Critiquita 416: Inhumano nº 1 y 2, varios, Marvel-Panini 2014

He llegado a esta cole porque en este siglo empecé a seguir a los inhumanos, una especie humanoide creada por Kirby donde, como es habitual en sus creaciones, la magia y la ciencia se confunden, convertida en algo pop por Lee. Así, son otra de esas mezclas geniales de esa pareja fantástica que son todo potencia. Un reino de cuento, una ciudad futurista, un villano shakespiriano, una familia real con problemas, una pareja real triste y lo favorito de Lee, gente diferente incomprendida por los demás por lo que debe vivir aislada u oculta. Por ello siempre Marvel ha buscado potenciarlos, llevarlos más allá de ser secundarios habituales. A principios de este siglo trató de relanzarles con mini-series pero la deriva del Universo Marvel hizo que al final cayesen en el área de Ciencia Ficción, es decir, en el Espacio, donde se los encontró Hickman, que desde entonces controla tanto sus destinos que le han dejado dinamitar los límites impuestos por Lee&Kirby que todos los guionistas en los últimos 50 años respetaron. 

Parte del encanto de los inhumanos es que son una especie muy poco numerosa. Con eso ha acabado Hickman hace poco, tras convertir a su rey en polígamo (pocas posibilidades quedaban para seguir haciendo que la relación romántica de la pareja real siguiese siendo trágica) y sacarse de la manga inhumanos espaciales, descubriéndonos que hay más inhumanos en la Tierra de los que conocíamos y que, además, hay híbridos de humano e inhumano. Los conspiparanoicos explican este cambio como el movimiento de Marvel por tener unos mutantes propios en su universo cinematográfico ya que los tradicionales los tiene otra compañía. Esto es a todas luces una majadería. Que otro haga pelis con mutantes no perjudica a Marvel porque su popularidad redunda en ella más que en la productora y los inhumanos no pueden sustituir a los mutantes porque el rollo de cada uno es diferente. Queda claro si comparamos títulos. Inhumano, singular, contrasta con el plural de todos los títulos mutis excepto Lobezno, al que acaban de matar (posiblemente para preparar su relanzamiento para cuando Jackman sea sustituido). Ignoro los motivos, pero seguramente ha pasado que las ganas que ha tenido Marvel desde siempre de convertir a los inhumanos en gente de 1º fila se han juntado con las ideas ambiciosas de Hickman. Este guionista los convirtió en clave para su ya olvidada etapa para los 4F e Infinito ha dejado claro que estos también son clave para su historia de Vengadores. Así, parece que lo que ha ocurrido es que los inhumanos, a costa de desnaturalizarse, han encontrado quien los escriba. A lo cual se ha sumado a la reciente política editorial de Marvel por potenciar sus personajes femeninos tras barrer el suelo con ellos desde que apareció Bendis (aunque no quiere decir que sea él el responsable último de eso). Todo esto encaja mejor con estos 1º nº que la teoría conspiparanoica: anulado Rayo Negro queda Medusa como 1º inhumano y la trama no sólo es heredera de Infinito sino que tiene pinta de que está muy relacionada con la que está contando Hickman en Los Vengadores.   

Esto es un problema que dentro de poco deberá superar la cole pues aquel termina en el próximo mayo. Pero antes tendrá que resolver el problema que tiene ahora mismo. Marvel quiso que la nueva cole regular de los inhumanos la escribiese Fraction, pero este la dejó nada más nacer sin duda porque no tenía interés en estar sometido a los dictados editoriales-Hickman en una cole donde podía dejar suelta su imaginación. Esto ha hecho que su edición esté siendo caótica y de este modo la promoción que Marvel ha hecho haya resultado inútil.

Esto es la razón de que el post vaya sobre el nº 1 y nº 2 Panini de Inhumano. El 1º, un par de nº especiales, está escrito por Fraction y el 2º, el 1º de la cole, está escrito por Soule, un guionista novato que por lo visto es bueno, que es el guionista regular. La grapa de Fraction a mi me ha gustado bastante, es lo mejor que he leído de él (no he leído su cacareado Hawkeye). No tiene nada especial, es clásica y es lo de siempre, presentar situación y personajes e introducir misterio para enganchar, así que lo que parece es que Fraction conecta mejor con los inhumanos que con Thor y los 4F y que el argumento, que le viene impuesto, es más interesante que los que ha tenido que inventarse él. Así pues, presenta una historia interesante e intrigante, que dudo que pueda ser degustada plenamente por el que no esté al día con Hickman y los inhumanos, metiendo todo el bagaje inhumano de estos 50 años y a la vez demostrando que el asunto no va estar en mirar al pasado ya que todo ha cambiado tanto que no queda otra que inventar sobre la marcha. En fin, que traslada muy bien la incertidumbre y el vértigo que da el tener que construir un futuro sobre las ruinas aún calientes de un pasado que parecía eterno. Soule no ha estado tan fino como Fraction y aunque parece bueno, es la 1º vez que le leo, no afronta el nº 1 para enganchar a la gente. Se sube perfectamente al tren en marcha, es lo que tiene que la historia principal esté ya escrita, pero no ofrece nada diferente ni emocionante. Un principio típico de una historia extensa pero el problema en el que parece que Soule no ha caído es que esto va de entregas mensuales, no es un libro o película que se adquiere completo desde el principio y por tanto el consumidor ya está obligado desde el  comienzo a seguir más allá del principio. 

Los dibujantes son una ensalada en la que sólo destaca como siempre el gran Coipel. Un dibujante genial que cada vez se prodiga menos. Los 3 1º nº de la cole los dibuja Madureira, un tipo talentoso pero sin solidez de modo que el resultado es mediocre aunque atractivo a 1º vista si te mola el amerimanga, muy pasado de moda a estas alturas. Su presencia en el título sólo obedece a que Marvel ha querido atraer al máximo nº de personas posible al principio de la cole pues el tipo tiene muchos fans. Una maniobra habitual que no servirá para nada como siempre pues quien sigue una cole por el dibujante le importa un pepino el guión, cualquiera que lleve tiempo en esto lo sabe.   

En fin, a mi me ha molado este principio, pero a mi me molan mucho los inhumanos. Salvo Coipel me sobran los dibujantes pero los guionistas han hecho un buen trabajo presentando lo nuevo combinado con lo viejo. Por tanto, un buen comienzo empañado por 2 cosas: no es para lectores novatos y carece de leitmotiv, una premisa que sirva como motor de la serie más allá de lo coyuntural, y de personalidad, algo que lo distinga del resto de coles superheroicas que son legión, ya que Hickman se ha cargado lo que había. A encontrar un leitmotiv y crear una personalidad ha de ponerse Soule porque si no cuando el rollo de Hickman termine se va a quedar desnudo, y eso siempre lleva a la cancelación y sería una pena que los inhumanos no pudiesen llegar más lejos que nunca ahora que están mejor situados que nunca como demuestra que en España se nos sirva Inhumano en grapa.  

Relecturas LXXXVII: La Cosa del Pantano, A. Moore et al., DC-Planeta 2007-2008

Esta colección, el paradigma durante 25 años de lo que debía ser un cómic adulto y alternativo dentro del mainstream, la abanderada de un sueño fracasado por el cual lo pop, entretenimiento sencillo de evasión hecho a base arquetipos, estereotipos, convenciones y clichés, por ello conservador, podía ser enriquecido con progresismo, cultura y reflexión y así elevar el producto por encima de las palomitas y del usar y tirar, la leí muchos años después de su publicación por lo que lo tenía difícil para asombrarme puesto que Moore ya no puede sorprenderme pues he leído casi todo lo grande que ha hecho (y sigue haciendo), me falta Miracleman/Marvelman. Así, en su momento me pareció una etapa irregular. Ahora, tras releerla seguida unos años después, la opinión es la misma. Oscila constantemente entre el bien y lo brillante. Moore siempre está excelente, aunque se pasa con su prosa poética y recargada que hace difícil traducirlo bien, pero no siempre da con un argumento interesante o con la forma brillante de contar algo. De todos modos, lo que el inglés hace aquí está por encima de lo cualquier mortal en su mejor momento puede llegar a hacer. La etapa es irregular y Moore pierde el interés antes de que termine, pero el típico guionista mainstream, casi todos los que ha habido y hay, jamás llega a hacer algo así. Por eso estos episodios de La Cosa del Pantano son históricos y, en conjunto, de los más influyentes de los últimos 30 años.

Otra cosa especial que tienen es que son los únicos de Moore dentro de un universo de ficción cohesionado y determinado por la continuidad perteneciente a una editorial grande. Gracias a ellos podemos imaginarnos qué tal lo habría hecho el inglés si hubiera sido alguien más modesto y convencional. Es decir, cómo habría sido el trabajo de Moore si hubiera sido un guionista comprometido con el mainstream? Pues muy bueno, si se le hubiera dado libertad y confianza, pues aquí el inglés juega con la continuidad, legítimamente pues lo hace con creatividad e ingenio, pero la acepta y la integra, se acomoda sin problemas al discurrir editorial, en esta etapa se topa con Crisis Infinitas y no sólo lo asume sino que lo aprovecha de forma positiva y sobresaliente, y planifica editorialmente, reserva los momentos especiales para los nº especiales como demuestra el nº 50. Así, es una pena que las editoriales grandes no supiesen a acomodarse al único genio que han tenido.

La historia que abre la etapa (vol. 2 nº 20-24 EE.UU.) es fabulosa y por eso esta es irregular. Hacer una obra maestra al principio hace imposible ser regular en todo el recorrido. Esta historia, brillantemente narrada, destaca por ser rompedora. Cambia todo lo anterior sin anularlo o contradecirlo, lo que, visto lo visto, es lo más difícil puesto que ni en Marvel ni en DC consiguen hacerlo. La Cosa del Pantano cambia totalmente después de esta historia de una forma maravillosa pero también muy criticable. El problema de Moore es que es un tipo con mucha personalidad de tal modo que todo lo que toca se contamina de ella. Así, en este caso, pasamos de las historias de un Frankenstein moderno, un monstruo que sufre por su humanidad, a las de un avatar de la Naturaleza, una planta que se humaniza para interactuar con la humanidad. Por tanto, los lectores pueden decir con toda la razón del mundo que la Cosa del Pantano de Moore no es la de sus creadores/editorial. No obstante, el inglés, aunque siempre cambia radicalmente lo establecido, nunca deja de ser respetuoso así que la serie sigue siendo de Terror, aunque lógicamente este cambia totalmente. No puede ser el mismo de antes y precisamente por eso la serie se contamina de ecologismo, aunque Moore ni lo usa siempre ni pone el cómic al servicio de esa causa, y de crítica política, siempre que puede mete un palo a Reagan, quedando así la serie como una seria fuente contemporánea que documenta las tonterías y errores de ese presidente estadounidense, y crítica social, que, de nuevo, ni es omnipresente ni somete a la narración. De esta forma La Cosa del Pantano deja de ser un eco del Terror de los 70 para ser más consciente, más comprometida y, sobre todo, más contemporánea ya que prácticamente todas las historias tocan un tema polémico de esos años (1984-1987). Los estereotipos y clichés se usan para denunciarlos o darles la vuelta y se pasa de la evasión al compromiso. Prueba de ello es el tratamiento de la JLA en esta historia. No se les retrata como superhéroes sino como seres lejanos y temibles por su poder y señala que siempre llegan cuando las crisis ya se han producido y los inocentes ya han sufrido. A esta historia le sigue una sobre los miedos infantiles (vol. 2 nº 25-27 EE.UU.), que a mi me parece aburrida, que quizás este ahí porque estos son el origen o la base del género de Terror. Luego vienen una serie de historias en las que Moore se dedica a integrar sus cambios en la serie y a encajar la continuidad con lo nuevo (vol. 2 nº 28-31 y anual 2 EE.UU.), cosa necesaria que se cuenta de forma interesante citando al mito de Orfeo, pero que está lejos de la brillantez del comienzo que empieza a estar lejos. Después viene el nº 32. Una grapa maravillosa, quizás la historia más cercana a un cuento infantil que ha escrito el inglés. Es una historia triste y trágica pues es crítica pero también tiene esperanza, o al menos nos deja decidir si el vaso está medio lleno o medio vacío, y un uso del lenguaje que sólo se ve en los audaces, ambiciosos y en los grandes lo que hace aún más rara avis a esta grapa pues el lenguaje del pop es siempre sencillo y claro, la comprensión lectora del cliente no es que no deba ser desafiada es que no se la debe exigir un esfuerzo. El siguiente nº es una sencilla historia de transición en la que Moore se limita a crear expectación y misterio, avanzando veladamente, lo que está por venir. Le sigue otra de las mejores grapas de la etapa. Una historia que trata el amor no convencional-heterosexual (lo que supone también, lógicamente, sexo no convencional-penetración vaginal), que es uno de los temas principales de la obra del inglés. Un nº brillante por su concepción y absolutamente rompedor pues el mainstream nunca trata el amor de forma realista y jamás habla de sexo. Por esa transgresión, a lo que hay que añadir que da una imagen positiva de las drogas (porque no todas son iguales, de ello habla más extensamente en el nº 43, otra grapa dedicada a las drogas), está realizado con mucha imaginación. Creo que un nº tan audaz, diferente y transgresor hoy es imposible en el mainstream, aunque algo tiene que ver el que este hoy se siente eximido de tener que ofrecer algo así ya que ahora hay editoriales que trabajan la parte adulta y alternativa del mainstream. Por tanto, a estas alturas estamos ya en una serie claramente contracultural en el seno de una editorial conservadora. No creo que se tratase de goles sino de que entonces había más libertad y respeto por lo cultural entre los editores, menos obligación de comercialidad y rentabilidad. Después de esto el nivel de la serie vuelve a bajar en una historia antinuclear (nº 35-36) seguramente porque a Moore se le va la mano con el ecologismo y la crítica política. Aunque si consideramos que se publicó justo un año antes de Chernobil quizás debamos concluir que el guionista acertó plenamente.

Esta historia es clave en la etapa pues divide, reiniciándola, la etapa de Moore. El prota muere para renacer, citando al mito de Dumuzi, en la siguiente historia, que es la que más ha influido en el personaje, ningún guionista posterior se ha atrevido a saltársela, y el inicio del momento más celebrado, a mi no me parece para tanto: la saga "American Gothic" (vol 2. nº 37-50 EE.UU.), que desarrolla aún más los cambios hechos en la serie por Moore al principio de su etapa. Es una historia clásica, unos brujos malos quieren destruir el orden actual, en donde el inglés vincula los monstruos clásicos del Terror con problemas de la sociedad estadounidense, los vampiros con la competencia entre culturas (europeos y otros, capitalistas y comunistas), los hombres lobo con el machismo, los zombis con el racismo, el hombre del saco con los psicópatas y los fantasmas con la violencia de la sociedad estadounidense, como antesala a un nudo y desenlace de proporciones cósmicas, por ello cita a los mitos, donde Moore se permite la soberbia de hacer que el Universo DC deje de ser maniqueo. Tras esto le sigue otra saga en donde el inglés desarrolla la relación de amor no convencional que había creado en la serie. A mi me parece mucho mejor que lo anterior ya que la subversión del orden conservador, la Cosa del Pantano crea un Edén en plena ciudad, hace que la historia sea algo más que la típica historia romántica donde la pareja de enamorados lucha contra las convenciones sociales. Es decir, es una historia menos clásica, más transgresora y con más mala leche y humor negro que la anterior.

Esta historia establece una nueva división en la etapa de nuevo con un reinicio, que esta vez no es reorentación sino la confesión de que Moore ya no le interesa la serie: el personaje muere, y está muerto durante 2 episodios, y resucita en el Espacio. Las premisas de la serie saltan por los aires, ya no estamos en el Terror sino en la Ciencia Ficción (si bien hay que tener en cuenta que esta serie nace de la síntesis de ambos géneros; recordemos que se considera que la Ciencia Ficción nace con Frankenstein o el moderno Prometeo de M. Shelley). Comienza el último tramo de la estancia del inglés con la grapa 56, "Mi cielo azul". Una grapa brillante sobre la soledad del náufrago, no se les olvide que blue en inglés significa tanto azul como tristeza, por su singularidad y la genialidad en él desplegada. Le sigue una aventura espacial con Adam Strange muy entretenida, no sé si porque a Moore se le da mejor la Ciencia Ficción o porque a mi este género me gusta más, luego un nº guionizado por S. Bisette (prueba irrefutable, si no consideramos como tal el que la Cosa del Pantano se vaya de la Tierra, de que  el inglés quería marcharse de la serie), que está bastante bien y remite a los tiempos preMoore. Después otra de las grapas raras y excelentes de la etapa, la 60. Más que un cómic es un relato corto ilustrado de Ciencia Ficción sobre amor-sexo no convencional en donde Bisette y Moore se desatan. Acto seguido pasamos al retorno a la Tierra del avatar vegetal. Interrumpido por otro nº guionizado por R. Veitch, otro dibujante de la serie (y futuro sucesor de Moore; olé sus huevos), que relaciona a la Cosa del Pantano con la parte cósmica-kirbiana de DC y certifica que el inglés está deseando terminar. La cosa finaliza con el avatar vegetal ajustando cuentas, una serie de ajusticiamientos totalmente contradictorios con las ideas progresistas de la etapa, y decidiendo retirarse ejerciendo el derecho de todo héroe mítico a ir a los Campos Elíseos tras cumplir su cometido y aprender todo lo que hay que aprender para transcender. La etapa que ha cambiado el mainstream para siempre, aunque su influencia la va diluyendo el Tiempo, termina en el nº 64 de la serie con: laissez les bons temps rouler (dejar que los buenos tiempos rueden; el eslogan de Nueva Orleans, la capital del estado de Luisiana donde está el pantano que habita la Cosa del Pantano; supongo que el contraste con el eslogan del capitalismo desregulado, laissez faire, no pasó desapercibido a Moore). Por favor, para nosotros, para todos. Un final de cuento, fueron felices y comieron perdices, raro en el mainstream y en la obra del inglés para una etapa mítica.

Leída en conjunto y teniendo en cuenta la obra de Moore creo que estamos ante una de sus obras más autobiográficas. No sólo es que es de los pocos comics suyos protagonizados por un personaje masculino, sino que no creo que sea rebuscado ver un paralelismo entre las aventuras de la Cosa del Pantano y esos años del inglés en DC. Este personaje en la etapa está siempre desarrollándose, aprendiendo cosas nuevas, y constantemente ajustándose a su entorno, lo mismo puede pensarse de un Moore especialito y británico desembarcando en DC y en EE.UU. y ultimando su aprendizaje como guionista a la vez que se aclimata a una gran empresa. Es pura hipótesis pero a mi me parece que hay un vínculo entre el constante progreso de la Cosa del Pantano y la progresiva ganancia de confianza y crédito del inglés en la editorial estadounidense.

Otro paralelismo que creo que conviene tener en mente es el de esta etapa con Watchmen. El último año del inglés en La Cosa del Pantano es el año en que se publicó esa maxiserie. Es imposible no ver la relación entre las numerosas viñetas en las que el avatar del Verde se autoconstruye con aquella en la que Osterman se autoconstruye como dr. Manhattan. No es sólo ese detalle pues ambos personajes son divinos, están obligados a relacionarse con los humanos y construyen cosas de la nada (cómo no ver la semejanza entre la escena en que la Cosa del Pantano se construye una morada en el pantano con la del dr. Manhattan construyéndose un palacio en Marte), pero sobre todo lo principal es que tienen una relación amorosa que es determinante para su proceder. Sin embargo no son personajes equivalentes sino las caras de la misma moneda. La Cosa del Pantano es alguien positivo y humano a pesar de todo, esto creo que es el fallo de Moore en esta obra: alguien que no es humano no debería ser tan humano máxime cuando eso no es lo que busca el Verde en su avatar, mientras que el dr. Manhattan es alguien sombrío e inhumano. Es curioso como en el mismo año el inglés, a quién siempre le ha preocupado la divinidad hasta el punto de que no se ha quedado a gusto hasta que ha encontrado la suya, crea 2 seres divinos opuestos que acaban llegando a la misma conclusión: tienen que apartarse de la humanidad y dejarla libre (justo la contraria a la que llega el aspirante a dios Ozimandias). Ambos se retiran, pero en una cole el final es agridulce (el final es una tragedia pero no falta la esperanza) y en la otra totalmente feliz. Lo cual hace pensar que Moore en aquella época no tenía el ánimo tan sombrío como parece si uno solo considera Watchmen. Las relaciones entre ambas obras no termina ahí pues la tolerancia y el amor son los temas principales de las susodichas de la misma manera que se pueden considerar como intervenciones del artista en la sociedad.

En esta etapa le acompañaron principalmente S. Bisette, quien se carga de casi todas las portadas, y R. Veitch. El 1º y su entintador,  J. Totleben, hacen un trabajo que evoca al cómic de Terror de los 70, el lugar donde nació la Cosa del Pantano. No es un estilo notable pero encaja con el tono de Moore, tiene mucha personalidad y es el que mejor ha plasmado la exuberancia del pantano y el componente vegetal del cuerpo del avatar del Verde. Además, son los que mejor han representado a Batman pues le dan un aire fantasmágorico, etéreo, que transmite como nadie lo que Wayne quiere lograr con su alter ego. R. Veitch, en general entintado por A. Alcala, es muchísimo mejor narrador pero su estilo realista, acentuado por el entintamiento, es demasiado terrenal para las historias de Moore. Con él la serie gana en realismo pero pierde belleza, singularidad y barroquismo, cosas que una historia de Terror gráfica debe tener. La seriedad gris del realismo es para otras cosas así que es imposible no lamentar que Bisette y Totleben no pudiesen ocuparse de todos los nº.

Por último departamos sobre las ediciones. La mejor es la Zinco porque es la más fiel al original (además de ser en grapa y tener una traducción decente el nº 30 y 31 EE.UU. tienen todas sus páginas, no como las ediciones posteriores estadounidenses, por ende las españolas, que seguro que por temas de paginación se han cargado una de cada grapa, fíjense como las páginas de los episodios del tomo correspondiente no están numeradas a diferencia de todas las demás), pero completa es hoy inencontrable en papel. La siguiente fue la de Norma que como es en B&N es mala. Planeta hizo 2 ediciones. Una se compone de bigrapas con lomo al principio y tomos al final, que es la que yo tengo, pero la traducción del 1º/3 es mala, le fata alguna portada y el color es más sencillo que en el original (además de que el papel no es el mismo y por eso el original es mate y el actual brillo). Así que tampoco. La siguiente, tomos de lujo, supongo que será igual de mala pues no creo que arreglasen la traducción. No pasa nada porque también son difíciles de encontrar. Así que la actual, la que está en todas las tiendas, la de ECC, es la mejor disponible. No la tengo, dejó el tener una edición mejor de La Cosa del Pantano a una hipotético futuro donde me sobre el dinero, así que no la conozco bien, pero un vistazo rápido me permite deciros que tiene una traducción nueva que es mejor que la de Planeta. Sin embargo esta edición no pasa de regulera porque la traducción sigue sin ser buena, el color nuevo sigue siendo una versión pobre del original, esto ya no hay quien lo arregle, le siguen faltando las páginas mencionadas y mete mano a la rotulación original a pesar de que esta es parte del dibujo.

Relecturas LXXXVI: Vengadores/Thunderbolts (Marvel-Panini 2005)

Por orden de Marvel la cole Thunderbolts, por ser demasiada clásica e insuficientmente popular, acabó en febrero del 2003. Un año después, más o menos, la editorial reculaba ante el fiasco de su apuesta por un Universo Marvel anárquico y sin continuidad, así que en mayo del 2004 salió una miniserie de los Thunderbolts con el fin de ver si aún había suficiente nº de aficionados como para que pudiese haber de nuevo una cole regular del supergrupo. Fue una apuesta fuerte pues se le dio todo el apoyó que se podía: Marvel puso al frente a Busiek, el creador de la serie y el guionista más prestigioso para el fandom clásico, y permitió que los Vengadores fuesen los coprotagonistas. Es cierto que estos no eran tan populares como ahora, pero ese supergrupo siempre tiene prestigio, sobre todo en el fandom clásico. Así que este canto de sirena de Marvel era muy poderoso. 

La historia de la miniserie continúa el final de la serie. No hay ninguna elipsis aunque alguna cosa se retoca. Al final de la serie un nuevo grupo de Thunderbolts: Pájaro Cantor, Atlas, Ventaja, Brezo Negro, Arreglador, Piedra Lunar y el barón Zemo, está dispuesto a conquistar el mundo para salvarlo de sus miserias. En esta miniserie la cosa no es tan audaz, no sé si por Busiek o por la editorial. Ahora el plan no es conocido por todos los Thunderbolts sino sólo por los que aún tienen una importante parte villana en su interior: Brezo Negro, Atlas, Arreglador, Piedra Lunar y Zemo, los otros: Pájaro Cantor y Ventaja, están ahí porque no se fían, sobre todo del aristo alemán, de que los demás sean unos héroes altruistas sinceros. Esto del plan conquistador hace que la miniserie toque de forma directa los temas de la serie: si el Bien y el Mal son innatos y la relación entre el poder legal, que es ganado, y el parapoder de los superpodoroso, que es innato, así tiene aroma a Authority pues comienza con los Thunderbolts repartiendo justicia por encima de fronteras y poderes políticos. Acabando con arsenales en manos poco fiables, esta miniserie está muy influida por los acontecimientos de aquellos años en torno a Irak, y dictaduras. No hay leyes ni fronteras ni reglas excepto el Bien y el Mal, frase dicha por Arreglador en el último nº de la cole, es el leitmotiv de los Thunderbolts en la miniserie. Los recién conversos son unos radicales así que no están dispuestos a admitir males menores, convenciones o medias tintas. Lo que es justo es justo así que no se respeta la política pues todos sabemos ya que no tiene nada que ver con el Bien y el Mal (a pesar de ellos muchos políticos siguen manejando esa idea). Así, nada de que el límite a las heroicidades lo pone el status quo. Esto lleva al choque con los Vengadores por 2 motivos: ellos, al haber renunciado a los ideales, por definición absolutos, son defensores del injusto orden establecido y no se fían, sobre todo el Capitán América, de la conversión de los Thunderbolts. Así tenemos los 2 temas: la lucha del poder aceptado socialmente con el autonombrado y la de la mentalidad tradicional con la modernidad, la gente puede cambiar si quiere y se le guía: hay algo bueno en todos si les dejas demostrarlo. Esto hace a esta miniserie la aventura más profunda y compleja de toda la serie y una buena prueba de lo que podía llegar a ser la serie si editores y guionistas se la tomasen en serio.

Pero el tema es que esta miniserie era una antesala para una serie regular por lo que había que domesticar y convencionalizar al supergrupo, es decir, desmontar el rollo Authority que le había impreso Nicieza al final de la serie. Había que separar el grano, los buenos, de la paja, los malos, y moderar los poderes de los Thunderbolts, por ejemplo Piedra Lunar se había hecho demasiado poderosa por lo que desafiaba la preeminencia masculina y tradicional del Universo Marvel. Así, aunque la historia es notable, da pena como obedece a destruir lo más audaz y moderno que tenían en ese momento los Thunderbolts. El problema de estos es que una vez convertidos no tenían sitio en el Universo pues eran otro supergrupo más de segunda fila y eso no justifica una serie regular. Nicieza quiso resolverlo poniéndolos como un supergrupo de buenos fuera de la ley, como los terroristas que en realidad son los superhéroes, pero esto no le valía a la editorial, quemada de experimentar, así que había que volver al principio, volver a poner a villanos que quieren ser héroes tutelados por un superhéroe de bondad contrastada (la premisa de la serie que se establece en el nº 21 cuando Busiek mete a Ojo de Halcón en los Thunderbolts), por lo que había que deconstruir de nuevo al supergrupo. Así la miniserie termina certificando la conversión de Pájaro Cantor, Mach y Atlas (todos gente humilde que tomó malas decisiones), cosa que está bien porque es otra prueba más de que el mainstream no es inmovilista sino simplemente muy conservador, elimina a Brezo Negro y expulsa a Arreglador (demasiado genial e individualista para ser uno más), Piedra Lunar (demasiado brillante y egoísta para ser uno más) y al barón Zemo, incapacitado para la conversión por ser alemán, aristo e hijo de un nazi. Este último caso se nos cuenta de la interesante, por su uso de los clichés, forma siguiente: la miniserie comienza con el 1º Zemo, un plebeyo, aunque no un simple campesino, de finales del XV defendiendo su aldea con las armas ante la deserción de los aristócratas que debían hacerlo. Así, Busiek y Nicieza nos dicen que Zemo es bueno pues es un héroe del pueblo, de abajo, alguien no contaminado por la riqueza y la arrogancia que sabe como piensa y siente el pueblo, pero era para despistarnos, pues al final nos cuentan que no, que no es bueno, que no es que en algún lugar del camino los Zemos se volviesen malos sino que ya lo eran desde el principio pues nos ponen a ese mismo Zemo 9 años después de su hazaña, ennoblecido, como un ser cruel y arrogante que piensa en términos de señores y siervos. No era un héroe del pueblo sino un plebeyo ambicioso y soberbio. Los guionistas nos lo habían anunciado antes cuando poco antes vuelven a desfigurar a Zemo. En fin, con la deconstrucción de los Thunderbolts se desactiva la posibilidad de que el Universo Marvel tuviese su supergrupo de héroes terroristas que pusiese en problemas a los supergrupos de héroes conservadores al poner en evidencia sus contradicciones, buscan mejorar el mundo pero mantienen un orden injusto y están por encima de la mediocridad pero se comportan como mediocres, que lo hubiera enriquecido y dinamizado. Pero al final los rebeldes siempre pierden ante el temor de los mediocres, así que el status quo y su élite vuelve a triunfar aunque tienen que ceder algo, el Capitán América acaba percatándose de que su mentalidad conservadora incluye una serie de prejuicios injustos y perniciosos. Quizás por esto la miniserie tiene un tono trágico. Nadie gana. Gracias a los Thunderbolts la Tierra Marvel se ve libre de la amenaza de todas las armas de destrucción masiva que contiene (lo que deja más expuestos a los gobiernos frente a los superpoderosos) pero la actuación de los Vengadores destruye esa ganancia. Los Thunderbolts fracasan en su heroísmo, buenas intenciones se titula este tomo en EE.UU., porque no se fían los unos de los otros a pesar de los esfuerzos de Ojo de Halcón por enseñarles que en eso consiste ser un grupo. Arreglador pierde su oportunidad de ser bueno por culpa de su espíritu lúdico. Piedra Lunar pierde sus enormes poderes porque su mente es demasiado débil para aguantar (machismo inconsciente o conservadurismo?) las presiones (no está acostumbrada a luchar por grandes cosas), la desconfianza (no todos creen que se haya vuelto buena y ella no cree que Zemo se haya vuelto bueno) y sus contradicciones internas (en el fondo soy buena o mala?; esta confusión se refleja en que es el Thunderbolt que más uniformes ha tenido). Zemo pierde su oportunidad de ser bueno porque ante todo quiere ser líder mundial. Finalmente, los Vengadores pierden su intachabilidad porque malogran una oportunidad de hacer del mundo Marvel un lugar mejor al ser más seguro porque su mediocridad, voluntariamente aceptada para ser aceptados por el status quo, los hace ineptos para provocar y aceptar cambios. 

Esta miniserie está escrita por Busiek y Nicieza de forma clásica y eficaz de modo que prima la aventura y los clichés (aunque aquí los Vengadores, en vez de ser los simples y directos campeones guerreros de siempre, actúan arteramente por miedo: son tan peligrosos los T-bolts como para ponernos a su altura? Sí pregunta y se autorresponde Iron Man) sobre las reflexiones y las audacias. Ni la editorial les llamó ni ellos se sentían llamados para hacer una historia que cambiase las cosas o introdujese ideas nuevas en el mainstream. Sin embargo hay que reconocer que narran esta miniserie de forma más compleja, por ello es algo confusa, de lo habitual, atendiendo a la psicología de los personajes más de lo usual y administrando bien la tensión, si bien engañando un poco al lector. Por eso están mejor que los dibujantes de esta historia: B. Kitson, que se encarga también de las portadas, y T. Grummet (que será el dibujante regular de la nueva andadura), otros 2 experimentados funcionarios de la cosa. Estos con sus torpes y anodinos estilos realistas y una narrativa clásica, que es sosa cuando el estilo lo es, no pasan de lo correcto y usual. Se distinguen porque el 2º tiene influencias de G. Perez y es más caricaturesco y dinámico. En suma, los 4 son autores eficaces algunos más que otros, pero faltos de chispa y excesivamente sometidos a los estándares del mainstream. Por eso el relato es tan solo correcto cuando la miniserie es notable por no ser más de lo mismo y estar en el límite revolucionario al que puede llegar una editorial conservadora. Las historias límite de la industria a la postre son las mejores, Watchmen es la prueba. Así pues, esta Vengadores/Thunderbolts pertenece a la mejor época de los Thunderbolts, a la cual cierra.

ACONTECIMIENTAZO: Se reedita el Conan el Bárbaro de Owsley!

Hace casi 9 años Planeta comenzó la reedición de Conan el Bárbaro, material mítico de la Marvel que, al haber decidido dejar de tener la licencia de Conan el cimerio, pasó a Dark Horse, que lo está reeditando, bajo el título Crónicas de Conan, al principio con un mal e irrespetuoso recoloreado digital y hoy simplemente digitalizado. Vamos, que no es una gran edición. En fin, el caso es que como la cadencia de Planeta es tan lenta (22 tomos en 108 meses) y el material tiene mucha morralla yo no pensé que la colección llegaría hasta la magnífica etapa de Owsley, hasta el nº 172 EE.UU. (nº 100 forum). Un material que fue editado en España por 1º y única vez hace casi 30 años (me hago viejo). A pesar de eso, hoy en día no es difícil de encontrar pues las tiradas de la época debieron ser alucinantes. Una hazaña editorial de Planeta, por tanto, aunque parte de su secreto es que los tomos son caros.

Pero qué es esto de la etapa de Owsley y quién es ese que no me suena. Bueno pues Owsley es un tipo que hoy en día se apellida Priest, lo que evidencia una conversión cristiana. Este hombre era un guionista y editor de comics que fue un nombre en el mainstream de los 80 y los 90. En 1985, con solo 24 años y un CV cortito, Marvel le puso a escribir, es que era un chico de la casa, entró a trabajar en sus oficinas con 18 años, la colección Conan el Bárbaro, que llevaba años publicando mediocridades y, por tanto, no estaba aprovechando la popularidad del personaje que había creado Schwarzeneger. Vamos que era un puesto comprometido. El caso es que esta incorporación supuso una revolución para bien de la cole hasta tal punto que su etapa es lo mejor de la serie (que llegó a los 275 nº) junto con el material BWS&Thomas.

Esto no se suele decir por la simple razón de que quien suele hablar de Conan es gente viejuna que se inició en el personaje con el tándem antes mencionado quedando desde entonces incapacitada para valorar como se merecen otras etapas. Además, muchos dejaron la serie tras la marcha de Thomas, en parte por agotamiento en parte porque lo que le siguió fue muy malo. Los que aguantamos la larga travesía en el desierto fuimos recompensados con la Tierra Prometida. Owsley se marcó una larga etapa (hasta el 213 EE.UU./151 forum; de esta edición el 137 y el 138 no son de esta etapa) sobresaliente y sólida de tal modo que hoy en día, se lo aseguró porque me los releí hace casi un lustro, sigue siendo una lectura muy recomendable para los que le gusten este tipo de historias.

Es cierto que Owsley no hace un Conan howardiano sino uno ochentero. Su conan es otro Héroe de Acción de aquella década, taciturno, sufriente y letal, pero sin historia romántica que fastidie el invento. Pero en lo importante estuvo fabuloso ya que Owsley escribió unas historias apasionantes que tuvieron la fortuna de estar decentemente dibujadas 1º por J. Buscema y después por V. Semeiks y coloreadas poderosamente, aunque eso ya se ha perdido como lágrimas en la lluvia, por Roussos. Lo que encontramos en la etapa de Owsley son 2 sagas cósmicas (Tetra y Devorador de Almas), con las que la cole subió por 1º vez y única a cotas altas de épica y complejidad, y luego un tramo de historias cortas muy buenas. La etapa se malogró por problemas laborales de modo que, aunque no termina mal, no se puede considerar que finalizó de forma natural.

En fin, que a partir de este momento comienza a reeditarse en España los maravillosos nº de Owsley para Conan el Bárbaro. Si les gusta el tema no dejen de leer este y los siguientes tomos porque son muy buenos. Lo malo es que la mayor parte de este tomo 22, el texto de contraportada corresponde a la 1º saga de Owsley, es material olvidable de Fleisher, salvo el anual 9, que es potable, así que la fantástica etapa de Owsley no empieza limpiamente. Un auténtico inconveniente para los que gusten de comprar.

Relecturas LXXXV: Thunderbolts de Nicieza (Marvel-forum 2000-2004)

Busiek se marchó de la cole que creó de una forma un tanto rápida dejando muchas cosas abiertas, si bien en esa época no se llevaba tanto como ahora el dejar las cosas como estaban antes de entrar. Los guionistas no les importaba dejar ideas por ahí como favor a su relevo. Le sustituyó Nicieza, otro mediocre enamorado de los superhéroes como él pero que a mi me gusta más porque es más chisposo, dinámico y su clasicismo no es tan rancio. Es más entretenido de leer. No sabíamos qué esperar de este pero tuvimos la suerte de que se ocupó de los Thunderbolts en su mejor momento como guionista. Así que al final resultó bien. Nicieza nos contó historias entretenidas y relativamente interesantes. En su momento su etapa me pareció muy buena, hoy me parece tan solo bien, no mucho mejor que la de Busiek, pero no hay que olvidar que al principio estuvo muy mediatizado por Busiek y al final tuvo que cumplir con los deseos de Marvel. A pesar de esto su etapa es mucho más decisiva que la del creador de la serie. Es innegable que ha tenido más influencia en los posteriores guionistas que la de Busiek. Lo iremos viendo.

Cuando empecé a contaros mi opinión sobre esta serie dije que quizás esta es la serie con la que cuaja lo posmoderno en los Superhéroes. Thunderbolts cuestiona el maniqueísmo del mismo, que el Bien y el Mal son innatos, lo que en cierta forma es también el cuestionamiento del orden social pues el nuestro se ha edificado sobre esa noción que desgraciadamente se resiste a morir a pesar de los perjuicios que causa. En España hay muchos ejemplos de la pervivencia del maniqueísmo así como de los desastres que provoca. En fin, el problema que tenía que resolver Nicieza es qué pasaba tras la conversión de los malos en buenos.

La 1º parte de su etapa, que bien se puede denominar Deconstruyendo a los Thunderbolts, es una historia demasiado larga y abusadora de los misterios que seguramente fue perjudicial para la serie. Es un dato cierto que el relevo de guionista no sirvió para subir ventas y que el giro radical de Nicieza, aunque en lo argumental se limitó a seguir a Busiek, dejó fuera a los indecisos con el cambio. "Matar" a Jolt de primeras y sin aviso fue más una manifestación de orgullo, de trazar una línea, que una buena idea. Jolt, además de ser una creación de Busiek, era el personaje argumentalmente más importante de la serie, de hecho había nacido y crecido en sus páginas, por lo que "acabar" con él es algo que no sentó bien a la cole. Nicieza quitó de en medio a Jolt porque entendió que al ser el Pepito Grillo del supergrupo dificultaba la historia que quería contar, pero ella era un personaje imprescindible para la cole (en esos momentos; matándola Nicieza consiguió que eso dejase de ser así), sobre todo con Zemo fuera. Así, asesinarla, aunque sufriese una muerte superheroica, es decir, nº después resucitó, creó que debilitó a la serie. Cosa que a la postre resultó fatal.

Esta etapa se inicia con un nº con el que Nicieza parece decir que respetará la serie pues es una nueva versión del 1º episodio del supergrupo, una lucha con Hulk. Parecía que estábamos en un inicio de ciclo pero en seguida, como acabó de escribir, el guionista se encargó de mover mucho las cosas, quizás para compensar que durante muchos nº iba a estar subordinado a Busiek. En la cole tenía que trabajar con el legado de este y los Thunderbolts estaban sometidos a los Vengatas, cole guionizada por Busiek. Así pues, con las manos atadas Nicieza trataba de marcar su personalidad en la serie. El argumento de su 1º gran historia, nº 34-50 EE.UU., es la conspiración iniciada por Gyrich, un agente del gobierno de EE.UU., para matar a todos los superpoderosos. Es algo heredado de Busiek y que dura demasiado, todo apunta a que esa longitud se debió únicamente al deseo de hacer coincidir el final de la historia con el nº 50. Su transcurro fue aprovechado por Nicieza para zanjar todo lo de Busiek, por un lado su legado y por el otro sus crossovers: "Los protocolos Nefaria" y Maximum Security (también fue de los pocos, quizás el único, que hizo eco a la megasaga de Kang de Busiek), de modo que al final de esta parte de su etapa tiene al grupo libre ya de la influencia de su antecesor. Por el camino se había topado con otro de los temas de la cole, la rebeldía frente al poder estatal. Lo que pretendían los Thunderbolts era saltarse la prisión-castigo. Lo que perseguían haciendo el bien era demostrar a la sociedad más allá de toda duda que ya no había que temerles para que pensase que ya no era necesario su encarcelamiento y dejase en ellos la decisión de cómo iban a compensar a la sociedad-víctimas por sus delitos. Es decir, pretendían conseguir un indulto que les salvase de la privación de la libertad y de que la Ley dictase cómo debían indemnizar a sus víctimas. Con sus hazañas altruistas pretendían conservar su libertad e independencia. Esto de la rebeldía fue establecido por Busiek al escribir que la petición de Ojo de Halcón al gobierno de indultar a los Thunderbolts si seguían con sus buenas obras fue rechazada. Quiere que les digamos que si se portan bien no tendrán que pagar sus crímenes? [...] No le daremos licencia para saltarse el sistema judicial de este país.  Este desafío al poder estatal-sociedad es lo que hizo que los Thunderbolts protagonizasen esta historia. Aunque evidentemente en ella todo esta rebeldía es algo latente que nunca es tratado.

Al final de esta parte Nicieza creó un nuevo principio. Con Zemo y Tecno muertos, Atlas desaparecido, Arreglador, Jolt y Carbón en los Redentores, el grupo creado por el gobierno de EE.UU. para gubernamentalizar a los Thunderbolts, la redención pasa de ser autogestionada a impuesta (de nuevo el Estado inmiscuyéndose en la libertad de sus ciudadanos), Karla, Melissa y Abe perdonados por el poder a cambio de renunciar a usar sus poderes y Ojo de Halcón en la cárcel no hay Thunderbolts. Este final era necesario pues la redención autogestionada y rebelde no se consideraba suficiente, o seguramente demasiado audaz, como motor de la serie. El de la etapa de Busiek era saber si los Thunderbolts se pasarían al Bien. Como cuando llegó Nicieza eso ya estaba claro se necesitaba un nuevo motor, pero en vez de crear uno continuista, una redención que fuese una lucha contra la opinión pública y un pulso contra el poder que hubiera dado lugar a una etapa análoga a la del Hulk clásico o a la serie Equipo A, que parece que eran los planes de Busiek, se decidió por un reinicio.

Así pasamos a la 2º parte de la 1º etapa de Nicieza, que bien se puede llamar Reconstruyendo a los Thunderbolts. Esta parte transcurre entre el nº 51 y el 60 EE.UU., ambos inclusive. A lo largo de esas grapas Nicieza vuelve a montar el grupos sobre la base de los mentados Redentores. Estos son un supergrupo montado por el gobierno compuesto por exThunderbolts y otros superpoderosos, algunos supervillanos que quieren redimirse, que toman la identidad o el nom de guerre de los Thunderbolts retirados. La idea ya estaba en la etapa de Busiek pues en ella el gobierno recluta a Abe, tras comprobar su sinceridad, para black ops. Esto lo resuelve Nicieza en la parte anterior haciendo que los Thunderbolts liberen a su compañero alegando que el gobierno abusa de él pues se aprovecha de su condena para emplearle en sucias operaciones gubernamentales. Integridad ante todo y un motivo que justifica la negativa de los Thunderbolts a dejar su condena al sistema. Naturalmente esta idea no se desarrolla. Nicieza no ha cambiado de opinión en esta parte pues los Redentores son un programa público. En fin, estos acaban enfrentándose a Gravitón, un villano de opereta recuperado por Busiek de forma bastante acertada para esta cole, que es interesante pues es muy poderoso. Es un personaje clásico, es decir, maniqueo. Es malo porque sí (perilla, nariz aguileña, moreno, melena, aspecto latino, un Drácula) y ese es el papel que ejerce en este tramo de la serie. Los Thunderbolts originales son de 3 tipos: malosos: Zemo y Arreglador, buenos: Jolt y Carbón y conversos: Pájaro Cantor, Atlas y Mach. Queda suelta Piedra Lunar, la dra. Karla Sofen. Este personaje es mi personaje femenino favorito de Marvel por esta serie pues lo desconocía hasta leer esta cole. Piedra Lunar, además de ser una rubia, es ambiciosa, taimada y superpoderosa. No es el típico superpoderoso femenino del mainstream. Es una persona fuerte, sin escrúpulos y expeditiva y eso la hace atractiva porque es original. El asunto está en que a esas alturas este personaje seguía sin definirse. Problema que empeoró el arrojarla al "mundo real" pues este no está preparado para dar a una mujer brillante, joven y hermosa el lugar que se merece. Así, el ser rechazada por la mediocridad, el que su meta es no ser una más y su voluntaria castración, no usar sus poderes, la acabó sumiendo en una crisis en la que apareció Gravitón como el Diablo tentador en el desierto. Este momento está genialmente plasmado en la portada del nº 56, titulado "Más allá de la redención". La centrada y manipuladora Piedra Lunar está patas arriba, como si fuese un ahorcado del Tarot, y al lado, como si la controlase, el habitualmente chalado y calzonazos Gravitón con la cabeza en su sitio. Ella es en realidad una malvada clásica? Su maldad es innata y por ello su conversión es imposible? El resultado es que Gravitón se carga a los Redentores, excepto a Arreglador y a Jolt, de una forma rápida y aplastante que da un sabor especial a este tramo de la cole pues pocas veces en una serie mainstream se ve una masacre tan despiadada. Esta escabechina y la implicación de Piedra Lunar reúne a los Thunderbolts originales, que derrotan a Gravitón impidiendo la deriva de Karla. El precio es la "división" del grupo.

Siento que no la haya más grande.

Cuando Nicieza por fin estaba libre y desatado la editorial le dijo que había decidido acabar con la serie y que tenía 15 nº para darle un final redondo. La razón, por lo visto, era doble. 1º las ventas, la marcha de Busiek, los cambios de Nicieza, la marcha de Bagley en el nº 50 y la crisis habían debilitado la serie, y la 2º, que el nuevo director editorial había decidido transformar Marvel sustituyendo las coles que olían a rancio por otras modernas y nuevas y totalmente desconectadas. Así, se frustraba de nuevo a Nicieza. El tío decidió plantear la 3º parte de su etapa como 2 historias paralelas que se cruzan en el infinito. Paralelamente a los hechos de Gravitón, Ojo de Halcón se infiltraba entre los supervillanos creando a un nuevo grupo de Thunderbolts con secundarios de la serie y otros supervillanos segundones la mar de interesante. Esta es la 1º de las historias. La 2º es que la derrota de Gravitón desplazó a los Thunderbolts a la Contra-Tierra de Lee y Liefeld, una Tierra en fase apocalíptica. Así la serie ganaba en dinamismo pues ambas historias son muy diferentes. En la de Ojo de Halcón los supervillanos trataban, por motivos egoístas, acabar con una villanía. En la de la Contra-Tierra, los Thunderbolts originales excepto Pájaro Cantor, que está en el otro grupo, decidían asumir el papel de Salvadores. Para salvar una Contra-Tierra en anarquía y en fase apocalíptica ellos asumieron su control. Para la ocasión Nicieza había recuperado a Zemo en una pirueta interesante pero poco explicada (lo único reprochable de lo hecho por este guionista en Thunderbolts es el abuso del matar para resucitar poco tiempo después: lo hizo con Jolt, con Arreglador y con Zemo y con Carbón no porque la editorial no le dejó; pero no por criterio editorial sino por problemas con los dchos. del personaje). Lo interesante es que este por fin decidió abandonar su look clásico, de malo por nacimiento, trocando su rostro desfigurado en un rostro bello, casi angelical por sus rasgos arios. Esta parte está bien aunque se va desfondando poco a poco sobre todo en la trama de la Contra-Tierra. La libertad que ofrecía ese escenario y la tensión interna del grupo, Piedra Lunar sin decidirse y Zemo diciendo que es compatible la tiranía con el heroísmo, fue desaprovechada por Nicieza. Finalmente, tras salvar las 2 Tierras, Nicieza unió a todos los Thunderbolts en un nº final de estos tranquilos y conversacionales donde el guionista vuelve a recrear al grupo. De los nuevos el escritor se quedó con Brezo Negro, una recreación propia: convirtió al ridículo Hombre Planta en el Woodrue (Hombre Florónico) de Moore, y descartó a las interesantes Asesina de Hombres/Amazona, que era una secundaria de la serie, y Polilla/Madeja, está última por ser una descocada. De los antiguos se quedó con el nuevo Zemo y con Arreglador, Atlas, que había vuelto a tiempo para zumbar a Gravitón, Pájaro Cantor, Piedra Lunar, más poderosa que nunca, y Ventaja, Dallas Riordan, una de los secundarios de la serie. Descartó a Jolt, que se quedó en la Contra-Tierra para siempre (que es el olvido pues Marvel desde entonces ha pasado de ella y de todo lo que tiene que ver con el invento de Lee&Liefeld), un hecho que no me explico, y con ello el componente juvenil de la serie se acabó, a Mach, porque había evolucionado hacía un hombre de la calle, Abe ya no tenía ganas de seguir siendo un superpoderoso, cosa fácil porque no tiene poderes, y a Ojo de Halcón, que se dio cuenta de que su presencia coartaba la redención de los Thunderbolts. Con él en el grupo nadie podría estar seguro de si su bondad heroica era sincera o no, ni siquiera él. Así, Nicieza cierra la cole tras haber escrito más episodios que su creador con unos Thunderbolts dirigidos de nuevo por Zemo que pretenden hacer lo mismo que en la Contra-Tierra: tomar el poder del mundo para salvarlo! Esta premisa fue retocada cuando Marvel poco después decidió retomar la serie tras el fiasco provocado por el director editorial que había decidido cerrar Thunderbolts a pesar de tener unas ventas respetables y un grupo fiel que no tenía(mos) culpa de la mala marcha de Marvel en los inicios del siglo XXI.

Ya se ha dicho que Bagley siguió en la cole hasta el nº 50 "regalándonos" su dibujo tosco pero eficiente en permanente mejora. Le sustituyó P. Zircher, un dibujante más limitado, menos trabajador y más dependiente del entintador que él pero que a mi me gusta más porque su realismo idealizado me parece más agradable y su sensualidad, a través de Pájaro Cantor y Polilla, sobre todo esta última pues Zircher para dibujarla se "inspira" en Betty Page, es mucho más hot que la de Bagley, que es como la de Image, caricaturesca. Este sólo llega hasta el nº 67, aunque no hizo el 66, al pasar la serie a ser quincenal él no podía seguir ese ritmo. Sin embargo se encargó de las portadas hasta el nº 70. Le sustituyeron en los últimos nº una ensalada de dibujantes que Marvel deseaba probar. Ninguno hizo nada memorable. De hecho salvo S. Caselli ninguno está hoy en el mainstream (como Zircher, pero no como Bagley quien tiene cierto prestigio y por fin un dibujo correcto).  

Así pues los Thunderbolts no se acabaron porque el público lo dispuso así sino por una política editorial que a la postre se mostró equivocada. La idea de refrescar Marvel y abrirla a nuevas ideas era genial y necesaria pero hacerlo pasando del fandom la convirtió en absurda. En fin, Nicieza empezó flojo para regalarnos luego el mejor momento de la cole, entre los nº 51 y 69 ambos inclusive. Un momento de gloria para la serie pues gozó de un par de miniseries spin-off,  la 1º interesante aunque dibujada de forma confusa relacionada con lo que se estaba contando en ese momento en los Thunderbolts y la 2º empieza bien pero acaba floja y vuela libre. Al igual que Jolt, el Escuadrón V ha pasado al olvido seguramente porque entre Busiek y Nicieza montaron algo que sólo ponía a los viejunos, rollo Segunda Guerra Munidal y personajes Timely. En fin, la etapa de Nicieza consiste en unos nº correctos y eficientes bastante adultos para los parámetros mainstream, incluso los actuales, por su violencia, crudeza y sensualidad así como sus ideas apuntadas, que llegan al notable alguna vez pero que desaprovechan todo el subtexto de la cole: la reflexión sobre la moralidad, sobre la relación del poder político con los superpoderosos con el Bien (posmodernismo desde el momento en que el gobierno ya no es bondadoso por definición), sobre la incapacidad de la mediocridad por integrar lo extraordinario, sobre la justicia de nuestra sociedad (recuerden que Atlas, Pájaro Cantor, Piedra Lunar y Abe son gente de clase baja o incluso menos o como sutilmente se cuestiona que la justicia sólo pase por el sistema penitenciario) y sobre los clichés pop (Zemo es malo porque es aristo, alemán e hijo de un nazi y es feo) por intentar recrear las circunstancias iniciales: unos supervillanos haciendo el bien comienzan a cuestionarse a sí mismos. Creo que la serie debería haber hizo adelante y no insistir en morderse la cola. Quizás si hubiese optado por lo 1º Jemas no se la hubiese cargado.

Critiquita 415: Mahabháratha nº 1-3, Gol, José J. Olañeta, Editor e Indica books 2011-2104

Seguro que habéis notado que últimamente el post que hice hace como 3 años sobre una adaptación al cómic del Mahabhárata ha sido bastante visitado, según lo modestísimos estándares de este blog, estas últimas semanas. La única explicación que encuentro a ese raro hecho es que ha salido el mes pasado la conclusión de la adaptación de esa obra épica al Cómic y en Internet no debe haber mucha información sobre la misma.

Una pequeña editorial especializada en la India, tan pequeña que no tiene web y tan humilde que no osó distribuir su cómic, además de por una distribuidora de libros, por una distribuidora de comics (por ello sólo ha llegado a muy pocas tiendas especializadas, en Madrid centro sólo se puede encontrar en Madrid Comics y en Atom Comics), una vez más se pone en evidencia la calidad de nuestro empresariado, comenzó en 2011 el audaz proyecto de adaptar una de las obras cumbres de la Épica al Cómic. Una obra cuya enorme extensión, más que la Biblia, más que El Quijote, más que la Ilíada y la Odisea juntas, su extranjería, su edad, alrededor de 2 milenios, y su arcaísmo (por lo visto está plagada de digresiones e instrucciones religiosas) explica porque no ha sido nunca editada íntegramente en España, cosa que sí se ha hecho en los grandes países occidentales. Podéis encontrar varias ediciones en castellano pero son resúmenes o extractos. Este fue el hecho que me animó a hacerme con esta adaptación. Puestos a tener una versión parcial, por qué no en Cómic?

En su momento ya hice una introducción demasiado larga al Mahabhárata así que me veo disculpado de hacer algo así aquí. Baste decir que es una obra inspirada en la de Homero y en la que se buscaba poner todo el saber hindú del momento en una sola obra. Su autor es desconocido por lo que es probable que fuesen varios y ese carácter enciclopédico explica porque hay varias versiones. Se desconoce cuando se escribió por primera vez pero parece que fue al filo de la Era Cristiana, al menos las versiones más antiguas que nos han llegado. Aunque está claro que su contenido proviene de una tradición oral centenaria previa. El hilo de la obra es la historia del fin de la Era anterior. Los hindúes (que son los creyentes del hinduísmo, luego no es sinónimo de indio) creen que el Universo es cíclico y que cada ciclo se divide en 4 Eras, cada una más breve y más degenerada que la anterior. Nosotros estamos viviendo la última desde hace un buen rato, es la famosa Kali Yuga. La peor y más breve de todas que terminará en algún cataclismo dentro de bastantes años (llevamos 5.000 de 432.000 así que keep calm). Pues bien, el Mahabhárata cuenta cómo finalizó la 3º Era: una gran batalla entre toda la humanidad por entonces conocida (la del subcontinente indio) que parió nuestro mundo actual. Es una obra religiosa, o sea los hindúes creen en ella hasta el punto de que algunos buscan demostrar que está basada en hechos reales (está claro que al igual que la Ilíada sólo algunos lugares y personajes existieron, la mayor parte es ficción y lo restante es Fantasía), pero si uno es, por lo menos escéptico respecto a lo hindú, lo puede considerar una obra de Fantasía ambientada en un mundo que tiene cosas de la Edad Media europea y otras de la Edad Antigua. Un mundo donde hay lo que hoy llamamos magia, múltiples reinos y grandes extensiones de tierra salvaje donde habitan seres fabulosos. La historia cuenta como un mundo relativamente perfecto se viene abajo porque la envidia, el egoísmo, el odio y la mezquindad de sus pobladores desborda a los buenos de la historia, a unos porque son humanos y tienen sus fallos y a otros porque su sentido del honor es inquebrantable. Así, el que estaba destinado a ser el rey perfecto no puede llegar a reinar por la vanidad de un pescador y de ahí cuesta bajo y sin frenos hasta llegar a una terrible masacre que se carga a casi toda la casta guerrera del subcontinente indio. Hoy en día alguien podría imaginar que un mundo con mayoría de mujeres y trabajadores resultaría mejor que el anterior, dominado y regido por guerreros carentes en su mayor parte de ética, pero los indios de aquella época no. Después de eso, a peor.

El autor de la adaptación es Gol. Un viejo profesional poco conocido porque se ha forjado en el terreno de la subvención en vez de en el del mercado. Se ha dedicado a dibujar obras institucionales en vez de dirigirse al gran público. Con esta obra ha roto con esa política. Su dibujo es una variación personal de él del gran Hergé. Al dibujo limpio y caricaturesco pero muy académico del artista belga, Gol le añade una mezcla contradictoria pero atractiva de realismo y naíf. Así, el contexto es "torpe" por la ausencia de una perspectiva realista y lo sintético de los fondos pero la caricatura de las figuras se ha disimulado un poco al no renunciar del todo al realismo. Todo ello coloreado de forma sencilla pero no plana, lo que es otra diferencia con Tintín, pero que no da mucho volumen o tridimensionalidad. A mi el resultado me gusta aunque es un poco raro. 

Como no conozco la obra original no puedo juzgar la cosa como adaptación aunque tiene pinta que es fiel al texto, coincide totalmente con lo que yo he leído sobre el Mahabhárata. Obviamente sólo se ocupa de la trama principal y se atiene al texto añadiendo poco y presuponiendo que el lector conoce la sociedad india de principios de la Era Cristiana y que por ello va a percatarse de los miles de detalles culturales que tiene la obra. Esto último es muy difícil de resolver pues la nota no es algo que encaje con el Cómic, pero la editorial casi da con la solución. El 1º álbum tiene una amplia y buena introducción que presenta la obra que si hubiera sido ampliada en los otros 2 hubiéramos tenido una obra divulgativa bastante redonda. Pero eso tenía varios problemas, entre ellos el espacio, lo que nos lleva al dinero. Pero los 3 álbumes tienen un glosario, el mismo; la cosa no habría sido tan difícil... En fin, la historia es interesante, aunque, como las de la época, carece de profundidad (me refiero exclusivamente a la parte narrativa de la obra, que ningún hindú se me enfade) y los conflictos se insertan en las áreas de tensión que tienen todas las culturas, esas partes donde distintas normas iguales chocan como por ejemplo la lealtad a la familia y el cumplimiento de la ley o entre el honor personal y la Justicia, que al ser desconocidas para el lector actual, la parte emocional de la historia, la más importante, le aparece vagamente. Por otro lado el relato tiene un extenso epílogo que estropea el clímax, la muerte de casi todos los guerreros del mundo, al diluirlo. No es culpa de Gol pero la historia como relato no termina en todo lo alto. Es un poco como el desastroso final de la 3º parte del Anillo. Por contarte el futuro de cada uno de los numerosos personajes tras los acontecimientos acaba siendo tediosa. Eso es para otras obras porque es un pegote. Pero en el caso del Mahabháratha es algo esencial pues trata de ser una compilación de todo lo habido y por haber: "Lo que está contenido aquí puede encontrarse en otros lugares, pero lo que no está aquí no se hallará en ningún sitio". 

En fin, los comics están bien y la edición es buena, no se nota nada que no es una editorial de comics. Gol hace un buen trabajo aunque su mediocridad impide a la obra volar pues siempre está eficiente de tal modo que los momentos intensos están presentados de la misma manera que los momentos de transición. Así, la regularidad se come la intensidad y la emoción. Se aprecia en el 3º álbum, casi todo él la terrible batalla final, dista de ser espectacular tanto por dibujo como por narrativa. Aunque es cierto que eso también es por el cansancio del autor, algo lógico por la tremenda tarea. Pero bueno, en este caso hay que valorar más el esfuerzo y la ambición que otra cosa pues no estamos hablando de una gran editorial, de un cómic con mucho atractivo para el público español (incluso para el aficionado al Cómic) y de un texto original que facilita la adaptación en imágenes. Hay que quedarse con que Gol recrea muy bien la India legendaria y fabulosa del poema épico y que su fiel adaptación permite enfrentarnos directamente con el pensamiento y la imaginación arcaicas de la cultura que produjo el Mahabhárata que, como todas las obras universales, mezcla perfectamente lo particular con lo universal, lo cultural con lo humano y así encontrarnos que, por lo menos, en 2000 años no hemos cambiado en lo básico. Lo importante, los celos, la envidia, el amor, el heroísmo, la integridad, la dignidad..., lleva mucho tiempo inventado. Por tanto, no importa perderse la mayoría de los matices para disfrutarla. Lo único, a mi juicio, que es necesario conocer que no explica la adaptación en el momento adecuado es que Karna es el auténtico heredero al trono de Hastinapura, el imperio del mundo del Mahabháratha, porque en la ley hindú antigua los hijos de la esposa son también del esposo aunque no sea su padre, por tanto, no sólo cuentan para la herencia paterna sino para establecer la primogenitura. Este hecho pone a la historia ya desde el principio el halo trágico pues el terrible conflicto posterior no se daría si ese hecho fuese público, pero Gol eso no se lo cuenta al lector hasta el final. Así, creo que esa decisión va contra la intención del original. 

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte IXb: Camino del final

Pues aquí llega el momentáneo final a esta serie. Antes de lo previsto pero mucho después de lo planeado. El anterior post se refería fundamentalmente al tomo 17 y el  1º/3 del 18, así que aquí nos vamos a referir al resto del 18 y a los tomos 19 a 21. Como veréis no ocupa tanto a pesar de ser más del doble porque Kishiro al final de su historia no se corta con las digresiones o en meter paja en forma de peleas.

Recordemos que estamos en la semifinal del ZOT. Los villanos del sistema despótico de Gunnm son los jovianos, ya presentados, una caricatura del viejo comunismo, y los venusianos. Los primeros fueron derrotados, pero todo indica que volveremos a saber de ellos, por Alita y por ello se canceló el torneo, pero los segundos no están de acuerdo con esa decisión ya que confían en su victoria final. Así, se llega a un arreglo: para que el ZOT continúe el premio para el vencedor será Salem y el Patio de los Desperdicios. Kishiro es un buen narrador. Una vez cumplido su papel los venusianos son derrotados por los karatekas. Los de Venus son una caricatura de los nobles frívolos del final de la Edad Moderna, de ahí su afrancesamiento. Representan la lujuria y la sensualidad en sus acepciones más amplias. Por ello, para sentir y disfrutar, son de carne en un mundo que ha optado mayoritariamente por el metal. Por eso su tecnología no es la cibernética, sino la genética. El enfrentamiento, todo un tomo, gira en torno al campeón venusiano, Homme du feu, una especie de clon de Zekka, nombre que significa: viento que apaga el fuego. Así pues, hasta el villano lucha contra sí mismo en esta historia. Todo el mundo debe superarse aquí. Este enfrentamiento termina de perfilar a Zekka. Él se autodefine como un hombre romántico (que es anhelar lo que no existe): lo que le gusta es matar, usar máquinas grandes y la promiscuidad hetero. Recordemos que, aunque estaba claro desde el principio, es ahora cuando Kishiro revela que uno de los temas de Gunnm es el enfrentamiento entre lo masculino y lo femenino como conceptos abstractos, entre la agresividad y la solidaridad. Que Alita sea una mujer y todos sus oponentes hombres nos indica qué es lo que anhela Kishiro. Cualquier hombre que se precie debe luchar para justificar su existencia. Quienes inventaron la palabra felicidad fueron las mujeres... Es natural que un hombre no alcance  a entender lo que significa, Zekka.

Zekka: cerveza, moto, rastas, cuero, músculos, chulería, violencia y ojos compuestos. Esencia masculina.

Lo que tienen en común jovianos y venusianos es que son inhumanos, los unos se han convertido en máquinas y los otros en monstruos mediante la genética. Los segundos, privados de nanotecnología por LADDER, se volcaron en la biotecnología por su escasez de recursos naturales. El leitmotiv de Venus es la especialización. Pudiendo crear cualquier forma carnal lo que tiene sentido es tener una forma adecuado al interés de cada uno. Por ahí se ha perdido la humanidad, primero por perder el cuerpo humano y segundo por seguir los deseos. Así, los Space Angels, el equipo de Alita, recuerden que siempre Kishiro la ha comparado con un ángel, se enfrentan a la última tecnología electrónica y los karatekas a la última tecnología genética. La primera envía máquinas a combatir y la segunda objetos vivos y "guiñoles". Ninguno es un ser autónomo. Esta lucha entre lo inhumano y lo humano, es el tema principal de Alita. Por eso no extraña que Júpiter y Venus sean derrotados. Les falta alma y a sus oponentes les sobra alma. Las máquinas de guerra y los luchadores especializados pierden porque el alma es lo que permite transcender y por tanto superarse. Quien ni puede mejorar ni adaptarse al cambio perece. Su estrategia es como la de los dictadores, tratar de imponer sus reglas y su fuerza, si el oponente no sigue esas reglas y usa la astucia el dictador se encuentra fuera de su hábitat por lo que no puede sobrevivir al estar especializado. En fin, la victoria no la da el poder sino el alma (chi es ánimo, no olvidemos que las artes marciales orientales son un camino místico). El espíritu humano es lo que da la victoria sobre el metal y el darwinismo. Podemos vencer a criaturas diseñadas para matar gracias al alma (si bien no hay que olvidar que el cuerpo humano está diseñado para luchar y no para huir) porque es lo que da el motivo o la causa por la que luchar, que es lo que nos hace capaces de superar nuestro límite y de arriesgar nuestra vida. Eso sólo lo puede hacer un humano, en cuanto que es autónomo y consciente. El alma supera el diseño. Homme de Feu lo demuestra. Lo que busca saber es, si la apariencia, la utilidad y el corazón se diseñan, de quién es el deseo [del diseñado]? El deseo no viene del diseño sino de la libertad y de la pasión. Eso es lo que viene diciendo Alita cuya biografía es una lucha por crearse a sí misma.

Vuelvo a repetir que en Gunnm los verdaderos oponentes no son malos, son gente equivocada. Por eso estaba cantado que la final no iba a ser el bueno contra el malo, sino el bueno contra el bueno-malo, un hombre normal. Los karatekas incluyen malvados pero tienen a Toji, la rata. Este es el creador del equipo de karatekas porque quiere un lugar para que sirva de centro al karate, que está desunido. Su motivación es el traumático recuerdo del asesinato, por el Sistema, de unos niños que le adoraban. Recordemos que en el mundo galáctico de Alita los críos son ilegales. Ellos le hicieron darse cuenta de su alma. El karate es hacerse fuerte y las emociones cariñosas son siempre interpretadas como debilidad. Pero a través de Toji Kishiro nos quiere hacer ver que son estas las que nos permiten transcender, superar el límite físico y el de la técnica. El alma es lo que da finalidad al poder. Poder por poder, que es Zekka y su romanticismo masculino, es un desastre como nos acaban de demostrar las altas finanzas. Muerte, destrucción, violencia y avaricia [...] el mundo en el que vivimos hoy en día. Esto es enseñanza de Gally, quien poco a poco ha ido transformándose en una heroína. Así pues el enfrentamiento será igualado. Ambos destacan en velocidad y poder mental y místico-espiritual.  O lo que es lo mismo, la incertidumbre es total, aunque no para el lector.

Antes de la final Kishiro le echa un vistazo a su protagonista, que tiene muy olvidada en este tramo final. La vemos realizar un milagro que me recuerda al de Lanzarote. La caballería mística medieval que creía que mediante el ejercicio de las armas, es decir, matar, al servicio del cristianismo se podía llegar al Cielo está detrás de lo que se conoce como la Vulgata Artúrica, una versión total de la Materia de Bretaña escrita al principio del siglo XIII, uno de los momentos místicos de la historia del cristianismo (el cual, como siempre, fue sucedido por otro de materialismo que acabó dando lugar, tras serios avisos, al protestantismo). En esa serie de novelas de ficción lo que más anhelaban  los caballeros era ser santos y la prueba de que lo habían conseguido era obrar un milagro. El que más lo deseaba era Lanzarote pues a pesar de ser adúltero era muy pío. Cuando lo consigue, uno de los momentos más emocionantes de la tetralogía de T. H. White, alcanza el éxtasis pues se da cuenta de que sus pecados, el adulterio y la traición a su rey no las muertes, han sido perdonados, que se ha purificado con penitencia, ascetismo y servicio. Así, Alita demuestra que, pese a ser una guerrera despiadada y volver de la muerte distante y desorientada, sigue siendo humana, que la gente, especialmente la que conoce, le importa. A pesar de ello es comparada con Anomaly, el luchador mercuriano, por ser enigmática. Quizás Alita, más que una gata callejera, sea una esfinge.

Mientras Trinidad trama la destrucción de los marginados como haría cualquier poder a punto de ser derrocado. Estamos ante otro enfrentamiento entre el poder-orden degenerado y la fuerza-caos revitalizante. Lo que en cierta forma simboliza el mito de Heracles y Euristeo, el rey mortal que encargaba los trabajos al hijo de Zeus a ver si la palmaba y dejaba de ser una amenaza. Al final los descendientes del héroe acaban con los del rey. Recordemos que tanto Alita como Zekka han servido al poder durante un período de sus vidas. En estas a Trinidad se le aparece Arthur, el creador del mundo posapocalíptico. El primero le reprocha que apoye a Alita. Este le ilustra con un breve relato. Al principio estaban Excalibur y Fata Morgana, dispositivos que pueden controlar Melquisedec. El 1º le correspondía a él como dirigente y a sus sucesores, el 2º a la Diosa, Vilma, pero la ambición de los gobernantes que le siguieron destruyeron Excalibur. Él no puede dar lo que no es suyo porque Excalibur es lo masculino, el poder y la lógica, y Fata Morgana es lo femenino, la rebeldía y las emociones. Eso hacía ideal el Sistema pues la 2º controlaba al 1º. Es lógico que el Sistema haya degenerado en tiranía. Si el poder no se controla... Cosa que, al ser pervertidor, debe hacer otro. Eso quiere hacer comprender a Trinidad cuando le revela que son iguales: ambos al haber perdido el amor se entregaron al poder, la diferencia es que él es modesto mientras que Mbadi es arrogante. Otra revelación que Arthur le hace es enseñarle el flujo kármico: cada acto es un punto de luz y las grandes personalidades (gran poder y voluntad) son remolinos, singularidades kármicas, que se atraen y chocan generando incertidumbre. Un auténtico héroe es un ser caótico porque con él cualquier cosa puede pasar. Por eso con él cerca la previsión es imposible. De ahí el temor de Euristeo, un simple mortal incapaz de imponerse al héroe si este se quiere autoafirmar tomando el poder. La tormenta es la final del ZOT, el enfrentamiento entre Zekka, Gally y él, avatares del darwinismo, la tiranía y la solidaridad, dará lugar a un tornado de karma del que nacerá el futuro. En el futuro la guerra sigue siendo el padre de todo. De Heráclito hasta hoy nos hemos cambiado nada y él lo dijo considerando su pasado. El objetivo de Arthur es lograr que Trinidad no interfiera con sus maquinaciones, que deje su arrogancia al ver lo pequeño que es.

Como es norma antes del clímax final tenemos une panorámica que resume lo que está en juego, el destino de LADDER. Está claro que una nueva nación romperá el status quo y destronará al tirano lo misterioso es cómo será el bravo nuevo mundo que saldrá de eso. El Patio de los Desperdicios está en juego pero este no sólo lo ignora sino que desconoce la existencia del "Cielo". No es el caso de sus dirigentes que actuarán como profetas en la final revelando a los suyos lo que ahí en los cielos. Se trata de animar a Alita, su campeón aunque no haya sido elegida para ella popularmente. Cuando uno está predestinado puede atajar o saltarse elecciones. Pero no es la integración de la superficie lo incierto pues ganen unos o los otros está claro su destino, ingresará en LADDER. El intríngulis está en que con Gally están, además de la superficie, los robots de Jeru, Weasel, los Guntroll, los marcianos realistas y Vilma. Dar satisfacción a todos ellos cambiaría mucho las cosas, para empezar sus intereses son contrarios a los de los jovianos y venusinos. Paradójicamente Gally no sabe a dónde va, todavía no sabe cuál es el final de su viaje. Está claro que sólo ve el duelo. Porque la final no es lucha, pelea o combate sino duelo, enfrentamiento pactado entre dos. La táctica y el engaño que habían presidido las semifinales no van aparecer. La final es un duelo o pelea heroica, la lucha va ser honesta, franca, directa y a corta distancia. Brutal en una palabra. Sin restricciones Así son los enfrentamientos entre guerreros, por eso Homero es supergore. Sin embargo la incertidumbre no sale de la obra. Puede que Kishiro nos haga una finta, pero, después de establecer que el alma diferencia al héroe del guerrero, todo apunta al triunfo de Alita. Por otro lado protagonista de una obra que lleva publicándose 20 años y heroína predestinada a ser Diosa. Ningún flashback lacrimógeno de Zekka de última hora parece que tendrá fuerza suficiente para torcer las cosas. Además, la aparición por sorpresa de Frau X, la maestra de Yoko, que envía el siguiente mensaje a su expupila: te espero, apunta a que la cosa va a ir más allá de la final del ZOT. Gunnm parece que terminará con Alita yendo a Marte a encontrarse con su pasado, lleva todo el manga buscándolo, y así cerrar el círculo terminando su periplo para poder pasar a la eternidad.

Para comprobar si el final será así llevamos esperando casi 3 años. Se cruzó en nuestro camino el que Kishiro cambiase su obra de editorial. Con esa maniobra la editorial española que publicaba Gunnm se quedó sin los derechos. Pero los ha vuelto a negociar así que parece que para el último trimestre del 2014 podremos leer el final de uno de los mangas más importantes que se han publicado en España y uno de los comics pop más interesante, complejo y filosófico que se han publicado en estas 2 últimas décadas. Kishiro, un mangaka muy especial por su cultura y conocimiento de Occidente, al reflexionar en Gunnm sobre la libertad, la sociedad, el individuo, los sentimientos, la tecnología y la felicidad nos ha dado una obra transcendente, aunque no siempre una lectura entretenida pero sí siempre bien dibujada y sobresalientemente narrada, que si bien, como todas de su tipo, no nos sirve para resolver nuestros problemas como especie sí sirve para comprender mejor las cosas. Así, ladrillo a ladrillo, algún día seremos capaz de volver al Edén.

Bueno, con esto termino este repaso que culminará con la aproximación informal a la conclusión de la obra. Lo digo por si alguien se ha quedado con ganas de más. Sea como sea recuerden que esto es una aproximación informal. Hay mucho de lo que no he hablado, Kishiro desarrolla los temas poco a poco, esto ha durado más de 3 años y debe haber bastante que se me ha pasao. Además, estamos hablando de un cómic, no es lo mismo que te lo cuente un texto que leerlo. Es indispensable para aprovechar mis post, si es que eso se puede, leer Gunnm pues, además de que no es lo mismo leer un texto que leer un cómic, los he escrito pensando en el que ha leído la obra pero también en el que no, de modo que me he quedado en tierra de nadie. En fin, que es sólo una aproximación informal, hay más cosas en el manga.