29.9.09

Relecturas LXX: El Conan de Michael Fleisher, nº forum 55-66, 97-99, 117-8 y Especial Primavera 1986

Regresa el repaso que le estoy dando a la cole Conan el Bárbaro en la edición de forum, que es la actual Crónicas de Conan que PDA esta editando en tomo con nueva traducción y un moderno coloreado que queda tan bien como el coloreado de las pelis en b&n.
A mí, la edición que hizo forum me parece bastante buena. No creo que sea un fallo el que partiesen los episodios, ya que el cómic pop es de continuará, aunque Conan no lo usa mucho, ni tampoco me aberra que a veces el cómic invadiese hasta la contraportada. Lo que la hace deficiente es que su forma de publicar obligaba a escamotear, de vez en cuando, las portadas y desordenó la cole, en parte por cosas del mercado (no repetir nº recientemente editados por otra editorial y un ritmo de publicación mucho más rápido que el estadounidense), por lo que resulta un auténtico caos la numeración forum.
La etapa de Michael Fleisher comprende los nº estadounidenses 155-71 ambos inclusive y los anuales 8 y 9. Forum tardó 3 años en publicarla (1985-7) por el caos antes aludido. Debido que en el nº 66 forum había alcanzado a los estadounidenses, los siguientes 30 nº (poco más de un año) se dedicaron a publicar el material que aún no había editado forum, los 1º nº de la cole, de modo que hasta el nº 97 no volvió a recuperar el material moderno, pero reservó el último anual de Fleisher para el momento en que necesitasen guardar distancia con los estadounidenses. Por eso la etapa Fleisher la publicó forum en 4 tandas.
Si recordáis, la cole de Conan llevaba en una progresiva cuesta abajo desde el fin de la etapa de Belit. Desde entonces, ni Thomas, ni De Matteis, ni Jones consiguieron ofrecer, salvo puntualmente, algo digno. Fleisher fue la continuación de esta travesía en el desierto. Este guionista se limitó a cumplir, no se calentó la cabeza y desarrolló sin interés unos argumentos sobados, y a seguir la senda marcada por Jones, es decir, sus historias estan más cerca del cuento folklórico centroeuropeo que de la Espada y brujería. La cosa mejora, aunque tan sólo un poquito, cuando recupera un pj de la etapa Thomas-BWS, Fafnir, alguien a quien se le daba por muerto y que, por otra parte, sólo había aparecido en un puñado de episodios años ha. Ni idea de lo que motivó a Fleisher a reintroducir este pj, aunque me imagino que fue para poder seguir guionizando a Conan, un pj que no le debía decir nada. Así, su nº de presentación, "La Casa de las Calaveras" (161), aunque bastante simplón es un interesantillo relato dibujado por J. Buscema con mayor dedicación de la habitual. Pero aún así la cole siguió desarrollándose en una espeluznante mediocridad. Sólo la interesante rivalidad, aunque chocante, entre Fafnir y Conan le da cierto interés a una cole que parecía muerta cerebralmente desde que se murió Belit. Antes de despedirse, Fleisher nos dejó un par de historias entretenidas aunque tópicas, "Sangre de titantes" (166) y "El engendro del pasado" (167), en esta última J. Buscema vuelve a salir un poco de la medianía en que se desenvolvía desde la muerte de Belit. De modo que Fleisher fue otro guionista que hizo un trabajo absolutamente olvidable porque no entendió a Conan. Sólo el anual nº 9, "La ira del dios de madera", es realmente digno de mención y sobresale, como un gigante, de esta etapa, pues es un relato muy entretenido y fresco contado con brío y agilidad.
Esta etapa también cuenta con algunos argumentos de J. Buscema que son dialogados por Fleisher. En estos, el dibujante demuestra que, a pesar de llevar más de 100 nº dibujando al bárbaro, no se había enterado de nada. Sus argumentos (156-9) no desentonan con el tono de la cole, pero destacan porque J. Buscema sí se molestó en hacer un trabajo más elaborado de lo que era habitual en él. Aún así sólo brilla el penúltimo, "La noche del lobo", porque las personales tintas de Nebres y el estupendo color de Roussos (bastante moderno para la época) dan al cómic un aspecto bastante atractivo que lo coloca entre los mejores de la cole, porque la historia no es nada del otro mundo. También su portada es una de las mejores que hizo J. Buscema para la cole, sencilla y poco imaginativa como siempre, pero muy bien compuesta y sugerente.
J. Buscema se encarga de dibujar casi toda esta etapa. G. Kwaspiz (un clásico de "La Espada Salvaje de Conan") en 2 nº olvidables, B. Camp (entintador habitual) en otro igual de olvidable, V. Mayerik en el anual 8 del que es mejor decir que no ha existido y E. Chan en el anual nº 9 le cubren las espaldas. Aunque a mi no me gusta Chan, el clon filipino de J. Buscema, en este anual hace un trabajo notable, sobre todo en la narrativa, donde esta ágil y dinámico y utiliza más recursos que J. Buscema, de forma que, no sólo ayuda al guión de Fleisher sino que logra que no echemos de menos al maestro, que era lo habitual cada vez que faltaba.
Por su lado, J. Buscema sigue haciendo lo habitual, un trabajo pobre que deja toda la responsabilidad al entintador de turno (habitualmente Chan), sin ninguna vergüenza y sin miedo, por lo que se ve, al editor. J. Buscema siempre ha sido un dibujante de figuras, los fondos nunca han sido lo suyo, y muy poco creativo. Su dibujo abunda en clichés, un único rostro para cada estereotipo y múltiples posiciones y encuadres fetiche, por eso, aunque con la figura era espléndido, uno de los mejores, muy expresivo y dinámico, una cole de Fantasía le venía grande. Para la Era Hibórea se limitó a dibujar los decorados de las pelis del Oeste o "Históricas" del Hollywood de los 50 y 60 pero con poco detalle. De esta forma, su soso y poco evocador trabajo, sobre todo cuando Chan le entintaba, pues lo hacía todo más gris y pesado, es una rémora para la cole y ninguna ayuda a unos guionistas que no escribían más que mediocridades. Algo que subrayaba la clásica y poco dinámica y espectacular narración de J. Buscema. Viéndolo con perspectiva es un milagro que la cole aguantase tanto siendo tan regulera. Porque todos estaban ahí a medio gas menos los pobres entintadores. A pesar de esto, los nº 155, con tintas de Leialoha que le dan un ligero aire simonsiano, los nº 159-63, con tintas de Zorzo que potencian las virtudes de J. Buscema, y los nº 169-70, con tintas de Camp muy fieles al dibujo de J. Buscema, aparte de los ya citados, tienen un aspecto visual superior a la media.
Con el final de la etapa de Fleisher se cerró una larguísima andadura que comenzó en el nº 101, durante la cual la cole retozaba en la mediocridad sin que nadie quisiese o pudiese hacer algo. Guiones sin gracia y originalidad y un trabajo generalmente flojo de J. Buscema se suceden durante estos nº, sin que los ocasionales y breves destellos sirvan para otra cosa que recordar que las cosas podían ser bastante mejores de lo que eran. Pero todo esto va a cambiar. A partir del siguiente nº, J. Owsley se va encargar de los guiones y desde su 1º nº la calidad pega un subidón tal que hasta motiva a J. Buscema a esmerarse en su trabajo de forma que volvemos a ver la calidad que le encumbró. De esta forma, la cole atravesó una época tan brillante que sólo la de Thomas-BWS se le puede comparar. Ahora, la travesía hasta ella fue tan árida que dudo que la reedición de PDA, en tomos caros con color poco favorecedor y respetuoso con el de la época, consiga mantener sus ventas a un nivel saludable ante la retahíla de guiones flojos y dibujos pobres de J. Buscema que tiene por delante hasta llegar al nº 172. Una pena si llega a darse el caso porque, como escribo, la larga etapa de J. Owsley es buenísima.

25.9.09

Videados 69: Amor a quemarropa, T. Scott 1993

Soy un gran fan, un big fan diría, del 1º Tarantino. Aún recuerdo lo sorprendente e impactantes que fueron sus 1º pelis. No era para menos ya que eran algo nuevo, las 1º pelis posmodernas. Me impresionaron muchísimo por su cruenta, por realista, forma de tratar la violencia y por esos diálogos casi surrealistas. Dejó mucha huella en mi. Pero a partir de "Jackie Brown", que no he visto, hemos dejado de conectar. A partir de aquella sólo he visto la 1º parte de "Kill Bill", sólo la 1º porque esta me pareció tan aburrida y tan gilipollas que se me quitaron las ganas de continuar. "Death proof" tampoco la he visto porque el homenaje a ese tipo de cine me parece innecesario y además, ni las originales son pelis que me interesan. Probablemente vaya a ver "Malditos bastardos" porque evoca en mi las pelis de la 2ºGM con las que flipaba de peque, pelis como "Los Violentos de Kelly" o "12 del patíbulo". Aunque, teniendo en cuenta vuestra disparidad de opiniones no sé que me parecerá, pero creo que mi desconexión con Tarantino (no tengo una idea formada de que ha de dar en sus pelis) me favorecerá.
En fin, que después de ver "Reservoir dogs" en el cine (recuerdo que su estreno pasó desapercibido), mi 1º peli en un cine vose, y flipar, iba yo de cabeza a ver cualquier peli de Tarantino. Así llegué a "Amor a quemarropa" ("True romance") que evidentemente me encantó, pero, a pesar de eso, no la he visto muchas veces. El penúltimo videado debió de darse, sin exagerar, en el siglo pasado, por lo que la tenía bastante olvidada. Así que me he encontrado con una sólida y solvente peli, muy entretenida y, hasta emocionante en algunos momentos, con brillantísimas escenas, magníficas actuaciones y un guión muy bien armado y escrito. No es la bomba de antaño, pero ha aguantado muy bien el tiempo por su posmodernidad, si obviamos la ausencia de móviles y la moda creeríamos que se rodó ayer, y porque es notable. Es difícil encontrar pelis tan bien hechas y entretenidas como esta.
"Amor a quemarropa" va de una pareja de enamorados bastante descerebrados, friki él y rubia teñida infantiloide ella, que intentan colocar en Hollywood una maleta llena de coca para irse a Cancún a vivir. O sea, un cuento que resulta de la hibridación del género romántico, la comedia de enredo y el thriller. Creo que, precisamente, este aire de cuento ingenuo y tierno le quita mordiente a la peli. Esta es violenta y los pjs principales son muy bizarros, por lo que resulta contraproducente el tono edulcorado y romanticón que la preside. Aunque no estoy seguro de que eso sea 100% Tarantino, me suena que el final se cambió, que no era el original, pero puede que me equivoque de peli o sea una leyenda urbana. En fin, quitando eso, el guión de Tarantino es excelente, lo que demuestra que Tarantino ya estaba hecho cuando empezó en el Cine, no necesitaba rodaje o aprendizaje alguno.
Lo mejor del guión es, como siempre, sus diálogos. Unos diálogos que en aquel momento ningún guionista en su sano juicio escribiría, de hecho, a pesar de eso, poca gente sigue la senda de Tarantino y se limitan a hacer cine como se hacía antes de Tarantino. Diálogos frikis (sobre Elvis, sobre el cunnilingus, sobre pelis sobre Nam...) absolutamente banales, vulgares, posmodernos. Diálogos intrascentes y que parecen morralla, pero que son magníficos porque te transmiten de forma inmediata y certera la personalidad de los pjs y, además, al estar tan bien escritos y parecer tan naturales y coloquiales (recuerda a las instrucciones que le dan al poli que ha de infiltrarse en "Reservoir dogs", en las que se le aconsejaba hacer suya las milongas que les tenía que meter a los delincuentes) queda un guión muy molón, divertido y verosímil (que se lo digan a Ennis, Millar y Bendis que son los verdaderos discípulos de Tarantino, es curioso que se le siga más en los comics que en el Cine, será porque el público es más friki?). Después de unos diálogos brillantes esta el magnífico desarrollo del guión. Como siempre, se nota la naturaleza episódica de Tarantino. Parece que es incapaz de escribir una historia hilvanada, sin fisuras. Tampoco es que sea un fallo grave, pero sí afecta a la peli en conjunto porque las partes suelen ser mejores que el todo. Como siempre, los episodios estan muy bien encadenados. En cuanto la peli se ha puesto tan melosa y rosa que es insoportable, en parte por culpa de una excesivamente pastelosa dirección, llega la escena en que Clarence va a por Drexl y, gracias a ella, la peli puede continuar y se ha olvidado ese comienzo tan romanticón excesivamente dulce y de cuento de hadas (amor a 1º vista, ella sólo ha sido puta, perdón, prostituta 3 días...), que no es lo que el público espera de una peli de Tarantino. Luego, en cuanto la peli empieza a acercarse al tedio, viene la gran escena, mi momento favorito del cine de Tarantino, la de Walken y Hopper, la de "tú tataratatarabuela se folló a un berenjena". Frase que se me ha grabado en el cerebro. Una escena magnífica llena de tensión y emoción, a pesar de que no es muy original, gracias a un eficientísimo guión y unas grandes actuaciones. Una escena que es el comienzo de la escalada hacia el clímax y, que de nuevo, revitaliza al espectador haciéndole olvidar que ya lleva un buen rato sentado viendo la peli. Después viene todo lo de L. A., que son escenas de puro trámite, la parte más floja de la peli ejemplificada en esa escena de la revista de Elvis, escena en donde la típica conversación tarantiniana no tiene ninguna gracia, pero muy bien solventada por Tarantino al trufarlas de buen humor: el fumao de Pitt, la candidez del amigo actor y, sobre todo, Balki Bartokomous (me imagino que en un intento del actor para evitar ser encasillado) y ese momento genial en el que le estalla en la cara la bolsa de coca. Y también gracias a la pelea entre Gondolfini y P. Arquette, muy cruda y real, un poco burda como secuencia, pero que revitaliza la peli. Gracias a esto llegamos al genial final, digno de la mejor comedia de enredo, preludiado por la escena del ascensor, puesta ahí evidentemente para empezar a dar tensión y emoción y para despistar al espectador, inocularle dudas sobre el final de la peli, pues hasta ahora los protas se han salido con la suya, incluso contra pronóstico, por lo que es necesario, para que el acto final funcione, es decir, sea emocionante y angustioso, el público ha de dudar del destino de los héroes. Una secuencia magnífica en su concepción y desarrollo y muy bien hecha ya que, a pesar de ser muy larga, nunca decae. Algo dificilísimo de hacer, sobre todo con tantos pjs, lo que revela muy bien el talento y la sabiduría de Tarantino y la habilidad de T. Scott. Un final tan bueno que soporta el anticlimático epílogo y así la peli queda redonda y sólida.
T. Scott es, como su hermano, un esteta director comercial. No creo que ninguno sea mejor que el otro salvo que R. tiene mejor gusto, suerte o habilidad para quedarse con guiones decentes. Estilo del que, muy inteligentemente, en "Amor a quemarropa" no abusa. Supongo que la calidad del guión y de los actores le hizo ver que no era necesario hacer una dirección y montaje efectista y manierista, así que se contiene hasta el final, donde, la descabellada y loca secuencia final permite camuflar mejor cualquier exceso en la dirección. La escena, una de las mejores ideas que ha tenido Tarantino nunca, esta un poco pasada de rosca porque, yo diría, que intenta evocar a "Blade Runner", por lo menos a mi su música me recuerda a la de Vangelis, creo que tiene planos parecidos y el lirismo de la nevada de plumas me recuerda a las palomas de "Blade Runner" y la muerte casi desaparcibida del poli negro me remite a la de Hauer, pero, como digo, al ser el clímax, soporta bien la manierista dirección con que esta rodada. Salvo esta escena que, por otro lado, pedía algo más, esta más sobrio y contenido que de costumbre con una dirección bastante clásica, fluida e invisible con predominio de primerísimos planos, la mejor opción para rodar un guión como este y sacar partido a un reparto que lo esta bordando, y con la fotografía habitual en el cine de T. Scott (aunque por otro lado, muy británica y noventera) luminosa y llena de colores pastel por la que Arquette sale muy favorecida (sobre todo en la escena en que se encuentran con Dick, el amigo aspirante a actor).
Los actuaciones excelentes, por lo que hay que verlas en vose. Naturalmente un guión tan bueno y unos pjs tan carismáticos facilitan la cosa muchísimo. Muy bien la pareja protagonista, Slater y Arquette, interpretando a unos colgados perdedores con voluntad de hierro de forma que los hacen suyos y se hace imposible imaginárselos con otro físico o voz. Muy bien apoyados por solventes interpretaciones de todos y cada uno de los actores. Desde el 1º, Gary Oldman, que hace muy bien de ogro, hasta Sizemore, a pesar de que se pasa de entusiasmo y gestualidad. Para mi los mejores secundarios son Hopper y Pinchot (Balki), ambos hacen los pjs más mediocres pero los redimen con sus magníficas interpetaciones, muy medidas, muy adecuadas, muy verdaderas. Walken, como siempre, esta impresionante, pero se limita a una interpretación-cliché, lo que aligera un poco tanto a su pj como a su interpretación. Y, en fin, todos los demás, como demuestra que han alcanzado la fama (Gandolfini, Jackson...), aunque no todos han obtenido el crédito que se merecen (Rapaport). Creo que la mejor de todos es Arquette, da muy bien en el papel, es imposible no enamorarse de su voz tan suave y dulce, pero sobre todo porque conjuga perfectamente el papel de damisela con el de muñeca (la peli es bastante machista, quizás simplemente políticamente incorrecta, a pesar de la escena del interrigotario a Alabama) y siempre esta natural y creíble, incluso cuando esta en 2º plano.

Por último hay que hablar de una buena bs, muy bien escogida de forma que encaja muy bien con las escenas que ha de acompañar, así que no se merecía pasar tan desapercibida, y de un eficaz diseño de producción. Discreto y sobrio pero que acierta plenamente en el vestuario y en los escenarios de forma que refuerza el trabajo del guión, la dirección y los actores.
Así pues, "Amor a quemarropa" es una gran peli en el sentido de que esta bien realizada y entretiene mucho. Y todo porque esta pensada, todo lo que ocurre en ella tiene una razón y un sentido, de forma que hasta lo más sobrado cuela. De esta forma, porque es más verosímil, cala más hondo y deja una sensación más positiva. Eso es el gran fallo del cine comercial actual (e incluso de los demás), que sus guiones no estan bien pensados y para avanzar abusan de la elipsis o de los trucos. En fin, una peli entretenida como pocas y, a pesar de ser un tanto naíf, espectacular y memorable. Por tanto una joyita que recuerda que el Cine no necesita de magna opus para satisfacer, basta con que las pelis esten bien pensadas y hechas.

23.9.09

Critiquita 283: Shadowpact nº 4, varios, Planeta DeAgostini 2009

Como anteriormente he criticado tomos de este supergrupo, me veo auto-obligado a escribir sobre este, al ser el último pues la cole se canceló. Una cancelación justísima ya que es muy mediocre y floja por culpa de sus autores, en especial de Willingham porque ha sido el encargado de la mayoría de sus nº, porque un supergrupo de superhéroes con poderes derivados de la magia es algo bastante original y con mucho potencial. Ha sido una pena por eso, porque la premisa prometía y los pjs, en su mayoría, son simpáticos y, como contaban con la ventaja de poco pasado y escasa iconocidad, daban mucha libertad, ya que por el trabajo de sus autores, no.
Se notó que Willingham empezó con ganas, motivado, con ideas, pero en seguida se vio que no es un buen guionista. Ha tenido la capacidad de dar con la idea que ha nacido para escribir pero, fuera de ahí, es tan solo un profesional más. También es cierto que pasó por un grave enfermedad que al final le obligó a dejar la serie, pero antes de eso sus guiones ya eran pobres y poco interesantes por lo que estaban matando a la cole casi al nacer. De todas formas, toda la responsabilidad no es suya, los dibujantes que le han tocado no encajaban con la temática fantasiosa y mágica de la cole además de ser mediocres. Una cagada editorial de proporciones bíblicas pues no sólo ha sido eso, si no que no ha contado con un dibujante regular, con lo que eso ayuda a fidelizar al público. Siendo así las cosas, la cole ha sido un desierto creativo por lo que es realmente un milagro que haya durado 2 años. Se ve que había gente que teníamos fe en el concepto.
Con este pasado a M. Sturges, guionista con que Willingham tiene bastante afinidad, le encargaron la papeleta de resolver la cole para cerrar todo lo que Willingham había dejado a medias. Esto lo hace bien, con rapidez y solvencia, lo cual anima un poco la cole que se había movido hasta su llegada en un ritmo lento. Pero tampoco lo hace mucho mejor que Willingham. Se agradece que le meta agilidad a la cole y su oficio (todas las viñetas con texto) pero el humor que mete es tan malo que esta fuera de lugar y sus guiones son mero trámite. Así pues, este tomo ofrece una lectura impersonal e insulsa a pesar de que los argumentos tienen algo de interés.
Como siempre, un guión mediocre lo es más si esta acompañado por un dibujo mediocre. Esto es lo que pasa en este tomo (como en los anteriores), aunque seguramente sea el mejor en cuanto a dibujo de todos los de la serie. Dwyer se encargaba de un nº y no lo hace nada mal, narra con brío y es expresivo, a pesar de la sencillez de su dibujo, por ser personal y estético. Pero con todo, es un nº muy funcional porque esta huérfano de fondos. Derenick, probablemente el dibujante que más ha pasado por las páginas de Shadowpact, se encarga de otro. Es un dibujante que esta en la frontera que une lo malo con lo mediocre, aunque es cierto que esta fuera de sus sitio. Su estilo es el producto de conjugar a J. Buscema con Image, así pues es un estilo totalmente inapropiado para Shadowpact que además, en sus manos, es torpe por lo que te saca de la historia. Por último esta Winslade, que diría que es el mejor de la serie si recordase todos los que han pasado por ella. Un dibujante bastante competente a pesar de que siempre que puede, pasa de los fondos. Un estilo dentro de lo clásico bastante personal gracias a una anatomía esbelta y un entintamiento hosco que, por transmitir rudeza, a veces va en contra de lo que en ese momento el cómic ha de expresar. De todas formas, no es sólo dibujos mediocres, sino también un color dado para salir del paso que pone en evidencia las miserias de Derenick y no encaja, por sus pastelosidad, con el rudo dibujo de Winsdale. Aunque con Dwyer, a saber porqué, se conjuga muy bien haciendo el nº más majo del tomo y, quizás, más redondo, visualmente hablando, de toda la cole.
Este tomo es el típico tomo espartano con el que de vez en cuando PDA se descuelga. Esta espartanidad, que no sé si es por DC o por ella, se caracteriza por no ofrecer los títulos de crédito completos (fuera entintadores) pero sí confusos (el colorista acreditado parece que sólo se ocupa de los 3 últimos nº cuando colorea todos) porque se ha manipulado a las grapas que lo componen para que no parezcan tales. Lo cual me jode un huevo, pero supongo que es porque me he criado con la grapa. Lo terrible, por mucho que hayan tenido la decencia de poner las portadas en su sitio, es que eso supone que los títulos de cada grapa, así como los créditos de la misma, han sido borrados de forma que las páginas que los contenían quedan absolutamente pobres al contar con espacios vacíos muy grandes que son una patada en los cojones al trabajo de los dibujantes y, sobre todo, al del rotulista. En fin un latrocinio que, como todos, es indignante.
Así pues, una cole que empezó muy bien al contar con Justiniano, un dibujante apropiadísimo para su temática por lo que favorecía al cumplidor trabajo de Willingham, pero que poco a poco se iba deslizando hacía la nada por la escasa calidad del trabajo de sus autores, hasta que ya fue demasiado tarde para que la energía de Sturges cambiase algo, aunque sólo fuese el poco positivo recuerdo que esta cole deja en sus seguidores.

16.9.09

Relecturas LXIX: Siempre Vengadores, K. Busiek y C. Pacheco, forum 1999-2000

Hace algún tiempo (no me parecía que tanto) Busiek era el rey. Como sabéis (o podéis imaginar) era una época diferente. Tanto Marvel como el público eran diferentes. De aquella época, que podemos llamar neoclasicista, surgió esta maxiserie que creo que es la magna opus de Busiek. Es el cómic que él deseaba escribir. El que nació para escribir. Un cómic y un autor que en mi opinión hicieron mucho por las BM. Si su trabajo no hubiera estado plagado de referencias a comics inéditos en España, creo que el impacto de la BM no habría sido tan grande. Al menos la de los vengatas. Yo he de reconocer que fue por como vendía Busiek esos nº en la serie regular de los vengatas y en esta maxiserie por lo que comencé a comprarme las BM. Eso y que eran baratas.
Lo que no puedo explicar es el ocaso de Busiek. Como es que fue tan rápido y repentino. Por lo menos así lo viví yo. Un día todo el mundo le jaleaba y era la gran esperanza blanca encarnada y al día siguiente, había desaparecido de Marvel. Sólo se me ocurre el que, como siempre, los revivals son algo anacrónico y por eso duran poco. La mayoría de las cosas sólo funcionan en su época. Pero también, releyendo esta maxiserie, que en su momento me gustó bastante, he encontrado más porqués.
"Siempre Vengadores" huele a cerrado, a logia secreta, ya que es un cómic absolutamente endogámico que, aunque se puede entender sin problemas, por lo menos la línea argumental principal, no engancha a quien no esté en la onda. Ese es el mayor error de Busiek en este cómic. Escribirlo pensando que el público era tan friki como él, que necesitaba aclarar puntos oscuros de la continuidad y que profesaba la misma adoración a los pjs y a los comics clásicos. Por eso, SV resulta demasiado flipado y, por tanto, es difícil interesarse por él. Algo que, tal vez, un dibujante mejor que Pacheco podría haber compensado.
Busiek es un buen profesional y ya. Paradojicamente, a pesar de ser una especie de Thomas, funciona mejor con material personal o nuevo. Cuando Busiek se pone a los mandos de una colección mainstream se vuelve rápidamente aburrido porque cuenta historias ya contadas. En sus guiones no hay nada fresco u original porque esta demasiado enamorado de la continuidad y de la época clásica. Por eso, aunque es un escritor decente y solvente, pronto resulta frío, aburrido y trasnochado, lo cual anula las pocas virtudes que tiene. Aquí no le da tiempo porque sólo son 12 nº, pero, a pesar de seguir el libro de instrucciones al pie de la letra, no le sale la historia tan épica y fantástica como les salía a los autores de antaño. Ese es el problema de Busiek, el no ser capaz ni de ser moderno ni de estar a la altura de los guionistas que le precedieron. Eso se ve más que en los argumentos, en su manera de escribir, que está bastante pasada.
"Siempre Vengadores" es una obra bastante ciclópea. Bastante ambiciosa porque quiere arreglar la continuidad de los Vengadores y para ello saca muchos pjs, muchos acontecimientos pasados, mucha mitología marveliana. Por eso el cómic resulta denso y a veces documental (los nº 8 y 9 estan dedicados íntegramente a relatarnos el pasado Marvel). Por eso a mi me recuerda un poco al "Silmarillion". El desarrollo del argumento no está mal y tiene buenos momentos como el principio o los Vengatas de los 50 (no en vano con el tiempo dieron lugar a los Agentes de Atlas), el problema es que está muy recargado, la mayoría de los pjs apenas son tocados, así que uno se pregunta para qué utiliza tantos, se va por las ramas muy a menudo, para los acontecimientos demasiadas veces para explicar cosas, se atasca a la mitad (la trama del Far West me parece muy larga, muy poco interesante y demasiado trasnochada) y tanto el final y el epílogo son demasiado largos y, por eso, anticlimáticos. Pero todas estas cosas tampoco son grandes fallos, los problemas son que es algo ya visto y la proverbial incapacidad de Busiek para insuflar chispa, vida y emoción a lo que cuenta. Por eso es incapaz de maravillar con la historia o darle épica. Por otro lado, el conflicto es una ida de olla y por lo tanto es difícil conectar con él. El que miles de líneas temporales marvelitas (todas desconocidas) estén en juego no es algo que preocupe en exceso. Funcionó en "Crisis en Tierras Infinitas" porque tenían identidad, no eran quimeras. Lo mismo el destino de la humanidad en el UM. Tampoco es que Inmortus (con un diseño muy hortera, aunque en aquellos momentos no lo era tanto) o los Guardianes Temporales acojonen mucho. Por eso, la victoria de los vengatas, previsible desde el principio, no tiene impacto, no está claro lo que ganan, por eso es contraproducente que los vencedores se integren en su vida como si nada. Así pues, Busiek lo más que hizo es un notable ejercicio de enciclopedismo y un loable intento de desbrozar la continuidad, pero en lo importante, en contar una historia, falló y por eso le salió algo poco fresco y mediocre.
A mi Pacheco nunca me ha gustado. No lo considero un mal dibujante pero no veo en sus dibujos lo que mucha gente parece ver. Su mezcla de clasicismo con la hipermusculosidad de los 90 no me parece que cuaje, su manierismo me parece ridículo (esas poses tan rebuscadas) y creo que, aunque es muy loable su intento de ir más allá de los convencionalismo, no tiene capacidad para ello porque no maneja lo suficientemente bien la anatomía. Así, su torpeza en dibujar manos y rodillas y su incomprensible empeño por la angulosidad anatómica (piernas y brazos raros por la romboidad de los músculos) echa por tierra todo sus buenos propósitos. Lo cual quiere decir que en vez de transmitir lo que quiere, transmite torpeza o imprecisión. Estos fallos estan más presentes en SV porque aún estaba verde. Lo compensó en cierta forma con detallismo, con mucho trabajo en cada página. Pero no sirvió de mucho porque su narrativa es pesada y poco espectacular. Quizás es culpa de Busiek, ya que el principal problema es que hay mucha viñeta por página. Pero también es que, en general, están muy trabajadas, de forma que el dibujo no aporta la ligereza que precisaba un guión tan denso y enciclopédico y que Pacheco flipa demasiado consigo mismo, por lo que se pasa con los pin ups, resintiéndose, con ello, la narrativa. De esta forma el trabajo de Pacheco no tiene la garra necesaria para dar dinamismo y emoción a semejante guión. Aunque hay que reconocer que sus diseños de los ejércitos vengadores se salen. Por último, no sería justo obviar que el color tiene parte de culpa en el fallido aspecto visual de SV. Como es demasiado ramplón, demasiado mediocre, demasiado gris, demasiado funcional, ni da vistosidad a Pacheco ni facilita la lectura haciéndola más legible diferenciando las viñetas.
Así pues SV no es un mal cómic. Sus autores lo hicieron con amor y con ganas de hacerlo lo mejor posible y es cierto que en aquella época destacó, pero le ha jugado una mala pasada el tiempo. Ha envejecido bastante, mucho más que comics coetáneos o incluso anteriores. En algunos aspectos llegaba demasiado tarde y en otros demasiado pronto. Y eso hace que tan sólo sea hoy un cómic mediocre. Entretenido, a pesar de que a veces es plúmbeo, pero muy difícil de digerir para el lector medio actual de Marvel. No sólo por apelar demasiado a un pasado bastante trasnochado, si no también por un aspecto poco espectacular, no tanto por el dibujo de Pacheco, sino por el resultado final que no invita a leer al ser confuso y tristón por un color mediocre y demasiadas viñetas. No me extraña que nadie se acuerde de él.

11.9.09

Revisión de Belle de Jour


He vuelto a ver "Belle de Jour". La última vez que lo hice se lo dije(perdonen el pareado). Revidearla teniendo mucho más claro que la anterior vez que es lo que cuenta me ha llevado a reescribir el post que le dediqué. En un principio iban a ser unos leves retoques, pero al final, la reescritura ha supuesto una profunda remodelación. Por eso he decidido conservar la 1º versión y publicar un nuevo post.



En el anterior decía que Buñuel es mi director favorito porque su surrealismo me encanta y fascina, su maestría como director me parece brillante y su cine me parece originalísimo. También que, de todas las pelis que había visto de él (por entonces no las había visto todas), "Belle de Jour" era una de mis 3 favoritas. Ahora no lo es, porque, al entenderla mejor, ya no me parece tan fascinante y misteriosa.

"Belle de Jour" (incomprensiblemente traducida por Flor de Día en la última versión que he visto, ya que significa bella o amada de día), que es un juego de palabras, ya que prostituta es belle de nuit pero es que ella se prostituye de día (de 14 a 17), está protagonizada por una joven y, porque reprime su sexualidad, inmadura, esposa de la alta burguesía. No sabemos si es virgen (a Buñuel le encantaba ser enigmático, algo que seguro que se agudizó a medida que se sordera avanzaba; como él no escuchaba el mundo, para igualar, se haría ininteligible, además de que, como surrealista, no creía que todo tuviese explicación ni se sentía obligado a ser inteligible), lo más probable es que sí. Sea como sea, lo que sí queda claro es que está tan reprimida que no ha consumado su matrimonio porque le tiene "miedo" a su marido, un joven y guapo médico de éxito y un buenazo que no sabe como tratar a las mujeres, algo que la martiriza, pues le ama y quiere hacerle feliz. Como la peli nunca lo específica, no sabemos con certeza el porqué de este temor patológico. Se puede deducir que Séverine (o sea, severa) considera que el amor no es sexo. Por eso, el amar a su marido le impide mantener relaciones sexuales con él, ya que para ella, el consumar sería el fin del amor que se tienen, pues sería terminar con la pureza y la espiritualidad. El origen de esto es porque Séverine sabe que su sexualidad es totalmente incompatible con la decencia burguesa porque es perversa (recuerden que estamos hablando de la sociedad católica occidental antes de la revolución sexual de finales de los 60) así que su marido no se debe enterar, que es lo mismo que decir que este nunca la podrá satisfacer sexualmente. Además, la santidad de este, que impide que se dé cuenta de lo que realmente le va a su esposa, hace que no reaccione con violencia cuando esta le mantiene a 2 velas durante más de un año y provoca que todos coincidamos con la prota en que no va a poder darle lo que quiere, le convierte en un ser temible para ella pues puede descubrirla y, por tanto, dejarla.

Séverine es una masoquista. Lo que le va es ser dominada y humillada, que le hagan sentir una depravada. La insatisfacción de esta faceta personal le lleva a tener fantasías sexuales que casi siempre incluyen a su marido como un voyeur que dice lo que hay que hacer (estas no están en la novela de Kassel, publicada en 1929, en que esta basada la peli) pero, como no es sexo, no le basta (como a todo ser humano). Ha de buscar el folleteo. Para conseguirlo decide convertirse en prostituta, pues esto, al mantener relaciones impersonales y profesionales, anula el adulterio que significaría cualquier otra relación extramatrimonial, sobre todo para mentes tan conservadoras como las de la 1º mitad del XX, cuando era costumbre que los hombres, casados o no, como no debían reprimir su sexualidad (semen retentum venenum est), fuesen a los prostíbulos, pues una mujer decente, no sólo se acuesta únicamente con su marido, sino que no sale del misionero y, si es católica, no puede estar haciéndolo todos los días (en "Diario de una camarera", peli dirigida por Buñuel en 1964, un cura le dice a una esposa que la exigencia de su marido de tener relaciones sexuales 2 veces por semana es excesiva y, apostilla, que lo importante es que ella no debe disfrutar). Naturalmente esta doble vida le produce remordimientos (como católico Buñuel no podía concebir el placer sin castigo, seguramente por eso también el masoquismo del pj), ya que Séverine cose, lo que en el universo buñueliano está asociado a intentar arreglar lo roto.

Al obtener satisfacción en el prostíbulo (curioso que lo haga de día y no, como se suelen hacer las cosas secretas, por la noche) acaba desarrollándose como persona y alcanzando la felicidad al poder realizarse. Esto quizás se refleja en el look de la Denueve: cuando es prostituta lleva el pelo suelto, cuando es esposa lleva el pelo recogido. Los problemas llegan cuando acaba enamorando a un delincuente peligroso pues, al ser un loco, posesivo y dominante, la lleva a tener una relación de carácter adúltero. No creo que se enamore de él y tampoco que su relación sea sadomasoquista. De hecho, en la discusión de la ruptura ella le amenaza: "Si me pegas me iré!". Parece más una relación basada en sexo animal, rudo y duro. "Me posee como un demonio" dice la novela de Mirbeau en que se basa "Diario de una camarera". Creo que eso es lo que pasa entre Séverine y su delincuente. Los problemas estallan cuando es descubierta por un amigo de su marido, ya que esto le obliga a dejar su otra vida, lo que hace que el delincuente se lo tome como que prefiere al marido y decida, entonces, matarlo para recuperarla. Pero el marido no muere; queda en un estado cuasivegetal bajo el atento y amoroso cuidado de Séverine, a quien vemos satisfecha. Ya no necesita su otra vida ni teme a su marido, ya que, por el estado en que está, ni siente que le insatisface ni se preocupa de que pueda descubrirla. Queda claro porque le dice a él que ya no sueña (es decir, no fantasea). Aunque aún hay algo turbio, pues sigue con su look reprimido. Luce un moño (que recuerda al de "Vértigo", Hitchcock 1958) y un traje negro de manga larga y abrochado hasta el cuello pero corto y coqueto. El amigo que le ha descubierto, cuando va a su casa a contarle al inválido marido el secreto de su esposa, al verla le dice que parece una "colegiala precoz". Esto delata que su conflicto interior aún no se ha dirimido. Tras la revelación de su secreto llega el final y el momento trascendental del film pues cuál será el destino final de Séverine?

Cuando el amigo se marcha, Séverine regresa con su marido nerviosa e indecisa y empieza a coser, pronto lo deja para reflexionar, en esto se da cuenta de que la actitud de su marido no ha cambiado, sigue igual de ausente que antes. Su affaire no le ha hecho mella. Así pues, sonríe y comienza a fantasear con que su marido se levanta y hacen planes románticos. De esta forma sabemos que va a seguir con su marido, pero la razón no se hace explícita. Buñuel dijo que no sabía como terminar la peli así que dejó un final interpretativo (y es que el dejar algo a la imaginación es algo que necesita el Arte para trascender). Mi opinión es que al fin se siente totalmente libre y feliz porque se ha dado cuenta de que se ha librado de su secreto y del sexo con su marido y, también, de que el pobre no la va a dejar. Me baso en los siguientes hechos: la conversación en que es delatada termina a las 17, lo que induce a pensar que su prostitución llegó a su fin, en la antepenúltima escena comienzan a sonar cencerros (fortuito?) y maullidos. Los cencerros no remiten a una anterior fantasía sexual de Séverine que transcurre en el campo (la 1º fantasía tras ir al prostíbulo). En ella, el marido le pregunta al amigo si los toros tienen nombre como los gatos y este le responde que sí, que "todos se llaman Remordimiento excepto el último, que se llama Expiación". Así que se ve que hay una identificación entre los toros y los gatos. Y los gatos, por la escena de la fantasía sexual gótica, están identificados con las prostitutas. Esto es el sonido de la última fantasía de Séverine (no sexual), por lo que se puede interpretar como que los remordimientos y lo que la impulsó a prostituirse se están yendo ante la actitud ausente de su marido que la libra de las consecuencias de sus acciones y del sexo. Por eso Séverine vuelva a tener su fantasía sexual recurrente (recuerden que apenas unos minutos antes confesó que ya no "soñaba"), la última escena del film (y con la que empezó), pero esta vez sin su presencia y la de su marido. La ausencia del matrimonio sugiere la castidad en la que vivirán por siempre. La cara alegre y satisfecha que Deneuve pone antes de ponerse a fantasear creo que me refrenda, pues parece que ha trascendido el sexo o, por lo menos, ha resuelto todos sus problemas. Ha conseguido desarrollarse personalmente, cerrar traumas y heridas (la peli insinúa que abusaron de ella sexualmente cuando era niña, lo que explicaría, entre otras cosas, porque considera el sexo algo sucio) por lo que por fin se siente fuerte, segura y feliz, sin culpas, temores y pensamientos traumáticos. Algo que ya anunció el cambio de actitud ante su madam lesbiana, pues pasa de rechazar al principio un beso de esta a ofrecerlo cuando se despiden definitivamente. También, recordemos, ha dejado de coser.

La peli está muy bien rodada de forma clásica, esto es, de forma funcional, sobria, impersonal y competente sin renunciar a la estética y a la armonía. Lo autoral reside, pues, en lo filmado, en lo que sale, en el fondo, no en la forma. Es muy curioso que el surrealista Buñuel fuese metódico. Refinó su oficio en los grandes estudios de Estados Unidos. Allí aprendió su método industrial para filmar pelis y, como le gustó, lo convirtió en su estilo. Creo que fue porque ese estilo le permitía control absoluto (el era un obseso del control, confesó que no quería hijas porque era tan controlador, que le saldrían putas o monjas). Preparaba los planos de antemano con todo detalle (no sólo el ángulo y el encuadre, el decorado, la posición de los actores y el movimiento de estos y de la cámara sino, también, su duración) de forma que siempre terminaba el rodaje antes de lo programado, con lo que la peli salía más barata de lo presupuestado, y se montaba ipso facto, pues Buñuel ya lo había hecho rodando de esa manera, sólo quedaba pegar y ya. El sueño de todo productor si no hubiese sido un tipo surrealista y polémico (aunque esta fue su última peli polémica, después de 1968 la sociedad cambió lo suficiente como para tolerarle). Así, la peli fluye con ritmo, interés y soltura, sin tiempos muertos, y la historia toma un aspecto de normalidad y sencillez que quita todo dramatismo y escabrosidad al tema. Opción tomada por Buñuel porque, como bromista que era, sabía que la tranquilidad es clave para dar solidez y verismo y, como subversivo que era, sabía que sería más inquietante, trastornadora y chocante (mucho más en la época) la historia de Séverine porque así da la impresión de que cualquier esposa jovencita burguesa podía ser una pervertida y/o una puta. Ni siquiera las inhabituales perversiones de Séverine y el que Buñuelmezclase la fantasía con la realidad (con la consciente intención de confundir al público) altera el aspecto natural y cotidiano de "Belle de jour". De esta forma Buñuel consigue reproducir fílmicamente la mente, pues ambos aspectos, sueños y fantasías y lo real, están unidos dentro de nosotros. Demostrando así que es uno de los mejores directores de todos los tiempos y uno de los que mejor rodó temas psicológicos y fantasiosos, que eran los temas centrales del Surrealismo. No hay que olvidar la importancia del sonido para obtener estos logros. Buñuel, como director que se crió con el cine mudo, utiliza de una forma más potente e imaginativa el sonido que la gran mayoría de los directores criados en el cine sonoro. La utilización de sonidos, que normalmente no tienen que ver con lo que se ve, marca de la casa, es clave para dar atmósfera, añadir surrealismo a las escenas naturalistas y aumentar la expresividad. Qué sería del magnífico principio (y final) con una BS al uso en vez de ese monótono e inquietante sonido de campanillas que recuerdan a los tambores de Calanda? Lo único flojo de "Belle de Jour"es la escena gótica, pero eso es culpa de la censura que no quiso que se rodase en un ambiente religioso. Una escena, por otra parte, que parece una más pero en verdad es de las más importantes. Es una fantasía aunque, al estar sutilmente introducida, no pasa como tal. Pero el que aparezca el mismo landó y los cocheros de sus fantasías sexuales y Séverine responda a la pregunta de si viene mucho por aquí con un "mentalmente todos los días" despeja las dudas. Es una escena importante por los gatos. El conde, el que contrata a Séverine, nos cuenta que tenía una gata que se llamaba Belle de Nuit y luego, cuando están en plena faena, empezamos a oír maullidos y su mayordomo le pregunta si suelta a los gatos. Como dije estos gatos se oyen de nuevo en la secuencia final.

Deneuve es la que realmente hace funcionar a "Belle de jour". Su belleza hierática y su bello cuerpo, más de adolescente que de mujer por la ausencia de curvas rotundas o grandes volúmenes, son cruciales, pues con otro físico no podría ser creíble el papel de joven doncella tímida e ingenua cosa que, además, es reforzado por el look infantiloide (moda de la época) con el que visten al pj y esos complejos peinados que recogen bien el pelo que dan la sensación, a la vez, de represión y de inmadurez sexual. Pero Denueve no sólo se limita a poner el físico ya que también pone una interpretación magistral porque fue capaz de decir con la cara/mirada una cosa y con el cuerpo otra en una situación fingida y una valentía loable, hacer de pervertida y desnudarse en 1967 podía resultar perjudicial (de hecho, la encasilló en papeles eróticos). Por eso hace, seguramente, su mejor papel. Lo que es seguro es que interpretando a una mujer que se busca a sí misma a través de la realización de sus fantasías sexuales atreviéndose a trascender la moral y las costumbres sociales (lo que remite a Sade, un hombre al queBuñuel admiraba y consideraba un filosófo), se gana su lugar en el Olimpo. Piccoli, que da vida al amigo que aparece a lo largo de la peli en episodios breves (de forma que parece el reverso de Pepito Grillo), está también magistral en su papel de rico tan sumamente correcto y educado, como decadente y pervertidor. La clave de sus interpretaciones es que son sutiles y sobrias (por lo visto Buñuel siempre decía a sus actores: "no actúes"), como la dirección, ya que de este modo refuerzan el lado realista de la peli, que es lo que la hace funcionar. Se basan en la mirada, subrayadas por el punto de vista escogido por la cámara, y, como acabo de decir, en la disociación entre el cuerpo y la cara, símbolo de los mundos entre los que vive Deneuve y de la antítesis entre el interior-deseo y el exterior-sociedad (algo que también alcanza a la estructura de la peli, pues es simétrica y binaria, todas las escenas son dobles) por donde transcurre el film.


Esta dualidad de 2 mundos antitéticos y complementarios, realidad/matrimonio/normalidad y fantasía/prostitución/anormalidad, por donde se mueve la dual Séverine, casta esposa/puta, es algo típico deBuñuel que, aparte de denunciar la hipocresía burguesa, da a sus pelis una cualidad mítica y psicológica que las acerca a un cuento. Por eso "Belle de jour" es un viaje personal de madurez, donde las pruebas son los clientes, que a la vez son los mentores, cuya meta final es matar al monstruo, el trauma o las razones de la insatisfacción sexual de Séverine, encarnado por el pj de Piccoli, que es el que detecta su perversión, quien le da la dirección del prostíbulo y coprota de alguna de sus fantasías (que hay que interpretarlas como algo que le gustaría que ocurriese) porque el rechazo que siente por él (sin duda porque a diferencia de su marido, él si sabe de que pie cojea y porque ella se ve como él, un ser pervertido) las hace más satisfactorias. De esta forma la peli es una particular odisea para obtener el elixir o la solución a su problema psicológico que es el responsable de un matrimonio, no consumado, insatisfactorio, que al final parece que era el ser una "guarra" sin querer serlo, y así pasar con éxito la prueba final, que el marido lo sepa. Así, como en los cuentos, al final Séverine deja atrás el mundo infantil, es decir, el mundo mágico-fantasioso-prostituto, y como en los dramas piscológicos, supera sus problemas. Así pues nos encontramos con que no es una peli surrealista en el sentido de que no es totalmente ininteligible, a pesar de que tiene temas surrealistas como la crítica a la burguesía, la libertad (recuerden que ya hablamos de eso a cuenta de "El ángel exterminador"), la fantasía, el inconsciente, la sexualidad y la individualidad y elementos buñelianos como la bella rubia protagonista y su sometimiento y humillación, la idea machista de mujer, la plasmación fílmica de perversiones y fantasías sexuales irrealizadas, el fetichismo, la representación de lo burgués como algo re- y opresivo, la atención a la psicología y al mundo interior y la utilización de la angustia como mecanismo catártico. Todo lo cual, si lo piensan bien, también se puede aplicar a Hitchcock

Con todo esto Buñuel transformó la novela, que no le gustaba por melodramática y porque había envejecido ya que el mundo había cambiado mucho en 40 años (algo en lo que no cayó Kubrick cuando adaptó una novela de la misma época en "Eyes wide shut"). Supongo que también, un machista como él, no encontraría agradable a Séverine. De forma que, si Kessel escribió sobre un amor trágico y denunciaba, de alguna forma, que el éxito de un matrimonio no podía basarse en el bienestar material, Buñuel filmó el retrato de una pervertida ("me permitía [...] describir con bastante fidelidad varios casos de perversiones sexuales"), lo que tiene como efecto secundario el que, con el tiempo, sea una peli con cierto carácter feminista pues Séverine se comporta como una mujer dueña de su sexualidad. En fin, una gran peli que, al no tener moralina, no ha envejecido y, aunque ya no es tan transgresora y revolucionaria, sigue siendo singular porque pocas veces se ha abordado la sexualidad, sin dejar de ser audaz, de forma tan neutra y fascinante por su factura exquisita e hipnótica.

Una nueva revisión.

3.9.09

Critiquita 282: JLA: Tierra 2, G. Morrison y F. Quitely, Norma 2002

La JLA de Morrison la conocí al final del siglo XX y fue lo que me introdujo en el UDC. No sé que me llevó a comprarla porque era cara (se publicaron en tomos caros para la media española) y no me sonaban sus autores, pero había algo en sus páginas que me atrajo. Quizás lo que pasó fue la desesperación. En aquella época los superhéroes Marvel eran, en general, malísimos y yo quería leer superhéroes, algo de supergrupos, que son las coles que más me gustan. Así que había que arriesgarse y mirar en otros sitios. Y qué mejor que una cole con los pjs más populares y poderosos de DC?
Imagino que todos conocéis el destino editorial de esta etapa. VID dejó de publicarla cuando llevaba 2/3. La sustituyó Norma, mucho tiempo después, republicando desde el principio, lo que hizo (al publicar parsimoniosamente) que el toro le pillase, teniendo esto como resultado un último tomo nefasto (traducido por una becaria que, a pesar de que no había leído supers en su vida, ni fue supervisada ni auxiliada) que, además, no cubría toda la etapa. Cuando todos empezábamos a pensar que esta obra estaba madita, llegó PDA con una edición nefanda de lo que faltaba, con lo que salimos de dudas. Esto es lo que ha llevado a que PDA se haya decidido a reeditarla, porque, aparte de ser una obra unitaria, voluminosa, autoconclusiva, con buena prensa y un autor con tirón, esta pésimamente publicada en España.
El problema esta en que, como la ha metido toda en un solo tomo (quitando fill-ins, pero metiendo nº de otras coles y accesorios crossovers si estaban firmados por Morrison, 1º punto negativo porque los fill-ins, exceptuando el último, son bastante buenos), le ha salido muy gordo y, por no enzarzarnos en discutir sobre lo caro y lo barato, a un precio altísimo e inédito para un cómic de superhéroes. A pesar de eso, si al probarlo me convencía, estaba dispuesto a pillarlo. No ha sido así porque es muy pesado, lo que hace que su lectura sea incómoda, es un caos porque no tiene ni índice ni paginación, es frágil, no porque se vaya deshojar, si no porque como se te estropee o se te caiga abierto al suelo te va joder mucho los 60€ que vale, y, sobre todo, no es un cómic. Así que para mi es una mala edición (la maldición sigue).
Seguramente es que soy muy conservador, pero yo asocio el cómic con un formato liviano, lo que da flexibilidad y comodidad (si quiero leer o mirar un nº en concreto no tengo que cargar con lo que no me interesa en ese momento) a la lectura. Por otro lado, las coles de superhéroes son episódicas, por lo que este formato las desvirtúa. Por eso el tochal va contra mis creencias. Este tipo de cómic no se puede editar como un libro. Además, este "libro" cuesta mucha pasta (quizás en esto influye que yo tengo casi todo lo que el tomo incluye) y tampoco es que la JLA de Morrison sea un "Watchmen". Así que nada, ahí se queda porque no es así como quiero leer comics de superhéroes. No le doy mi voto.
Pero esto no iba de Tierra 2? Pues sí. Pero es que leyendo el tochal es como he descubierto "JLA: Tierra 2". Un cómic que me ha encantado por lo que, ipso facto, me he hecho con la edición de Norma (no ha sido difícil).
El 1º/3 del tochal y "JLA: Tierra 2" es lo mejor que ha escrito Morrison para la JLA. Pero T2 no es del mismo estilo que su etapa en la cole regular. Sigue respondiendo al esquema de las grandes amenazas y los pjs tienen el mismo tratamiento icónico, pero la historia se acerca más a su ASS al evocar a las de antaño, cuando lo importante era la aventura, no la continuidad, los pjs o los autores. De esta forma, al ser una historia sencilla muy bien armada, ingeniosa, imaginativa, sorprendente y entretenidísima, Morrison se acerca mucho a una leyenda o a un cuento. Por eso T2 nos habla del Bien y del Mal y nos enseña los pjs a través del enfrentamiento de la JLA con sus contrapartidas malvadas -podemos ahondar en sus motivaciones, en comprender por qué son así y no de otro modo, etc.- y ocurre en un mundo cuyas reglas no se pueden subvertir, por lo que intentarlo lleva a la destrucción. Con un planteamiento tan puro, Morrison logró que la excepcionalidad de la JLA y la epicidad del argumento se fortaleciesen mutuamente. La escala del reto hace que aumente la talla de los héroes y la talla de los héroes hace que la escala del reto aumente. De esta forma, Morrison dio a "JLA: Tierra 2" proporciones épicas. Consiguiendo, al manejarlas con ingenio (hoy algo poco habitual) y tratar a los pjs maravillosamente, una historia llena de momentos geniales: el reciclaje del avión, todo lo de la Gotham de T2, el adulterio no consumado entre Owlman (Batman) y Superwoman (WW), que es lo que más me ha gustado por lo imposible que es ocultarse de un sujeto, Ultraman (Superman), cuyos poderes le convierten en un ser omnipresente (lo cual creo que esta en la base del adulterio, la sensación de peligro y de rebeldía frente a un ser superpoderoso, la búsqueda de sensaciones en un mundo aburrido y controlado) y porque es una forma perfecta de transmitor tensión, decadencia y perversión, algo muy acorde con el Mal, y la relación sexual entre esta y Olsen así como la sorpresa del final.
Pero la clave de T2 esta en Quitely. El mejor narrador del mainstream ahora mismo. La historia de Morrison es muy buena, pero es un cuento. Es decir es sencilla y directa. Unidimensional a pesar de que tenga moraleja. Por eso es muy importante como se cuenta y por eso Quitely es clave.
Quitely es un gran dibujante, así que para mi es un misterio porque ha optado por ese estilo tan particular por el que sus pjs tienen un aspecto inquietante y, a veces, perturbador (quizás sea su forma de decir que no le gustan los superhéroes). Su estilo es británico, es decir, realista de raíz europea, pero severo, como manda el cánon mainstream, y con cierto toque feísta o grotesco como resultado de la influencia del underground estadounidense. Por eso, aunque igual soy sólo yo, hay algo en los dibujos de Quitely de Crumb (la rechonchez de sus pjs) y de Corben (lo compacto de los mismos). Por otro lado es un tipo con una sólida formación artística como demuestra su magnífica capacidad compositiva o sus citas de obras de Arte. Algo que casi ningún dibujante estadounidense hace, porque allí, se ve, que la formación (si es que la tienen y no estan dibujando por su capacidad imitativa) es muy práctica y nada teórica o cultural. Sólo puedo citar como otros ejemplos a AH!, que sistemáticamente cita a Mucha, y Giffen, que en una viñeta de la Legión (en el tomo nº 2 de PDA) cita la Capilla Sixtina de Miguel Ángel parafraseando el fragmento donde Adán y Dios casi se tocan. Por eso es sorprendente y grato encontrar una viñeta que cite a "La balsa de La Medusa" de Gericault, una excepcional obra romántica que reproduzco aquí (perdonen que no haga lo mismo con la viñeta en cuestión, pero es que los tomos DC-Norma petan si se escanean, un anticopy brillante), y no gratuitamente, pues Quitely aprovecha el significado del cuadro para magnificar lo que él y Morrison estan contando.


Como iba diciendo, Quitely es un buen dibujante y un sobresaliente narrador. Tiene un dominio notable de la anatomía y es capaz de dibujar cualquier cosa de forma efectiva. Es muy bueno con la gestualidad. Compone de forma muy inteligente y racional de forma que sus viñetas son amplias, sencillas, es decir, con pocos elementos, y centradas, es decir, con los elementos importantes en el centro. Un truco para dejar espacio para los globos para evitar que estos interfieran en el dibujo y en la composición, por eso sus comics son tan elegantes, fluidos y legibles. Pero no sólo tiene un esquema efectivo de como componer una viñeta, de hecho, esto es lo menos importantes,pues es muy sagaz a la hora de elegir el encuadre más idóneo y el momento escénico más pertinente a dibujar, por eso es tan plástico. Por todo esto resulta un gran narrador. Porque, conseguido todo lo anterior secuenciar, que no sólo es poner una viñeta detrás de otra, sino utilizar el como se lee un cómic (de 2 en 2 páginas) para estructurar la historia, es decir, usar los hitos de la lectura (final de fila, de página y paso de página) como signos de puntuación, es fácil. Lo mismo que conseguir un ritmo fluido y con el tempo adecuado. Cosa que Quitely consigue alterando el nº de viñetas por página así como su distribución y la dirección de la lectura (cuando quiere rapidez plantea la página de forma cinemática y cuando no, de forma tradicional, de izda. a dcha.). Por eso el resultado es un narrativa fluida y certera y un ritmo elegante, dinámico y majestuoso. Cosa que le viene al pelo a esta historia, pues es lo mejor para dar magnificencia a una historia, que es lo que Morrison persiguía con sus amenazas de escala galáctica y su tratamiento icónico de los pjs. Por ejemplo, la secuencia del principio es magnífica. Comienza con una splash de un plano general (en diagonal para dar tensión y ascendente para dirigir la mirada del lector a la siguiente página) de una fortaleza lunar misteriosa (muy bien apoyada por Morrison con unas palabras crípticas pero muy potentes: "malas noticias. Ha escapado", de forma que es un principio como mandan los cánones: potente, directo e intrigante, es decir, que impele a seguir leyendo), que es sucedida por 2 páginas de viñetas rectangulares, que se leen de arriba-abajo y secuencian muy bien lo narrado al alterar el ritmo con su tamaño, que terminan con un impacto en off para que el paso de página apoye la elipsis, seguidas por otras 2 páginas con la presentación de Luthor, una página que fragmenta de forma muy dinámica la acción que remite a una splash muy bien compuesta en diagonal y en contrapicado (potenciado por la posición y composición de la última viñeta de la anterior página) para darle potencia y que pausa el ritmo de lectura muy oportunamente, las cuales nos llevan a una doble página que presenta a la JLA de una forma totalmente majestuosa y espectacular. Terminando, así, a lo grande la secuencia destinada a presentarnos, tanto a los protas como a los antagonistas y el argumento. Y así todo. Como la secuencia en que el Luthor de T2 se encuentra con la JLA. De que forma tan fabulosa, con viñetas amplias, escenarios futuristas ciclópeos, austeros y luminosos y figuras pequeñas, Quitely nos comunica el tremendo poder y soledad (el escritorio-secuoya es genial) de Luthor. Y que bien nos situa para la aparición de la JLA y qué aparición, por detrás y por encima, es decir poderosa y por sorpresa, o sea, acojonante. Y así muchas más, como las que protagoniza el padre de Batman. Estas últimas muy cinemáticas.
De esta forma Quitely vuelve a demostrar, porque otros lo han hecho otros antes, que la clave es el esquematismo. En un estilo icónico y genérico, es decir, en un estilo realista al que se le ha aplicado la abstracción para extraer formas representativas que sólo contengan lo esencial de las cosas. Porque el esquematismo es la única forma de hacer que el dibujo, en su sentido amplio, sea expresivo (hay que tener en cuenta que el color de momento no es tan importante como en la Pintura), claro y conmovedor. Por eso el barroquismo y el llenar los dibujos de ruido van en contra del Cómic, lo mismo que el naturalismo o el hiperrealismo. El Cómic, al ser mudo y no poder competir con la realidad, precisa de un dibujo sencillo pero muy expresivo (como el cartoon, la caricatura, el manga o el cómico) y dinámico.
En conclusión, aunque "JLA: Tierra 2" no es una obra maestra porque sus autores no pretendieron más que entretener. Es excelente porque Morrison y Quitely hacen muy bien su trabajo. La historia es fresca, icónica y poderosa, el dibujo la representa con solvencia y la narrativa la hace trepidante y espectacular. Por eso qsupera con creces la media y el mínimo exigible y nos enseña a apreciar y a distinguir el trabajo bien hecho.
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