uno de estos es el de Ruw. Esto en cuanto a lo interior, en lo exterior, el Espacio humano está en una Guerra Fría entre Venus, una sociedad con ecos de Swift, con esto Kishiro se confirma como un mangaka particular, conoce mucho de Europa para ser japonés, y Júpiter, los estados más poderosos del Espacio humano. En este conflicto la Tierra es el mediador (sólo Jeru pues ni la superficie terrestre ni Salem saben nada desto) y Marte y el cinturón asteroides los territorios disputados porque sus recursos son necesitados por los humanos de Venus y Júpiter para concluir sus respectivos proyectos de habitación de sus planetas. Esto es un orden congelado a pesar de la Guerra Fría por la matusalenización, es decir, la inmortalidad, y la nanotecnología. El primero hace que no haya nacimientos y el segundo impide el progreso por su peligrosidad. Por esto último Desty Nova interesa a Jeru, su  Teoría Karmatrónica es la solución al problema de controlar la nanotecnología (esto no lo entiendo bien así que no puedo explicárselo).

Un inciso. La simbología de los planetas se me pasó como lo de la condición femenina de Alita. Marte es la guerra, no sólo Alita es de allí sino que además allí se inventó el Panzer Kunst, el arte marcial de la que derivan todas las del mundo de Gunnm, es el campo de batalla donde se enfrentan indirectamente venusinos y jovianos y es el hogar de Limelya, otra posible Héroe Redentor. Desde luego es la más cercana por su candorosidad y ternura desarmantes. Su redención viene en forma de renacimiento, es decir, de vuelta a lo antiguo. Limelya es reina de un reino marciano tradicional pues es fiel al ciclo natural de renacimiento-renovación. Allí no hay inmortales por lo que se sigue pariendo. Esto convierte a ese reino, a través de sus mujeres y niños, en una amenaza al orden de LADDER (su fuerza de seguridad se llama New Order y viaja en naves con nombres artúricos: Perceval, Lanzarote y una 3º ilegible por lo que no podemos estar seguros de  que Kishiro ha escogido los nombres por su relación con el Grial). Orden es la palabra de esta fase como indica que está en el título. Venus es claramente lo que ha hecho que Kishiro caracterice a sus habitantes como unos pervertidos sibaritas, es decir, como humanos poseídos por la sensualidad. Júpiter no lo tengo claro pero parece simbolizar la tecnología pero el dios romano que ha dado nombre a ese planeta no patrocinaba esa actividad humana. No obstante, Zeus congeló el mundo al instaurar su cosmos. Plutón/Caronte al referirse al dios de la muerte romano es donde Mbadi murió por dentro al presenciar la larga agonía de su amada (llamada Lakshmi lo cual identifica a este como Visnú, el dios supremo del hinduismo actual) sin poder evitarla. Esto refuerza el carácter infernal de Jeru, la morada del llamado Trinidad. Pero como es norma en Alita el antagonista no es un villano. Mbadi odia la muerte, o sea, no está a gusto consigo mismo, y el desafío y desea traer el orden y que reine la paz. Quiere ser un Héroe Redentor, es decir, corregir el mundo, pero no se da cuenta, pero Limelya sí, de que no puede porque carece de humanidad. Ha perdido su alma. Es curioso que sus hazañas de ficción Kishiro las dibuje citando al estilo Image. Por último Kishiro presenta una nave que llama Leviatán por Hobbes. Con ello demuestra su buen conocimiento de la cultura europea. Ese tío, que fue un absolutista (aunque no creía en el derecho divino) en un momento en que en Inglaterra eso era mortal, es un pensador político muy influyente cuyas ideas políticas tienen similitud con la idea japonesa de sociedad y ha influido en Kishiro a la hora de crear esa sociedad perfecta de mediocres controlados (unanimous se llama el sistema de control) de las ciudades celestiales. La libertad era muy peligrosa para Hobbes porque pensaba que era la responsable de que el hombre fuese un lobo para el hombre.

En esta parte Kishiro también explora al guerrero. Para contrastar con Alita, el guerrero marcial, nos presenta al leal, el que sigue un líder que, más que una persona, es un motivo para arriesgar la vida y luchar hasta el final. Esto es lo que le distingue del soldado, tiene libertad de decisión luego no es una herramienta o un servidor. Así, gracias a presentarnos un guerrero leal Kishiro nos muestra en todo su esplendor el desnortamiento de Alita. Sin motivo, o sin líder, está perdida. Por eso reinicia su viaje de maduración-autoconocimiento. Alita vuelve a ser una niña porque no entiende el mundo. Pero no se derrumba porque vivir es tener pasión, una búsqueda, voluntad. Para realizar esta reflexión sobre el combate, recordemos que Kishiro usa la pelea como metáfora de la vida (se lucha porque no se tiene lo que se quiere), introduce un fantasma, el Coronel Payne (dolor), el guerrero cruel, que pretende ser el mentor que no tiene Alita. Tengo que señalar aquí una frase que no comprendo aunque es clave para entender la obra: el esclavo deja de serlo durante la batalla. Parece querer decir que en ella se es libre porque cada uno puede decidir lo que hacer, pero no lo tengo claro porque eso sólo pasa en los duelos. En la batallas uno sigue órdenes aunque sean simples o precarias. Igual la cosa pasa porque en peligro de muerte la sensación de estar vivos se agudiza (imagino) y eso puede revitalizar al esclavo que para Kishiro es una máquina, una herramienta.

Para terminar me referiré a Toji, el gran oponente de este ciclo de Alita. Un ciborg de alma minúscula pero cuya gran fuerza y frío pragmatismo lo hacen un oponente casi invencible. Representa al que relaciona la fuerza física con el poder. Así pues tenemos un guerrero egoísta, pelea por el poder, sólo para su beneficio. Como es normal en las historias hay un enfrentamiento previo donde Kishiro se rebela pues no lo gana Toji, que es la norma en la ficción. Está transgresión es necesaria porque Alita debe madurar para enfrentar los desafíos del futuro inmediato. Así, la casi total invencibilidad de Toji es necesaria para empujarla a romper sus cadenas-limitaciones (que fundamentalmente son las relaciones afectivas). Para ganar hay que abandonarse, vaciar la conciencia, es decir, perder el miedo a la muerte pues morir a veces es el precio de la victoria. Puro bushido. Nos lo enseñó Jasugun. Alita lo hace, superar el límite último de todo ser vivo: el miedo a morir, y así se convierte en un arma pues deja de ser un viviente. Pero la victoria la obtiene ya inconsciente. Su consciencia no ha podido soportar el esfuerzo. Esto prueba que Alita aún le queda trecho y confirma lo que es para Kishiro la lucha, una actividad instintiva, no participa en ella la racionalidad. Por otro lado comprendemos por fin que Jasugun ha dado a Alita el orgullo de ser un ciborg al demostrarle que eso no la hace menos humana y Den le ha enseñado a no resignarse.

Con esto las cosas ya están listas para el ZOT...

Critiquita 394: Mietzko/Ogoniok, Toppi, Ninth Ediciones 2013

Como prueba de que las intenciones declaradas por Ninth Ediciones no eran mera palabrería el 1º cómic editado por ellos, Mietzko/Ogoniok, es uno de Toppi, uno de los más grandes y, de todos ellos, quizás el peor publicado aquí. Su último cómic editado tiene como 8 años. No entiendo porque el maestro Toppi es tan despreciado. Es un dibujante excepcional y sus historias son interesantes. Supongo que será porque hizo cómic adulto de temas no populares, por ejemplo, cultivó mucho lo histórico, aunque a él lo que más le atraía era la Fantasía. También supongo que el trabajar en B&N le ha perjudicado. En fin, el caso es que ha vuelto a llover.

Este cómic contiene 2 historias cortas independientes de desigual longitud. La primera, "Mietzko", más larga, está ambientada en el frente oriental de la 1º Guerra Mundial en el lado de las potencias centrales y la segunda, "Ogoniok", en la taiga nororiental de la Rusia decimonónica. Ambas tienen en común que son historias de Fantasía clásica, a lo Poe. En cierto modo es un cómic que se parece a Hellboy en cuanto a que es una reelaboración de los cuentos, las leyendas y los relatos fantásticos tradicionales y clásicos. La primera está bien y la segunda es notable. En ambas Toppi está sensacional en lo visual. Su característico estilo de viñetas fundidas en un todo página que hace que sus cómics sean tanto ilustraciones como narraciones es, como siempre, magistral. Para él todo en la hoja es un elemento figurativo de modo que sus comics son tremendamente plásticos. No distingue entre palabra y dibujo ni entre elemento estructural, como el bocadillo o la viñeta, y el elemento plástico, por ello es un narrador gráfico portentoso y abracadabrante. Así, no extraña que como guionista, aunque no sea nada manco, no destaque tanto. Construye bien las historias, dialoga con soltura y emula muy bien sus modelos pero se expresa mejor con los dibujos que con las palabras así que como guionista no llega a la excepcionalidad como sí hace con el dibujo.

En fin, Mietzko/Ogoniok gráficamente es de lo mejor que se ha publicado este año (y en anteriores), recompensa suficiente para el aficionado al Cómic, por lo que gustará a todos aquellos fans del relato fantástico clásico. Todos los que disfrutan de las reediciones de Creepy y de Eerie aquí tienen lo mismo pero mil veces mejor. Un dibujo excepcional y un fantástico clásico notable, sobre todo en su segunda historia, la primera es previsible y por ello poco emocionante, gracias a su humor irónico. En suma, Mietzko/Ogoniok es una gran muestra de la fantástica capacidad de Toppi. Por eso espero no tener que esperar 8 años a poder degustar otra obra suya.

Los comics roleros de Zinco

Estos comics se publicaron en España entre mediados de 1990 y mediados de 1991, el último año en el que jugué regularmente al D&D. Son un gran documento para reconstruir la época, sobre todo para el tema D&D. Se publicaron en un momento en que no estaba ese juego disponible en España pero se sabía que había salido uno nuevo en EE.UU., AD&D, y, como siempre, había rumores de que alguien lo iba a publicar aquí. Lo curioso es que atañían a Zinco, la editorial de los comics, pero está no lo publicó hasta 1992. Por eso lo relacionado con estas series es un misterio, Zinco se lanza a publicar 2 series pero pasa del juego y luego, tras un año, las cancelan sin avisar. Yo he llegado a la conclusión de que se cancelaron porque en EE.UU. se hizo lo mismo, no importó el que hubiese material inédito (la cole de D&D llegó a los 36 nº y Dragonlance a los 34). Es algo que Zinco hizo con otras coles. Lo que no sé es el por qué, cuestión de contratos o una perdida de fe en el producto? Vayan ustedes a saber. El caso es que las secciones editoriales dan mucha información sobre el rol en España en esos momentos. 2 cosas me han sorprendido: hay cartas de chicas cuando en aquella época ninguna escribía a un correo de superhéroes y el mundillo era muy parecido al de ahora. Como estaba desasistido por empresas había mucho movimiento de aficionados. Muchos clubs, jornadas y gente anunciando sus juegos en una época que no había Internet! Tenías que escribirle para pedírselo. A gente que no conoces un producto que no puedes ver. En fin, el amateurismo, como siempre cuando no hay empresas que contengan su entusiasmo, era el que mantenía el pabellón en alto en aquella época. 

Dragones y Mazmorras: AD&D en el original encadena historias de 4 grapas de extensión protagonizadas por un grupo de aventureros bastante original, dudo que en las mesas de juego del mundo entero de aquella época hubiera uno parecido, aunque no salían todos siempre. El cómic es malo, hoy y entonces. Los protagonistas carecen de carisma, a quién le interesa una exdiosa vieja?, los guiones son muy vulgares y convencionales, de trámite, y el dibujo de J. Duursema, una mujer habitual en los comics de Fantasía de aquella época a pesar de que es una dibujante realista y delicada, es flojo pues esta vez no es asistida por un entintador así que la cosa queda árida y tosca, sin fondos, sólo con la silueta y con una perspectiva y anatomía bastante deficientes la cosa es desoladora. La 1º historia es de M. Fleisher, un tipo que guionizó a Conan, es muy mala y desperdicia las pocas ideas buenas que tiene. Quizás por eso la editorial española decidió dar un salto pues la 2º historia, "Juegos de poder", no es la siguiente sino la siguiente a esta última. El nuevo relato es de otro guionista J. Gubb, un ilustre desconocido, que, aunque es mala, es tragable por su comedia, originalidad y enredo. La última historia publicada en España, "Juegos de magia", es de D. Mishkin, un profesional de la casa. Intenta ser más adulta y compleja pero al final resulta un melodrama barato porque el juego de apariencias falla al ser puro cliché.

Lady Shindia. Erotismo Drow, lo único rescatable del trabajo de J. Duursema de lo aquí reseñado. 

Dragonlance: es mucho mejor serie que el anterior aunque no pasa de correcta. Tiene la misma estructura que la anterior, historias de 4 grapas, pero aquí no hay un grupo fijo de protagonistas. Su gran valor, más que partir de un mundo literario con cierta profundidad, son que la guionizó el mejor de los 3 guionistas anteriores, el 3º, y que contó en el apartado gráfico con R. Randall, un trekkie notable dibujante realista que ha trabajado para casi todas las editoriales de EE.UU. y es uno de los mejores dibujantes estadounidenses de culos femeninos que la Historia ha conocido. Con un guionista decente y un dibujante atractivo la cosa es más agradable. La 1º historia durante muchos años fue la que más me gustó de todas las de estos comics roleros. La tenía en gran estima. Más que deslumbrarme el contacto con el mundo de Dragonlance (luego fue leer la trilogía fundacional y salir espantado) fueron el onirismo y el aire trágico de la historia, eran cosas que no estaba acostumbrado a ver en la Fantasía, y el culo y las eróticas poses de Riva. Estas cosas me hicieron pasar por alto a Fizban, a su lado Jar Jar Binks es un gran cómico. La 2º historia, "El peón de Raistlin", nunca me ha gustado a pesar de que parte de una premisa muy interesante. El gnomo no pega con la tormenta interior y Laurana y Myrella son demasiado modosas. La 3º historia ahora me parece la mejor porque en "La arena de Istar" la sofisticación que intentaba dar D. Mishkin a sus guiones está más conseguida. Lo malo es que está dibujada por D. Simons, pero no es grave ya que este fue asistido por R. Randall de modo la cosa, aunque peor, no queda mal. La historia tiene la tragedia de la 1º y el marionetismo de la 2º y así queda un relato, aunque facilón, interesante en la línea de la tragedia clásica, los hombres son simple marionetas de los dioses y estos son crueles y despiadados, su bondad es muy limitada y nunca hablan claro, si los abandonas, qué es un momento en la eternidad?, te envían una lluvia de azufre y fuego que ríete de la de Sodoma y Gomorra. De todo ello es brillante metáfora el tema de los gladiadores. Los únicos peros son un dibujo demasiado luminoso para una historia sombría, la pobreza en los fondos y que sus protagonistas, como en la historia anterior, son masculinos aunque afortunadamente hacia al final aparecen elfas marinas en minibikinis ya que Riva sale poco, demasiado vestida y por lo general sentada.   

Sí. Impresionante Riva. Pero no lo que estás diciendo. Una viñeta inolvidable para mi.

En fin, creo recordar, aunque uno no se puede fiar de los recuerdos, que no estaba satisfecho e iba a dejar estas coles. Hoy dejaría la 1º ipso facto (aunque igual le daba otra saga porque Mishkin se convirtió en el guionista regular a partir de la 4º historia) y continuaría la 2º. Me he quedado con la curiosidad de ver qué más cosas planteó Mishkin y ver más muestras del erotismo soft de Randall, ese amante de los culos generosos. En fin, voy a ver qué puedo conseguir. Si no fuese por la piratería habría mil cosas que se perderían como lágrimas en la lluvia. Pobres autores, cómo las editoriales no quieren reeditarles les roban el dinero.

Riva siempre de puntillas. R. Randall sabe qué es lo mejor para nosotros.

Tetas y culo en un mismo plano mucho antes de que los de Image popularizaran esta atrevida y alegre pose. R. Randall rules!

Critiquita 393: Infinito nº 1, J. Hickman y J. CHeung, Marvel-Panini 2013

Ya está aquí ya llegó el nuevo evento marvelita. Tan poco ambicioso como el último pues, aunque es de escala galáctica, sólo afecta a los Vengadores de Hickman. Se ve que incluso la editorial se ha cansado de esos eventos que cambian las cosas de tal forma que nunca volverá a ser igual que afectan a todas las coles. Una palpable decadencia de la cosa que debería hacer reflexionar.

Con este evento hemos ganado pues Hickman es mejor que Bendis, Millar y Fraction. Es más soso que estos pero es más sólido y, además, utiliza muchos más elementos del Universo Marvel que aquellos, no busca sólo el golpe de efecto y añade cosas de su cosecha. Así, Infinito no parece ser un evento como era norma, chirriante porque no encajaba con lo tradicional y pobre porque se limitaba a jugar con lo que ya había (la persecución mutante, las diferencias de opinión entre superhéroes, los skrulls, los asgardianos y Ultrón). Gran parte de lo que sale en este evento ya existía hace tiempo (los estados galácticos, Thanos...) pero Hickman los desarrolla a la par que mete cosas nuevas como ese rollo de los constructores. Además, trae de nuevo la Ciencia Ficción a los superhéroes, cosa que encaja más con ellos que el noir y lo urbano que es lo que practicaban los anteriores niños bonitos. Lo malo es que el guionista es soso, lento y frío así que este nº aunque correcto no emociona ni interesa. Hay cosas buenas como el terror que tienen los villanos galácticos a la Tierra y el maquiavelismo de Thanos, pero ha pervertido a Rayo Negro, era un rey heroico y lo ha convertido en un taimado soberano, y le gusta esa cosa horrible que es los Iluminati. Esa parida de Bendis que es antiheroica porque los superhéroes no se ocultan (llevan uniformes de colores chillones!), no conspiran en las sombras (lo suyo es la violencia pública), no son políticos (son parasistema) y, por supuesto, no matan. 

El dibujo es de J. Cheung. Un tío que dibuja bonito pero que no ha evolucionado en 20 años de tal modo que primero ya está muy visto y segundo no sabes que cómic suyo está leyendo. Además, lo que tiene de bonito lo tiene de limitado, es incapaz de dibujar la edad y todo le sale demasiado limpio. No es el mejor para dibujar una historia sombría, su estilo mono es la antítesis de la gravedad y la ominosidad, las características fundamentales tanto de Thanos como de la historia de Hickman.

Así pues, Infinito es, de momento, el evento más sólido, coherente, complejo y diferente (aunque sigue la gastada fórmula tradicional para este tipo de cosas) del siglo XXI pero, como sus predecesores, sigue sin llegar. Si los anteriores fallaban en ello por su inanidad e incoherencia este lo hace por su frialdad y su falta de dinamismo, carencias que Cheung no va a compensar si bien el no va a dibujar todo. Así que tras su lectura estoy como siempre en estas cosas, frío como un pescado.

POST 800: Relecturas XCIV: Los Vengadores: Grandes amenazas, Shooter et al., Panini-Marvel 2011

Este tomo reúne una serie de historias de finales de los 70 que son publicitadas por los viejunos como el epítome de la acción en Marvel. Esta serie de historias independientes y cortas tienen el denominador común de ser peleas donde los Vengatas se pegan con enemigos muy poderosos. Nunca hasta ese momento este supergrupo había encadenado seguidas tantas peleas capaces de llevarlo límite y no estamos hablando de una alineación floja, la de esta época no es moco de pavo. Evidentemente de eso hoy no queda nada. Los tiempos han cambiado y el dibujo se ha sofisticado así que la acción de estas historias ha quedado superadas por la de sus sucesoras. Quizás antes de estos nº las peleas superheroicas no habían sido tan especiales. Lo cierto es que aquí el trabajo del guionista y sobre todo de los dibujantes no es tan funcional y lleno de clichés como era la norma en los comics anteriores. Pero hoy en día, gracias al cine de Acción y a que los dibujantes actuales deben ser espectaculares más que trabajadores, la acción de estos nº resulta bastante pobre. Después del Thor de Simonson la acción en el género superheroico cambió para mejor de modo que lo anterior, salvo excepciones (Kirby, N. Adams), deja que desear. Así, estos nº hoy son flojos. Su brillo dorado ha desaparecido para siempre ya que al ser acción en viñetas pequeñas no ha aguantado el paso del Tiempo. Es como ver una pelea o una batalla de peli antigua. 

Así, a pesar de que las amenazas siguen siendo poderosas y tener guiones de Shooter, el tomo es flojo. La 1º historia es un enfrentamiento con el supervillano Gravitón, que fue creado para la ocasión. El que sea el típico villano de opereta y el melodrama romántico es lo que hace mala hoy en día la historia. Shooter creó un supervillano muy poderoso y por ello, como era norma en sus tiempos, decidió ponerle una flaqueza, un talón de Aquiles para que pudiese ser derrotado porque mediante la violencia era imposible. Un truco gastado hoy en día. En fin, que sea el obediente y complaciente Jarvis el que salva el día lo dice todo. Busiek siguiendo el mismo el patrón lo hizo mucho mejor cuando rescató a este supervillano. La 2º historia es un nº único que se dedica a desarrollar el rollo familiar de Wonder Man y que no aporta nada más allá de ser un episodio más deste culebrón hoy olvidado. La 3º es una de las apariciones de Ultrón, importante porque es la creación de Yocasta. De nuevo el rancio melodrama romántico, Ultrón queriendo crearse una compañera como si fuese Frankestein, lo estropea todo. La 4º historia es un nº único de trámite o transición, Shooter rescata del Hades a Tifón para llenar un mes con un argumento bobo. La 5º es la "joya" deste tomo. Es el tríptico del conde Nefaria. Ahora Shooter en vez de crear un nuevo villano reforma uno antiguo. La idea es buena, un villano se da cuenta de que en un mundo de superhéroes o se convierte en supervillano o desaparece, todo ello con un toque de soberbia aristocrática. Mal plan porque al convertirse en una especie de Superman ha sido tan poco utilizado como antes de esta historia. La pelea es dura, larga y violenta, en esas coordenadas es épica, pero es demasiado larga y Byrne falla en la destrucción (Nefaria levanta un edificio y el dibujante lo plasma como si este fuese un cubo de juguete; Nefaria es derrotado por un golpe de la Visión equivalente a una bomba H pero las consecuencias son sólo un boquete en el asfalto de la típica calle estrecha de Manhattan) y se olvida de las panorámicas. El tomo lo culmina un nº de relleno muy flojo por su argumento tan tonto como muy de la época. Un pésimo broche final sólo explicable porque el completismo no deja olvidar nada, ni siquiera lo malo o intrascedente.

En fin, aunque a los guiones de Shooter la solidez y la modernidad deste, es el 1º guionista en cuestionar seriamente a los superhéroes, les han salvado del Tiempo, lo cierto es que aquí no. Lo que falla es que son historias formulaicas, muy vulgares, no tienen mucho interés. Sin embargo, a diferencia de otros muchas similares, sí son importantes pues la etapa de Shooter es fundamental para Los Vengadores de tal modo que incluso hoy estos y sus aventuras están mediatizados por ella. Aquí Ultrón habla de una Era de Ultrón y es conocido que Bendis para los Vengatas bebe sobre todo de Shooter.

El apartado gráfico no es malo exceptuando las páginas de S. Buscema, casi irreconocible bajo las pastosas tintas de P. Marcos, y de Tuska, el 1º está demasiado funcional y el 2º es tosco. Sin embargo, un Perez y un Byrne a medio cocer no son dibujantes memorables. La tendencia del 1º a la densidad y el realismo siempre le han restado atractivo y dinamismo y el 2º aún cateaba en anatomía y no acierta con la narrativa, se decantó por la clásica cuando no es la mejor para la acción pues no conoce el cinemascope y la splash-page. No puedo terminar el párrafo dedicado al dibujo del tomo sin mencionar que contiene el uniforme más sexy que ha llevado jamás la Avispa, la prueba de ello es que sólo lo llevó en el nº 161. Lo diseñó para mantener el interés de su marido, qué tiempos locos aquellos.

Tronco delgado, piernas gordas. Cómo me gusta a mi.

Así pues, este tomo, aunque vital para la trayectoria de Los Vengadores, no es una grata lectura. La acción pura y dura siempre es pobre, el melodrama es demasiado rancio y al dibujo le pesa su clasicismo.  Además, editorialmente no es redondo. La portada del nº 164 está mal reproducida y relega al final del tomo la del 158, una muy chula de Kirby, en favor de la introducción de Fonseca. Tan tonta e inane como siempre de modo que bien podía haber ido al final en vez de al principio.