27.11.08

Conan y Belit

Continuo con mi relectura de "Conan el bárbaro", que se me esta haciendo cuesta arriba por lo poco imaginativo que es el trabajo de sus autores, en especial por los pesados guiones de Thomas, lo que me lleva a la larga etapa de Belit. Un momento histórico en la cole, pues la serie cambió tan radicalmente que pasó a estar protagonizada por una pareja (algo habitual en la Marvel setentera). También es una de las mejores etapas de la cole como prueba el que haya sido editada en España como 5 veces en diferentes formatos. Yo no le veo la genialidad por ninguna parte, no me parece gran cosa, pero sí es cierto que en su contexto sobresale porque los números, tanto inmediatamente anteriores como posteriores de esta larga etapa, son muy mediocres, los peores de la cole.
La 1º de estas ediciones es la que yo tengo, son los números 4-24 de la 1º edición de forum de "Conan el bárbaro" publicados en 1983. Esta edición comprende los nº estadounidenses 52-100 ambos inclusive menos los nº 64 y 78 porque son episodios de la Espada Salvaje de Conan (nº 11 y 13 en la edición española de esa cole).
Los nº 1-3 españoles fueron un intento por parte de Thomas de cambiar de tercio, pues debió darse cuenta de que la cole había caído en barrena por unas historias sin imaginación y repititivas. El cambió consistió en hacer de "Conan el bárbaro" una serie grupal introduciendo una compañía de mercenarios. Así, enriquecían la serie el jefe de la compañía, al dar un toque aristocrático y civilizado que realzaba más la barbarie de Conan, y una muchachuela, al dar alivio cómico por su condición juvenil y femenina y por obligar a Conan a adoptar el rol de tutor. Pero pronto Thomas desechó la idea, supongo que al darse cuenta de que ese enfoque traicionaba el espíritu de Conan, por lo que se deshizo rápido de los secundarios. Tras la breve saga de Ronnoco, donde las pocas buenas ideas de la historia fueron sepultadas por un desarrollo nada interesante y un trabajo pobrísimo de J. Buscema, y una sencilla pero original historia bien contada y con su puntillo trágico, "La extraña y alta torre en la niebla" (nº 56 EE.UU.), a cerca de una ciudad sentiente que busca habitantes desesperadamente. Historia que remite a los buenos tiempos de la serie cuando el tándem Thomas-BWS hicieron un trabajo ya clásico. Le siguió el nº donde Thomas aprovecha para finiquitar el grupo y obligar a Conan a salir al mar para que se encuentre con Belit.
A partir de aquí (nº 58 EE.UU.), se inicia una larguísima etapa muy setentera pues la black explotation y lo femenino, que son el santo y seña de la Marvel de los 70, entran a borbotones en la cole a color de Conan. Con Belit aparece en la cole un pj femenino lo suficientemente fuerte e independiente como para adoptar un rol masculino (capitán pirata) y capaz, a diferencia de Red Sonja y Valeria que ya habían aparecido, de hacerse un hueco en la serie al entablar una relación amorosa con Conan, la única relación seria de este pj hasta que se casó. Este pj, además de emparejarse con Conan, lo tarzaniza al estar relacionada con la parte negra de la Era Hibórea, la cual no es más que una evocación del África negra que se encontraron los europeos en el XIX con vudú. De esta forma, lo negro y lo femenino se convierten en coprotagonistas de la serie de Conan, aunque sin tratamiento revindicativo o revalorativo. Belit sigue siendo una mujer que precisa de un hombre, de hecho hace varias veces el papel de damisela en peligro, y es suplantada como líder por Conan además, Thomas la retrata como una persona caprichosa, celosa, vanidosa, cruel y agresiva, así que no resulta un pj demasiado positivo y carismático, y los negros son superticiosos y primitivos y estan bajo las órdenes de los blancos.

Con esto, Thomas conseguía un cambio de aires bastante radical para la serie, el cual fue reforzado por la sustitución del ambiente terrestre y aventurero, hasta ahora dominante en la serie, por uno marino y pirático. Pero, aunque conseguió revolucionar la serie sin desvirtuarla, sus guiones, a pesar de ser mejores que la media de la cole, pocas veces dieron algo más que el mínimo exigible ya que su trabajo siguió tarado por una prosa inadecuada para un cómic, por excesiva, pesada y reiterativa, y una falta de originalidad e imaginación. El esquema de Conan va viajando y se encuentra un monstruo al que ha de vencer, que había llevado la cole al aburrimiento, seguió siendo el utilizado por Thomas. Otro problema de esta etapa es que resulta coja porque Thomas no logró en ningún momento dar sensación de realidad a la relación amorosa de Conan y Belit. Por eso, estos números, a pesar de la mejora, no consiguieron llegar a los niveles de calidad que alcanzaron los primeros de la cole.
De esta larga etapa sobresale la historia "La serpiente emplumada" (nº 65 EE.UU. basado en un relato de Howard). Una buena grapa gracias a la singular y perfecta fusión entre la historia típica del tesoro pirata con la historia típica de Fantasía de Howard. El 1º crossover de Conan fue con el vol.II de "Marvel Feature", donde estaban publicándose aventuras de Red Sonja. Comprende los nº 66-8 EE.UU. de la cole de Conan y el 6 y el 7 de la susodicha "Marvel Feature" (los cuales no fueron publicados hasta 1989, números que supongo no han sido publicados por la nueva edición de PDA). Es una historia resultona cuyos mejores números son los de Red Sonja porque Thorne demuestra lo que gana una cole de Fantasía cuando el dibujante es creativo y original. Siguió a esta historia el relato en 2 partes de Kelka, basado en un relato de R. E. Howard (casi todas las mejores historias de Thomas en la cole son las que se basan en los relatos del creador de Conan, creador también de Belit) que destaca por su vigoroso toque fantástico, típico de Howard, que evoca a la mitología. Poco después llega la parte estigia de la etapa de Conan y Belit, que es la mejor con diferencia de esta, demostrando Thomas que su trabajo esta más inspirado en entornos urbanos y cuando mezcla a Conan en política. Aunque el tema empieza en el nº 74 EE.UU., el asunto no se empieza a poner interesante hasta el 85, con la aparición de Zula, un gran pj que debería haber sido más explotado. A partir de aquí Thomas consigue sorprendernos con el pj de Neftha (muy sensual gracias a J. Buscema), una de los pocas féminas interesantes de la cole y que podría haber sido una gran némesis de Conan, y entretenernos con la inestabilidad política de Asgalún y unas aventuras que recuerdan, por su fantasía y vigor, a los mejores momentos de la cole de Conan hasta entonces, la etapa Thomas-BWS. Poco después termina la etapa-relación de Conan y Belit, pues llega el previsible desenlace en el nº 100 EE.UU. que fue doble. En él, Thomas pierde, tanto su última oportunidad para dar solidez a la relación amorosa de Conan, como dejar a Belit como un pj positivo, pues muere por avariciosa y traicionera.
En esta etapa, aunque no se ocupan de todos los números, es cuando la pareja J. Buscema-Chan toma cuerpo. A mi personalmente el tándem no me gusta porque creo que Chan no le hizo un favor a los dibujos de J. Buscema. Sobre todo aquí, ya que Chan pensaba en b&n. Su trabajo venía bien para las texturas y la atmósfera, pero eso no es necesario en un cómic a color, ya que es este el que se encarga de eso, por lo que en esta cole se agudizaba lo contraproducente, para el estilo de J. Buscema, que era el entintado de Chan, porque este destruía lo elegante, ligero y dinámico del dibujo de J. Buscema convirtiéndolo en algo pesado, rudo y romo, ya que cercenaba su expresividad. Lo único bueno que tiene es que mejoraba los sosos, convencionales y simples fondos y los poco imaginativos monstruos que hacía J. Buscema. Por eso, la responsabilidad de que la cole sea pesada y vulgar no sólo es de Thomas, sino también de J. Buscema que, aunque tiene la disculpa de que muchas veces se limitaba abocetar, nunca se esforzó en crear ambientes y atmósferas. La Edad Hibórea de J. Buscema parece una peli barata del Hollywood de los 50, así que no enriquece los guiones de Thomas contribuyendo, por tanto, al resultado gris y vulgar de los episodios. Su espléndido dominio de la anatomía, su notable clasicismo y su talento para dibujar la belleza femenina, muy importante en un cómic de Conan, no compensan un trabajo ramplón y falto de imaginación. Quizás esto no sería tan evidente si antes BWS no se hubiera salido con un dibujo lleno de fantasía y originalidad.
En fin, la etapa termina en julio de 1979, desapareciendo con ella las características setenteras de la serie, para dejar paso a los 80 y sus señas de identidad, Reagan, Stallone y Schwarzenegger.

25.11.08

Vuelve por un tiempo La Edad de Bronce

Hace unos meses hice un post que repasaba lo publicado en España de la serie "La Edad de Bronce". En él me preguntaba cual era el futuro de esta fabulosa serie en nuestro país, ya que su editorial Azake, opaca entre las opacas, había parado su publicación en el 2005! Ahora tengo la respuesta, pues Azake ha sacado otra entrega más, la nº 7 .
"La Edad de Bronce" es un proyecto personal ambiciosísimo con el que Shanower, el autor, planea contar la historia de la Guerra de Troya, que es más que la "Ilíada". De momento esta haciendo la mejor versión en cómic de ese ciclo épico y una de las mejores realizadas en cualquier arte. Es un trabajo estupendo y notable que destaca por el tremendo trabajo del autor, su profesionalidad y disciplina, su amor por el tema y por su vocación de ser un relato total.
Me encanta este cómic porque Shanower ha conseguido revivir aquella época a pesar de que, seguramente, casi todo el ciclo troyano sea ficción. Shanower ha conseguido, basándose en la arqueología, quizás de forma exagerada, pues eso ha supuesto un encorsetamiento de su arte, reconstruir de forma admirable y verosímil el final de la Edad de Bronce al norte del Egeo. Ha unido los datos dispersos que tenemos y los ha juntado en una recreación histórica admirable por su fidelidad con los que nos ha llegado arqueológicamente de aquella época y por su detallismo y verosimilitud, de forma que quizás "La Edad de Bronce" sea la mejor manera para conocer el aspecto que tuvo aquella época. También me encanta por sus pjs, pues Shanower los ha humanizado y modernizado brillantemente, ya que lo ha conseguido sin desnaturalizarlos. Elemento para mi clave de la tremenda bondad de este cómic, pues Shanower consigue que conozcamos a los pjs y por tanto nos ha dado la rara oportunidad de que empaticemos con ellos, pues han dejado de ser estereotipos y podemos superar el abismo temporal que nos separa con la versión (definitiva para los griegos, pero no para la humanidad) del ciclo que nos ha llegado, que hace que sus personalidades nos sean ininteligibles.
Esto es quizás lo mejor de la obra y uno de los puntos donde se ve la entidad del autor, pues por ejemplo, en contra de lo acostumbrado, Agamenón es un pj positivo a pesar de ser un buen rey, es decir un político maquiavélico. Nos cae bien porque vemos que su realeza es una pesada carga que enturbia sus relaciones familiares, pues siempre se mueve entre la conceptualización de sus familiares como seres humanos o como piezas de ajedrez, y personales, pues como macho alfa o primus inter pares ha de soportar mucha presión y mucha competencia e intentos de derribo. Pocas veces Agamenón no ha sido envilecido y pocas veces la soledad del mando se ha reflejado tan bien. Otro ejemplo es su Aquiles, bastante fiel al de Homero pero como los tiempos han cambiado, la audiencia ya no vive en una sociedad guerrera, su valentía, agresividad y crueldad ya no parecen admirables y su honradez y ambición nos parecen intolerantes. También esta Odiseo/Ulises que aquí es despojado del carácter heroico y humano que le dio la "Odisea" para ser un pj taimado y retorcido, no lo suficiente para ser un villano, pero si para ser antipático. También ha dado entidad a Príamo, el rey de Troya, que es un pj que siempre esta desdibujado porque al ser anciano ha delegado su autoridad en su hijo Héctor, por lo que tradicionalmente es un deus otiosus. Pero Shanower se ocupa de él, lo que es una de sus ideas más geniales, pues le sirve para contrapuntear a Agamenón y para hacer una Troya más profunda. De esta forma Príamo, al ser retratado como un padrino respetado y querido por todos amable y pacífico, casi un abuelete, contrasta con un Agamenón ambicioso, estresado por estar en una posición eminente pero nada estable y con unas relaciones turbias con su familia donde es el típico pj radical, en el sentido de que despierta u odios o amores sin términos medios. En cambio, su versión de Paris no es novedosa, pues lo retrata como un joven caprichoso, egoísta, cobarde y vanidoso por lo que como la mayoría de los autores, es incapaz de explicar o de hacer creíble su relación amorosa, tan intensa y fuerte como para provocar una guerra mundial, con una Helena, como de costumbre, madura, melancólica y angustiada por el papel que le ha tocado vivir, de forma que esta relación de tipo edípico no tiene mucho sentido dentro del contexto del ciclo troyano.
En suma, Shanower hace magia con sus guiones, ya que ha insuflado vida a unos tiempos tan remotos que estan muertos y casi olvidados, por lo que los ha recreado de forma magnífica completando muy bien los poemas homéricos al tratar los aspectos más prosaicos y los detalles y aspectos que, por ser poco o nada poéticos y épicos, fueron obviados por el aedo ciego. Así retrata estupendamente la política de los sistemas sociales en donde esta se mezcla con las relaciones familiares y es un proyecto personal en vez de común o estatal y otra cantidad de aspectos de una sociedad pretérita y bastante incomprensible ya para nosotros. Lo que no comparto con Shanower es que haya tomado la decisión (muy actual) de prescindir de los dioses. Sin estos es evidente que el ciclo troyano queda cojo, pues ellos son el motor de la historia, muchas cosas de las que pasan ocurren porque los dioses las provocan. De momento no queda mal, pero todavía no ha venido lo difícil, a ver que hace cuando se meta de lleno con la "Ilíada", porque ha sabido captar muy bien la religiosidad típica de la época, bastante supersticiosa a nuestros ojos y que explicaba las pulsiones y el instinto como posesiones divinas. Lo único malo, en mi opinión, de esto, es que hace que la historia progrese lentamente y se embrolle, de lo cual es un magnífico ejemplo este tomo, donde se dedica mucho espacio a acontecimientos de poca importancia.
A los dibujos, Shanower se revela más humano, pero no por ello deja de hacer un trabajo estupendo muy por encima de la media (2 premios Eisner nada menos), aunque brilla más por profesionalidad, enorme si la comparamos con los autores estadounidenses más mediáticos (lo cual me imagino debe de ser bastante frustrante), que por talento. Sus referentes, diría, son los grandes dibujantes de prensa estadounidenses de la primera mitad del siglo XX y dibujantes europeos del mismo palo entre los que destaca Hergé (la secuencia final de la página 26 de este tomo es puro Hergé) que es de donde Shanower saca su comicidad y su vena de dibujo infantil (que me parece mejor que su vena realista). Así pues practica un estilo realista ideal sobrio y muy clásico con un entintamiento en b&n portentoso, y sobre todo muy currado, cuyo objetivo es dar al cómic el mayor aspecto realista posible ocupándose de todos los detalles. Un realismo que es reforzado por un tremendo trabajo en los fondos, sea muchedumbre, sea un edificio, sea un paisaje, sea un interior, y con la luz. Es quizás un trabajo demasiado serio y contenido por lo que aunque resulta espectacular, en parte porque ya no se hacen comics así y en parte por el curro que hay detrás, en cierta forma resulta soso y anodino. Esto lo compensa por lo bien que plasma la gestualidad y por una narración clásica y cinematográfica impresionante. Es sobria y realista, ya que nunca utiliza planos imposibles o perspectivas radicales, pero no resulta aburrida por la variedad de planos que utiliza (el no conoce el copypaste salvo cuando es la mejor forma de expresar lo que tiene que contar), un dominio del ritmo portentoso y una elección del punto de vista brillante, de forma que la lectura es ágil y dinámica y cuando toca, vibrante y emocionante (en este tomo el ataque nocturno de Paris es un buen ejemplo). Por tanto, el dibujo defiende muy bien el guión apoyándole excelentemente para que el cómic entretenga, interese y emocione. El único pero que se le puede poner, a parte de una disciplina académica que ralla en la locura, pero eso es gusto personal, es que es mucho mejor en las conversaciones y las escenas íntimas que en las de acción, de la misma forma que su narración es más adecuada para la tranquilidad que para la violencia, por eso, en las escenas de combate no da lo suficiente y eso es un aspecto no muy importante salvo cuando estas relatando el ciclo troyano. Pero bueno, también hay que reconocer que "La Edad de Bronce" es más un relato intimista, aunque coral, que un relato bélico.
La edición de Azake es espléndida pero yo le pongo peros, primero que es demasiado lujosa. En mi opinión no es preciso que el cómic tenga solapas y el papel sea tan, tan bueno, ya que encarece la obra (9 € por 4 grapas en b&n). Otro pero es que, aunque desde el anterior tomo incluyen las portadas, que son maravillosas desde el nº 10 por su prodigioso minimalismo, son en pequeño y en b&n. El último es para la editorial. Es demasiado opaca, por ejemplo, tras una ausencia de 3 años no hay ningún articulillo en el cómic o en la web, alguna pista de cual es su intención con este cómic. También se deduce que pronto habrá otro nº (con lo que lamentablemente alcanzamos la edición estadounidense, o sea que lo mismo nos toca otros 3 años de espera), pero no se sabe cuando. Una serie así, publicada a salto de mata, precisa de mayor comunicación entre la editorial y su cliente vamos, digoyo.
En fin, este tomo da aún más peso a la sensación de que "La Edad de Bronce" va a ser un clásico y una POM. Es una pena que una obra así y la ejemplar y admirable profesionalidad de Shanower no tenga la recompensa que se merece. Que esta obra no le de a Shanower para alimentarse y tenga que compaginarla con otros proyectos (en 7 años sólo ha podido hacer 27 grapas) me parece muy triste y agrio.

23.11.08

Habrá 4º año?

El blog acaba de cumplir su 3º año a la chita callando. Cuando comencé el blog no tenía mucha idea de como iba el tema ni tampoco de a donde iba ir con esto, así que hacer 3 años me sorprende por más que mantener el blog sea algo rutinario y semanal.
Lo más importante que ha ocurrido este año bloguero es que casi lo dejo en febrero. Como podéis ver hay un bajón significativo de post. Todo se debió a que perdí la motivación. Sentí que había dejado de suscitar el escaso interés que despertaba y se me hacía difícil continuar con la rutina y el esfuerzo que me supone escribir muchos post. Estaba cansado de la constancia que exige un blog y aburrido de una situación que apenas había cambiado a lo largo de poco más de 2 años.
Al final conseguí superarlo poniendo el énfasis en las recompensas personales que un blog proporciona. Cuando uno se pone a escribir (luego a pensar) se le ocurren más cosas y empieza a ver conexiones, en fin, profundiza más en la obra pudiéndola descubrir mejor y por tanto apreciar más. Así, post como el del Escuadrón Supremo, el de "El ángel exterminador", "Belle de jour", el de "Apocalipsis now" o el de "Clavos rojos", que son los que ahora me vienen a la memoria, me han posibilitado mejorar mucho la compresión de esas obras, lo cual me hace feliz pues aumenta mi disfrute de las mismas y recompensa el esfuerzo invertido. Eso compensa que, justo los post que más esfuerzo y tiempo me llevan sean los que menos comentarios reciben (la mayoría de estos ninguno). Otra forma de superarlo ha sido bajar la frecuencia de los post. He pasado de hacer 3 a la semana a 2, siempre que "el tiempo y la autoridad lo permite" como se dice en los toros. Rebajar el trabajo y relajar mi relación con el blog ha sido clave para llegar hasta aquí. Otro tema que me ha ayudado es percibir una mejora literaria más o menos a partir de marzo lo cual me ha producido cierto subidón. Creo que a partir de ahí se puede apreciar una mejora cualitativa en mi prosa que casi la acerca a la de una persona normal. Creo que ahora mis post son más inteligibles y menos farragosos, que ahora soy capaz de expresarme mejor escribiendo y eso me enorgullece porque mucho esfuerzo y constancia me ha costado y no pensaba que eso pudiera darse y además, ha hecho que me lleve menos tiempo hacer un post.
Pero todo esto no ha impedido el título, y es que viendo los post anuales se aprecia un descenso significativo y constante desde el primer año. En el 2007 hice 49 post menos que en el 2006 y este año, lo más seguro, es que haga 60 menos que en el 2007, por lo que puede que este año que comienza, impulsado más por inercia que por ganas, se acabe el blog, porque una reducción proporcional a la de estos años reduciría el nº de post casi a cero. Naturalmente no es mi intención porque si no pararía ya pero, si cada vez más las satisfacciones son personales, para qué publicar? El blog proporciona una disciplina que facilita el escribir, sin él, los post que he citado seguramente nunca los habría escrito y me habría perdido cantidad de matices de obras que me gustan mucho y que seguiré visitando, pero eso no puede ser la base. En fin, que hay emoción e intriga este año.
Termino ya esta efeméride-obtuario para agradecer como siempre el interés de todos los que os pasáis regularmente para leer "El critiKrator", en especial a Fer1980, que es lo más cerca que tengo de un fan, a Hellpop y guevillos que se han incorporado este año con fuerza y que son gente con las ideas muy claras y sin miedo a expresarlas a pesar de que son contracorriente y eso les hace admirables, y a mis lectoras femeninas, que parece (yo es que no termino de creérmelo) que tengo. Muchas gracias porque me hacéis pensar que este no es un blog excesivamente friki (mundo eminentemente masculino, marginal y oscuro), que tiene algo de, digamos, interés general y que tengo la capacidad de decir cosas que no sólo interesan a un grupúsculo de fanáticos.
En fin, que otro año más del que no me arrepiento pero que si me pesa. Espero que todos estéis hasta el último día llegue cuando llegue.

20.11.08

Videados 53: Belle de Jour, L. Buñuel 1967


Tienen a su disposición una versión mejor aquí.

Ya he dicho que Buñuel es mi director favorito. Su surrealismo me encanta y fascina, su maestría como director me parece brillante y su cine me parece originalísimo. De entre todas las pelis que he visto de él (me faltan 6) "Belle de Jour" es una de mis 3 favoritas.
Esta peli, hasta que hace poco leí que trata de una perversión sexual, la consideraba una peli surrealista porque, haciendo gala de una ingenuidad que me avergüenza por sus proporciones bíblicas, no la había entendido. Ahora, sabiendo de que va y aprovechando la serendipia de que la Filmoteca de Madrid la proyectase, he ido para verla en pantalla grande y v.o.s.
La peli esta protagon
izada por una joven esposa de la alta burguesía cuya sexualidad no puede desarrollarse dentro del típico matrimonio, por ser eso, típico. Aunque la verdad es que nunca lo intenta, en parte porque si lo hiciese y tuviese éxito, no habría peli.
La mujer en cuestión es una masoquista, lo que le va es ser dominada y humillada porque quiere que le hagan sentir una depravada y así poder escapar de su rol angelical. Esto no lo intenta hacer con su marido porque es un santo y ella no quiere que este descubra que es una guarra (recuerden que estamos hablando de la sociedad occidental antes de la revolución sexual de finales de los 60) porque piensa, se presume, que dejará de amarla. Esta santidad tiene 2 efectos, impide que se dé cuenta de lo que realmente le va a su esposa, que no reaccione con violencia cuando su esposa le mantiene a 2 velas durante más de un año y que todos coincidamos con la prota, Severin, que no va a poder darle lo que quiere, y le convierte en un ser temible para Severin, pues puede descubrirla.
Ese temor que le provoca su marido, como podemos deducir, si la satisface, y mucho además, pero no es sexo y como todo ser humano, no le basta sólo con lo mental, ha de buscar el folleteo en otro sitio y es aquí donde empieza la peli. Para solucionarlo decide convertirse en prostituta, naturalmente compaginándolo con su papel de virginal esposa porque si no, no hay satisfacción. No sólo ha de ser vejada, sino que también es imprescindible experimentar la culpa y el temor que le produce el que su marido se pueda enterar para tener una satisfacción sexual completa (metáfora de los remordimientos por esta transgresión es que sea coser la afición de Severin, pues en el universo buñueliano el coser esta asociado a intentar arreglar lo roto).
En este prostíbulo acaba descubriendo exactamente cual es su tendencia sexual por lo que acaba desarrollándose como persona y alcanzando la felicidad al poder realizarse. También acaba enamorando a un delincuente peligroso, alocado, posesivo y dominante. Al ser descubierta por un amigo de su marido decide dejar su otra vida, esto hace que el delincuente se lo tome como que prefiere al marido y decida, entonces, matarlo para recuperar a Severin. Los acontecimientos se precipitan pero el marido no muere, sino que queda en un estado cuasivegetal bajo el atento y amoroso cuidado de Severin. A quien vemos satisfecha porque ha superado sus problemas sexuales, ya no necesita su otra vida ni teme a su marido, ya que en el estado en que esta este, ni siente que le insatisface ni se preocupa de que pueda descubrirla. La vemos casi totalmente libre. Pero su aspecto, Piccoli le dice que parece una "monja libertina" o algo así, con un moño (que recuerda al de "Vértigo" Hitchcock 1958) y un traje negro sobrio y casto pero aún así coqueto, delata que su conflicto interior aún no se ha dirimido. Por eso, justo al final, el marido se acaba enterando, con lo que llega el momento trascendental del film, pues Severin ha de decidir qué hacer entonces.
Al final se queda junto a su marido, pero realmente no sabemos el por qué de esa decisión. Buñuel dijo que no sabía como terminar la peli así que dejó un final interpretativo. Mi opinión es que al fin se siente totalmente libre y feliz, ya que se libera del temor a que su marido le descubra ganando la seguridad de que su marido, pobre, no la va a dejar. Así es como interpreto yo que el final sea la fantasía sexual recurrente de Severin, pero esta vez sin su presencia y la de su marido. La cara de Deneuve alegre y satisfecha del final creo que me refrenda, pues parece que ha trascendido el sexo o por lo menos ha resuelto todos sus problemas, ha conseguido desarrollarse personalmente, cerrar traumas y heridas (la peli insinúa que abusaron de ella sexualmente cuando era niña) por lo que por fin se siente fuerte, segura y feliz, sin culpas, temores y pensamientos traumáticos, ahora no recuerdo si deja de coser.
La peli es magistral. Esta rodada muy bien de forma clásica, esto es, funcional, sobria y competente pero sin renunciar a la estética y a la armonía. Así la peli fluye con ritmo, normalidad y soltura por lo que la historia toma un aspecto de normalidad y sencillez que quita todo dramatismo y escabrosidad al tema y lo convierte en una especie de cuento. Este último aspecto es reforzado por lo bien que Buñuel entremezcla la fantasía con la realidad, pues no hay nada que distinga una fantasía sexual de Severin de su realidad. De esta forma Buñuel consigue fílmicamente reproducir la mente pues ambos aspectos, sueños y fantasías y lo real, estan unidos dentro de nosotros. Revelándose así como uno de los mejores directores de todos los tiempos y como uno de los mejores para rodar temas psicológicos y fantasiosos.
Deneuve es la que realmente hace funcionar a "Belle de jour". Su belleza hierática y su bello cuerpo, más de adolescente que de mujer por la ausencia de curvas rotundas o grandes volúmenes, son cruciales, pues con otro físico no podría ser creíble el papel de joven doncella tímida e ingenua cosa que además, es reforzado por el look infantiloide con el que visten al pj y esos complejos peinados que recogen bien el pelo que dan la sensación, a la vez, de represión y de inmadurez sexual. Pero Denueve no sólo se limita a poner el físico sino que lo realza demostrando una valentía loable, ya que en 1967 hacer de pervertida y desnudarse podía resultar perjudicial, y realizando una interpretación magistral donde la clave esta en que fue capaz de decir con la cara/mirada una cosa y con el cuerpo otra en una situación fingida. Por eso hace aquí seguramente su mejor papel y es aquí donde se gana su lugar en el Olimpo interpretando a una mujer que se busca a sí misma a través de la realización de sus fantasías atreviéndose a trascender la moral y las costumbres sociales. Piccoli, que aparece a lo largo de la peli en episodios breves, esta también magistral en su papel de rico decadente y pervertidor sumamente correcto y educado.
La clave de las interpretaciones es que son sutiles y sobrias (parece ser que así lo quiso Buñuel) como la dirección, porque refuerzan el lado realista de la peli, que es el importante y la clave de todo, y se basan en la mirada, subrayadas por el punto de vista escogido por la cámara, y en la disociación entre el cuerpo y la cara, símbolo de los mundos entre los que vive Deneuve y de la antítesis entre el interior-deseo con el exterior-sociedad.

La existencia de 2 mundos antitéticos y complementarios, realidad/matrimonio/normalidad y fantasía/prostitución/anormalidad, en "Belle de Jour" revela su cualidad mítica y de cuento, pues es un viaje personal de madurez donde las pruebas son los clientes, que a la vez son los mentores, hay un monstruo, el trauma o las razones de la insatisfacción sexual de Severin, encarnado por el pj de Piccoli, que es el que detecta su perversión, quien le induce la idea de prostituirse y el prota de sus fantasías porque el rechazo que siente por él (sin duda porque a diferencia de su marido, él si sabe de que pie cojea y porque ella se ve como él, un ser pervertido) las hace más satisfactorias, y después de pasar su particular odisea, obtiene el elixir o la solución a todos sus problemas superando sus taras, que al final parece que eran el ser una "guarra" sin querer serlo, al pasar con éxito la prueba final, que el marido lo sepa. De forma que demuestra su heroísmo al triunfar totalmente, pues ya no necesita el mundo mágico-fantasioso-prostituto. Ha superado sus problema y ahora esta completa, ahora es una persona adulta, madura, libre y feliz.
Así pues nos encontramos con que, a pesar de no ser una peli surrealista en el sentido de que no es ininteligible por ocurrir en ella sucesos a o supranormales, sí es una peli típicamente buñueliana porque también son temas surrealistas la crítica a la burguesía, la búsqueda de la libertad (recuerden que ya hablamos de eso a cuenta de "El ángel exterminador"), la reivindicación de la fantasía, la importancia del inconsciente, el fetichismo, la sexualidad y la individualidad. Lo que dudo es que Buñuel, siendo tan machista como era, pillase que la peli también es bastante feminista. También es típico buñelianp la bella rubia protagonista y su sometimiento y humillación, la idea de mujer, la plasmación fílmica de perversiones y fantasías sexuales irrealizadas, la representación de lo burgués como algo re y opresivo, la atención a la psicología y al mundo interior y la utilización de la angustia como mecanismo catártico. Todo lo cual, si lo piensan bien, también se puede aplicar a Hitchcock.
En fin, una gran peli que, aunque ya no es como antes, pues no es tan transgresora y revolucionaria, sigue siendo una peli muy válida, interesante, entretenida, singular y fascinante porque su interior no ha envejecido nada.

19.11.08

Los Thunderbolts de Ellis

Ya ha terminado la breve incursión de Ellis en los Thunderbolts, la colección que era el máximo exponente de la forma tradicional marvelita de hacer las cosas. Después de Ellis, eso esta más que finiquitado.
Eso y otras cosas es lo que ha traído la revolución de la cole planificada por la editorial y llevada a cabo, de forma muy mercenaria, por Ellis. Una revolución que en mi opinión ha traído tantas cosas buenas como malas, lo que hace que no pueda decir de esta mini etapa que ha sido buena o mala.
Ya en su momento cuestioné la validez de contratar a Ellis. Es una cuestión de mentalidad por supuesto. Yo jamás contrataría a nadie para hacer un trabajo que no le gusta e incluso odia por muy bueno que sea en eso. No le veo el sentido a traer a un tipo que si pudiera acabaría con los superhéroes, para encargarse de una cole regular, es decir, con vocación de perpetuarse en el tiempo, de estos. El resultado de esta maniobra era, por tanto, previsible.
Primero tengo que decir que la cole me ha entretenido y divertido mucho. Que tenía ciertas ganas de que empezase el mes para poder leer la nueva entrega, cosa que cada vez me ocurre menos a menudo con este género. Pero era más porque Ellis es un gran guionista, sabe dialogar, desarrollar una historia y darle espectacularidad como pocos hoy en día, que por como estaba cumpliendo las órdenes de como debían ser los Thunderbolts postCW.
Para cumplir estas órdenes (los Thunderbolts debían ser el típico, y gastado ya, cliché de psicosociópatas al servicio del gobierno) y hacer las cosas a su gusto, Ellis acabó con todos los santos y señas de la cole, con su espíritu. Lo primero y principal es que acabó con el mirar y respetar la continuidad. Vale que en la serie han aparecido un montón de pjs que no eran más que extras con frase, pero eso ha sido más porque con CW casi todo el mundo esta en la ZN que por emular a Busiek y Nicieza rescatando a gente olvidada de los 70 y 80. Pero lo más grave de esta línea de actuación ha sido cargarse la propia continuidad de la serie. La serie desde el principio fue un esfuerzo por parte de Busiek y Nicieza de dotar de profundidad y singularidad a unos villanos que eran meros clichés o simples piñatas con uniforme. Con Ellis todo ese esfuerzo, las personalidades de los pjs que costó números edificar, ha sido arrojado a la basura. Con Ellis los pjs pasaron a ser estereotipos de lo más típicos y planos, y eso para mi ha sido lo más grave. Ver como los pjs perdían sus ideosincrasia, sobre todo los que eran Thunderbolts (Pájaro Cantor, Piedra Lunar y Espadachín) ha sido triste. Pero además de esta desnaturalización, esta que los Thunderbolts han sido eclipsados por Osborn en su propia serie! Por todo esto, la revolución ordenada por la editorial me ha parecido que se ha pasado y que ha de ser ajustada o la cole dejará de ser interesante o acabará cambiando de título y los Thunderbolts pasaran a ser unos secundarios de esta.
Además de esta desnaturalización, el trabajo de Ellis se ha caracterizado por ser insustancial. Sus 9 números han sido un ejemplar descompresive storytelling. Lo que nos ha contado Ellis ha sido muy poco y además, exceptuando a Penitencia y Osborn, los pjs han aparecido bastante poco. Por eso, aunque la lectura ha sido divertida, interesante y espectacular y Ellis ha cumplido muy bien su misión de revolucionar la serie, el resultado es bastante insatisfactorio porque esos números prácticamente sólo tienen el valor de una primera lectura, ya que nadie se esperaba un cambio tan radical ni se podía deducir a donde iba la serie. Ahora sólo queda un cómic palomitero de esos que ya no se disfrutan mucho en siguientes lecturas porque los fuegos de artificio sólo funcionan una sola vez.
Acompañando a Ellis ha estado Deodato, un dibujante tan inteligente como malo. Deodato es un dibujante pésimo, no domina nada, ni la anatomía, ni la perspectiva, ni la composición, ni la narrativa, ni las proporciones, ni nada. Es difícil encontrar a un tipo tan malo hoy en día, quizás Finch. Pero todo esto casi lo compensa por completo con su inteligencia. Se ha dado cuenta de que lo importante hoy en Marvel es la apariencia, resultar espectacular o molón a simple vista, lo demás, ni para la editorial ni para el aficionado medio (parece ser), tiene importancia Así que para conseguir eso, teniendo en cuenta su nulidad como dibujante, ha dado con el Tenebrismo. Me ha parecido una maniobra muy inteligente porque con el Tenebrismo (uno de los estilos del Barroco que consistió en pintar los cuadros con un gran contraste de luz) mataba 2 pájaros de un tiro y además obtenía extras. Llenando de sombras sus viñetas ocultaba su falta de capacidad dibujística y resultaba espectacular y como extras conseguía ese efecto realista hoy tan de moda (algo que también estaba detrás del barroco tenebrista) y conseguía tener un estilo muy singular, lo cual siempre viene muy bien para medrar en un mercado competitivo e industrial. El resultado de su trabajo es un poco como el de Ellis, tan malo como bueno. Su dibujo es horrible e ilegible porque al no saber de anatomía y perspectiva nunca sabes como leer las viñetas, quién esta detrás de quién? a x le han dado una paliza de muerte o simplemente es que Deodato no sabe dibujar? pero consigue siempre hacer visualmente espectacular lo ideado por Ellis y de vez en cuando se monta una brillante narrativa. De todas formas, realmente a Deodato lo que le pasa es que tiene mucha suerte, porque realmente es el colorista, Beredo, el artífice de que el aspecto visual de la cole sea tan bueno, realista y espectacular. Él es el que con el color ha maquillado las figuras rotas y hecho funcionar el tenebrismo de Deodato.
Así pues, para mí, aunque la revolución era necesaria, se ha pasado por ser tan expeditiva destruyendo todo lo anterior y opacando lo poco que decidió conservar y, aunque Ellis y Deodato-Beredo hacen un trabajo estimable haciendo que los Thunderbolts sean por primera vez espectaculares y, desde hace años, interesantes de leer, han estupidizado la cole y nos han dejado unas páginas horribles. Así pues, aunque yo he disfrutado (y en esto ha sido muy importante que sólo hayan sido 9 números) no me ha parecido bien el trabajo de estos autores y pienso que los mimbres que dejan para el futuro no sólo no son sólidos, sino que estan envenenados. Aunque también deja las cosas bastante fáciles para continuar la serie, ya que en estos 9 números los Thunderbolts han vuelto a la casilla de salida, porque lo que realmente ha sido la etapa Ellis es un reboot en toda regla.

11.11.08

Cambio radical Panini

Aquí se ha vapuleado bastante a Viturtia-Panini por su forma de editar superhéroes antinatura, al buscar siempre las vías menos populares, y su intento de vender decisiones que sólo benefician a la editorial, como un regalo para los lectores. Pero esa Panini a lo largo del 2008 ha muerto. Parece que, como las serpientes, Panini ha mudado de piel y ahora se presenta de otra forma.
La editorial que empezó diciendo que los comics en España eran caros para acto seguido sacarse de la manga los BoME y que empezó privilegiando los tomos, ahora, en este 2008, no sólo es la que más grapa publica sino que ha aumentado la presencia de este formato en sus novedades mensuales y ahora, continuando con esta nueva línea editorial popular, reinventa la tetragrapa con lomo para sacar el tema más barato como explican ellos en Marvelmanía: "El precio será de 5,95 € por 96 páginas, lo que deja cada episodio alrededor del euro y medio. Piensa que un tomo convencional de 96 páginas suele tener un precio de 7,75 €, con lo que el ahorro es evidente, sobre todo para el lector que está tan enganchado a Marvel que no deja escapar ninguna serie. Ese lector se merece todo nuestro apoyo con medidas como ésta".
Ahora se acuerdan del lector aficionado, después de unos años en que la política editorial pasaba de él y todo estaba enfocado al comprador ocasional y a las grandes superficies donde el cómic es un granito de arena más de sus playas consumistas. Menos mal y albricias. Yo me imagino que es porque por la vía de los BoME, las solapas y las tapas duras no han conseguido nada. El lector neófito, a pesar de la moda y a pesar de los esfuerzos de Panini por dar con el aspecto que resultase atractivo a este lector, ha pasado de la editorial. No se puede presentar un objeto poco valorado a precios altos por mucha edición de lujo que lleve, la gente ha seguido pensando que una mona vestida de seda sigue siendo una mona.
En fin, me alegro mucho por esta apuesta por lo popular-barato, aunque nadie sabe hasta que punto ha influido la crisis en esto y también es cierto que Quesada no le ha puesto fácil a Panini editar Marvel en tomos. Naturalmente por cada pro hay un contra, como dice la canción, el formato no es fiel al original y además, se mezclan colecciones, si bien es cierto que todas son mutantes (quizás, en verdad, todo esto se deba a que los mutis venden cada vez menos por culpa de ese limbo en el que llevan ya 15 años) pero amenazan con extenderlo a otras coles, lo cual no es halagüeño, 1º porque, por activa y por pasiva, hemos dicho que el two-in-one no nos mola y 2º porque es muy difícil que encuentren 4 coles que por temática y similaridad encajen en una hipercole como lo hacen los mutis.
Pero bueno, lo importante es que Viturtia-Panini han decidido apostar por lo popular y eso es bueno, sobre todo si triunfa, porque arrastraría a otras editoriales, al servirles como prueba de la viabilidad de la estrategia el éxito del vecino. En fin, a ver que pasa en el 2009.

4.11.08

Critiquita 257: Biomega nº 1, T. Nihei, Panini 2008

Puff! Desde septiembre no hablo en el blog de algo de PDA, la editorial que hasta entonces se llevaba el grueso de mis compras. Pero es que entre su reciente implosión y el hecho que el UDC en España ha dejado de publicarse popularmente y ha reducido su variedad, el péndulo ha pasado a Panini.
"Biomega" es un manga de CF gótico, complejo y críptico. Es difícil decir de que va, ya que, además de lo anterior, es el nº 1. Pero por ahora podemos decir, si no lo he entendido mal, que todo es posible, que un virus transformador ha infectado a toda la Tierra y hay un sector del poder que quiere que la plaga triunfe y otro que quiere impedirlo. El tema esta en que el virus transforma a la humanidad en otra cosa diferente, lo que es visto por un sector del poder como algo lo suficientemente bueno como para compensar la pérdida de la humanidad. Vamos una idea similar a la que podemos encontrar en "Akira" o en "Evangelion" o en los superhéroes.
Por esto "Biomega" se presenta como una historia de zombies (la transformaciones son monstruosas y morbosas, pero a cambio dan poderes y un fuerte sentimiento gregario) pero, con un trasfondo más profundo al explorar si hay que aceptar a los zombis como la nueva humanidad. Una idea que imagino es metáfora del papel de la humanidad en el mundo posmoderno tecnificado en donde, paulatinamente, las competencias del hombre se ven reducidas por haber máquinas que hacen su trabajo de forma más eficiente. Una idea de CF que nace en los 50 a partir del temor de la humanidad (sobre todo de los talluditos de entonces) a ser sustituidos por las máquinas o a ser regidos por ellas. Idea que es el motor de los conflictos narrados por la CF de la 2º mitad del XX, como se ve en la lucha entre la emoción y la lógica y entre la diversidad y la uniformidad que aparece en pelis como "Juegos de guerra" o las de Terminator o en series de tv como "Star Trek", y que tiene en conceptos como la Nueva Carne o en subgéneros como el Cyberpunk, un intento de conciliar el antagonismo mediante la integración de los contendientes. Una idea que también, a su modo, explora "Gunm, ángel de combate" a cuenta de la humanidad de los totalcyborgs (sujetos que tienen como única parte humana el cerebro), los inmortales o de los cerebros cibernéticos. En definitiva, un temor a que la humanidad deje de ser como es al ser transformada por el "futuro", que es lógico que en Japón, el lugar más tecnificado del mundo, este más presente. Bueno, quizás haya ido demasiado lejos a partir de la lectura del primer número :)
El anterior manga de Nihei es "BLAME!" una auténtica POM. Es una obra diferente, atípica y de vocación críptica, lo que le convierte en un producto para minorías puesto que exige al lector una actitud activa y no tiene reparos en desasosegarle al pretender que se haga preguntas. Por tanto, no es una obra cerrada, en el sentido de que las preguntas que plantea, las responde, ya que uno no esta seguro de qué es lo que ha estado leyendo. Lo que hace a Nihei un autor en la antítesis de lo que pide el público popular. Pero no es por esto por lo que digo que es una POM, sino por su parte gráfica, pues es la que hace trascender a este cómic. Es un dibujo hosco, torpe y simple y de aspecto abocetado, pero es muy expresivo y plástico de forma que agiganta la calidad de la historia al potenciar las cualidades y la fuerza transmisora del guión. Gracias al dibujo, este puede inquietar y Nihei influir en el estado mental del lector convirtiéndose, por tanto, la lectura en una experiencia. Un dibujo que a través de la incorreción anatómica, más por torpeza que por intención me da a mí, de la presencia de monstruos de inspiración gótica realmente aterradores, de unos escenarios ciclópeos, opresivos, oscuros y amenazadores que, por su vastedad, hacen que los protas pasen desapercibidos en las viñetas y cuyo propósito último es asimilarlos, de la violencia cruda, del enfásis en las metamorfosis y de un perfecto dominio del b&n con el que le da a todo un aspecto rudo, malsano y áspero, consigue materializar visualmente esa inquietud y desasosiego que quiere, que viene de la asunción de la fragilidad y debilidad del humano en un Cosmos cuyas reglas no le respetan. Pero no sólo es eso, sino que su narrativa es magnífica como prueba el hecho de que solventa con suficiencia la dificultad de sostener el peso del relato al ser los diálogos casi inexistentes. Es la típica del manga, fluida y dinámica, pero en este caso, por su nivel y porque "BLAME!" es un manga casi mudo, consigue que la lectura sea muy especial al ser fascinante e inocular soledad y desorientación. Esto es lo que hace a "BLAME!" una obra excepcional.


Pero esto no es un post sobre "Biomega"? Pues sí, pero es que este manga es igual que "BLAME!" ya que Nihei es un autor, es decir, alguien que trata siempre lo mismos temas de la misma forma. Por eso todo lo que he dicho en el párrafo anterior se puede aplicar a esta obra. La única salvedad es que en esta obra, el mangaka ha ganado en experiencia, por lo que el dibujo de las figuras humanas ha ganado en corrección y por tanto, tienen más presencia en el manga, por lo que la narrativa ha ganado en complejidad y el enfoque narrativo ha cambiado, ya que se ha personalizado. Es decir, los protas han ganado en importancia, ahora son más comunicativos (más guión) y estan más presentes, de forma que "Biomega" es un cómic más accesible y más convencional e incluso más positivo, pues hay algo de humor y ternura (el oso parlanchín), que la obra anterior. Pero estos cambios no han hecho que Nihei renuncie a ese aspecto visual terrorífico, gótico y hosco conseguido a través un entintamiento basado en las tramas que huye de la armonía y da la sensación de inacabado, ni a la arquitectura, aquí más decimonónica que futurista, imposible por su tamaño y perspectiva que evoca a la del Cine Expresionista (las figuras evocan "El grito"), que es uno de los principales vehículos de Nihei para transmitir desasosiego e inquietud, ya que logran que a los lectores nos parezca que estamos leyendo una pesadilla, ni tampoco al laconismo, a la violencia, a la metamorfosis (que evocan a Kafka), a la vocación críptica y a la intención de incomodar. En suma, no ha hecho que pierda su extraordinaria capacidad para crear atmósferas, ni su narrativa fascinante.
Por tanto, Nihei en esta obra confirma que es un autor conceptual de enorme talento cuya intención no es contar una historia sino emocionar al espectador o, por lo menos, transmitir sus oscuros sentimientos de forma que podría calificársele de neoexpresionista pues deforma la realidad intencionalmente para poder expresar el miedo a la pérdida de la identidad (más racial que individual) y el fin del mundo (entendido más que como la destrucción del planeta, como una metamorfosis radical de la realidad). De ahí su apuesta por la deformidad, la enfermedad y la violencia, por el silencio y los escenarios inabarcables para la vista e inasequibles para el cuerpo humano. En definitiva "Biomega" es un manga (como su autor) exquisito, entendido esto último sobre todo como para minorías, y una lectura ideal para aquellos que buscan algo más que pasar el rato o algo infantiloide.
La edición de Panini es correcta. Lo bueno es que las onomatopeyas estan traducidas, aunque me da que es porque se ha hecho a partir de una edición de otro país occidental, porque la traducción de estas es algo necesario pues, en la forma japonesa de entender el Cómic, no han degenerado en adornos. Además, la rotulación emula bien la japonesa, así que me parece un cambio a mejor. Lo malo es el pequeño tamaño, ya que es algo con lo que hemos salido perdiendo al ser la edición de "BLAME!" por Glénat más grande (por qué el tomo usado por Glénat es diferente al usado por Panini?) aunque insuficiente, pues a las obras de Nihei les sentaría bien un tamaño superior, más occidental.
En fin, "Biomega" parace que va a ser un cómic muy interesante dada su excelente factura y su singularidad, pero no es una lectura fácil tanto por su cripticismo, como por su hosco y desagradable aspecto visual y su narrativa compleja. Eso sí, me da la sensación que no va a ser tan grande como "BLAME!".
Paperblog : Los mejores artículos de los blogs Paperblog