El critiKrator

Cómic en las estanterías now IV

2012-01-24T21:30:00.001+01:00

Continuando ...

4F DE LEE&KIRBY: Lo que había antes de que Panini decidiese sacarlo en tochal eran BM o la versión de EL MUNDO de BM. Son grandes cómics por eso siguen funcionando 50 años a pesar de estar escritos para un público muy diferente a nosotros. Imaginación y genio desbordante y casi desbocado en unas historias más próximas a la CF pop que a los superhéroes. Lo malo es que es un tochal, grande, pesado y caro, pero en este caso hay que tener en cuenta que en nuestro mercado nº clásicos no pueden salir de otra forma si los queremos a su tamaño y en color. Este tomo es más o menos la parte central de una de las etapas donde se forjó tanto el mainstream actual como el UM. No es necesario lo anterior pero deja con ganas de más. Así que proceder con cuidado.

ASTRO CITY: Ahora, gracias a Norma 2/3 de esta singular serie con aroma clásico vuelven a estar disponibles. El 1/3 restante también pero nunca se había editado en España. La serie es muy irregular pero tiene cosas brillantes y siempre es entretenida, lo malo es que está mal dibujada y que Busiek demasiadas veces se le va la mano con el costumbrismo y demasiadas veces pone como protagonista a un personaje vulgar/sin poderes.

DINASTÍA DE M: el megacrossover que inauguró esta larga etapa en el UM que estamos teniendo la desgracia de vivir y que parece que está muriéndose. Esta historia es puro Bendis, no encaja con lo anterior, es tonta, superficial y está mal desarrollada, y al final ha dado bastante igual al iniciar la epidemia de crossoveritis aguda más virulenta de la Historia, tanto que el lector de superhéroes está en peligro de extinción, pero es el único de los últimos megacrossover que ha dejado una herencia que ha dado años de historias (por ejemplo ahora se está publicando la solución al autoexilio de la Bruja Escarlata). No creo que este cómic mediocre sea El Culpable pero hay que reconocer los continuos cambios más que cómics mal hechos, aunque este tiene el mejor trabajo que Coipel ha hecho en Marvel, son veneno para el aficionado, el que sigue la cosa porque hay continuidad. En cuanto se la quitan o cambian... Ahora está en tomo pero las grapas aún se pueden conseguir.

HALO JONES: una obra de un primerizo Moore. Es interesante y rompedora pero no pasa de mediocre. Va de menos a más pero el perfil bajo voluntariamente escogido por el guionista y un dibujo en B&N eficiente pero poco atractivo acaban haciendo que el cómic no despegue.

LA COSA DEL PANTANO: lo de Moore. Una gran obra que supuso el preludio del compromiso entre el autor y el mainstream que ha ampliado los compradores y las historias pero ni ha renovado a los superhéroes ni los ha sustituido. Pero sobre todo este cómic es una lección de como hacer personal a un personaje mainstream además de ser una prueba de lo que hemos cambiado. Antes eras viable si ofrecías calidad e imaginación, hoy sólo si vendes. Resultado, el mainstream está a punto de ser inviable por endogamia. A mi, esta etapa, en su conjunto, no me parece tan buena como se dice pero tiene momentos brillantes y el principio es insuperable.

Neonomicon, Lovecraft, Moore y el sexo

2012-01-17T02:26:00.001+01:00

Este cómic ya lo había leído pero no os lo comenté porque, aunque me gustó, es mediocre. Sin embargo lo habría comprado de no haberse subido Panini a la parra con un producto fetichista. Pero como soy uno de los últimos románticos en esto del regalo, yo nunca digo que quiero, ni siquiera lo insinúo, la orgía navideña me lo ha traído. Os lo comento ahora porque Neonomicon, como no da mucho que hablar, me permite hacer un post breve.

Este cómic no engaña. Lo ves y salta a la vista que es algo mediocre. No solo la lujosa edición de Panini delata a la mona, sino también un dibujo malo y una introducción en que dice que este cómic existe porque en 2009 Moore tuvo problemas con Hacienda (La Pantoja y él en el mismo barco! Qué pasa con esta gente?). Así pues, no has llegado ni a la 1º viñeta y ya sabes que te vas a leer un cómic de compromiso. Sin embargo Moore es un tipo generoso así que, aunque ofrece una obra muy menor, ha puesto en ella algo de genio (más mala leche que talento).

Neonomicon son 2 historias conectadas contadas en 6 cómics. La 1º, The Courtyard (El Patio), la mejor con un final espléndido, es un díptico del 2003 a cargo de A. Johnston y J. Burrows, ya publicada aquí en B&N, de modo que ha sido coloreada por codicia, que adapta un relato de los mitos de Cthulhu escrito por Moore en 1994. Para que la cosa no sea sangrante se nos asegura que este asesoró a sus autores, JA! pero la adaptación tiene pinta de ser muy fiel. La 2º, Neonomicon, es una miniserie de 4 de reciente publicación nacida de un problema fiscal a cargo de Moore y J. Burrows.

A pesar de eso este cómic no está mal. No lo está porque las historias están dentro de la obra de Moore ya que tocan temas que a este gran autor siempre le han interesado y pertenece a un género bastante tratado por él. Así pues no dejan de ser una obra personal. El tema principal del Neonomicon es el sexo, en eso se nota que la 1º historia es de 1994 y la 2º del Moore actual, de modo que sigue la estela de La Liga de los Hombres Extraordinarios y de Lost Girls. Si bien estos son una revindicación tanto del sexo como de la mujer, este cómic es una hiriente ironía sobre la beatería hipócrita de nuestra sociedad protagonizada por una mujer. En ese sentido Neonomicon confirma que el Moore actual se ha convertido en un cascarrabias frustrado porque el calamar no ha cambiado la sociedad. No sólo hemos seguido la senda de Thatcher y Reagan contra la que él protestó sino que encima nos hemos caído, por ello, en un pozo bien profundo. Así pues lo que complace a Moore ahora no es disfrutar con su genio y dejarnos a nosotros húmedos, sino en darle a una sociedad que sigue tan estúpida como siempre. Por eso estos 2 relatos enmarcados en los mitos de Cthulhu tienen como misión denunciar que en su invención participó un inconsciente severamente reprimido. Moore pone de relieve toda la simbología sexual que hay debajo de los textos de Lovecraft, un tipo al que el sexo le daba miedo (como otros genios de su época como Kafka o Dalí). El inconsciente tenía que sublimar esa represión de alguna forma así que salieron cópulas innombrables y monstruos tentaculares. Pero Moore lo hace sin traicionar la esencia de los mitos de Cthulhu, a pesar de que el 1º apaleado en este cómic es Lovecraft, así que estas historias son mejores que las que han escrito muchos continuadores de aquel, no sólo porque su autor es un brillante narrador incluso con el piloto automático, sino también porque no se quedan en la anécdota. No son historias de Terror vulgares y tópicas que siguen una fórmula sino que desarrollan toda la locura de los mitos de Cthulhu basada en el terror que a Lovecraft producían la Historia, la Relatividad y el Inconsciente, estos 2 últimos 2 de los 3 grandes descubrimientos del siglo XX presentados en sociedad en vida de aquel, porque derrumbaron el mundo arcaico y provinciano en que fue criado que le proporcionaba su identidad (un protestante estadounidense anglosajón de rancio abolengo). Así pues en Neonomicon el Terror no es básico, un monstruo que quiere comer a los protas, sino que viene por la sospecha de que más allá de nuestros sentidos, en el borde de nuestro campo visual, hay cosas que, de percibirlas, nos enloquecerían. Algo que en cierto modo casa con las creencias de Moore. Creo que esto es lo que hace que su acercamiento a los mitos de Cthulhu sea uno de los más acertados que se han hecho.

El trabajo de Burrows es malo. En la 1º historia su trabajo es tosco y su narrativa simple pues narra visualmente toda la historia con 2 viñetas rectangulares y verticales por página. Esto proporciona cierto ritmo a la historia pero tan machacón que acaba aburriendo. En la siguiente lo hace mejor. Su dibujo realista y sencillo es más competente pero es impersonal, rígido y vulgar. Como a los mandos está Moore su narrativa se sofistica pero sigue siendo limitada. Se ve que el inglés no quería ponerle en aprietos. Ahora su narrativa son 4 viñetas rectangulares y horizontales por página que dan ritmo a la cosa pero no acaban aburriendo porque de vez en cuando la fórmula se altera disminuyendo el nº de viñetas por página. El resultado es un cómic monótono ya que, además, la historia se nos narra desde pocos puntos de vista por lo que a la poca variedad en la composición de página hay que añadir la poca variedad en la composición de viñetas, las cuales son tan sencillas que su legibilidad no compensa su falta de atractivo. Así pues son el interesante relato, que actualiza sin pervertir los mitos de Cthulhu, y el sello personal de Moore lo que salvan a este cómic.

La edición de Panini es un despropósito. Le pone al tomo unas tapas bien duras y un papel grueso que no casan de ningún modo con el torpe trabajo de Burrows y la labor funcionarial de Moore. Es algo así como vender agua del grifo en una botella de Perrier a precio de agua de Perrier. Esta obra exigía una edición de batalla. Sus 18€ son una sobrada que esquilma a todos esos regaladores bien intencionados.

En fin, Neonomicon son 2 buenas historias cargadas de sexo extremo (orgías, sadismo y bestialismo) de los mitos de Cthulhu que, además, ayudan a comprender el complejo mundo simbólico creado por Lovecraft. Sólo se echa de menos un Moore más implicado, pero normal que esté tan desmotivado con esto del cómic, y un dibujante de cómics de verdad, no un aficionado bien intencionado y con suerte. Si el peaje no fuese desorbitado sería un cómic redondo.

Cómics en las estanterías now III

2012-01-09T22:08:00.000+01:00

Continuando ...

ESCUADRÓN SUPREMO: la auténtica Edad de Oro del cómic de superhéroes comienza exactamente aquí. Unos pocos meses antes de Watchmen, Gruenwald, SIN romper las reglas del género, creó una tragedia griega sobre el poder y el heroísmo. Una obra que sería maestra de no haber contado con una apartado visual muy mediocre. Es un cómic complejo y adulto que aprovecha la libertad que otorga un grupo superheroico y un mundo periférico para, precisamente, confirmar las reglas del género demostrando con ello que el mainstream da pa todo, que no hace falta desvirtuarlo o reformarlo para contar tanto buenas como adultas historias si uno se lo toma en serio. En ese sentido Morrison es el continuador de Gruenwald. Yo, desesperado de que Panini no lo sacaba, acabé teniendo la suerte de encontrar la edición en grapa de forum impoluta. Ahora lo que hay disponible es un Marvel Gold que, por desgracia, pasó desapercibido así que imagino que habrá paladas de este tomo aún esperando dueño.

ETERNOS: de grapa cara a tomo Marvel Deluxe. Un Gaiman menor que demuestra que cuando hay talento no hace falta esforzarse mucho para hacer algo decente y diferente. Una historia un tanto tópica pero bien narrada y que abre nuevas puertas. Si bien, aunque han sido traspasadas, Marvel no ha colonizado el nuevo terreno que le han descubierto por falta de inversores. Un cómic modesto que vuelve a demostrar que los personajes de Kirby son atemporales debido a su capacidad para reformarse sin dejar de ser fieles a sí mismos.

SUPERMAN ROJO: de un tomo saldado de Norma a un tomo de PDA. Un cómic de Millar que parte de una brillante premisa, el cohete que trae a Kar-El a la Tierra cae en la URSS, pero que se desarrolla sin ninguna ambición. Así, es simplemente una aventura entretenida porque el guionista siempre tira por el camino fácil. Mira que podía haber hablado de política, valores, libertad, economía, etc. Ejemplo de ello es que el Superman soviético apenas cambia la Historia del UDC.

EDAD DE BRONCE: Azake ha reeditado los 1º tomos de esta serie, tan ambiciosa que lo más probable es que acabe inconclusa, en un gordo volumen. Este cómic es la mejor traslación visual que existe de la Materia de Troya a pesar de que apuesta por el historicismo pervirtiendo así el sentido mítico del material original. Sin los dioses todo lo relacionado con la Guerra de Troya queda cojo porque estos están íntimamente ligados a los acontecimientos ya que para los griegos arcaicos eran el origen de todo acto humano. A pesar de este error es un cómic espectacular y emocionante que no adapta sino que cuenta de otra forma una de las 4 historias que han conformado nuestra cultura.

POWERS: Bendis y Oeming son muy torpes pero han creado un cómic que tiene algo gracias a la libertad y a su ambición. Los superhéroes son aquí vistos de forma adulta y descreída de tal modo que los auténticos héroes son los humanos normales. Es una seria irregular deficientemente resuelta pero entretiene y es fresca. Los 1º nº editados por PDA eran prácticamente incontrables pero ahora Panini los está reeditando. Lo malo es que hacerse con la cole entera es un pastón, pues cada tomo (que deben ser más de 10) no baja de 20€, pero eso tiene la ventaja de que van a estar mucho tiempo en las tiendas.

...

El caladero de Millar y Bendis: Los Poderosos Vengadores: Por derecho divino, J. Shooter et al., Marvel-Panini 2011,

2012-01-04T21:57:00.001+01:00

La mejor etapa de los Vengadores, tanto pre como posDesunidos, es la de J. Shooter, considerando sus dos estancias como una etapa. Por eso no extraña que sus cómics de los Vengatas sean la fuente de los Vengatas del siglo XXI. Esto no sólo es así porque fueron las lecturas juveniles de los actuales guionistas sino también porque sus historias son buenas y audaces y fueron un momento decisivo en la evolución de ese grupo superheroico marvelita. Estos factores son los que hacen que a pesar de que el estilo de esta etapa es muy de su época (finales de los 70) sea una lectura que prácticamente solo ha envejecido en su aspecto gráfico. Los Poderosos Vengadores: Por derecho divino es un gran ejemplo de esto.

J. Shooter (que en este tomo recurre a J. M. DeMatteis para que le haga de negro) es un tipo muy especial, no podía ser de otra forma para quien es uno de los guionistas más precoces que ha tenido el mainstream (si bien era una época en que se daba oportunidades a la chavalería). Es un hombre temperamental, recio, ambicioso, ferviente creyente en los valores estadounidenses, lo cual quiere decir que es individualista, competitivo y trabajador, y con bastante talento (más como argumentista que como narrador) pero antipático, soberbio y demasiado obseso del control. Por eso no se llevó bien con aquellos que no se plegaron a unas ideas que él consideraba buenas por ser suyas como el gran Mantlo, quien tenía un carácter diferente, amable y social, y creía tanto en su propio trabajo como Shooter en el suyo. Esto es ególatra pero hay que concederle que tenía una base razonable para ser así, su pasado exitoso. En fin, que los Vengatas de Shooter son buenos y singulares porque son producto de un tipo especial con querencia por la CF y la moralidad. De ahí que Los Poderosos Vengadores: Por derecho divino sea notable aunque es bastante irregular.

La 1º historia, Hombres de letal orgullo, es una aberrante cuento de hadas totalmente fuera del scope si bien en aquella época ese tipo de historias no resultaba tan chocante. El argumento es bastante delirante pero es uno de los cómics Marvel más importantes ya que es el principio de la denostación de Hank Pym. Posiblemente el 1º superhéroe en caer por méritos propios. El asunto está un poco forzado (si bien Pym es un superhéroe muy ambigüo, demasiadas identidades y su capacidad para crear amenazas le acerca a la supervillanía), pero hay que apreciar que Shooter nos ofrezca algo diferente, un superhéroe de toda la vida y popular se convierte en un tipo mezquino y ruin, así como que acelerase la vindicación de la mujer moderna en un universo de ficción conservador y masculino como es el marvelita. La 2º historia, Consejo de guerra, desarrolla las consecuencias de la anterior adoleciendo de infantilismo (el plan de Pym para salvarse es digno de un niño) que, sin embargo, no resulta molesto debido a la originalidad de la histórica historia. Después de este cómic los Vengatas se convirtieron en algo diferente (por eso tenía muchas ganas de leerla tras décadas leyendo referencias a este momentazo). Esta historia fue casi más copiada que homenajeada por Millar en sus Ultimates incluso en su aspecto gráfico ya que la viñeta en que Pym "aplasta" a la Avispa de este tomo fue casi calcada por Hitch. La siguiente historia es la peor del tomo, si las anteriores son flojas esta es mala. Los Vengatas se enfrentan al Motorista Fantasma en una historia infantil, en aquella época el público mayoritario, por su simpleza donde Shooter hace un canto al individualismo según el ideal yanki, si uno no consigue lo que quiere no puede culpar al empedrado ni deprimirse ni reclamar ayuda al Estado (denominado gran hermano en este tomo) sino seguir intentándolo (típica moral del ganador que no se da cuenta de que a veces se pierde porque el mundo es injusto y típica moral calvinista pues esta concibe el mundo como un lugar justo por obra divina de modo que siempre los "buenos" van a triunfar). Hay que ser duro, tenaz y esforzado como los superhéroes que siempre están luchando y nunca se acobardan o se rinden. La siguiente historia es un díptico en donde Shooter trae de vuelta al Hombre Molécula para darle su forma definitiva. Todas las formas de poder y Vengar a los Vengadores son 2 de los mejores cómics tanto de Marvel como de los Vengatas. Normal que Bendis calcase este díptico en sus Vengadores Oscuros. No lo sabía hasta que leí este tomo. Debí sospechar que lo mejor que he leído de Bendis en Marvel es una historia que no es suya. Igual que en los VO la ayudante de Osborn resuelve la papeleta, aquí es Tigra quien la resuelve. El "feminismo" de Bendis nace del de Shooter. Por otro lado aquí se ve el antagonismo subyacente entre el Capi y Iron Man. El 2º aboga por ajusticiar al HM y el 1º defiende su derecho a un juicio (a pesar que nada puede detener al HM), Tormenta Galáctica y Civil War están aquí. Es una brillante historia donde el conflicto en vez de resolverse a hostias se resuelve con la palabra y se revindica a los superhéroes pues nos muestra que su heorísmo no es por sus superpoderes sino por su carácter ya que a pesar de haber perdido sus poderes no abandonan su lucha contra un supervillano divino (mucho antes de que se le ocurriese a Ellis). Todo ello revindicando el toque femenino en la resolución de conflictos (el diálogo en vez de la pelea) y dando una visión positiva del poder (El poder rara vez corrompe. Sólo amplifica lo que ya está ahí sea bueno y noble o malo y mezquino) pero es que Shooter fue jefe. En fin, una historia original, sobresaliente, adulta y con mensaje. El carrusel sigue con Traición, donde se da una vuelta de tuerca más a la caída de Pym paralela a la afirmación de la Avispa. Seguimos con Renacido (una y otra y otra vez). Una historia alucinante, un auténtico blow of mind, que ejemplifica porque los superhéroes de aquella época vendían tanto, en ellos te podían encontrar todo tipo de cosas y además impactantes. Comienza con una portada acojonante, un crío se apunta la cabeza con un revólver en presencia de los Vengatas, cómo no comprar eso? Una historia fantástica en todos los sentidos donde el antagonista es un niño que no puede morir. De nuevo un conflicto moral con aire tristón y existencialista (no en vano la escribe DeMatteis) donde Bendis sacó su querencia por las cosas que caen del cielo y las energías que vienen del Espacio. El único pero es que se resuelve de forma bastante convencional. El tomo finaliza con un díptico normalito. Por derecho divino y Guerra contra los dioses se basa en el carácter ambivalente de Dragón Lunar, una especie de Sinestro. Un superhéroe con tendencias tiránicas. Una aventura especial con, de nuevo, conflicto moral, una tiranía que produzca paz y bienestar es aceptable? Una historia entretenida, aunque previsible, e importante pues se produce en él un hecho importante para el UM cósmico.

Tras este repaso es inevitable hablar un poco del aspecto gráfico de Los Poderosos Vengadores: Por derecho divino. Este es, inevitablemente, clásico. Es decir, tosco y funcional, así es el dibujo de A. Kuperberg, B. Hall (el dibujante de casi todo el cómic) y D. Perlin y el coloreado, de modo que las historias tienen un aspecto rudo y hosco. Así, sólo ofrece solaz a los ojos A. Weiss. Un dibujante que al ser decente en anatomía (mejor en la femenina que en la masculina) y muy bueno con los rostros da un resultado más elaborado, atractivo y singular de modo que también contribuye a que la historia del HM sea especial.

La edición de Panini es un Marvel Gold. Un formato decente pero discutible por su opción por las solapas y la elección de papel grueso y brillo. A destacar que se toma la molestia de intercalar las portadas originales, nada de ilustraciones, en el sitio adecuado. Algo que debe ser titánico habida cuenta de lo raro que es.

Concluyendo... Los Poderosos Vengadores: Por derecho divino es un gran y gordo tomo marcado a fuego por Shooter. Un tomo tanto histórico como especial. Histórico por el hito que es tanto para Pym y Van Dyne como para los Vengatas así como porque pone velocidad de crucero al "feminismo" introducido en Marvel en los 70. Un femenismo no exento de machismo, las mujeres siguen siendo bellas y tradicionalmente femeninas. Quien se retira de los Vengatas es Tigra porque no siente que está a la altura del Capi, Thor y Iron Man y la Avispa, a pesar de emanciparse de Pym y afirmarse hasta lograr ser la líder de los Vengatas (la minimujer guiando a hombres fuertes y poderosos), sigue siendo una mujer obsesionada por las compras, el aspecto y la moda. Especial por su protoposmodernismo. Con Shooter no hay Blanco y Negro, por ejemplo los enemigos de la primera historia no son supervillanos y las decisiones heroicas son discutibles (Estamos haciendo lo correcto ¿verdad?), porque las historias son adultas, hay muertes y los buenos no son de una pieza pues pueden ser maltratadores y mezquinos. Por tanto Los Poderosos Vengadores: Por derecho divino es una opción de compra muy interesante tanto por su calidad como su carácter histórico.

Critiquita 335: Astro City nº 8, K. Busiek y B. E. Anderson, Norma, 2011

2011-12-30T00:06:00.000+01:00

Vamos con algo de completismo...

Ya he escrito sobre Astro City así que me queda poco por decir ya que el trabajo de la pareja autoral que nos trae esta serie no ha cambiado ni un ápice desde que empezaron con ella. K. Busiek es un guionista mediocre con una visión de la vida provinciana y conservadora y B. E. Anderson es un dibujante malo aunque un profesional eficiente y su estilo realista encaja con el tono de la serie. Esto hace que la genialidad que es AC apenas tome cuerpo.

AC es una visión personal a la vez clásica y posmoderna de la Edad de Plata concebida por un enamorado de aquellos cómics escrita con total libertad. Su clasicismo reside en que nos cuenta todo aquello que está entre las bambalinas de las grapas de aquella época sin traicionar los estilemas de aquella forma de entender los superhéroes. De este modo con su serie Busiek viene a complementar esas historias. Una idea genial que es la base de todos los grandes cómics que tiene esta serie regular que va a trompicones. Pero junto al clasicismo está el posmodernismo de Busiek. Este está en el carácter autobiográfico o en el uso de la primera persona propio de muchas historias pero también en que a veces se convierte en una serie costumbrista en la que tipos vulgares nos cuentan su día a día vulgar. Esta apuesta por la visión del hombre de la calle tiene el inconveniente que vulgariza las historias. El género superheroico de la Edad de Plata cuenta las extraordinarios aventuras de personas tan extraordinarias como heroicas. Por eso se convirtió en mainstream. Lo que se buscaba en él era esa maravilla y esa fantasía que falta en la vida vulgar así que esa apuesta de traer el gafapastismo a los superhéroes quita interés y alegría al asunto. Es cierto que ese gafapastismo estaba ya desde el principio en la modestia de los héroes y en sus tragedias cotidianas pues ambos elementos humanizaban seres extraordinarios además de asimilarlos a sus lectores, pero Busiek se ha pasado con eso de modo que el guiso le ha quedado soso. La épica de la mediocridad, que es el leitmotiv de la serie, lo único que ha hecho es mediocrizarla no dejándola volar. Eso y el torpe dibujo de Anderson quien tiene la irritante incapacidad de dibujar de forma simétrica y armónica, es lo que hacen que esta serie, aún siendo original e interesante, no pueda dejar la mediocridad atrás. Este tomo es un buen ejemplo de ello.

La 1º historia, El águila y la montaña, es brillante. De lo mejor de la serie. Recuerda a las historias de Superman de Moore. Es una visión distinta del eterno enfrentamiento entre el superhéroe y su némesis. En el género ambos son como la Fuerza Imparable y el Objetivo Inamovible. Ninguno de los dos puede obtener la victoria total porque el carácter cíclico-comercial del mainstream se acabaría. Con todos los supervillanos en la cárcel, los superhéroes tendrían tanta razón de ser comos los Vengatas de ese gran cómic que es La última historia de los Vengadores. Sin la moral del Alcoyano los supervillanos no desafiarían el mundo una y otra vez. Esto, que es el motor de la Edad de Plata, que hoy se ha vuelto increíble por reiteración (de ahí que ahora se apueste por revisiones y reseteos), Busiek lo hace creíble sin salirse del clasicismo con elegancia e inteligencia. Si bien no es una fórmula superadora o que aporte credibilidad a las necesidades regenerativas del mainstream. Lo único malo de esta notable historia es que lo que caracteriza al supervillano es su ateísmo. De nuevo los valores estadounidenses de Busiek estropean una buena historia. Así pues, esta historia es buena por el clasicismo que rezuma. Lamentablemente después de ella el posmodernismo empieza a pesar así que el tomo va de más a menos.

La 2º historia, Sus oscuras raíces de plástico, es más propia de la CF pero al ser el origen de un superhéroe entra de lleno en el género. La historia es bastante novedosa pero su tono familiar y su falta de épica nos dejan indeferentes. Al final de tanto rollo hay una señora que cuida de sus rosales? Una persona que ha decidido abandonar su genio por dar clases en un insituto de una pequeña ciudad? El final de la Búsqueda es un consejo familiar? En la siguiente historia la vulgaridad aún tiene más peso. Es un díptico protagonizado por Astra, una versión femenina de Franklin Richards. Astra es una superheroína desde niña que ha crecido entre superhéroes, pero el provincianismo de Busiek no se le ocurre más que escribirla como llevando una vida normal, por qué tanta vulgaridad? Por qué ese empeño en mostrar que la buena vida es la modesta y mediocre? No sería más lógico que Astra desease un novio superhéroe porque tiene más cosas en común con él que con un chico normal? Por qué una persona extraordinaria quiere que la traten como lo que no es, normal? Todos queremos ser especiales, ahora más que nunca, por qué Astra no? Si Paris Hilton no quiere ser alguien sencillo y vulgar, por qué Astra sí? No se puede apuntar alto? Ser diferente? Bueno, en el fondo es que Astra no quiere ser superhéroe, eso está bien porque está poco hollado, pero Busiek no ha comprendido que no querer ser superhéroe no significa tener que ser normal.

Con la última historia, un díptico que es una explicación algo confusa (al menos para mi que no me he quedado con la copla) sobre el Agente de Plata, el Capitán América de AC, volvemos al tono superheroico clásico. Pero la mediocridad lastra la historia. Busiek nos cuenta que la encarnación del heroísmo es un tipo con orígenes modestos y humanos. Es que necesariamente tenía que ser un niño enfermizo de una familia con vocación de servicio público? Los héroes sólo surgen ahí? Por qué todo tiene que ser familiar? No hubiera sido mejor y más atractivo un origen más extraordinario? Por qué una historia circular con viajes en el tiempo y peleas contra dioses tiene un origen tan vulgar y la familia tradicional es tan importante? Por qué todos somos héroes? No es eso vulgarizar a los superhéroes? Estos "existen" porque no hay héroes en la realidad, la mayoría somos mezquinos o mediocres por eso necesitamos historias con héroes. Cuando Busiek se empeña en mostrar que en la cotidianidad también hay épica lo único que esta haciendo es dispararse en el pie. Los héroes siempre han sido guías que nos ayudan a enfrentarnos a las dificultades de la vida pero la épica nunca cometió el error de asimilar a los héroes a los vulgares, ese es el gran error de Busiek y con ello condena a la mediocridad a AC. Así, es tanto justo como lógico que la serie la dibuje alguien tan mediocre como Anderson. Aquí especialmente flojo. Esas páginas de trazo grueso e infantil que salpican el tomo sólo tienen perdón porque Anderson no tiene el respaldo de una industria para ayudarle con el dibujo y el entintamiento.

Con todo esto es evidente que la edición de lujo, pero con buen precio, de Norma es un chiste malo. Por qué tapas duras y buen papel para un dibujo tan malo? Por qué unos guiones que ensalzan la mediocridad necesitan camisa y lujo? Hay que reconocer que la edición de Norma es muy buena, sin errores, con las portadas en su sitio y con una rotulación currada, pero el lujo sobra porque denuncia la mediocridad del trabajo autoral. Entiendo que Norma haga una edición cara para que los euros no vayan a sus competidoras, pero una edición en tapa blanda con papel de grapa hubiera bastado y sobrado para un AC que Busiek voluntariamente mantiene en la mediocridad.

En fin, pues eso. AC es una gran idea que puede dar buenas historias pero el amor por la mediocridad de Busiek lo impiden. Es una lástima porque hay cosas que merecen la pena pero esta serie tiene demasiada cal para la arena que tiene. Cuando leí los 2 tomos anteriores me planteé dejarla de coleccionar, ahora, con este, lamento no haber tomado una decisión firme. El costumbrismo y la vulgaridad que presiden Astro City no son cosas que busco en un cómic de superhéroes.

Be trekkie for a moment. DS9, T. I y II

2011-12-29T07:14:00.001+01:00

Yo no soy trekkie pero me gusta Deep Space 9 (Espacio Profundo 9). Vi algo de ella hace mucho cuando la estrenó A3 un verano. Así que no fue hasta bastantes años después que, gracias a un amigo trekkie, pude verla. Mucho antes de que un canal de pago se hiciese con ella y la doblase. Por eso para mi es Deep Space 9. Era verla en VOSE o con un doblaje hispanoamericano (no puedo precisar más) aberrante tanto en traducción como en interpretación.

A mi nunca me ha gustado Star Trek. De pequeño no pude contactar con la serie clásica porque no me interesaba mucho la CF. De adolescente no pude contactar con la Nueva Generación (Picard y tal) por las razones que han hecho que Star Trek nunca haya roto el gueto, armas pequeñas, nada de acción y ninguna tía buena. Pero de joven vi DS9 y me gustó. Es una serie mediocre, con el presupuesto justo y, como producto televisivo abierto que es, demasiada familiar, sencilla y conservadora para ser CF decente, pero tiene algo, no sé qué, que me resulta agradable. Cuando la vi entera por primera vez, hace algo más de un lustro, vi con pena toda su última temporada porque se acababa y ahora que la estoy volviendo a ver me esta entreteniendo a pesar de que su 1º temporada tiene casi 20 años y la tele ha cambiado mucho desde entonces. Hoy una serie así no llegaría a la 7º temporada.

DS9 es una serie heterodoxa dentro de Star Trek pues no es una serie sobre la exploración. Es una serie sobre la diplomacia. Por eso la protagonista no es una nave espacial sino una estación espacial (DS9) sita en una encrucijada galáctica (sin duda concepto robado de Babilon 5). Posiblemente la era de la multilateralidad de principios de los 90 (la coalición de la Primera Guerra del Golfo) influyó en la elección del concepto novedoso que iba a ser el motor de la nueva serie de Star Trek que iba sustituir a una moribunda NG. Otra novedad fue que por primera vez (y única) se puso a un negro a cargo del tinglado. La serie se puso en marcha con casi todo en el aire. Salvo el mecánico O´Brien, que venía de la NG, los pjs eran unos pocos clichés prendidos con alfileres y no se tenía una trama que dirigiese el asunto. Sin embargo se decidió colocar junto a los federales a los bayorianos, un pueblo menos avanzado y más religioso que acababa de salir de una tiránica ocupación extranjera. Mediante el contraste entre una sociedad que lo tiene todo de modo que sólo cree en sí misma y una sociedad que ha sufrido mucho de tal modo que solo la religión le sostiene se pretendía dar vidilla a la serie.

Por qué les cuento todo esto? Pues porque la serie tiene muchos episodios malos. Así que he decidido escribir una especie de mensaje dentro de una botella por si alguna vez se me ocurre rerrevidear DS9. Por eso voy a comentar los, a mi juicio, mejores episodios de cada temporada así como los episodios que tienen que ver con la gran trama que se empezó a construir en la 2º temporada.

TEMPORADA I

Emisario I y II: Desgraciadamente no nos podemos saltar los 2 1º episodios a pesar de lo malos y tópicos que son pues lo fundamental de la serie se establece en ellos. Se encuentra el agujero de gusano que conecta dos sectores del universo superdistantes entre sí, los bayorianos encuentran en él a sus divinidades y estas eligen como su emisario al capitán de DS9, Sisko, por eso de estimular la fricción entre la atea, por su cienticismo, Federación y el religioso Bajor.

Prólogo pasado (3): de la calidad de este episodio habla el que ya no recuerde nada de él. Pero leo que salen en él Lursa y B´Etor, mis personajes favoritos de ST. Unas klingon superescotadas que son las tricksters malignas del UST.

Un hombre solitario (4): tampoco me acuerdo de este episodio pero el argumento de CF tiene un pase.

Babel (5): lo mismo que lo anterior.

Persecución (6): por fin llegamos a algo verdaderamente decente. Dentro de las limitaciones de ST lo que ofrece este episodio esta bien. Un choque cultural que produce un episodio interesante.

Pasajero (9): tampoco me acuerdo de este episodio pero el argumento de CF tiene un pase.

El Nagus (10): uno de los aciertos de DS9 es definir la civilización Ferengi, una parodia amable del capitalismo liberal. Todo esto comienza aquí. Lo malo es que es un episodio flojete.

Líneas de batalla (13): un episodio que podía haber sido decente si los estilemas del UST no estropeasen casi todo lo que tocan. Un episodio malo que sin embargo es relevante ya que el "papisa" bayoriana la palma aquí desatando en un futuro acontecimientos claves en la serie. Bueno, en el fondo mola porque elimina a la insufrible "papisa" de la serie.

Dúo (19): tras tragar mucha bazofia llegamos al otro episodio decente de esta temporada. Los episodios que enfrentan a los bayorianos con sus antiguos opresores, los cardasianos, son los más interesantes de toda la serie. Aquí tenemos el primero de ellos. Un intento de redención que si no fuese un poco chorra podría haber sido algo bueno.

En manos de los profetas (20): para terminar la temporada un episodio de intolerancia religiosa. Flojete pero al menos deja en mal lugar el fanatismo religioso. Lo señalo porque es importante ya que salen dos "obispos" bayorianos importantes para la serie. La disputa entre ellos para ser "papa" comienza aquí. Integrismo contra modernidad. No es mala idea pero como siempre en ST nunca se va al fondo de las grandes cuestiones.

TEMPORADA II

Reglas de adquisición (7/27): tras un arranque malo llegamos a un episodio decente. Una comedia de enredo divertida que, como siempre, podría haber estado mejor con algo más de ambición. Original pero no lo suficiente. Una pena porque los ferengi tienen mucho potencial cómico y A. Shimerman era el mejor actor de la serie. Primera mención del Dominio, el enemigo de la Federación en DS9.

Juego Armageddon (13/33): tras una larga espera aparece uno de los mejores episodios de toda la serie. Dentro de su mediocridad y previsibilidad es un argumento interesante y original.

Susurros (14/34): otro buen episodio. Intrigante con su toque poético.

Paraíso (15/35): un episodio decente a pesar de que se tuerce al final. De nuevo la lucha entre el fanatismo y la modernidad. Nunca se puede llegar a un compromiso con el fanatismo.

Moverse en las sombras (16/36): un episodio malísimo donde se nos revela el carácter tiránico del Dominio.

Juramento de sangre (19/39): a la caracterización de Dax se añaden en este episodio los klingon. La apuesta por la acción produce resultados lamentables como siempre en ST pero la entrega tiene su gracia. Es que los klingon son la civilización más carismática del UST y uno de ellos es el inolvidable Baltar de la Galáctica de D. Benedict.

Maquis I y II (20-1/40-1): un díptico decente porque se tuerce al final ya que iba bastante bien. Sirve para recordarnos que los cardasianos son también enemigos de la Federación. La cabezonería propia del colono federal contra la realpolitik. Si ST se tomase las cosas con rigor y seriedad los resultados serían mejores pero, como en Paraíso, se perdona la tozudez y la violencia. Lo mejor es la radiografía perfecta de la Federación que hace Sisko. Un buen retrato desde la serie de lo que es el UST. También nos vamos familiarizando con el Gul Dukat, un cardasiano muy importante para la serie.

El colaborador (24/44): una tontería como una casa que termina con la disputa entre los "obispos" bayorianos. Gana la integrista porque es un pj más interesante que el buenazo de turno. Si este hubiese ganado pocas tramas hubiera generado. El episodio es importante porque vamos conociendo a la nueva "papisa", una loca muy importante para la serie.

Jem´Hadar (26/46): un episodio flojete principalmente por su tono familiar que desgraciadamente es importante porque es el primer contacto con el Dominio, el Poder del otro lado del agujero de gusano.

Cómics en las estanterías now II

2011-12-21T23:18:00.002+01:00

Aunque no lo habéis pedido continuo revisando mi blog para encontrar críticas de cómics que se pueden comprar ahora. Qué Gollums que somos.

MAUS. Un hito de los cómics aunque en strictu sensu tampoco es que aporte nada nuevo ya que no es más que otra historia del Genocidio Judío en la que el relato de sufrimiento personal se sobrepone a cualquier otro planteamiento de tal modo que una biografía personal, una anécdota en términos históricos, coarta el ser algo más (si bien es absurdo pedir que un afectado sea quien vaya más allá de su tragedia particular). Así pues, nada nuevo salvo un grafismo caricaturesco y simple que permite abordar la historia con cierto distanciamento además de dotarla de cierta abstracción que quizás pretenda superar el anecdotismo de la historia o quizás sea un tono fabulístico en plan "Rebelión en la granja". En fin, si uno ya ha consumido un artefacto audiovisual o literario sobre este tema este cómic no le ofrece algo distinto o mejor ya que es un cómic histórico no por su contenido, sino porque hizo que muchos en EE.UU. dejasen de ver el cómic como algo juvenil estrictamente relacionado con los superhéroes y por dar un giro de timón triunfante al gafapastimo. Gracias a Maus, en vez de ser culterano y sofisticado como apuntaba en los 60, hoy es costumbrista, sencillo y autobiográfico.

NAM. La reedición por parte de Panini de esta colección marvelita, 20 años después de que se cerrase su edición en grapa como cole regular limitada (la serie iba tener tantos nº como meses tuvo la intervención estadounidense en Nam), ha sido la mayor sorpresa que me ha dado este mundillo después de que PDA dejase de publicar Marvel puesto que viendo lo poco que está de moda el género bélico, sobre todo en el Cómic, pensé que jamás se reeditaría. Yo tengo la primera edición de esta cole. Una edición insuperable pues forum, mediante artículos, correos y complementos, hizo que esta grapa sea mucho más que una grapa. Millones de extras que nunca van a ser superados y mucho menos por esta reedición de Panini que tiene los mínimos (glosario de jerga militar) porque son imprescindibles. La cole es bastante mediocre, pero muy interesante y hasta inleludible para el aficionado a la Historia Militar en general o al Conflicto de Vietnam en particular y los primeros 13 nº son modélicos gracias a un trabajo de M. Golden espectacular. Lo malo es que para conseguirlo Panini obliga a comprarse los 2 1º tomos pues cada uno incluye 10 nº (no obstante PDA los reeditó en un tomo, si no me equivoco, que aún se puede encontrar). Hubiera sido más conveniente, pero menos inteligente desde el punto de vista comercial, tomos de 12 nº pues al cubrir cada nº un mes cada tomo sería redondo. En el post tienen revisado todo el material publicado aquí así que se habla de lo que serán los presumibles 4 primeros tomos de modo que pueden valorar si meterse en la cole o no. Es un Lord_Pengallan primerizo pero retocado. En fin, alucinaré como llegue a poder terminar esta cole mediante una edición española. Es que ni lo soñaba.

CIUDAD ROTA. Una historia genérica de Batman que ya editó Norma y que ha reeditado recientemente PDA así que igual en poco tiempo ya no está disponible. No perdemos nada salvo los fans de Batman.

RUNAWAYS. Panini acomete la reedición de la mejor serie regular superheroica del siglo XXI si bien en pequeñito y en tomo. Nunca he hecho una revisión completa y he de hacerla pues por esta omisión no está en mis top cuando, como les digo, es la mejor serie mainstream, la etapa Vaughan, de lo que llevamos de siglo. Cosa que tiene mucho mérito pues es totalmente nueva. Una lectura fresca, divertida, dinámica, original y bien dibujada a la que no le perjudica la reducción (presumo) porque el dibujo es sencillo y no hay más de 4 viñetas en cada página. Si no se sigue publicando ni tiene tan buena prensa es porque un friki es un cerdo y a este no se le puede echar margaritas.

PERSÉPOLIS. Ahora circula en tomo. Es una lectura muy interesante y recomendable pues permite entender mejor al Irán moderno y ensancha un poco nuestras miras estrechas debido a nuestro tradicional etnocentrismo y al provincianismo de los periodistas. No defiende al Irán clerocrático pero sí da pistas de porque se comporta así y es tan hostil a EE.UU. En fin, buena lectura con un grafismo naïf que además nos hace entender mejor el mundo. Pocos cómics ahí así y menos que sean autobiográficos pero es que en este caso, a diferencia de Maus, la anécdota que es una vida transciende pues Satrapi sí mira más allá de su vida de tal modo que se convierte en otra portavoz de los ciudadanos occidentalizados de los países musulmanes.

Cómics en las estanterías now I

2011-12-16T06:46:00.000+01:00

Aquí se me ha acusado de que sólo critico cómics que ya no se pueden encontrar en las tiendas. Es cierto la mayoría de las veces, pero, entre que este blog tiene ya 6 años y la maravillosa política de reediciones que estamos viviendo, la cosa hay que matizarla. Para eso inicio una serie de post en las que voy a señalar los cómics posteados que se pueden encontrar ahora en una tienda o al menos están disponibles en la editorial.

CONAN: desde que terminé mi revisión de Conan el bárbaro PDA ha sacado 4 tomos más. Curiosamente sigue en el mismo post. Apretad en la etiqueta Conan para ver los anteriores. Lo malo es que la edición del material clásico no es buena del todo, el coloreado de Conan el bárbaro, al menos en sus inicios, es moderno y el papel no es el adecuado y vienen en un tomo tapa dura que sólo es aceptable cuando se trata de BWS (1º 4 tomos) y las 150 primeras portadas no se incluyen. Pero bueno esto es lo que pasa cuando se llega 30 años tarde. También inicié y terminé de revisar Conan rey y después PDA comenzó a reeditarla en tomos. De momento llevan 1. Tapa dura y tal pero al menos el interior es más respetuoso. Ese tomo comprende los 8 1º nº que son reseñados en este post. Finalmente PDA ha reeditado en tomos la cole Conan la leyenda. Tenéis en la etiqueta de Conan algunas de sus grapas reseñadas y en este post una revisión incompleta de la misma ya que no la hice entera. Todo, exceptuando lo de BWS y alguna perla aislada, es material mediocre o malo.

SANDMAN: desde que terminé su revisión, la enésima reedición de esta serie, esta vez por parte de PDA, ha sido bastante tormentosa y no amaina. Ahora al menos hay disponibles unos gruesos tomos que hacen que hacerse con la serie sea caro (pero claro no es lo mismo coleccionarla mensualmente durante años que hacérsela en un año) pero al menos la edición es homogénea. Esta cole es un hito pero tampoco es tan buena como se dice. Ha envejecido pero sigue siendo una colección de cuentos interesantes e imaginativos así que no era necesario tanta parafernarlia para reeditarlos. No es imprescindible tenerla entera. Basta con tener los tomos que contengan Fábulas y reflejos, Estación de tinieblas y Casa de muñecas. Aunque está desordenada en la etiqueta Sandman tienen la revisión completa, pero tengan cuidado que es un Lord Pengallan muy novato.

CAMELOT 3000: cuando la critiqué una reedición de esta maxiserie era improbable, hoy deseamos que esto hubiera sido así porque lo que salió fue un absurdo absolute. Lo bueno es que quizás lo salden, lo malo es que no se puede meter en casa. Una mixiserie mediocre, pero es singular y está dibujada por Bolland así que tiene un pase si uno es artúrico acérrimo o fan del dibujante británico. Cuidado con el post que es Lord_Pengallan del 2006.

JLA DE MORRISON: una etapa que va de más a menos pero interesante y entretenida escrita por el Morrison más legible posible y una de las primeras piezas de la macrohistoria que está haciendo el escocés en el UDC mientras esquiva al Didio y políticas editoriales alucinadas. Merece la pena pero desgracidamente está disponible en un tochal impracticable con una traducción peculiar porque los argentinos no saben decir follar o en tomos destraducidos. Sí, es terrible pero una de las mejores etapas del mainstream aún no tiene una edición española aceptable y eso que vamos por el 3º intento. ECC es tu oportunidad de lucirte!! La tienen revisada en los primeros post de la etiqueta JLA. Este es su cenit. Miren al cruzar que es un Lord_Pengallan primerizo.

BLANKETS: un hito gafapástico. Así que sólo es apto para aquellos que gusten de leer historias constumbritas y anecdóticas en las que sus protas se ahogan en vasos de agua. Quizás lo más singular de este cómic es que está muy bien dibujado. Lo bueno es que es un tocho caro e incómodo de leer así que no pasa nada por no poder acceder fácilmente.

Próxima semana más. Sí, es terrible todos son tomos caros y en muchos casos aberrantes o incómodos de leer. No hay nada como una primera edición. Sobre todo cuando es de los tiempos en que se consideraba al cómic como algo popular y esto se asociaba con barato. El geto es lo que tiene, exclusivo pero jodío.

Critiquita 334: Miedo encarnado nº 1, M. Fraction y S. Immonen, Marvel-Panini 2011

2011-12-14T19:45:00.003+01:00

Normalmente yo siempre he vivido alejado de los megacrossovers por la simple razón de que siempre me han hecho más tilín las coles secundarias. En el siglo XXI he seguido igual pero esta vez Marvel me ha cazado. Todo un ejemplo de lo que han cambiado los tiempos. Pasé de Casa de M porque eran mutis y pasé de Civil War porque no me cabía en la cabeza ese concepto aplicado a los superhéroes (a día de hoy es el único de los megacrossover de la Era Quesada que no he leído), pero me hice con la tontería de Invasión porque me regalaron el 1º nº (que me gustó lo malo es que la serie degenera tan rápido que cuando lo notas ya no vas dejarla para lo que queda) y me hice con Asedio porque Thor es la cole que me introdujo en los superhéroes y ese megacrossover (pero menos que los anteriores) le daba de lleno. La razón porque voy hacer Miedo encarnado es por llevarme una grapa a la boca, porque toca a Thor y por el dibujo. Si la hubiesen dibujado mediocres como McNiven o Yu posiblemente la hubiera dejado.

Este número no está mal. Es entrenido y bonito. De hecho es el mejor nº 1 de todos los nº 1 de los megacrossover porque no parte de una idea chorra difícil de asumir. Es muy clasicote. Una premisa fantasiosa de las de toda la vida. Un ejemplo, sale la fortaleza nazi de la Antártida. Por qué no dejamos estos clichés ya mismo? Dentro de poco hará 80 años que los nazis tomaron el poder en Alemania y el género superheroico es juvenil y moderno. Puro Hellboy que revela que Fraction nunca se quedará calvo. Así pues estamos, de momento, en una historia que podría haberse leído en los 80 en la que Fraction está correcto aunque se pasa con sus referencias a la actualidad y le pierden las grandes frases. Ese Los dioses nos han abandonado Spiderman con que termina la grapa es tan impactante como estúpido. Los asgardianos no son los únicos dioses de Marvel (y si la ciencia humana los puede clonar yo digo que ni siquiera son tales) y, además, no son los seres más poderosos del UM. Así pues el cómic no está mal, en parte porque es una grapa doble, pero no lo suficiente como para estar exento de peros. Así, tiene uno grande: los asgardianos no son como vienen siendo, ni siquiera en la cole de Thor de Fraction, con lo que el tema chirría bastante, si bien sólo para aquellos que lean Thor desde hace años. De todos modos hay que reconocer que es difícil escapar (más cuando Fraction no quiere) de la premisa estúpida de Straczinsky de humanizar a los dioses (miren como le ha ido con Superman). Para que luego digan que en la Era Quesada no se respeta la continuidad. Qué se pase Mefisto por Thor. Otro pero, esta vez editorial, es que Panini no informa de cual es la extensión de este evento. Son 7 nº?

Así, Miedo encarnado traspasa la frontera de lo decente única y exclusivamente por el bonito trabajo que hace Immonen con un estilo que recuerda al de Coipel (el mejor dibujante de Marvel hoy por hoy). Su dibujo sencillo pero elegante y atractivo y su narrativa clara, dinámica y fluida bastante clásica (la media de viñetas por página es superior a 4!!), hacen que sea una grapa muy agradable de leer y un festín visual. Cuando las cosas se hacen bien y no se intenta inventar la rueda todo funciona bien. De este modo Immonen, un dibujante con un talento y una capacidad superior a muchos dibujantes populares pero con el ego de un engranaje, se revindica a sí mismo y a una forma de entender el oficio consiguiendo con ello codearse con Coipel por encima de todos los demás. Hay que armonizar la personalidad de artista con la historia y el público porque estamos en un producto pop. El único pero que se le puede poner es que sus dragones son más chinos que nórdicos.

En fin, Miedo encarnado es una historia clasicota que no tiene pinta de que vaya a ser legendaria (pero qué megacrossover lo es?) pero que cumple su función, entretiene e interesa, y tiene el plus de contar con el dibujo modesto, en el sentido de que no busca llamar la atención, pero espectacular de Immonen gracias al cual esta grapa está visualmente a años luz de la media gráfica de Marvel (que es superior a la de DC). Por tanto, es la mejor grapa Marvel del momento.

Mito del Eterno Retorno: La Guerra del Caos. Los muertos vivientes.

2011-12-07T19:20:00.001+01:00

El 2º tomo del evento La Guerra del Caos lleva el subtítulo los muertos vivientes. Un subtítulo puramente comercial pues no tiene nada que ver con el interior ya que no va de zombis. Una mala práctica empresarial que en un mundo tan pequeño como este todavía es más deleznable. Así que quedémonos con el título de la intro firmada por Clemente, breve, sencilla y superficial como siempre, Vida, muerte y resurrección en el Universo Marvel. Ese sí es pertinente porque en este tomo no salen zombis, ni siendo lo más laxos posible en la definición de esta criatura, sino resucitados.

El Mito del Eterno Retorno es el reconocimiento de nuestros antepasados de la naturaleza cíclica de la Vida-Tierra. Para ellos eso era más importante que la linealidad y por eso medían el tiempo en ciclos. Nosotros, por el cristianismo y el racionalismo, hemos puesto la linealidad por encima del ciclo a pesar de que nuestra vida sigue llena de ellos: años, cumpleaños, partidos del siglo, fiestas, salones, nº 1, reloquesea... Todo a nuestro alrededor sigue como en la Antigüedad, muriendo para inmediatamente empezar a renacer, pero estamos emperrados con la linealidad. Ese es uno de los grandes problemas que el mainstream ha de resolver ahora que ha llegado a la madurez. La indefinición de la continuidad, que es como se conoce a la linealidad en el género, es hoy motivo de polémica porque como siempre los frikis toman posiciones radicales. O hay que coronarla o hay que matarla. Está claro que hay que compatibilizarla con lo cíclico tal y como hicieron los antiguos. A ellos no se les escapaba la linealidad de la vida humana pero prefirieron concentrarse en lo positivo, la inagotable capacidad de la Naturaleza para renovarse a sí misma. En resumen, creo que en el mainstream debemos empezar a aceptar El Mito del Eterno Retorno porque es inevitable tanto cuando se habla de héroes y como cuando se es comercial, pero sin entender que eso anula a la continuidad. Ambos son compatibles, no mutuamente excluyentes. Hay que complacerse con la evolución de la linealidad pero también celebrar la renovación de la "Vida". En ese sentido este tomo es un paso en la asunción de El Mito del Eterno Retorno como algo válido, orgánico y positivo y no como una trampa sacacueartos que enloda lo anterior. Lo malo es que es un paso bastante inconsciente de modo que carece de la seriedad y la profundidad que precisa esta tarea, convertir a los lineales y alineales al ciclo o mitificar el género.

La Guerra del Caos es un mediocre evento a cargo de F. Van Lente que, a pesar de su modestia editorial, es el enésimo conflicto en que el Universo corre el peligro de desaparecer. Un evento mítico que ha resultado malo porque Van Lente juega a ser Morrison o Moore cuando no es más que un escritor mediocre sin mucha cultura. Así La Guerra del Caos ha resultado ser un evento rutinario y vulgar a pesar de que su pureza mítica le posibilitaba para llegar lejos. De todos modos hay que reconocer que uno no se puede poner mítico cuando se es dibujado por K. Pham, hierático, soso y inespresivo como el solo. En fin, que esto de La Guerra del Caos rompe las reglas del Universo de modo que los muertos resucitan. De ver eso se encarga este tomo, pues reúne las 3 historias, un tríptico, un one shot y un díptico, que Marvel ha sacado para sondear la aceptación que tienen entre el personal pjs que duermen el sueño de los justos pero que antaño dieron dinero a la empresa no vaya a ser que se esté perdiendo dinero tontamente. Por eso estas historias tienen el final abierto.

Vengadores muertos, F. Van Lente y T. Grummet. Es la mejor de las 3 historias y lo mejor que el evento ha dado. Casi es capaz de justificar todo el tomo ella solita. La miniserie tiene un sabor clásico muy fuerte. No es la sencillez y funcionalidad del dibujo y el coloreado lo único que evoca el pasado, sino que está protagonizada por pjs que son muy familiares a los viejos pero que ningún lector posBendis conoce (quitando Marvel y, quizás, La Visión y El Segador), la historia es heroica y está narrada de forma clásica, sencilla, directa y agónica. Los Vengadores muertos, El Espadachín, Chaqueta Amarilla femenina, Capitán Marvel, Druida, Grito de Muerte (Mortal para el traductor de Panini, evidentemente un tipo posBendis) y La Visión, resucitan en medio del Caos. Esto sirve a Van Lente, lo suficientemente listo como para percibir las esencias, pero lo suficientemente torpe para no saber qué hacer con ellas (el mejor ejemplo es que sólo es capaz de apuntar el efecto que tiene en La Visión el haber resucitado a pesar de ser sintético), para loar a los superhéroes pues les pone rápidamente a salvar a los débiles renunciando así a la reflexión y al descanso y poniendo en peligro el don que acaban de recibir. En ese sentido Van Lente captura perfectamente el carácter sacrificado y sufriente del Héroe. Sólo existe para servir y proteger de modo que ha de renunciar a su yo pero sin dejar de ser activo.

Alpha Flight, J. McCann y R. Brown. Esta grapa singular entomada es muy parecida a la anterior pues su sabor clásico también es muy fuerte. La mala suerte es que es bastante floja. El guión, que resalta la integridad del Héroe, es demasiado tontorrón y el dibujo es tosco. En la miniserie anterior los vengatas resucitan por el Caos, en esta los canadienses resucitan porque Las Grandes Bestias así lo quieren. Por ello renuncian al don ya que no quieren tener nada que ver con el Mal. Así, representan al héroe moral típico de la ficción cristiana que poco a poco el mainstream ha ido expulsando.

X-Men, C. Claremont, L. Simonson y D. Braithwaite. Se parece más a la primera en cuanto que resalta el sacrificio y el altruísmo del héroe pero su aspecto es más moderno y su guión, evidente en cuanto lees quienes son sus autores, es más introspectivo y dramático. Si Van Lente prima la acción y se limita a bosquejar el interior de los protas, Claremont y la Simonson lo llenan todo de reflexiones trágicas. La razón es que hablan, más que de heroísmo, de redención y segundas oportunidades de modo que, al convertir la historia en una cuestión egoísta, personal, rebajan el heroísmo. Es cierto que las tribulaciones del Héroe son la alegoría de las nuestras, en ese sentido el mito heroico tiene un componente individualista, pero lo que le ha hecho cíclico es precisamente que se sacrifica por los demás. Por eso los autores de este díptico no debieron anular esa característica al ponerles casi siempre ensimismados. Quizás por eso su actuación es más global que la de los otros superhéroes resucitados.

En fin, el tomete este es mediocre, a pesar de que tiene el valor de revindicar el carácter heroico del superhéroe, porque renuncia a hacer metacómic. La historia era inmejorable para reflexionar sobre el héroe superheroico, sobre las convenciones en que se asienta, continuidad, resurrecciones, etc. pero de nuevo lo pop lo sepulta todo. La Guerra del Caos podía haber sido la Crisis Final de Marvel pero es que esta editorial ahora sólo se preocupa por lo fatuo y superficial. Así, este tomo sólo es disfrutable si se lee desde la distancia, es decir, fingiendo que tiene un componente metasuperheroico. De todos modos quizás lo que pasa es que no lo he entendido bien. Quizás el mensaje del tomo es que el heroísmo ha muerto (por ahora) en el mainstream. Que por eso sólo los superhéroes de antaño son íntegros y sacrificados. Los autores lo niegan y por eso algunos de los resucitados no vuelven a su descanso, pero parece que el público, el relativo fracaso, pero no por ello indoloro, de Alpha Flight lo demuestra, más joven, no opina lo mismo. Viven en un mundo amoral y ensimismado y eso es lo que quieren ver en los cómics. La Edad Heroica es simplemente un desesperado e hipócrita intento de que los viejos del lugar sigamos al pie del cañón

6 años nos contemplan

2011-11-23T16:55:00.001+01:00

Pues eso. Sexto aniversario. Y no sé que decir ya que no haya dicho en anteriores aniversarios. Aquí sigo porque el blog se ha convertido en un espacio de reflexión y recuerdo para mi. Una especie de catálogo crítico de mi comicoteca. Una forma de exteriorizar todo eso que no cabe en mi cabeza debido a la cantidad de información que supone tantas lecturas y relecturas. Un lugar del que me siento orgulloso por su contenido que me ha ayudado a mejorar mi escritura así como mi capacidad de síntesis y análisis y mi conocimiento del Cómic.

Esa satisfacción que siento se refleja en que este año se ha detenido la caída inexorable de post. Un dato que hay que valorar teniendo en cuenta la radical bajada de novedades que se ha producido este año. A estas alturas podría haber escrito un puñado más de post pero es que no ha sido posible porque no ha habido suficientes obras que me motivasen a escribir. Así, si en el 2010 hize 58 post este año es muy posible que haga uno o dos más, voy por 54. Otra forma de verlo demuestra los mismos resultados. Este 6º año (de 23/11 a 23/11) he escrito 61 post contando este, el anterior 60.

Ahora cuento con estadísticas de Blogger. Estas me dicen que no he llegado aún a las 100000 visitas pero teniendo en cuenta que estas solo cubren 2 años y medio y estoy en el 6º creo que rondaré las 250000. Recibo cada día entre 100 y 200 visitas y cada mes entre 4000 y 6000. Llevo 685 post. Los más visitados son el dedicado al cómic La Pitufina, lo cual me frustra porque ni es mi mejor post ni es el mejor cómic posteado, el primero que hice sobre La Naranja Mecánica, lo cual también me frustra pues tengo otro posterior del mismo tema que es mejor, y el dedicado al intervalo 152-69 de Conan el bárbaro, algo que no comprendo pues es uno de los momentos más malos y desconocidos de esa cole.

Veremos que pasa el año que viene que no tiene precedentes por la crisis y por la mayor competencia. Habrá menos novedades? Cómo digerirá el mercado la irrupción de ECC? Una editorial que para mi es el disfraz de PDA. No tengo ni idea, vamos, que yo no soy un enterao, pero una cosa tan rara no tiene sentido de otro modo. El comunicado de PDA de los 6 años (que en ningún caso se puede interpretar que añadía 1 más a los 5) y que DC se interesase por una editorial que no existe de un país que debe vender menos que nada de sus productos (si bien muy marvelita) no puede tener otra explicación. PDA viendo que las cosas no le salen nada rentables, que DC ahoga su capacidad de maniobra y la ola de cambios que se avecina (más que en la ficción en la forma de publicar) ha buscado un testaferro (alguien con el que tenía una relación de confianza) que navegue en la tormenta para luego coger sus frutos. Porque, quién podrá pujar más por los derechos de DC en un futuro cercano, ECC o PDA? En fin, sea como sea el mercado está más abierto y competitivo que nunca. Que uno de los universos de ficción del Cómic esté en una editorial que no sea grande (aunque está por ver si PDA quiere seguir siendo grande) abre muchas posibilidades. Lo que no voy a decir es esa tontería de que vamos a salir beneficiados los lectores pues eso ya está demostrado que no es así. Los precios no bajan y el aumento de novedades lo único que hace es provocar una selección feroz que al final se traduce en menos novedades o en novedades menos variadas (mucho Spiderman, mucho Batman y nada de los demás por ejemplo) y que muchos títulos se ahoguen desapareciendo de las tiendas en cuanto dejan de ser novedad reciente de modo que cuando por fin puedes comprarlo es casi imposible hacerlo, al menos ipso facto. Por otro lado, lo que ha traído la normalización son los tomos y las ediciones de lujo así que no hay mucho motivo para celebrarla. Que el Cómic haya entrado en las tiendas generalistas (las cuales, por su volumen de ventas, han acabado imponiéndose a las especializadas, la democracia ahoga la excelencia y la singularidad) no ha sido del todo bueno.

En fin, ya veremos y espero que sea así. Es decir, en primera persona del plural. Porque no me olvido de vosotros, lectores. Os agradezco vuestro seguimiento y fidelidad, en especial a Fer de Miscomis porque es el que más comenta, porque es el comentarista más longevo y porque su blog es una de mis principales fuentes de visitas. Ojalá hubiese más blogueros como él llenos de serenidad, ecuanimidad y conocimiento. Él demuestra que se puede ser friki sin ser un idiota fanático. La normalización no pasa por hacer payasadas en la calle sino en mostrarse como un adulto. Bueno, que eso, muchas gracias por la atención que me prestan porque alegra y motiva. Sin ella no habría llegado tan lejos. Muchas gracias.

Qué presente impresentable!, Quino, Lumen 2005

2011-11-17T22:16:00.001+01:00

Critiquita 332: Inhumanos nº 1-12, P. Jenkins y J. Lee, forum 1999-2000

2011-11-10T21:39:00.001+01:00

Los inhumanos son algunos de mis pjs favoritos de Marvel. Procuro, por ello, pillar todo lo significativo para ellos que sale. Esta maxiserie se me pasó en su momento así que desde entonces he estado tras ella. Cuando ya me resignaba a tenerla en tomo y pequeñita tuve la enorme suerte, pues me la encontré de casualidad, de hallarla. Un alegrón. Lo malo es que la maxiserie me ha parecido un gran hype. Si bien, mala no es.

Esta maxiserie sobre los inhumanos se sitúa en un momento en que Marvel quería ser rompedora y modernísima. Así que lo que se buscaba con ella era renovar unos pjs secundarios que estaban envejeciendo. Lo curioso del caso es que la historia de Jenkins es muy clásica, aunque la cuenta de forma moderna, de modo que toda la novedad reside en el dibujo. Un trabajo flojete de J. Lee que, sin embargo, alumbró unos buenos rediseños, de los pocos de su clase que siguen vigentes, a pesar de que a un tipo serio y conservador como Karnak no le pega nada llevar tatus.

El trabajo de Jenkins es competente y ya. Su argumento no es original y lo estira malamente, no sabe como llenar con él 12 grapas, de modo que el desarrollo es muy irregular. Destaca escribiendo. Así, cada grapa, es una agradable lectura, cuya extensión es más propia del pasado, de modo que compensa la lentitud y las excesivas digresiones de la narración. El problema es que Jenkins nunca llega a creerse a los pjs y su entorno de modo que mantiene las distancias y los parodia con lo que torpedea su historia. Esta no es cómica sino dramática. Por qué esta maxiserie tiene buena prensa? Pues porque es una grata lectura, es una historia pelín más compleja de lo que es habitual en el mainstream, es diferente por su acento en el drama y la escasa acción que hay en ella, en su momento parecía adulta y, como nadie relee, no se ha revisado una opinión que tiene ya una década. De todos formas hay que reconocer a esta obra su visión pues anticipa el estilo que está de moda hoy. Ese dibujo oscuro y serio y esa historia lenta y poco superheroica entonces era algo diferente pero hoy es el pan de cada día.

El trabajo de J. Lee es muy pobre. Es excesivamente dependiente de la referencia fotográfica, pasa de hacer fondos, si bien es de los que mejor lo disimula, y es un narrador limitado. No obstante encaja con el tono de la historia de Jenkins. Una historia un tanto oscura y compleja donde lo importante son las expresiones de los pjs y no sus movimientos. Así, aunque J. Lee acaba por aburrir por ser limitado, lo cual perjudica al guión de Jenkins, hay que reconocer que es un dibujante apropiado para el trabajo. Su estilo singular es adecuado para dibujar pjs raros como los inhumanos y su tenebrismo no casa mal con una historia sobre como el poder nos convierte en marionetas sin que lo sepamos.

En resumen, esta historia de los inhumanos va de más o menos (tanto en guión como en dibujo) y no es nada del otro mundo pero es agradable de leer y es diferente. Eso normalmente es suficiente pero aquí sabe a poco pues los autores desaprovechan la oportunidad de, pudiendo hacer cualquier cosa con pjs bastante impolutos, hacer algo significativo. Jenkins finalmente no aporta nada nuevo a los inhumanos y J. Lee pudiendo asociar su estilo a los inhumanos hace un trabajo pobre de modo que insuficiente para plasmar la heroicidad trágica de estos pjs.

4+1: Meek´s cutoff, Arqueología Experimental

2011-11-04T02:30:00.000+01:00

La otra peli que vi en el 4+1 fue Meek´s cutoff (el atajo de Meek) del 2010. La ponían bien y su originalidad, intenciones y rigor histórico la hacían prometedora. Al final no resultó la cosa tan bien pero es interesante y diferente.

No es un Western

Los críticos de cine la presentan como un Western pero en realidad sólo lo es desde una mirada ignorante. El Oeste empieza en 1866. Cuando EE.UU. ha terminado su guerra civil. Es decir, cuando por fin puede centrarse en colonizar el Oeste, principalmente las tierras del interior, pues ya ha resuelto tanto su identidad como su forma de gobierno y, por tanto, puede mirar al futuro. Esta peli en cambio se sitúa en 1845. Una época tan diferente del Western que por no tener no tiene ni revólveres ni Winchester 73. Trata de un viaje de colonización a través de un territorio indio desértico, pero al ocuparse de un período preWestern Meek´s cutoff no tiene ninguno de los tropos del cine del Oeste. No hay conflicto entre ganaderos y campesinos, entre progreso y tradición, entre libertad absoluta y orden social, entre blancos e indios, entre Bien y Mal. Tampoco cuenta una historia ambientada en un pasado idealizado y autocomplaciente protagonizada por un pistolero. Hay desierto pero es el de Oregón, hay indios pero no son apaches, comanches o sioux, hay armas pero no hay violencia, hay una mirada al pasado pero no es sesgada y etnocéntrica. El Western (sin matices como crepuscular o espagueti) ante todo es una narrativa interesada donde los vencedores escriben la Historia, es decir, remodela el pasado tanto para adornarlo como para justificar el presente, mientras que Meek´s cutoff usa el pasado tal y como fue para referirse al presente.

Arqueología Experimental

A pesar de ser estadounidense y hablar sobre el presente esta película es arqueología experimental pues no sólo recrea un hecho histórico sino reconstruye el pasado para ver como funcionaba. Así, todo lo que sale en el metraje, hasta el lenguaje, no es una recreación es una reproducción de lo que se usaba en 1845. De este modo Meek´s cutoff tiene el gran valor de ser una máquina del Tiempo. Por tanto no es la típica peli estadounidense donde los actores interpretan pjs contemporáneos al año de producción de la misma pero disfrazados de romanos. Es así porque para sus autores los estadounidenes blancos apenas han cambiado. La Biblia es omnipresente (los colonos buscan guía en ese libro pero la personalidad favorita de Bush jr. era Jesús, EE.UU. combate al Eje del Mal y muchos apoyaron la Guerra de Irak porque ese país alberga a Babilonia), su etnocentrismo y codicia les meten en problemas cuando se mueven por territorios que desconocen (el Oeste o Irak) y tratan con culturas extrañas (la de los indios de Norteamérica o la musulmana) y es una sociedad mesianista, es decir, siempre está buscando un mesías para que le saque del desierto y le lleve a la tierra prometida (Meek o Obama). Lo único que ha cambiado, y por eso es el aspecto histórico subrayado, es el machismo. La peli se centra en los pjs femeninos, no en vano la directora es mujer. Esta es otra característica que hace que Meek´s cutoff no sea un Western. Este género (con o sin matices) es machista. Pero sin falsear su condición relegada ni centrarse en una mujer que, por excepcional, no sirve como ejemplo. En el fondo filmar como a las mujeres nunca se las tenía en cuenta, hacer patente esa distancia entre hombres y mujeres, no es más que otra forma de mostrar la distancia entre indios y blancos, de evidenciar los límites de una mentalidad egoísta e incapaz de comprender y valorar al otro. Por eso K. Reichardt optó por filmar en 4:3. La verticalidad de ese formato es una metáfora de la estrechez de miras de los blancos al igual que la de las mujeres de aquella época, sus cofias eran una especie de anteojeras pues las impedían la visión periférica, de modo que también la verticalidad es metáfora de la condición de animal doméstico (no sólo hogareño sino también instrumental y servil) de la mujer occidental premoderna. Así pues, no sólo es una forma de contrarrestar la horizontalidad del desierto y disimular la sobriedad de la producción.

Mesianismo

Hasta aquí Meek´s cutoff es interesante, singular y emocionante pero al supeditar la reacreación de una caravana perdida en un territorio desconocido y desértico (algo posible pues se han conservado los diarios de algunos de sus integrantes) incapaz de salir de su aprieto por su etnocentrismo (el desprecio a los indios por conceptuarles como malvados salvajes paganos) a la creación de una alegoría del presente (la peli se rodó durante la campaña electoral del 2008), la hacen aburrida porque no hay pjs ni historia. La intencionalidad de los autores de comparar a los colonos con los estadounidenes actuales fagocita el relato sin necesidad pues la Historia no es anarrativa. Así, no hacia falta convertir la peli en una árida alegoría para resaltar como ambos cegados por su deseo por una nueva vida confiaron para llevarlos a través del desierto a la tierra prometida los unos en Meek, a pesar de su total ignorancia tanto del terreno como de las tribus indias que lo habitaban, y los otros en Bush jr., otro cowboy ignorante y arrogante pero carismático como Meek o Reagan. Por otro lado un tema tanto universal, pues filma el borregismo propio de las sociedades humanas el cual es más acusado, por razones obvias, en las cristianas, como pertinente, el drama de la crisis no debe cegarnos a la hora de escoger mesías. Por esta razón esta peli no tiene final para decepción del gran público. Es así porque Meek´s cutoff no puede terminar porque no es un relato, no puede resolver el problema que origina la narración, el mesianismo ciego o lemingnismo de los estadounidenses en particular y los humanos en general. La peli solo puede denunciarlo y apuntar que la solución pasa por abrir miras y responsabilizarnos de nuestro propio destino. Por eso no nos dice si los pjs al final siguen al indio (del mismo que no podían saber quien resultaría elegido como nuevo presidente de EE.UU.). Esa respuesta la tenemos que dar nosotros.

4+1: Outrage, T. Kitano vuelve a los yakuzas

2011-11-02T01:23:00.000+01:00

La semana pasada se cocelebró en Madrid el festival 4+1. Este se distingue por celebrarse simultáneamente, todo lo que permite Greenwich, en diferentes ciudades, en este caso en Buenos Aires, Bogotá, Ciudad de México, Madrid y Río de Janeiro, así como en Internet. Lo que echó fueron pelis que no se han estrenado comercialmente en esos países. Una gran idea.

Sorprende encontrar al insigne T. Kitano en este festival pues es un director que, aunque minoritario, siempre se le ha estrenado en España. La único explicación que encuentro es que su reciente ciclo gafapástico le ha convertido en maldito para los distribuidores de modo que, a pesar de que T. Kitano ha vuelto hacer lo que mejor se le da, por lo que tiene seguidores como yo, estos han dejado de respaldarle. Cosas que pasan. Se estrena a T. Kitano hasta que justo vuelve a hacer cine más comercial. Una pena porque los que vemos este tipo de cine no somos tan efímeros como el gran público.

En fin, Outrage (2010), ultraje, es el reencuentro de T. Kitano con los yakuzas. Pero las cosas no son como antes. La pasada década no ha transcurrido en vano. El acercamiento de T. Kitano es más genérico, más convencional. Ha dejado de lado esa mirada que enrarecía una historia de mafiosos hasta convertirla en algo absurdo. Su pj sigue igual salvo porque se le empiezan a notar los años. Sigue siendo ese tipo inexpresivo, solitario y aislado que parece estar ya muy lejos. Un tipo que parece un marciano entre yakuzas salvo cuando se cabrea. Pero aquí ya no es un loco. Sigue habiendo humor porque sus pelis siguen siendo violentas y trágicas pero ya no es absurdo sino exagerado, caricaturesco, burlesco. El resultado es una peli de mafiosos al uso. Su esqueleto es muy parecido a "El Padrino", en mi opinión. Outrage cuenta la competencia entre 2 familias por un territorio y termina con un paroxístico final donde se ajustan todas las cuentas que se han ido acumulando durante el metraje de modo que caen casi todos los protas de la peli. Un final orgásmico que por ser de T. Kitano y japonesa está exento del tratamiento operístico que es la marca de F. F. Coppola.

Pero la gran diferencia no reside en la sobriedad de T. Kitano frente a la opulencia del director estadounidense de raíces italianas sino en la aspereza y soledad de Outrage. Estas características vienen por la ausencia del maniqueísmo y happy end propios de Hollywood y porque la familia no sale por ningún sitio a pesar de que los yakuzas son similares a los mafiosos, patriarcales, familiares, machistas, violentos y conservadores, por eso visten como occidentales hasta el extremo de seguir la moda hortera del Pacífico (camisetas hawainas y look setentero). Otra diferencia, pero esta es cultural y no por una decisión autoral, es que los yakuzas son un mundo cerrado. La poli japonesa no pacta con los yakuzas como hace la yanki y los yakuzas no tratan de disfrazarse de cordero. No buscan respetabilidad a través de negocios legales, relacionarse con políticos y jueces o cultivar a la jet set. En definitiva, no buscan pasar por normales (salvo la pretensión de los jefazos por ir de blanco), de ahí que mantengan la tradición de sus aparatosos e inconfundibles tatus. La última característica que distingue la mafia de F. F. Coppola de la de T. Kitano es que esta es opresiva. La cantidad de reglas y protocolos y la lealtad es asfixiante y margina, no es una señal de orden y de principios (si bien la yakuza, al igual que los Corleone, ven mal el narcotráfico). Así, en Outrage la jerarquía y la sumisión propias de Oriente se revelan como desquiciantes y explosivas pues el patriarca de su casa no es más que un humilde vasallo en la casa de su jefe. Así, este paso de la omnipotencia a la sumisión en segundos sólo engendra rencor y deslealtad. Estas cosas son las que dan singularidad a Outrage incluso dentro de las pelis sobre yakuzas de T. Kitano pues esta, como ya he señalado, los mira de forma más realista.
El resultado es una peli muy competente y accesible de modo que es capaz de gustar a cualquier espectador, especialmente a los aficionados al cine mafioso. No es necesario ser gafapasta para disfrutar con Outrage. Aunque para ser de T. Kitano decepciona por ser normal ya que si se le despoja del absurdo (la parte central, lo de la embajada de Ghana, lo mejor con diferencia de toda la peli), no es más que un producto convencional de buena factura, algo corto de dinero, muy sobrio y sosegado, lo que solventa T. Kitano como siempre, con escenas violentas que renuevan el ritmo, muy machista (no hay ningún pj femenino y las mujeres que salen son jóvenes y guapas y sólo se ríen) y con un final bastante desconcertante por inesperado pues no queda claro si ganan los malos o los buenos. Los pjs con los que se identifica el espectador pierden pero la araña que juega con las vidas de todos por lucro también cae. Un nuevo orden comienza pero, será mejor? En el fondo T. Kitano nos dice que no importa. Son yakuzas. No son buenos y su vida es breve y brutal. No hay finales felices en el mundo del hampa. Así queda claro que Outrage es una peli de yakuzas de T. Kitano a pesar de ser diferente pues, como las otras, desmitifica el mundo de la mafia. Sólo que en esta peli la ausencia de esa mirada absurda hace que sea más áspera que las otras.

Apuntes sobre la etapa Hickman de los Cuatro Fantásticos parte II

2011-10-27T03:14:00.000+02:00

Continuo donde lo dejé...

Edwards al aparato (nº 38, 40 y 41 Es/579, 582 EE.UU.)

Estas grapas las agrupo no por ser una historia sino por estar dibujadas por el negado de Edwards. Un clon defectuoso de Hitch al que dibujar esta cole le queda demasiado grande. Dibujo tosco, pobre y vulgar. El nº 40 Es no lo incluyo porque es el anual 32. Curiosamente la mejor grapa de la cole desde que Hickman se hizo con ella. J. Ahearne como guionista y B. Hitch (a medio gas) como dibujante. Una historia protagonizada por Johnny de estructura clásica pero con alma moderna. Sencilla pero original y atrevida. El nº 38, La Fundación del Futuro, creo que establece el inicio del nudo de la gran historia de Hickman pues en ella Reed crea la organización que da título a la grapa, la cual será el título de la serie después de la desaparición en combate de Johnny, justo lo que va a publicar Panini a partir de noviembre del 2011. El sr. Richards desanimado porque sus colegas científicos están presa del miedo y del desánimo se divorcia de ellos y crea la FF para que le ayuden a que la humanidad conquiste el Espacio. Un aula cuya edad media deben de ser 10 años de modo que la genialidad se combina con la multiculturalidad, la ingenuidad, la audacia y la originalidad. Sus miembros son Reed como tutor y como alumnos el Hombre Dragón mejorado por Val, Alex (el mayor de los Power Pack, el único con edad para conducir), los niños topoide rescatados por los Cuatro Fantásticos de la ciudad del Alto Evolucionador, unos niños uhari (los críos del rey?) de Antigua Atlantis (de modo que en la FF están presentes miembros de 2 de las 4 ciudades), Artie, el clon infantil de El Mago y Val. En esta grapa también nos enteramos de que el radio del eje curvo que une la ciudad eterna (no sé cual es esta en el UM), Antigua Atlantis y la ciudad de los inhumanos equivale a la frecuencia que abre un portal a la Zona Negativa. Parece pues que la ciudad eterna es la del Alto Evolucionador. Si fuese así tendríamos otro vínculo entre las 4 ciudades. Además hay una conversación entre El Mago y Reed que nos confirma el futuro nefasto e inevitable que espera a la Tierra marvelita, todo arderá (alusión a la ZN, la 4º ciudad que esta en una guerra y vinculada a La Antorcha Humana?). La grapa 40 es aburrida y tonta y me atrevo a escribir que no aporta nada a la gran historia. Así, llegamos a la última grapa. Una doble según decisión de Panini (técnica Viturtia, en cuanto puedo cuelo una grapa más voluminosa para hacer más caja). Esta bigrapa tiene pinta de ser una de las más importantes. Se inicia con 3 flashforwards de los cuales 2 son avances del siguiente hito, Tres, y de la última, referente a Doom, aún no se sabe en España (vivimos con 9 meses de retraso respecto a EE.UU.). Esta bigrapa, continuación directa de la nº 33, nos muestra a Franklin y Val adultos en el final del Tiempo intentando arreglar el pasado para crear un nuevo futuro. Para ello cuentan con la ayuda de su abuelo quien por un "accidente" puede viajar por el Tiempo. El intento de este terceto son 3 tareas simultáneas. El abuelo ha de ir al pasado para reclutar a un Reed universitario para que le ayude a arreglar el futuro, Val irá al presente para dar un mensaje de ánimo a su madre y Franklin guardará el fuerte. La historia principal es la del abuelo. Este, por culpa del "accidente", fue proyectado al futuro junto a sus otros yoes creándose así una anomalía temporal. Inmortus, el guardián del devenir marvelita, como castigo les impuso que sólo podía quedar uno pero tuvo la magnanimidad de dejar que se matasen entre ellos. Como consecuencia sólo quedan 2 abuelos, el padre de "nuestro" Reed y otro, una versión feroz de este. Para derrotarle van, además del abuelo y Reed, Doom y Grimm. La lucha se resuelve favorablemente para los Richards gracias a Doom de modo que el abuelo regresa donde Franklin, pero este le expulsa sin saber si sobrevirá a la recreación del Tiempo como castigo por haber sido un mal padre y dejar huérfanos a los demás Reed. Ese es el problema de todos ellos dice Franklin. No queda claro si esto incluye a "nuestro" Reed. Creo que no porque esto sería lo que le diferencia de los demás explicando así la condición de antagonista que parece que el Consejo va a tomar. El suceso traumático de la pérdida de sus padres, todo niño merece un padre (la familia es uno de los temas que distingue a los 4F), hizo que los Reed se concentrasen en su trabajo abandonando a los suyos. Las consecuencias de esto las ignoramos pero parece que son negativas. La bigrapa termina planteándonos la duda de si los hermanos Richards sobrevivirán a la recreación. Esta bigrapa también nos revela el pensar de 2 de los protas de la gran (por extensión) historia de Hickman. Reed cree que lo mejor es hacer lo correcto (hacer lo mejor para la familia, los amigos y la humanidad) y Doom que es superviviencia, evolución, ascensión, en el fondo quieren lo mismo, y que el futuro sombrío que ve Reed tiene su origen en el pasado, es una guerra (la de las 4 ciudades?) y es inevitable, por eso los hermanos Richards van al pasado y borran el Tiempo actual para recrearlo. Siento terminar con una duda, el penúltimo abuelo dice que él es digno, no significará eso que el abuelo no ha dicho toda la verdad?

Tres (42-6 Es)

Aquí cambiamos de dibujante. Viene Epting. Tiene el mismo estilo que Edwards, el dominante actualmente, el realista, pero es mejor aunque no pasa de ser un tipo competente. Es demasiado estático, limitado y sobrio y se gasta un claroscuro que ni encaja mucho con los 4F (los imaginautas no pueden ser dibujados de forma tenebrista) ni con los guiones de Hickman porque estos, aún siendo ominosos y sosos, no dejan de ser imaginativos (ergo no realistas). La 1º grapa, En Latveria las flores brotan en invierno, tiene bastante peso para ser una de Hickman, si bien para compensar es muda en un 25% (son 22 páginas de LECTURA al mes, dejad de hacer eso!). En esta grapa vemos el 1º de los flashforwards antes mencionados, Val haciendo un trato con Doom (curioso que a este ahora se le traduzca, Muerte, pero a La Masa ahora se le llame Hulk) siguiendo las recomendaciones de su hermano del futuro (grapa 33), cómo ayudará este estando disminuido?, y como conoce a lo que queda del Consejo. Así, vemos como son asesinados 2 Reed, el pétreo (recuerda a La Cosa evolucionada por la ciudad del Alto Evolucionador) y el Halcón Estelar, de tal modo que ya hay muertos 3 de los 4 Reed relevantes. La frase los muertos no deben ser olvidados asociada a ellos cobra peso. Parece que ahora quedan sólo 5 Reed contando al "nuestro". Por último se formula en ella el problema 101 de Reed, como evitar la calamidad global asegurando la evolución social. Esta grapa es el principio de esta subhistoria de modo que la siguiente es el nudo. Una grapa insulsa como es habitual donde Hickman divide la acción en 3, Susan en una coferencia entre las 2 Atlantis, Reed en Neomundo y Johnny y Grimm guardando el fuerte, el cual es atacado por súbditos de Annihilus. Antes el 2º enseña a los pequeños genios que que seas superlisto no quiere decir que hayas pensado en todo. Me da que esta frase es importante. Estas 3 tramas se resuelven con la coronación de Susan como reina regente de Nueva Atlantis por culpa de Namor, con Reed volviendo del Neomundo con Ted Castle, Alissa Moy, Madre X y El Maestro y con Johhnny sacrificándose (el 2º flashforward que conocemos) para evitar que la segunda gran ola de aniquilación tome el portal a la ZN que hay en el hogar de los 4F. Parece que el portal queda inútil así que esto daría juego al descubrimiento del eje y la frecuencia anteriormente mencionado. Lo relevante de Tres, además de la "muerte" de Johnny (que no puede ser la del idealismo juvenil como dice Hickman porque está por ahí la FF) y que Susan sea la reina de 1 de las 4 ciudades, es que Reed se compromete a resolver el problema que dio origen al Neomundo, el enfriamiento del Sol, con los recursos del Consejo (cómo lo hará si está destruido?) y así evitará que Galactus acabe con la Tierra para protegerse. Eso tendrá un precio. No queda claro si es algo que pagará el devorador de mundos o el sr. Richards.
A pesar de que es una historia contada de forma aburrida y dibujada sin gracia la seguiré porque es en grapa, porque pillo pocas grapas y porque la historia de Hikcman, a pesar de todo, es interesante y misteriosa. Esperemos que la cosa vaya de menos a más porque la clave no está en pergeñar una compleja y ambiciosa historia sino en entrener cada mes. Veamos si Hickman acaba pillándolo.

Gilgamesh el inmortal, R. Wood y L. Olivera, 001 EDICIONES 2011

2011-10-21T00:13:00.003+02:00

"Gilgamesh el inmortal" es otro cómic legendario argentino que nos llega. Es de los 80 y es a su vez una continuación y una revisión de una versión anterior a cargo del mismo dibujante pero con otro guionista menos reputado. El argumento es el siguiente, Gilgamesh, ya inmortal y habiendo alcanzado la cima de la evolución de los seres inteligentes, no puede superar una nostalgia algo masoquista de modo que vuelve al principio de la Historia, que es cuando nació, para revivir todo otra vez. Habiendo olvidado la razón por la que perseguía la inmortalidad, Gilgamesh vuelve a la mortalidad. Así pues, este cómic es un relato entre "En busca del tiempo perdido" y el mito del Eterno Retorno.

R. Wood, un guionista culto y habilidoso, es quien nos plantea en este cómic un relato de estructura episódica que recorre la Historia desde el principio hasta los años 40 del siglo XX siguiendo a Gilgamesh, pues consiguió de un extraterrestre la inmortalidad (aquí esta no es de origen místico o mágico). Así, tras detenerse un tiempo presentado la Sumeria de Gilgamesh, de lo mejor del tomo, saltamos al siglo VIII a. C., al 33 d. C., al XII d. C., al XVI d. C., al XIX d. C. hasta parar en el XX d. C. Un viaje, naturalmente, por la Historia Occidental desde sus raíces hasta ayer bastante bien capturado y bastante original lo que demuestra la personalidad de Wood. Centrarse en Sumeria y hablar de Asiria no son tópicos como ir a ver a Jesús, ir a las Cruzadas siguiendo a Ricardo Corazón de León, visitar a los Borgia, conquistar a los incas, retirarse de Rusia siguiendo a Napoleón o combatir contra el Barón Rojo. El último episodio es el menos histórico de todos, de este modo Wood nos preludia una continuación donde el relato de Gilgamesh correrá libre de la Historia. Cada hito de "Gilgamesh el inmortal" es sólido, coherente y autónomo, algo que siempre da irregularidad ya que unos siempre son mejores o más interesantes que otros. Así, este cómic va de más a menos. La ligazón es un Gilgamesh, distinto pero fiel al original, el primer héroe épico del que se tiene noticia, que, a pesar de la inmortalidad, no ha perdido sus lazos con la humanidad, aún no ha trascendido, de modo que Wood puede vehiculizar a través de él una reflexión humanística desde la modernidad sobre la levedad del ser de ecos existencialistas y formas shakespirianas (el tema barroco de la vanitas está muy presente) que nunca le hace olvidar que debe escribir una aventura clásica que ha de entretener. Lo que da vigor a los episodios es el viaje de un inmortal por una Historia hecha a base de vidas duras y breves. Las páginas de este cómic, como las de la Historia, están llenas de muerte y vidas fugaces, lo que le da al cómic un aire de tragedia, de modo que Gilgamesh a veces aparece como un dios y a veces como un monstruo. Esto da intensidad a la historia porque produce un contraste entre él y los mortales. Por eso esta se resiente cuando aquel está ausente aunque los episodios, unos de CF (siempre encuentros con extraterrestres visitantes), otros puramente históricos y los restantes de aire fantasioso, siempre son competentes a pesar de que algunos son demasiado tópicos. Destacan el tríptico La muerte del guardián del pueblo, Utnapistim y La resurrección de Uruk por como relata el terror a morir de Gilgamesh y como este, tras lograr su sueño, se ve obligado a vivir una existencia errante y solitaria sin fin. El don envenenado de los cuentos tradicionales. También El nazareno gracias al retrato que hace de Poncio Pilatos, un gobernador civilizado que intenta no ahogarse en la barbarie que ha de administrar, y El Centinela, un gran relato de CF que casi por sí solo justifica la existencia de este pj.
Olivera es un dibujante reputado que en estas páginas demuestra que tenía muy presente lo que se hacía en Europa por aquellos años. Su faceta de ilustrador es dominante por lo que el que esté influenciado por el gran Toppi (rescate editorial ya) no es extraño. Olivera es tosco pero trabajador, con un buen sentido estético y muchos recursos de modo que, aunque sus figuras son torpes y siempre dibuja a la misma mujer, sus viñetas son atractivas. A mi no me convence mucho porque es un narrador gris, privilegia la viñeta sobre la página y su B&N es opresivo. Tiene muchas viñetas sobresalientes y su originalidad y ochenterismo dan mucha personalidad a sus páginas, pero estas desgastan por ser ruidosamente barrocas. Además, su esteticismo muchas veces contradice el tono trágico del relato.
La edición de 001 es competente, sobria y barata pero no de precio popular. Principalmente satisfacerá a los lectores rentabilistas, aquellos cuyo criterio de elección se basa únicamente en el precio de página, pues el formato libro no le hace un favor a los autores. A Olivera le hace agobiante y a Wood plomizo. De todos modos para mi su fallo es que su portada es mucho menos bonita que su 1º opción.

Así pues, "Gilgamesh el inmortal" es un cómic notable a pesar de que es un producto muy de su época pues juega a su favor que es un relato casi del género histórico centrado en la mortalidad. Podía ser mejor, pero el interesante trabajo de Wood también es pesado (como guionista de su época es de los que no dejan una viñeta muda) y el atractivo dibujo de Olivera también es saturador.

Apuntes sobre la etapa Hickman de los Cuatro Fantásticos parte I

2011-10-19T01:48:00.001+02:00

Lo malo de como enfocan hoy su oficio los guionistas superheroicos es que es imposible seguir mes a mes sus historias. Se extienden tanto y son tan complejas que es imposible recordar todos los detalles importantes. Parte del problema es que nunca te dicen cuales son para que te lleves la sorpresa y pienses que son más listos de lo que son. En fin, aunque me parece muy bien que los guionistas de hoy sean ambiciososos y se crean autores, también han de comprender que están narrando en grapa. Es decir, que cuentan su gran historia despedazada en relatos breves, visuales y mensuales. Hay que adecuar el mensaje al medio. El que no se haya hecho es una de las razones de la bajada de ventas de la grapa. Ya sabemos que cada grapa vende menos que la anterior pero la deserción se acelera, imagino porque no hay cifras de venta, cuando la historia es tan larga y lenta que uno tiene la sensación de que no existe historia y por tanto no hay razón para comprar. El bosque de la continuidad, de lo digital, de la preeminencia de lo audiovisual y de un ocio más variado que nunca no deja ver el árbol de las historias que de tan pesadas no pueden ser soportadas por las grapas. En fin, la etapa de Hickman en los Cuatro Fantásticos es una de estas. Lenta, larga y compleja como ella sola. De ahí que me ponga con estos apuntes. Es necesario para poder seguir el tema con comodidad.

Hickman es un guionista relojero con querencia por lo circular. Este tipo de escritor divide su historia en partes minúsculas y las va montando poco a poco de modo que el lector tiene la sensación de estar viendo como se está montando un puzzle. Así, el guionista relojero en vez de enganchar emocionando lo hace intrigando. De este modo el lector se convierte en más espectador-pasivo que nunca. En cierta forma, con guionistas como Hickman, los pijameros hemos dejado de ser niños que viven las historias mientras las leen, para ser viejos que miran una obra apoyados en una valla. Eso para mi es un defecto. Otros defectos que veo en Hickman es que no es un escritor fácil. No sé si soy yo, la traducción o él pero hay muchas frases que no se entienden y otras que hay que leer varias veces. Además, su jerga científica es aburrida en vez de divertida (con él hemos pasado de la CF pop a la CF hard), su escritura es ligera de modo que demasiadas veces su grapa es un suspiro y es demasiado frío, expositivo y estático de modo que su etapa está resultando bastante árida. Se echan de menos personajes carismáticos y no hay suficiente acción y humor. En fin, desmenucemos su etapa.

Resuélvelo todo (nº 29-31 Es/570-2 EE.UU.)

Un tríptico que por desgracia es lo mejor de lo que llevamos. Una buena presentación. Algo lenta y ligera, como es la moda hoy, pero espectacular (combates contra Galactus y Celestiales) e imaginativa (un consejo interuniversal de Reeds) y lo suficientemente sólida y coherente como para funcionar como una historia corta autónoma. Es así porque Hickman introduce ya las claves de su etapa: el protagonista absoluto va a ser Reed (se nota que es el pj con quien más se identifica y el que le es más fácil escribir), el conflicto es que este sabe que nos espera un futuro apocalíptico pero no se resigna debido a su idealismo científico y los temas son la familia, uno no puede dedicarse a un trabajo absorbente y conservar a la familia (un tema contemporáneo), y la relación paternofilial (un tema arquetípico), Reed no debe ser como su padre sino ser como este le dijo que debía ser (amigo, esposo y padre). Atención a eso porque parece que es lo que diferencia a nuestro Reed de los demás. Estos nº están dibujados por Eagleasham, un dibujante torpe pero detallista, atractivo y bastante competente. Como sus figuras son hercúleas, sus rostros heroicos y la tecnología y los monstruos no son su fuerte (pero tampoco es que sea manco) no es el dibujante más adecuado para los 4F porque estos entroncan más con la familia Addams o Monster (una familia de freaks bien avenida) que con los superhéroes y sus aventuras son más fantasiosas que realistas. No obstante, hace un buen trabajo gracias a que hay bastante acción y a que el Consejo le permite sacar su creatividad. No sé hasta que punto sus Reeds alternativos son suyos pero muchos tienen una imagen tan atractiva que merecen ser explorados.

Aventuras en Neomundo (nº 32 Es)

Esta grapa supone una decepción porque el contraste con lo anterior no la favorece nada. Aborda los asuntos de Neomundo, una historia anterior de los 4F. No la he leído de modo que puedo asegurar que no hace falta para seguir la historia, aunque reconozco que es necesario un esfuerzo porque Hickman te cuenta lo que necesitas pero no se explica bien. Esta grapa la he tenido que leer 4 veces para hacerme con ella. El guionista no deja muy claro si lo del Neomundo tiene que ver con su gran historia o no. Sea como sea, sirve para establecer que Franklin y Val van a tener más importancia en la etapa Hickman que los miembros de los 4F que no son Reed. La grapa es entretenidilla porque hay acción y muchas cosas que contar pero el trabajo de N. Edwards es malo. Este clon barato de Hitch hace unas páginas toscas y sobrias.

¡Días del futuro Franklin! (nº 33 Es)

Otra grapa singular al cargo del mismo equipo que la anterior. Nos cuenta la fiesta de cumpleaños de Franklin. Una grapa que no me ha gustado nada ya que yo no pillo superhéroes para leer cosas como esta. Me parece bien este tipo de costumbrismos campechanos pero siempre como complemento o subtrama de la grapa. En este caso la chorrada de la fiesta (algo más hiriente debido al pobrísimo y feo trabajo de Edwards) ocupa el 60% de la grapa, si bien hay que reconocer que esta tendrá eco. El resto es lo interesante del tema pues es el típico momento de estas historias donde su autor nos vaticina lo que va a ocurrir próximamente. Así, un Franklin del futuro le cuenta a su hermana Val (una cría superdotada, que para el guionista tiene 3 años pero los dibujantes la retratan más mayor) que: habrá una guerra entre las cuatro ciudades, los muertos no deben olvidarse, el hombre del futuro debe volver para salvar el pasado y toda esperanza reside en Muerte. Poco sabemos de esto a la altura de esta grapa. El Consejo volverá a la cole y tal vez sean importantes el Reed pétreo (aparece como atrezo en 2 viñetas del nº 29 y en otra del 31), el Reed gordo (muere en el nº 30 a manos de un Celestial), el Reed Halcón Estelar (herido por un Celestial en el nº 31) y el Reed futurista (el único de los 3 líderes del Consejo que sobrevive al ataque de los Celestiales), que los acontecimientos datan de 158x (ni idea pero tal vez se cuente algo en SHIELD), que NY se verá afectado y que Namor tendrá algo que ver al igual que alguien en llamas (La Antorcha Humana, Onda de Luz o el Reed Antorcha Humana del Consejo? Me inclino por el 1º). Atención a lo de Muerte porque este es el archienemigo del Consejo. Por tanto él será un motivo de enfrentamiento entre Reed y sus demás yos. También esta grapa es importante porque el Franklin del futuro activa al Franklin del presente. Lo menciono porque yo tardé en darme cuenta ya que desconozco bastante las tribulaciones de esta familia Marvel.

Elementos primarios (nº 34-7 Es)

Con este tetríptico comienza Hickman a dar cuerpo a su gran historia pues es la presentación de las 4 ciudades. La 1º es la ciudad subterránea del Alto Evolucionador, la cual, gracias sus habitantes, topoides evolucionados, emerge en EE.UU. Representa la tierra y por ello está vinculada a La Cosa. Su grapa es la típica de Hickman, meramente informativa. Destaco de ella los dibujos de Eaglesham, esta es su mejor grapa de los 4F, y la frase del Hombre Topo: criaturas simples que solo conocen la comunidad y la familia o individuos ilustrados que abandonan tales cosas por su beneficio personal, porque me recuerda al conflicto interior de Reed que planteó Hickman al inicio de su etapa. La 2º ciudad es subacuática y es descubierta por los 4F ya que estaba aislada, desde ni se sabe cuando, del resto de Atlantis. Esta ciudad se debería haber vinculado a Reed porque su elasticidad representa la fluidez del agua, pero como hay tensión sexual entre Namor y Sue es esta última la elegida por Hickman. Su grapa es muy sosa por meramente informativa y casi ser muda, lo que puso en aprietos a la narrativa de Eaglesham. La 3º ciudad es lunar. Al igual que la anterior está inventada por Hickman. La ciudad en cuestión está habitada por 4 especies de inhumanos extraterrestres, lo cual la convierte en mucho más sensible que las anteriores ya que está vinculada a la parte galáctica del UM. Quizás sea por esto por lo que Marvel abortó el trabajo de Abnett y Lanning ya que aquí Hickman habla de los Kree, de los inhumanos y de Rayo Negro. Cinco reinas para un rey. El rey que regresa de la Noche Eterna. Bajo su estandarte reclamaremos la tierra sagrada de Nueva Hala. Ahora los inhumanos son gobernados por una reina, Medusa, y resulta que estas 4 especies inhumanas extraterrestres son gobernadas por mujeres (2 reinas, una presidenta y una diosa). Así pues tenemos 5 reinas. El rey parece que es Rayo Negro ya que qué es la Noche Eterna sino la muerte y, como sabemos, este ha muerto. Por último, Nueva Hala es la Tierra. Así pues parece que este planeta será el terreno donde se combatirá la guerra de las 4 ciudades. Esta ciudad se vincula con Reed porque este es el "rey" de los 4F. La 4º parece más un territorio que una ciudad pues es la Zona Negativa, pero cabe la posibilidad de que sea la prisión que el EE.UU. marvelita tiene allí, y es tan sensible como la anterior. Esta ciudad entronca con el futuro nefasto que espera a la Tierra que Reed intenta evitar pues en nuestro universo, como todos sabemos, lo que nace muere pero en la ZN no porque es justo lo contrario. De este modo pudiera ser que allí se encontrase la solución que busca el sr. Richards. Por otro lado nos enteramos que las fuerzas de Annihilus están reconquistando la ZN utilizando la Tierra para ello. Esta ciudad se vincula con Johnny, además de por ser el último, porque su estado de guerra recuerda a un incendio. De este modo puede ser que su muerte no sea tal. Creo que es razonable sospechar que Quesada decidió hacer que Hickman hiciese que lo mataba para así atraer la atención sobre una cole que tras 18 nº estaba decayendo. Esta grapa termina con una conversación entre Reed y Johnny, que para mi refuerza la teoría de que este último no lo ha palmado, con el ataque de la elite de las 4 especies de inhumanos extraterrestres a la ZN y con la frase: y así en la Zona Negativa la guerra de las cuatro ciudades ha comenzado. Todo esto me lleva a pensar que uno de los eventos del 2012 de Marvel estará relacionado con la Zona Negativa para revitalizar a los Cuatro Fantásticos y la galaxia Marvel. Esta grapa es la mejor de este tetríptico porque, a diferencia de las anteriores, está más cerca de un relato que de la exposición de hechos.

Continuará...

La muerte de Johnny Storm: JA!

2011-10-14T02:43:00.001+02:00

Empecé a hacer los 4F de Hickman por llevarme una grapa a casa, por las buenas "críticas" que cosechaba y por los dibujos de Eaglesham. El resultado no ha sido positivo porque este se fue por la puerta de atrás a las primeras de cambio y porque las buenas "críticas", como siempre, han sido exageradas. Da la sensación de que la gente está tan desnortada que ve en cualquier mediocridad el mesías que los va a salvar. Así, ha sido por un esfuerzo de voluntad por lo que he llegado hasta la grapa que nos ocupa, el nº 46 Es/587 EE.UU. Estuve varios meses a punto de dejar la cole pero al final me dije: llega hasta la muerte que al menos es un buen punto y aparte y desde el coleccionismo tiene algún valor. Así es como he llegado al más importante cómic del año (más que Miedo Encarnado?). La etapa de Jonathan Hickman alcanza su más arriesgado movimiento (en serio que matar a un superhéroe es arriesgado? En serio que se muera la Antorcha Humana es arriesgado?). Uno de los miembros de Los 4 Fantásticos va a morir (otra vez). El mundo de la Primera Familia cambiará como nunca lo había hecho antes (por qué esta vez sí?). Reserva tu ejemplar si no quieres perderte el acontecimiento del que todo el mundo estará hablando durante años (reservar? Hablando durante años? Tira de Google y verás que ni dios está hablando). Creo que el gran mal de los superhéroes es que abusa del lenguaje publicitario el cual, al haberse convertido en un cliché, es hoy contraproducente porque ahora sólo despierta suspicacia y cinismo.

En fin, he llegado a este nº muy frío. No solo la etapa me parece floja sino que yo solo me reventé quien era el que moría (en enero en EE.UU., 9 meses más tarde en España). Así pues, escaso interés por lo que estoy leyendo en los 4F, no obstante según se aproximaba la muerte la cole ha ganado en dinamismo e interés. La pena es que el nº ofrece una historia de muerte puramente formulaica. Por desgracia es un cliché grapado así pues ni hay épica ni emoción ni congoja.

Hickman no es mal guionista pero le pierde la lentitud y su mente de relojero. Por ser lento se nota demasiado como va colocando las piezas y por ser tan mecanicista no es fresco, de este modo su etapa en los 4F está resultando un poco pesada y escasamente fluida. Hemos tardado 18 nº en llegar hasta aquí y en realidad lo que se ha contado cabe en la mitad y, desde luego, no es la leche. Para este nº Hickman recurre a una estructura clásica. Divide al grupo y los pone en peligro de modo que este hito se divide en 3 subhistorias paralelas (La Cosa y La Antocha van juntos evidenciando así que para Hickman son meros comparsas) que juegan al suspense. Lo malo es que no hay tal desde hace mucho. Reed no iba a morir porque es el prota de la etapa Hickman y Sue tampoco porque es clave. La cosa estaba entre La Cosa y Johnny. Siendo este último el que más papeletas tenía porque se nota que el primero le cae mejor a Hickman y después de dejarle ser humano por una semana era difícil que acto seguido lo matase. No se podía tener la certeza de que el muerto iba ser La Antorcha Humana pero desde luego este, en la etapa Hickman, es el peor tratado y el más sobrante (sorprende que para él represente el idealismo juvenil cuando lo ha escrito como un fatuo vanidoso) y si algo tienen los relojeros es que son previsibles. Así pues, estaba claro que Hickman no iba optar por la sorpresa ya que lo que le gusta es epatar armando una historia con cierta complejidad que se va desarrollando de forma lenta tanto para que parezca más ominosa como para que nadie se pierda por el camino. En fin, que Hickman finiquita rápidamente las subhistorias del elástico y la invisible y se centra en la de La Cosa y Johnny. Típica trama de ataque masivo por sorpresa de modo que sólo puede ser detenido mediante un sacrificio heroico. Nada sorprendente pues, como estava previsto, que, además, no termina con la muerte de nadie. Claramente se nota la utilización torticera de una editorial de una idea de un empleado suyo para salir del geto durante 10 minutos. Lo que en lenguaje técnico se viene llamando la técnica Quesada-Didio. Johnny no muere. No se ve claramente la muerte de La Antocha Humana y eso considero que es concluyente en la Marvel que hace poco presentó el despadazamiento explícito de un dios. Igual ha muerto igual no, no importa porque será resucitado (seguramente en el 2013), pero tampoco es descartable que los 4F lo encuentren vivo antes de que termine la presente etapa. Así pues Hickman firma en esta grapa ya legendaria un guión rutinario (no se deja ni uno de los momentos preescritos para estos trances) que sólo se sale de la mediocridad cuando abre la boca el clon infantil del Mago.

Epting es un dibujante adecuado para plasmar en papel la rutina porque es un artesano eficiente pero soso, serio, sobrio y demasiado formulista. El fallo es que no es lo que precisaba esta historia porque es tan realista y competente como gris. La culpa no es suya. El es un mandado. La culpa es del editor que pone a dibujar los sosos guiones de Hickman a un tipo con un estilo aburrido por anodino. Así pues lo único que hace Epting es redondear el hype que está resultando ser esta etapa de los 4F. Eaglesham no es un dibujante para los 4F pero al menos aportaba atractivo y se le daba bien la acción y estaba motivado. Con él esta "muerte" habría sido más sentida. Cuando haces que el mundo te atienda por un momento tienes que ofrecer una buena imagen, sólo por eso a Epting le tenían que haber dado vacaciones para esta grapa.

En fin, pues una grapa que no es un final sino el hito que señala la mitad de esta historia de Hickman, en ese sentido no se puede decir que es una "muerte" gratuita o histérica, que no está a la altura de las expectativas generadas. Si esto hubiera pasado en zapatillas no cantarían tanto los rutinarios y grises trabajos de Hickman y Epting para contarnos otra muerte de Johnny Storm. Unos trabajos que no chirrían con el tono tranquilo y gris de una historia encorsetada que no se altera por nada pero sí con las alharacas del departamento de marketing de una gran empresa. Por lo demás, la conclusión de Clemente, Los 4 Fantásticos no volverán a ser los mismos, sólo mueve a risa.

Conan rey final

2011-10-07T04:35:00.000+02:00

Este post concluye mi relectura de "Conan rey" iniciada en este post. Así, se ocupa de los nº 33-66 Es 1987-90 que son los nº 29-55 EE.UU. 1985-89. Estos comprenden la etapa de D. Kraar y la breve etapa de J. C. Owsley.

La primera etapa comprende los nº 33-59 Es/29-49 EE.UU. D. Kraar sustituyó A. Zelenetz de forma brusca pues no se sintió obligado a continuar con la saga de este. Así, la finiquitó rápidamente acabando abruptamente con todos las tramas y modificando algunas que le venían bien. Después se lanzó a contarnos las guerras imperiales de Conan. Una idea sugerida por un par de frases de Howard. El problema de esta etapa es que es muy floja por lo que es reprobable que hiciese borrón y cuenta nueva. Su etapa no resiste comparación con la de Zelenetz. Kraar no lo hace mal. Es cumplidor. El problema es que se le va la mano con el culebrón, es muy convencional y fue incapaz de imprimir tensión y épica al no crear suspense y villanos creíbles y dignos de Conan. Mención especial para la reina Leora porque con su escaso atuendo de domina y fuerte carácter perturbó mi adolescencia. Así, Kraar no supo ofrecer más que una historia formulaica, simple y lineal aunque tiene tela si se piensa, Conan se pone a conquistar los reinos cuyos dirigentes, unos autócratas, decidieron atacarle para así vivir seguro. Imperialismo defensivo. Uno de los nocivos inventos que los romanos nos legaron. Para rematar le tocó en suerte una serie de dibujantes mediocres, el regular es el gris M. Docherty, de modo que hoy sus nº son muy áridos de leer.

Donde las dan las toman. Así, la siguiente saga de D. Kraar, también basada en Howard, fue asesinada al nacer. Sin duda las bajas ventas de una franquicia en decadencia y un trabajo mediocre llevaron a Marvel a dar un golpe de timón. Así, la abdicación de Conan en su hijo, los preparativos bélicos de Turán (D. Kraar olvidó que el rey de este imperio, Yezdigerd III, conoció en su juventud a Conan y este le dejó marcado) y un irritante mago olvidadizo se fueron por el retrete. Le sustituyó J. C. Owsley, quien acababa de marcarse la mejor etapa (I, II, III) que ha tenido "Conan el bárbaro", con el curioso cometido de continuar la saga de Zelenetz. Desgraciadamente la distancia y la falta de información de aquella época hace imposible saber el por qué de todo eso. Las bajas ventas son seguras pues la cole sólo duró 6 nº más, pero por qué se volvió a lo anterior, eso sí sin invalidar la etapa de Kraar (aunque al deshacer el final que hizo este a la saga de Zelenetz la cosa queda incongruente)? A esas alturas volver al pasado era absurdo pues muchos habrían dejado la cole y los que se hubiesen incorporado no les haría mucha gracia que continuasen algo que desconocían. Está claro que las editoriales no aprenden que si el cambio es volver hacia atrás ni es tal ni se va a ningún sitio.
La etapa de Owsley es breve por lo que sólo se puede decir que pintaba bien. El trabajo que había hecho Zelenetz era sólido y el relacionar "Conan Rey" con la etapa del guionista en "Conan el bárbaro" fue una gran idea. Lástima que en seguida Owsley se ve obligado a contar todo rápidamente de modo que queda una saga compleja y de muchos nº comprimida sólo en 6. Los acontecimientos se suceden con rapidez y no da tiempo a profundizar en los pjs así que esta breve etapa es como un trailer de una peli que hubiese sido estupenda si se hubiese rodado. El dibujante de este final fue G. Isherwood, un competente y trabajador profesional que sirve en Marvel principalmente como entintandor, que tiene un estilo torpe y realista con mucha personalidad. No es apropiado para Conan pero sí se preocupó de dar a la Edad Hibórea entidad algo que pocos dibujantes de Conan han hecho. Al volver a la etapa de Zelenetz se recuperó el complemento de la cole, las aventuras de Conn en Khitai. Esta vez guionizadas por un tal A. S. Blaustein y dibujadas por un primerizo D. Eaglesham con un estilo singular de figuras hercúleas influenciado por M. Golden muy diferente al que gasta ahora. Aunque torpe y novato apunta maneras y se postula como el mejor sucesor de J. Buscema. Una lástima que los editores no viesen lo que podía aportar a Conan. Este complemento estaba íntimamente enlazado con la trama de la serie principal así que también se vio frustrado casi al nacer. Con todo esta breve etapa tiene el valor de profundizar en Conn de tal modo que logró tener entidad. La educación, la nobleza y la creencia en Mitra le diferencian de su padre, un bárbaro cruel y antiguo ladrón, pirata y mercenario que practica ese especia de ateísmo que es el cromismo. Este contraste es lo único que toda esta serie aporta al universo Conan.
Con este sabor agridulce termina "Conan rey", una serie nacida como explotation que siempre tuvo el mal tino de abortar los momentos en que empezaba a ganar entidad y ofrecer algo por encima de la mediocridad. Así, sólo merece la pena la 2º mitad de la etapa de Zelenetz. Si se es muy fan de R, Thomas y/o J. Buscema entonces los 8 1º nº de la cole recientemente reeditados en tomo por PDA. El complemento de Eaglesham y la breve etapa de Owsley si se obvia su handicap tienen un pase. Un saldo muy pobre.

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte IV: Chivo expiatorio

2011-09-28T01:00:00.000+02:00

Retomo por fin este proyecto. Un año justo ha pasado desde la última entrada. Pero el tiempo es limitado y para mi más porque me gestiono fatal mi tiempo. Ha pasado tanto que voy a hacer un breve resumen de lo que llevamos hasta ahora. La primera parte es una introducción al proyecto y a la obra. La segunda termina con la intro y analiza las 2 primeras partes de la obra. La tercera trata las 2 siguientes partes. De todo esto sacamos 3 conclusiones sobre Gunnm: la 1º es que el mundo de Alita es una metáfora del nuestro, la 2º es que la historia sigue el esquema de El Viaje del Héroe (una experiencia de maduración) porque Alita es tanto una reencarnada como una recién nacida cuyo leitmotiv es recuperar los recuerdos de su vida pasada, como por su amnesia psicológicamente es como si acabara de nacer (Kishiro dixit) tiene que volver a pasar por el proceso de maduración y crecimiento, y la 3º es que es una revindicación de la individualidad.

La 4º parte española es Oveja perdida y se publicó por 1º vez en 1996 en 5 grapas con lomo. La edición original es de 1993. La historia se sitúa 2 años después de la anterior. Entre medias se sitúa la historia corta Dedos sónicos incluida en el tomo Gunnm Gaiden Other Stories publicado aquí el año pasado. Tomo que recopila las historias cortas que hizo Kishiro en 1997 como terapia para recuperarse de su fobia a ser mangaka y otra historia hecha en el 2007. Las historias de 1997 se editaron antes en la 2º edición de pda de esta obra. DS es un divertimento que narra el enfrentamiento entre un psicópata y la Alita más ligerita de ropa que se ha visto. Es una historia de acción que se sitúa justo un año después del anterior, luego un año antes que esta 4º parte.

El tiempo que media entre las anteriores partes es breve en cambio aquí tenemos una elipsis temporal bastante larga, 2 años. Esto es así porque el enfrentamiento contra Jashugun dejó a Alita en calma y en paz. Ha cesado de hacerse las preguntas que se hacía en la anterior parte. Así, en ellos no hay nada que contar porque se los ha pasado retirada tanto como cazarrecompensas como motorbollera. Una nueva vida simbolizada por un cuerpo cibernético diferente. Durante estos 2 años la vida de Alita ha girado entorno al New Kansas (un homenaje al mago de Oz?) y se gana la vida como cantautora (con teclado) y como maestra de cazarrecompensas. Una vida tranquila y sin metas, inmóvil, eternizada en ámbar, que contrasta con su agitada y agónica vida anterior. Más centrada y seria [...] ha dejado de mancharse las manos y el cuerpo de sangre [...]. Los dos años que transcurren hasta la llegada de Zapan son los más provechosos y pacíficos de su vida. Así pues, Alita, se puede decir que gracias a su enfrentamiento con Jashugun, ha transcendido, que está en el Cielo. Pero en realidad es la calma que precede a la tormenta. Aunque Alita purgó su torturado interior en el motorball no hizo lo mismo con su pasado. Por eso este va interrumpir en su Cielo y arrojarla de nuevo a la vida.

El pasado es Zapan. Un cazarrecompensas que, incapaz de superar la humillación infligida por Alita en la 2º parte, se convierte en un monstruo que necesita acabar con Alita para purgar su alma. El enlace entre Zapan y Alita es Desty Nova. Pj clave de la obra que hasta ahora había sido un fantasma pero que ahora, por fin, Kishiro nos lo presenta. Es un extifareano tan brillante como loco y cruel, hay dos clases de personas en esta vida... unos son los conejillos de indias y otros los que tienen derecho a diseccionarlos, que estudia el karma como científico. Este es para los orientales lo que es para nosotros el pasado. El karma es el producto de nuestros acciones. Es un lazo con la materia que nos impide transcender. Por eso el samsara, la rueda de las reencarnaciones. Un oriental hinduista o budista no puede permanecer en el Cielo eternamente o llegar al Nirvana si no ha purgado todo su karma. Como ni Alita ni Zapan han hecho eso, se enfrentan. Por eso DN facilita a Zapan el enfrentarse contra Alita. Quiere ver el karma en acción.

Zapan, al ser un error del pasado, reaparece varias veces en la vida de Alita. Que el pasado que no se purga, vuelve es una ley psicológica. La primera vez resulta muerto pero con la intervención de DN resucita convertido en un monstruo-demonio, Zapan es el nombre de uno de los 7 reyes demonio del Infierno según la mitología cristiana. DN le da el cuerpo salvaje/berserker que antes perteneciera a Alita. Un cuerpo que desatado es un arma de destrucción masiva. El error de DN es que Zapan no puede dominarlo: Este cuerpo tiene voluntad propia. La voluntad de destruir! No puedo detenerlo! De modo que el experimento se le va de las manos. Así, el enfrentamiento es entre un Zapan-salvaje informe, enorme, terrible y monoftalmo contra una Alita humana, pequeña, tierna y bella. De este modo esta historia recuerda a la 1º, al enfrentamiento entre Makaku y Alita. Tanto que tanto aquel como Zapan disponen de aguijón. Un enfrentamiento que es metáfora del antagonismo entre el cuerpo carnal y hedonista y la mente racional y serena. Entre el caballo salvaje y el domador. Entre Ares y Atenea. Entre Dionisio y Apolo. Kishiro es un versado en Nietzsche. No hay duda pues en la lucha Alita acaba reducida a medio torso y una cabeza. En definitiva la concupisciencia-cuerpo contra la razón-mente, uno de los temas de Alita. Por eso no extraña que Kishiro use 2 de los símbolos ancestrales que aluden a esta lucha, el Dragón y la Doncella (Alita es una virgen de hierro). El 1º simboliza la violencia, el egoísmo, el caos y la materia y lo 2º las cualidades nobles-espirituales del humano, el orden y el alma. Por eso Zapan se arrastra y Alita vuela. Don Carnal contra Doña Cuaresma. La diferencia que hay entre el enfrentamiento entre Makaku y Alita y el de esta última y Zapan es que ella en el 1º es el Héroe y en el 2º el Chivo Expiatorio, El chivo cargará con todos los pecados hasta un lugar solitario..., no en vano es la doncella del relato. El Chivo Expiatorio es un elemento religioso mediterráneo antiguo, aunque tiene sus paralelos en otras religiones, que resulta de una ceremonia catárquica (tragedia viene de trágos, cabrón) o purgatoria comunitaria que consiste en traspasar lo pecaminoso y nefasto que acumula la comunidad a lo largo de un ciclo (usualmente un año) a un ente para luego matarle o expulsarle. Lo mismito que entregar una doncella para aplacar al Dragón. Es pues un elemento exorcizador. Adiós mi pecado! Mi mal! Adiós a todos mis pesares! le dice Zapan a Alita cuando cree que la tiene.

Alita asume este papel porque Zapan destruye el Patio de los Desperdicios buscándola. Por ello sus habitantes exigen a Alita que se entregue al monstruo. Que se sacrifique. La diferencia es que Alita es una Doncella Heorína, es decir, no es una damisela, por eso va voluntariamente y buscando la lucha, no el sacrificio. Lo hace criticando la pasividad propia de las comunidades que siempre esperan que resuelva sus problemas por ellos ya un Héroe, ya el Chivo Expiatorio. Con esto Kishiro introduce el tema de la individualidad en esta parte. De nuevo la lucha es necesaria para autoafirmarse y para ser libre. Alita no es un representante de la comunidad, es ella misma, y lucha para liberarse del pasado, para no tener hipotecas. Yo arreglaré mis propios problemas. Los mismos motivos que Zapan, pues el no es el Mal sino un alma torturada que busca purgar sus demonios interiores enfrentándose a su trauma. Su venganza no es más que eso. Al igual que Makaku, es un antagonista no un villano. Quiere matar Alita porque ella le ha convertido en un demonio. Por eso Zapan trata, a pesar de ser materia, transformarse en una criatura alada, de gusano a mariposa, sólo que no puede llegar al Cielo (Salem prohibe y destruye todo lo que vuela). Esta a punto de transcender pero su mediocridad se lo impide. No obstante, como todos los antagonistas de Alita, le enseña algo: No importa lo que ocurra [...], tienes que aceptarlo. No culpes a los demás... Acéptalo... como algo propio. Aunque sientas que has fallado o que has perdido acéptalo como parte de tí. Tu importancia y valor no están en si ganas o pierdes. Un mensaje que a nosotros no nos parece novedoso pero sí a un japonés que vive en una sociedad supercompetitiva a la que le aterroriza el fracaso. Un mensaje subyacente en Alita pues Kishiro utiliza el ciberpunk para revindicar el valor de la vida humana en un mundo competitivo, despiadado y tiránico que nos presiona para convertirnos en máquinas. De todos modos puede que Zapan transcienda pues, aunque no llega al Cielo, muere mientras que Alita no lo hace porque no puedo [aceptarlo], mi corazón no es lo bastante grande. Como en todo misticismo, la incapacidad para aceptar la Verdad impide la transcendencia. Así, Alita vuelve a la Tierra.

Por último hay 2 detalles en esta parte que luego alcanzarán mucha importancia. Se menciona por 1º vez, siempre que no esté equivocado, el secreto de Salem y se anuncia el cierre en falso de Gunnm con ese final donde el brote de una planta simboliza una persona.

Así pues, Oveja perdida es una historia simple y convencional con una gran carga psicológica, que es lo que distingue este manga del común, que funciona a pesar de su convencionalidad gracias al enorme talento de Kishiro para la tecnología, su gran narrativa y su brevedad. Un historia catárquica también a nivel editorial pues en esta historia Kihsiro finiquita a Ido y al Patio de los Desperdicios. La historia se libera de sus elementos primigenios para que el Viaje o el proceso madurativo y la búsqueda de Alita puedan continuar. Quizás por eso, al final al igual que al inicio de la 1º y 3º parte, Alita es tan solo una cabeza.

Critiquita 329: Imperator, E. Mazzitelli y E. Alcatena, Editorial C SAC 2010

2011-09-24T01:23:00.001+02:00

El otro día andaba yo como alma en pena deseando llevarme un cómic a la boca y no encontraba nada pues las editoriales no me satisfacen por culpa de la crisis y que cada vez soy más pejiguero. Me encontraba desesperado en la librería madrileña Elektra cuando vi arriba del todo una portada atractiva con un título poderoso, "Imperator". La cogí (sin necesidad de ponerme de puntillas). Coño! Alcatena! Lo ojeé. Lo compré.

"Imperator" es un cómic editado en Perú (por lo que cayó en Elektra por casualidad a precio europeo) que pretende presentar a Alcatena en ese país pues, como muy bien dice, es un autor que fuera del Cono Sur y de Francia, EE.UU. e Italia no es muy conocido a pesar de que es uno de los grandes talentos actuales y, quizás, el dibujante más culto en activo. Un hecho que demuestra la absurdidad de la vida pues, aunque la gran mayoría de su producción está en castellano, aquí no nos enteramos de nada. Hay algo de Alcatena publicado por una editorial española? No entiendo que, en la era de Internet y de imprimir en China, la diferente continentalidad sea más poderosa que una lengua común.

En fin, "Imperator" se presenta como un peplum. En principio es difícil verlo así porque el guión es elevado y el trabajo de Alcatena es en B&N, muy moderno y culto y, además, sus citas cinematográficas no son al peplum. Muy, muy pop no parece pero sí se piensa bien es uno genuino. La historia es la de un Héroe del Pueblo que lucha contra el tirano de turno y transcurre en una Edad Antigua fantasiosa. En ese sentido Mazzitelli ha conseguido un peplum. Cuenta la historia de Nicias, el hijo bastardo de un emperador romano inventado que es un poco el pastiche de todos esos emperadores que lo fueron porque tuvieron inteligencia y un carácter soberbio, férreo, cruel, ambicioso y audaz. Si se piensa bien no se puede mantener un imperio siendo de otra forma. En fin, Nicias idolatra a su padre (porque no le conoce) pero este le desprecia porque no quiere saber nada de sus hijos al pensar que la consanguinidad no es la mejor manera de obtener un sucesor a su imagen y semejanza. Ante esto, testarudo e ingenuo como todos los Héroes del Pueblo, Nicias trata de revindicarse de modo que acaba siendo el Héroe del Pueblo que va a derrocar al tirano que los oprime, un emperador tan poderoso e inhumano que hasta duda de si morirá ya que su tremendo poder sobre todo el orbe civilizado le hace sospechar que es divino, porque su oposición acaba siendo interpretada de forma política por el pueblo. Esta lucha por el reconocimiento, Nicias quiere ser hijo del emperador y este quiere un heredero que sea como él, un Viaje del Héroe inspirado en la Historia y la mitología clásica, es contada en episodios interconectados que están mejor por separado que en conjunto pues este es irregular. Empieza bien, luego se atranca, vuelve a subir en el 3/4 para volver a bajar al final, ya que este, por convencional, no está a la altura del despliegue de imaginación que es "Imperator". El problema, creo, es que Mazzutelli nunca consigue dar entidad a los pjs. En un peplum es pasable pero en este cómic no. Así, las peripecias de Nicias nunca llegan a interesar del todo porque este nunca se hace carismático de modo que aunque la lectura es grata y tiene cosas notables (los episodios Gente lejana por su maravillosa versión de Egipto, Después del silencio por la trágica venganza púnica y El príncipe griego por su interpretación del Hades) en conjunto esta deja la sensación de que debía haber dado más de lo que da.

En parte esto es culpa de Alcatena porque destaca tanto que hace que el guión no esté a la altura del dibujo. Si bien hace que el cómic sea mejor. Las páginas que hizo Alcatena para "Imperator" son poderosas, impactantes y atractivas. Lástima que el formato sea pequeño. Lo cual tiene mucho mérito dibujando en B&N. No es un buen dibujante, tampoco es manco, es limitado en las tintas (pero seguramente esto se debe a que no vive del cómic) y clásico, pero tiene una imaginación y una cultura que hacen que sus páginas sean originales y llamativas. Por eso, a pesar de que su estilo es convencional, la razón por la cual es un autor capaz de trabajar en 2 continentes, es un dibujante perfectamente reconocible. Un autor. "Imperator" es un ejemplo maravilloso de eso. Está lleno de viñetas alucinantes y, por ello oníricas, tanto por su composición como porque en ellas integra dibujos de obras de arte de la Antigüedad, desde arquitectura hasta frescos, así como citas a pelis que tratan temas clásicos ("Gladiator", "Edipo rey", la principal influencia cinematográfica,"Bandidos del tiempo"...) y a obras de arte neoclásicas e ilustradores decimonónicos. Así, el conjunto resultante es una imaginería clásica riquísima y amplia que, junto con su utilización imaginativa y fuera de contexto, hacen que "Imperator" sea una obra muy poderosa visualmente que atrae cual sirena. Ojalá pudiese mostrarles un ejemplo. Una imagen vale más que mil palabras. Por eso, quizás, Mazzitelli no se esforzo mucho en su guión, el cual puso a los pies del fabuloso Alcatena. Así pues, este cómic es a la vez el peplum más histórico que existe como el más fantasioso.
El único pero que se puede poner a la edición, obviando el tamaño, pero en Perú no viven como nosotros, es la rotulación porque utiliza fuentes mecánicas y frías que no evocan ni a la palabra ni encajan con el estilo de Alcatena. El resultado es una historia llena de emociones que se expresa mediante letras artificiales y uniformes por lo que el contraste entre la frialdad de la rotulación y el lirismo de Alcatena acaba resultando perjudicial para "Imperator". Ven lo pejiquero que soy?
En fin "Imperator" es una lectura competente, grata y original que destaca y deslumbra por su apartado gráfico. Lo que ofrece Alcatena en él es un festín visual brillante y extraordinario que no hace mucho favor a Mazzitelli, a pesar de que este idea una historia interesante y la cuenta con competencia, pues impele a ver y no a leer. Pero quién se queja de que los cómics sean visualmente deslumbrantes?

Critiquitas 328: Hellboy La Cacería Salvaje, M. Mignola y D. Fegredo, Norma 2010

2011-09-21T05:58:00.002+02:00

Me encanta Mignola pero me aburro con Hellboy. El Terror no es de mi gusto y el retroterror del chico del Infierno me parece simplón y previsible. Eso hace que me duela no tenerlo. La verdad es que no lo tengo por Norma. En grapa o en ediciones más baratas sí me lo pillaría, pero no pago mucho dinero por algo que me aburre por muy bonito que me parezca. En fin, que Mignola es una sirena para mi. Así que de vez en cuando acabo embarrancando en Hellboy pa ver que tal. Así he tropezado con "Hellboy La Cacería Salvaje", un tomo notable. Tanto que me lo he pillado para que haga compañía a la grapas primigenias (un objeto de culto) y algún tomito que otro de cuando el dinero me sobraba.

En este tomo Mignola se encarga sólo de los guiones. No está mal tampoco pues su estilo sintético, por muchas masas de negro que utilice, no encaja con el Terror pues este exige un ultrarrealismo barroco y morboso. Si bien es cierto que el retroterror de Mignola hoy es Fantasía pues Poe, Lovecraft y el folklore están bastante superados. Sobre todo visualmente. En fin, que en HCS este autor hace un buen trabajo haciendo lo que peor se le da como artífice de cómics. Crea un argumento muy interesante y original y coherente y atractivo haciendo un pastiche mezclando la historia de Hellboy con la leyenda artúrica y el folklore celta y lo desarrolla bien y le imprime dinamismo cambiando de escenario y de línea temporal de forma agresiva y reiterada. De esta manera la lectura de HCS se hace muy amena a pesar de que no se nos esté contando nada del otro mundo. Así, con nervio y apoyándose en el dibujo, Mignola hace una historia que entretiene y deja con ganas de más a pesar de ser un collar de clichés. Que no critico la factura de ese collar sino que quiero decir que ese collar aburre a un lector experimentado cuando no se cuenta bien.

Fegredo es un clon de Mignola con personalidad. Así, de lejos parece él pero de cerca uno se da cuenta de que no. Su dibujo es más barroco y realista que el de su maestro. Recuerda un poco a este en sus inicios. Mignola utiliza esto a su favor y, aprovechándose de las ganas de gustar y de trabajar de aquel, plantea una historia más ambiciosa que las que se escribe para sí mismo. Así, tenemos una historia con páginas con muchas viñetas muy trabajadas. Lo nunca visto en Hellboy, que es lo que permite a que su historia no aburra como (la mayoría de) las anteriores. Fegredo permite la densidad argumental que la síntesis y el apoltronamiento de su maestro no permitían, de tal modo que esa simplicidad lineal típica de Hellboy queda conjurada. Por eso, aunque el Mignola preapoltronamiento me parece mejor que Fegredo por ser más elegante, audaz y genuino, este último aporta a Hellboy lo que necesitaba sin que se pierdan las limpias, armoniosas y verticales composiciones y la estética atractiva y expresionista de su maestro. Así, HCS tiene un buen dibujo que, además, plasma a la perfección todo lo exigido por el guión.

Yo me he pillado el tomo en rústica. Paso de pagar 3€ más por unas tapas duras que no he pedido y contradictorias con el espíritu pop de la obra y unos pocos extras que, además de ser de Fegredo, no aportan nada y deberían ser gratuitos. La rústica está bien aunque es frustrante que no incluya las portadas tal cual. Creo que Norma no debería limitarse a traducir lo que hace DH. Creo que debería demostrar que hay alguien vivo trabajando en ella. No entiendo esa modestia o ese complejo de inferioridad que les impide ofrecer un producto más de acuerdo con nuestro mercado. Es decir, en vez de ofrecernos un maquetación que obvia que Hellboy se publica en grapa, algo justificable en EE.UU. pues allí se tiene la posibilidad de adquirirlo en ese maravilloso formato, debería ofrecer las portadas en todo su esplendor. Por qué ofrecernos sus versiones en negro y gris? Por qué no permitirnos disfrutar de las portadas de Hellboy hechas por Mignola en todo su esplendor, es decir, en color? Quizás por eso me pillaría el tomo caro. Además, que eso sí justificaría la diferencia. Eso sí sería calidad y no las tapas duras y extras que se pagan a precio de oro. Coño qué es Mignola. Merece ser publicado en su integridad. Las portadas en negro y gris lo único que hacen es depauperar la obra en vez de aportar elegancia y disimular que es un cómic, que imagino que es la razón de que las cosas se hagan así.

En fin, en definitiva, "Hellboy La Cacería Salvaje" es una lectura grata contada de forma atractiva y eficiente que se puede leer tranquilamente por sí misma pues Mignola te explica todo lo que debes saber como si estuviéramos en los 80. De modo que, salvo el precio y la mediocre edición de Norma, no hay nada disuasorio en este tomo para asomarse a Hellboy y disfrutar leyendo un cómic.

Relecturas LXXIX: Los héroes caballeros, P. Cothias y M. Rouge, Zinco 1990

2011-09-14T21:49:00.002+02:00

El hado ha querido que mientras acometía la relectura de la serie "Los héroes caballeros", Glénat haya reeditado en flagrante pequeñito "El Viento de los Dioses". Un cómic que nunca había leído muy estimable y un must have para todos aquellos enamorados de los samuráis. Lo que no es un must have es la edición de Glénat porque el realista, limpio y fino dibujo de Adamov, que a mi me da grima, sufre cual gigantón obligado a meterse en una caja. Su agonía es tan evidente que a duras penas pude terminar la lectura porque sus quejidos estremecían mi corazón. Además, para completar mi aviso a navegantes, VD se compone de 18 álbumes de los que el tomito incluye 5, si bien es una historia perfectamente autoconclusiva. Por tanto, más motivo para este post pues HC es también de Glénat. Además, son sólo 6 álbumes. Ahora, que si esta editorial piensa sacar HC en un integral canijo, que lo guarde hasta que yo esté criando malvas. Máxime cuando la edición de Zinco es buena y barata.

Cothias es un guionista sobre todo de cómics históricos. Lo que explica el que, aunque no es un desconocido en este país, no haya sido muy editado por aquí ya que nos repanpinfla la Historia venga en cómic, en novela (menos) o en peli salvo que sea una versión fantasiosa de la nuestra. De todos modos en HC Cothias no hace exactamente un cómic histórico pues es una adaptación libérrima de "Perceval, el cuento del Grial" de Chrétien de Troyes. Cothias extrae ese legendario y seminal relato del siglo XII idealizado para transportarlo a la Britania (o Bretaña azul como la llaman los franceses) del siglo VI d. C. y lo apuntala incluyendo una versión bastante personal de la historia de Tristán e Isolda y una nueva versión de la Materia de Bretaña. De este modo en HC reescribe la historia artúrica aportando un escenario (hoy ya no tan novedoso) nada medieval, un acomodamiento de la Materia de Bretaña a los hechos históricos (por ejemplo el rey Mark es descendendiente de los irlandeses que al final del Imperio Romano empezaron a invadir la parte occidental de Gran Bretaña) y una serie de ideas originales, como que Merlin y Arturo tengan el mismo aspecto físico, un Merlin más cercano al primigenio, loco y salvaje, que, además, no se lleva bien con Arturo o un Arturo brutal y ambicioso, que no sólo hacen fresca esta lectura de la Materia de Bretaña, sino una de las versiones modernas de la misma más interesante. De este modo el relato de Cothias, aunque místico y heroico, es sucio, bruto, crudo y cutre. No hay espléndidas cortes. No hay caballeros refinados y honorables. La civilización no se construye sino que se cae a pedazos. Así pues, en HC Cothias hace una historia tan interesante como imprevisible a pesar de que discurre por caminos muy hollados, si bien cuenta con la ventaja de que el de Troyes no pudo acabar su relato, cosa que le honra al demostrar que no se limita recontar material de probado éxito.

Gran parte del éxito de la versión de Cothias se debe al profesional pero eficientísimo dibujo de Rouge. Este dibujante es el tipico dibujante francés, realista y trabajador. Con un estilo muy deudor del de Giraud aunque evidentemente sin tanto talento y brillantez, curiosamente cuando, optando por la mancha, se libera de esa influencia su trabajo mejora bastante, y un trabajo de documentación exquisito se curra unas páginas donde el siglo VI d. C. y toda su decadencia y brutalidad son casi palpables. De este modo, aunque sólo es un dibujante mediocre, hace que HC sea tremendamente veraz. La espectacularidad de Rouge no esta en sus dibujos o en su narrativa, pues es un simple artesano, sino en que ha plasmado brillantemente sobre el papel tanto la brutalidad, la suciedad y la decadencia de la (re)caída de la provincia romana de Britania en el tribalismo y en el paganismo como una naturaleza hostil y exhuberante. Así, el relato de Cothias gana en vigor e interés por el contraste que establece entre la historia de Perceval, un relato de heroísmo y misticismo, y el ambiente brutal (no porque el siglo XII del de Troyes no fuese así sino porque tenía reglas y cierta finura) en que se desenvuelve. Así, recuerda a la lucha del misticismo budista en un ambiente decadente, cruel y sórdido motor de la recién republicada "El Viento de los Dioses". Por tanto, dado que Zinco sólo, desgraciadamente, pudo publicar los 2 1º álbumes, Perd-Cheval y La Osa Mayor, se puede deducir que el desenlace de "Los héroes caballeros" es, por lo menos, notable. Ojalá podamos verlo pronto, llevo esperando más de 20 años.

Videados 101: Pink flamingos, J. Waters 1972

2011-09-11T01:39:00.003+02:00

En Madrid se está celebrando no sé qué cosa que ha invitado a J. Waters. Aprovechando este acontecimiento la Filmoteca madrileña ha programado algunas de sus pelis. Como resultado he podido videar "Pink flamingos" (la versión de su 25 aniversario), peli mítica más que de culto que ensanchó las fronteras del cine y anunció la revolución de los contenidos basura de los 90. Un sueño cumplido de forma inesperada pues desde mi tardoadolescencia he querido videar esta peli por su fama de transgresora y desagradable.

El valor cinematográfico de PF es nulo. Esta hecha con 2 duros por aficionados de modo que es una sucesión de planos generales fijos donde más que actores, colegas del director han tenido la amabilidad no solo de aprenderse el guión sino de recitarlo delante de una cámara para ser inmortalizados diciendo disparates. No obstante J. Waters muestra que ya tenía algo de estética y sentido visual pues cuida la composición, elige acertadamente el punto de vista para rodar las escenas, no transgrede las reglas narrativas cinematográficas clásicas (algo habitual en lo primerizos) y consigue que el pulso narrativo no decaiga. En mi opinión no muestra tanta pericia como guionista ya que su escrito es muy literario. También es que lo veo con ojos posmodernos. Es decir, acostumbrado a un cine más visual y menos oral que aquel con el que creció J. Waters y el que se hacía allá por los 70. El argumento es genial y es un gran acierto convertirlo en una fábula con aires de comedia disparatada, pues eso ayuda mucho a PF a superar todas sus enormes carencias, pero muchas veces el parlamento excesivo y redundante alarga las escenas. En ese sentido con la pluma J. Waters no muestra tanto sentido visual como con la cámara. No obstante el guión es perfecto pues cuenta con acierto lo que quiere contar sin errores, incongruencias o enormes agujeros argumentales, eso no se puede decir de la mayoría de los guiones de los blockbusters. También decir que la musicalidad de la que hace gala el ya consagrado J. Waters ya está en PF. La BS es muy buena y encaja perfectamente tanto con el tono como con el movimiento de las escenas en las que participa.

PF es ya un clásico y una peli histórica más que por revolucionaria, su senda apenas se ha seguido y su transgresión ha sido superada por los tiempos, porque tiene un enorme valor sociológico. No sé las intenciones que tenía J. Waters cuando la hizo. No sé si además de querer divertir y de revindicar a los marginados por la sociedad estadounidense, sus líneas autorales que están ya, visto lo visto, desde el principio de su obra, quiso anunciar el advenimiento de una sociedad que rinde culto a la basura. Criticar no porque J. Waters nunca lo hace, es muy educado y gay (se cuida mucho de hacer lo que la sociedad hace con él), se limita a hacer que sus pelis sean un espejo de aquello que la sociedad estadounidense tiene en su interior que guarda de mostrarlo al exterior. En fin, no sé si anunciar el culto a la basura por la sociedad occidental era la intención del de Baltimore o es una lectura mía realizada desde la posmodernidad, mi heroica acompañante no la vio pero no le pareció disparatada. Sospecho que es así puesto que el título, PF, no se refiere a ningún pj de la peli sino a un elemento decorativo industrial y, por tanto, signo y símbolo de un modo de vida-sociedad. El caso es que PF hoy parece que lleva al paroxismo aquella profética frase de Warhol: "En el futuro todos seremos mundialmente famosos durante 15 minutos". El futuro de Warhol y Waters es nuestro presente. Mucha gente ha trabajado por ello, desde científicos hasta paletos. Eso hace que hoy PF haya mutado de peli escandalosa y burlesca a fábula sobre el hecho de que la vulgaridad, la ordinariez y el mal gusto son también vías hacia la fama y el dinero. Algo que en los 70 no era la certeza que es hoy. Los protas de PF son caricaturas de white trash, basura blanca, pobres blancos estadounidenses que averguenzan a los demás blancos estadounidenses por ser tan pobres como los negros estadounidenses, que consiguen la fama-reconocimiento social siendo los más desagradables, pervertidos y villanescos de modo que descubren a sus semejantes, entre los que está B. Esteban, que hay vías alternativas para obtener aquella. Que no sólo hay vías burguesas y virtuosas. Que la virtud no vende (por mucho que se empeñen los de la JMJ). Que ser chabacano y desvergonzado mola mazo. Que si la falta de talento, de oportunidades, de cultura o de ganas de esforzarse les impiden lograr la fama la pueden conseguir siendo ellos mismos, "basura", de forma radical. Lo cual hace que PF me recuerde al Dadá pues también entroniza un báter. Esto en el fondo es transgresión y rebeldía contra el orden burgués pero en la superficie no lo es porque aquel se prostituye por dinero y paz social y la "basura" sólo busca ser aceptada y acceder al modo de vida burgués. La última escena de la peli sintetiza todo eso de forma elocuentísima. Divine, la musa travesti de J. Waters (llamado equivocadamente el Almodóvar de EE.UU. por los paletos de España pues el español es posterior e inferior aunque ha sabido evolucionar), se mete en la boca una mierda de perro (real no digital) para demostrar que está dispuesto a todo para alcanzar la fama. No es eso lo mismo que pretender a carcamales monstruosos como M. Díaz o R. Jurado o convertir la propia privacidad en algo público? Qué es más sucio, lo que hizo una vez Divine o lo que hace diariamente la Esteban, la mal llamada princesa del pueblo? Creo que lo segundo. Aunque quizás simplemente sea evolución.
Así pues, PF, ya que es una historia caricaturesca y pueril de humor grueso, es una fábula sobre una sociedad que celebra, por diferentes motivos, la vulgaridad, la ordinariez y lo chabacano. Creo que no es decadencia sino falta de autocontrol y de sentido provocado por la preponderancia del espectáculo, la igualdad mal entendida y el dinero. No creo que sea un síntoma posmoderno sino que el capitalismo de masas y los artilugios audiovisuales han dado notoriedad a algo que existe desde hace siglos: la zafiedad y la endogamia de la "basura" así como la búsqueda de morbo de los apocados y soberbios burgueses. Lo que hace J. Waters con PF es ponerlo de relieve y por eso su peli ahora, que la sociedad es más libertina que cuando se estrenó, es aceptada y aplaudida por sus sectores más modernos.

Pero bueno, que PF es una peli exagerada y excesiva a la que las ganas de divertir de J. Waters domestican hasta convertirla en una parada de monstruos moderna donde, como antaño, la sociedad disfruta de los freaks que alberga sin pararse a pensar. Así pues, no es una peli transgresora (para empezar Divine es tan familiar y clasista como lo puede ser cualquier estadounidense blanco de bien) sino desprejuiciada y desvergonzada con pjs de cuento que no subvierte sino que celebra el mal gusto que la humanidad siempre ha tenido, solo que antes no lo exhibía por vergüenza social y por ser más ordenada. Por eso, a pesar de que a Buñuel le hubiera encantado (la vio?) es menos inofensiva y audaz que "Un perro andaluz". PF no es más que la encarnación moderna del espectáculo bufo. Por el pueblo para el pueblo. Por tanto, sus imágenes son inofensivas a pesar de que son bastas y sórdidas. Hay por ahí material mucho más desagradable todos los días en la tele de modo que eso no les eche para atrás. PF lo que hace hoy es hacer reír mediante la caricatura y el disparate, la celebración infantil de la grosería-carnalidad y freaks (no hay que olvidar que en 1972 para muchos un gay era uno de tales) que buscan ser aceptados por su sociedad mediante dementes métodos, los cuales son filmados con la ternura que posteriormete emuló Sardá sólo que en J. Waters estos no son reales sino ficticios. Así, "Pink flamingos" simplemente es una peli para todos los públicos adelantada a su tiempo.

Los Vengadores: La Cruzada de los Niños. Revindicando a los detractores de Bendis.

2011-09-08T21:17:00.001+02:00

He llegado a esta grapa por tener alguna que echarme a la boca y porque su premisa, la búsqueda de una Bruja Escarlata desaparecida del UM desde hace como 5 años, me parece muy interesante. Es decir, no he leído la efímera serie regular de los "Jóvenes Vengadores". No lo he hecho porque en su momento no daba a basto y cuando ahora puedo, pues el tema me parece muy lejano y he aprendido que puedo vivir sin él.

En fin, no pensaba postear este 1º nº -por cierto, por qué Panini pasa de poner la extensión de las series limitadas? Olvido, dejadez o técnica de venta? Hecho de menos ese x de 5, por ejemplo, de antaño- pero es que el guión de A. Heinberg me ha sorprendido porque revindica a todos los que denunciamos que Vengadores desunidos es una historia sin fundamento e incoherente con el pasado. Antes de extenderme un poco sobre este particular decir que el guionista hace un trabajo aceptable. No cuenta mucho pero lo llena todo de palabras de modo que, aunque dedica toda una grapa a poner en marcha el motor y lo hace con tópicos, al menos proporciona lectura y presenta eficentemente a los pjs y al contexto y sabe como se ha de terminar una grapa. Lo peor es que me parece un guión bastante impersonal más allá de hacer explícita la homosexualidad (aunque no sé si un semiskrull puede ser gay; ya puestos, si se ama a un alienígena macho, se es homosexual?). Su personalidad quizás se vea en que su historia es una critica al denostado aunque popularísimo trabajo de Bendis. Esta grapa denuncia las debilidades de la historia que puso punto y final al viejo-clásico UM. Wiccan, el posible hijo de Wanda (para cuando una reedición de esa historia en MG?), reprocha a los vengatas que hayan demonizado a una compañera suya a la que conocen muy bien. Cómo es que una vengadora experimentada y heroica enloquece repentinamente? Cómo es que un trauma del pasado superado la desquició sin una causa que lo reflotase teniendo en cuenta, además, su probada fortaleza mental? Por qué los vengatas la culparon a ella sin investigar si la poseía alguien, era un clon, provenía de otra dimensión, etc? A lo que yo añado, qué clase de pericia tienen los vengatas cuando fueron incapaces de ver la peligrosidad de la Bruja Escarlata, alguien que estuvo en sus filas durante años y llegó a ser su líder? El otro punto crítico del guión de Heinberg es sobre la arbitrariedad de la muerte en el mainstream. Por qué unos mueren (a menudo) y otro no? Por qué unos resucitan (a menudo) y otros nunca? Por qué unos lo hacen rápidamente y otros no? Ya ha resucitado al Hombre Maravilla y a Clint Barton, por qué no a mi padre? Este punto del género superheroico no me parece un error per se. Los universos ficcionales compartidos son anárquicos. Esto ya pasaba en la mitología griega. Heracles llegó a ser dios y Teseo resucitó (fue sacado del Hades por Heracles pero en cambio su amigo Piritoo no) pero otros grandes héroes como Odiseo o Perseo permanecieron muertos. Hay que asumir que el UM es un ente vivo e industrial, es decir, cambiante y sujeto a las modas y a la popularidad. Así, la arbitrariedad de la muerte en el UM no es un error de Marvel sino del que pretende que aquel es un ente coherente e inmutable. No sé como terminará esta historia. No sé si enmendará la plana al trabajo fundacional de Bendis (lo que de por sí demostraría la endeblez del nuevo-moderno UM que algunos denunciamos) o al final se justificará el capricho de Bendis para demostrar que la editorial nunca se equivoca, pero al menos siempre quedará como testimonio de lo poco creíble que fue y es Vengadores desunidos.

En cuanto al apartado gráfico hay que hablar de J. Cheung, un viejales en estas lides cuyo estilo lleva años inmutable. Este dibujante es el poseedor del estilo amerimanga más aceptable que existe. Su síntesis es perfecta por equilibrada y atractiva. Así, su dibujo es pulcro, estilizado y armonioso. Muy agradable a la vista aunque aburrido ya que todos los pjs tienen la misma anatomía y la misma cara, no se trabaja los fondos y no ha cogido nada del dinamismo y la espectacularidad de la narrativa del manga. Su trabajo es bonito, muy, pero innane. Esta limitación resalta más en este cómic porque el guión de Heinberg es moroso y topicón y porque en él se encuentran pjs de diferentes generaciones. El que el Capi o Ms. Marvel parezcan tan chavales como los JV resta credibilidad a la historia. Pero bueno, este es el típico fallo del estilo mainstream. Pocos dibujantes pueden hacer algo más que figuras apolíneas (aunque muchos ni siquiera lo hacen bien).

En fin, una grapa interesante destinada a todo aficionado a los vengatas. A los viejos porque promete resolver muchas cosas que ellos llevan reclamando desde hace años y a los nuevos porque los protas son pjs recientes y porque la historia asume todo lo nuevo. No es un viaje al pasado ni un ejercicio de nostalgia. Parece la típica historia que se hace para arreglar un desaguisado pasado. Algo usual en el mainstream. En fin, "Vengadores: La Cruzada de los Niños" no esta mal, tiene un aspecto bonito y pinta interesante así que tiene todo lo que debe tener una grapa.

Una de breves: Cube y Nirvana

2011-09-02T04:37:00.002+02:00

Cube, V. Natali 1997

Esta peli no la había videado desde que fui a su estreno. En su momento me fascinó bastante pero ahora no me parece más que una peli sencilla muy bien hecha. Le dedico un comentario porque merece que se la revindique ya que hace poco he videado "Días extraños" y "Starship troppers", pelis de CF de la época con más presupuesto y con importantes nombres (Cameron y Verhoeven respectivamente) detrás, que me han parecido más flojas que esta, en parte porque han envejecido mientras que "Cube" no.

Esta es muy sencilla. Roza la simplicidad, un decorado, un puñado de actores desconocidos, un guión lineal y bastante convencional, austera en FX y modestia formal, pero es una peli funcional y efectiva que se mantiene lozana gracias a que parte de una gran idea modesta y a su nivel de abstracción. La gran idea modesta permite montar una peli de CF con 4 duros sin que esta se resienta. Así, aunque la historia es simple y los diálogos son anodinos y convencionales entretiene de principio a fin porque esta muy bien estructurada y desarrollada y porque mantiene siempre el misterio. Esto se combina con su nivel de abstracción, que no es más que la total ausencia tanto de marcadores temporales, es decir, esta peli podría haberse rodado ayer, nada hay que la señale como un producto de su época, como de respuestas, probablemente para compensar un guión flojo y no estropear lo construido con certezas que a muchos espectadores habrían disgustado al no ajustarse a sus gustos. Así, nadie sale decepcionado con el final salvo por la elección del superviviente. El único pero que se le puede poner a "Cube" es su poca ambición. Sólo busca entretener. El argumento daba para más en el sentido de que podría ser más filosófico y más reflexivo. La peli podría haber sido una tragedia a cuenta de las similitudes entre un sistema social y el fatum. Esto hubiera dado a la peli una profundidad que la habría hecho transcender. En cambio, "Cube" se conforma con reflexiones vulgares, superficiales y convencionales. Así pues no tiene mucho alma a pesar de lo bien que retrata la angustia, el competente trabajo de su actores y el impecable trabajo del director. Por tanto "Cube" es redonda y sólida pero corta. Esto la permite sobrevivir al tiempo pero no ser el clásico menor que podría haber sido.

Nirvana, G. Salvatores 1997

Es curioso los parecidos superficiales de estos 2 film. Ambos son del mismo año y sus directores son de origen italiano aunque Natali es estadounidense. No lo he hecho aposta. También videé "Nirvana" por 1º vez en su estreno pero, a diferencia de la anterior, la he visto 1 o 2 veces más. A pesar de eso no es mejor que la anterior. La reseño aquí para que este post no quede breve y porque es una peli desconocida que no esta mal.

"Nirvana" seguramente sea la mejor peli ciberpunk que hay. Su historia no es gran cosa y no destaca filmicamente, pero sí presenta uno de los futuros inmediatos más consistentes y plausibles. Para empezar el motor de la trama son los videojuegos, un tema que a medida que nos hemos ido acercando desde 1997 al presente han tomado cada vez más importancia. La historia es un cruce entre un drama romántico y un thriller ciberpunk. Es sencilla y convencional pero esta teñida de filosofía oriental que la da un tono gafapasta que hace que sea más interesante y se acerque más a la CF canónica que la anterior pues reflexiona sobre la existencia del presente. El primer tema la conecta con las novelas de P. K. Dick y el segundo la acerca a "Matrix". La peli tiene 2 grandes debilidades, C. Lambert en un papel dramático y un motor de los acontecimientos insustancial. Todo empieza con la toma de conciencia de un pj de videojuego por culpa de un virus que pide a su creador que lo borre para salvarle de una existencia que no le gusta que, además, se ve obligado a repetir una y otra vez. El samsara vamos. Pero la peli ni se preocupa por revelar de dónde sale ese virus y ni se preocupa por dar peso al porqué el diseñador del videojuego obedece lo que le dice su creación. Probablemente el error esta en haber optado por explicarlo implicitamente, pues hay cosas que no se pueden expresar con palabras, a través del Lambert. El resultado es que por culpa del transmisor el mensaje apenas es audible. Por lo demás la competente construcción de un mundo futuro ciberpunk (cosmopolita, urbano, duro, desigual, violento, tecnificado y sin estados) deudor, por supuesto, de "Blade runner" con un presupuesto justo, un desarrollo de la historia efectivo y el paralelismo entre el budismo y la trama de la peli (la búsqueda del nirvana tanto por el pj como por su diseñador para escapar de una existencia dolorosa e ilusoria), que la dota de un tono intimista y filosófico, hacen que "Nirvana" entretenga de principio a fin al dar empaque e interés a una trama sencilla, lineal y poco novedosa.

DV8

2011-08-26T01:31:00.006+02:00

DV8 fue lo primero que compré de Image. Ya no recuerdo por qué lo hice, a mi por entonces W. Ellis no me decía nada (y ahora que sé quien es tampoco) y el dibujante de los 1º nº es H. Ramos que siempre me ha parecido malo y con un estilo horrible, pero el caso es que me gustaba bastante. Recuerdo que por entonces conocí a un tipo que había dejado los cómics al cumplir los 18 (es increíble que haya gente que lo haga por ese motivo, yo ya he conocido a 2) y quería volver así que me pidió recomendaciones. Ya no recuerdo qué títulos le dije salvo este. Me acuerdo de DV8 porque luego me echo la bronca por habérselo recomendado diciéndome que no sabía cómo me podía gustar un cómic tan malo. Sobre gustos... pero, además, no es lo mismo entrar en el nº 1 que en el 10 (no recuerdo exactamente cuál fue el nº que se leyó pero sí aproximadamente). En fin, que este supergrupo me cae muy simpático así que el tener noticias de ellos tras 12 años me ha hecho releer lo que se ha publicado aquí de DV8 además de pasar por caja.

Aquí se publicó en grapa, corrían los estertores del siglo XX (1997-9) y por entonces nadie tenía la osadía de cuestionar el formato divino. Tuvo 23 nº y cerró por falta de ventas. Quedaron fuera 9 nº más, 2 anuales y algún que otro nº especial.

Los 1º 8 nº los firman W. Ellis, H. Ramos, M. Lopez y J. J. Kirby. El 2º es el dibujante regular y los 2 últimos le cubren las espaldas. Esta etapa no tiene rumbo (puede ser que el ritmo del guionista sea muy lento). Ellis se limita a hacer historias autoconclusivas sin pretensiones salvo la de impactar. Era la época. Había que ser sórdido, gore e inmoral a toda costa. Hoy en día parece todo bastante pueril pero en su época tampoco es que fuese fuerte (para mi sensibilidad). Estos nº se dejan leer pero no darían tan penosa impresión si no estuviesen dibujadas por un Ramos malo y primerizo ya que sus páginas son tan alienas que es imposible conectar con la historia y su dibujo es tan burdo y caricaturesco que ya podía escribir lo que quisiese Ellis que no iba a funcionar. Lo que tienen estos nº es el valor de la singularidad. DV8 es un supergrupo villano de adolescentes. No de opereta sino los que trabajan para el gobierno (un villano para casi cualquier estadounidense ya desde antes de constituirse EE.UU.). Así, son una especie de niños-soldado mal criados, lo cual es una vuelta de tuerca que aún hoy sigue siendo novedosa. Pese a lo dicho hay 3 grapas interesantes. La nº 2, donde Ellis presenta un supergrupo inspirado en La Familia de Manson que sirve para poner de manifiesto que por muy malos que son los DV8 aún los hay peores, la nº 3, con dibujos de M. Lopez es una historia de Fantasía convencional pero bien narrada y que cuenta con un dibujo realista primerizo pero atractivo e interesante con un entintamiento que le da elegancia y personalidad, y la nº 8, una historia lejanamente inspirada en "Akira", donde Ellis vuelve a enfrentar a DV8 con otro reflejo suyo, esta vez de origen soviético, convencional pero bien escrita que es la mejor grapa de toda la cole, al menos de lo publicado aquí, gracias al estupendo trabajo de J. J. Kirby.

Desde el nº 9 hasta el 23 el guionista es M. Heisler primero haciendo pareja con J. J. Kirby y luego con A. Rio. Ignoro porque se fue Ellis pero Heisler continua con lo establecido por él, que no eran una hipoteca pues aquel apenas había hecho algo. La cole sigue igual de mediocre pero ahora sí tiene rumbo y es más dinámica. Ellis había hecho que DV8 se replantease su papel y su camadería. Esto es lo que utiliza Heisler para que durante su etapa el supergrupo deje de ser uno de villanos para trabajar para un gobierno más amable y con una incipiente ética. Es una etapa bastante clásica que es entretenida pero rutinaria. Lo interesante es que Heisler consiguió hacer a los DV8 bastante sólidos con lo que se hacen simpáticos y así dio un motivo para seguir una cole que sólo destaca cuando la dibuja J. J. Kirby. Este dibujante se encarga del intervalo (9, 13). Su trabajo tiene fuerza y atractivo porque, aunque lento (o vago?), es elegante, atractivo y personal y cuida bastante la composición de página. Le sustituyó brevemente T. Raney, que se encarga de la saga más transcendental para DV8 del material publicado aquí, y luego J. Johnson, que se encarga de la aparición de Grifter como estrella invitada. A. Rio (19, 23), el nuevo dibujante regular, es un clon barato de Campbell (un intento de imagizar la cole para salvarla de la quema?), con lo que vulgariza la cole de modo que pone en evidencia el mediocre trabajo de Heisler a parte de que lo perjudica ya que, por su torpeza y limitaciones, es incapaz de defender los guiones de este.

DV8, a parte de en crossovers, apareció como villano en España también en una miniserie de Black Ops totalmente olvidable por innane aunque dibujada con decencia.

Ahora saltamos 12 años hacia el presente. Norma publica en un tomo la saga Dioses y monstruos a cargo de B. Wood y R. Isaacs. Como lo hace de forma espartana, no tengo ni idea de qué ha pasado entre lo publicado en España y este tomo y tampoco si este tomo continua pues es una saga que trata de iniciar algo. D&M es entendible por sí mismo pero ya no no sé si es disfrutable o interesante si se desconoce al DV8, ya que da por hecho muchas cosas y B. Wood no hace mucho esfuerzo en presentar a sus miembros. La historia obedece a la interesante premisa de qué son los superhéroes, dioses o monstruos? DV8 son trasladados a un planeta habitado por humanoides con una cultura ágrafa y una tecnología que apenas controla la fundición del hierro. Lo que es un argumento más cercano a la CF (recuerda a "El poder de un dios") que al mainstream. Allí, las diferentes tribus los acogen como dioses y los exigen que se comporten como tales. Así, los DV8 transforman a las tribus según la personalidad de cada cual lo que desencadena una guerra mundial pues los miembros del supergrupo más ambiciosos y crueles empujan a los demás a defenderse.
La historia no esta mal aunque esta muy estirada, se podría haber reducido a la mitad perfectamente y habría quedado más redonda y sólida, y las enormes posibilidades que tiene el análisis de la influencia del superhéroe en las sociedad de las que forma parte y de esta en él apenas es desarrollado. Pero al menos Wood trata de ir más allá de lo habitual y proporciona una propuesta intelectual alejada de las simplicidades e infantilismos que ofrece hoy el mainstream en general que apuesta por la ética y el sacrificio como el único modo de llegar a ser un superhéroe.
El tomo esta dibujado con solvencia pero demasiado ligeramente. Apenas hay fondos y a duras penas la dibujante es capaz de hacer más de 3 viñetas por página. No sé si es su culpa o es el story que le impone el guionista pero esta es la principal causa que estas grapas sean ligeras como la espuma. El tiempo de lectura de cada grapa es de 6 mintuos más o menos. Demasiado poco para una historia con potencial. Lo cual la perjudica pues esta claro que con la misma extensión pero con más viñetas por página la cosa habría ido a más y hubiera podido transcender. Con el espacio tan poco aprovechado esta genial idea de Dioses y monstruos sólo se queda en eso al no poder cuajar. A destacar las portadas de F. Staples. Una pena que en tomo no luzcan como merecen.

Pues eso es lo que hay de DV8 publicado en español. Trabajos mediocres pero interesantes porque la cole tiene un enfoque singular que permite abordar el género superheroico desde otro ángulo. Así, se pueden contar las mismas historias pero con sabor diferente. Una pena que esto se pierda como lágrimas en la lluvia ya que no parece que DC se vaya a acordar de DV8 a pesar de que este supergrupo encaja bien en un intento de cambiar y rejuvenecer el género pues sus miembros son jóvenes (15-20 años) que se enfrentan con dilemas éticos y a un mundo que los empuja a ser crueles y egoístas. Cualquier joven puede encontrarse reconocido en Copycat, Frosbite, Sublime, Bliss, Treshold, Jocelyn, Evo y Powerhouse. Unos jovenzuelos obligados a ser adultos antes de tiempo y arrojados sin ser consultados a un nido de víboras.

Una de breves: Las Guerras Asgardianas, B. M. Bendis y A. Davis, Panini 2011

2011-08-18T00:32:00.003+02:00

Ya saben que Bendis me parece un muy mal guionista pero que eso no impide que le lea de vez en cuando. Esta vez fue por Thor, por la grapa y por A. Davis. El resultado no me ha decepcionado, es decir, Bendis hace un trabajo tan malo como siempre.

El caso es que Bendis no empieza nada mal. Un argumento simple y convencional muy bien llevado y vehiculizado por unos pjs carismáticos, en especial Iron Man, y sazonado con la típica ironía bendisiana, la cual aunque graciosa a veces lo único que hace es torpedear la atmósfera. Pero una cosa que distingue a Bendis es que no sabe cuando se esta disparando en el pie. La épica y la tensión no son compatibles con el humor pues este las torna en comedia. Así, la historia se lee con mucho agrado en sus primeras 4 partes a pesar de que el simple argumento esta muy estirado. Nos damos de bruces con el suelo en su 5º y última parte, cuando nos damos cuenta de que Bendis esta más allá de la redención. Pase, a estas alturas se asume, que esta miniserie no tenga encaje con lo narrado por Guillen. Parece que hay que leerlo tras el final del anterior volumen de "Thor". Justo antes de ponerse con la cole actual del dios del trueno nórdico versión Marvel. Cómo encaja la Hela que obtiene un señorío de Mefisto con esta? Cómo pueden ser la misma la Hela que pide ayuda a Thor para salvar a su señorío con la de esta miniserie? Son detalles que no interesan a Bendis (seguro que ni se ha percatado de ellos) que se podían haber resuelto con algunas viñetas. Por otro lado, la historia funciona utilizando las cosas sólo cuando conviene narrativamente. Thor pierde el martillo pero no se molesta en buscarlo aunque nadie puede hacerse con él y a pesar de que su paradero esta muy claro. Tiene que aparecer La Encantadora como deux ex machina (que nadie sabe como sobrevive a un enfrentamiento con una espada capaz de transformar los 9 Mundos) para que lo recupere. Por último hay incongruencias. Thor responde a la pregunta de porqué vuelve a ser por enésima vez el Héroe restaurador del status quo con: usar este poder sacrílego para mis propios deseos me convertiría en un demonio igual que ella. O sea, Thor deja Asgard en Midgard porque estaba así antes de empezar la miniserie olvidando que fue su propio capricho el que puso la ciudad divina en la Tierra. Lo que fue, además, la razón de "Asedio", así lo entendí yo, y es el motor de la 1º saga del actual volumen de "Thor". Esta claro que Bendis no ha vuelto a leer un cómic de Thor desde el final de la reputada etapa Simonson (la cual proyecta una gran y oscura sombra sobre esta miniserie), ni siquiera los suyos, y a casi nadie le importa. Así pues, GA es otra historia típica de Bendis, argumento simple, buenos diálogos, buen humor, incongruencia, narrativa forzada y desastroso final. Bendis sólo mola mientras no esta desarrollando su argumento. En cuanto la historia empieza a desenlazarse la mierda empieza a entrar por todos lados.

Afortunadamente no todo es malo en esta miniserie pues tenemos en ella al mejor A. Davis, con su fiel escudero M. Farmer, de los últimos años. Yo creía que este dibujante ya estaba de vuelta pero aquí demuestra que no, de modo que hoy por hoy sigue siendo el mejor. Lo que no entiendo es la motivación que ha encontrado en esta miniserie porque a un sabio como él no se le ha podido pasar el patatero guión de Bendis. En estas páginas A. Davis hace un trabajo como siempre sobrio, nunca se luce ni busca la espectacularidad, pero fabuloso dado su talento y experiencia. Lo que más me ha gustado ha sido como ha impuesto su narrativa a Bendis. En esta miniserie, salvo momentos puntuales como la secuencia del ojo, no tenemos la narrativa que aquel impone a los dibujantes sino la de A. Davis en estado puro. Así, tenemos una historia perfectamente narrada en imágenes y la mejor revindicación que se podía hacer de La Encantadora. Y exitosa además a juzgar por lo que dice el palmero de J. M. Clemente, Fraction la va a usar. La Encantadora es un secundario importante de Thor olvidado por los guionistas de su serie regular en particular y por Marvel en general. Algo que la labor A. Davis ha demostrado que ha sido un error pues su pericia hace evidente su potencial. Un acierto del dibujante pues J. M. Clemente nos cuenta que su inclusión se debe a este y no a Bendis. Lo cual deja la sospecha de que (casi) todo lo bueno de esta miniserie se debe al gran A. Davis. Desde luego el aire de aventura, la inclusión de tías buenas y el dinamismo y el clasicismo de la historia (GA es seguramente lo más clásico que Bendis ha escrito para Marvel) huelen a A. Davis y no a Bendis.

La edición de Panini afortunadamente ha sido en grapa con lo que se demuestra la salud de este denostado formato, así como que es el mejor vehículo para publicar el mainstream más popular. Sólo le pongo 2 peros. El 1º que no ha puesto por ningún sitio que era una miniserie de 5 y el 2º el título. Si bien el original no tiene, algo así como Primeros/Principales Vengadores, mucho gancho, el de Guerras Asgardianas no es muy ajustado y apesta a nostalgia. Si con A. Viturtia teníamos que padecer la nostalgia de Vertice, con J. M. Clemente la 1º época de forum. Lo que hay que hacer es tratar las cosas como son y no intentar disfrazarlas con nuestra añorada juventud perdida.

En conclusión, GA es una miniserie que tan solo se deja leer porque al ir de más a menos deja en evidencia todos sus fallos. Por otro lado, no tiene fácil encaje con "Thor" y tampoco se presta mucha atención a la relación intervengatas, el motivo principal de la miniserie. La resolución de las diferencias entre Iron Man y el Capi, que, no olvidemos, llevaron este último a la muerte, con la mediación de Thor y vehiculizada por un conflicto apenas es tratada por Bendis. Quien, demostrando su buen hacer, hace que vayan por separado la 1º mitad de la historia. Unos chistecitos (con hedor machista) y un poco de camadería chusquera y problema arreglado. Muy pobre. Así, GA queda como una miniserie alegre a la vista y divertida si se lee sin pensar porque si no, no es más que una mediocridad sin más justificación que un A. Davis espléndido.

Top 7 de las pelis videadas este lustro

2011-08-12T23:11:00.003+02:00

Pues con este post termino los fastos que celebran mi primer lustro como bloguero. La elección de este top ha sido muy dura pues el criterio de selección de las pelis que posteo es mucho más exigente que la de cómics por lo que he tenido que dejar de lado algunas que podrían estar aquí perfectamente. Además, otras no estarían aquí de haber caído en otros años. Por eso aunque pensaba que fuese un top de 6 al final ha tenido que ser de 7. No obstante, todas las que hay aquí me entusiasman aunque no todas tienen la misma calidad o repercusión.

La naranja mecánica. Es la peli que más me gusta de Kubrick. Me parece impresionante visualmente, vandálica y desprejuiciada. Una sangrante broma que se mete con el sistema y la burguesía que defiende que si no se puede hacer el mal entonces es que no hay libertad. Una peli poderosa y fascinante, un must watch en toda regla, con un M. McDowell inconmensurable y, como todos los clásicos, siempre vigente como muy bien demuestra lo acaecido la semana pasada en Inglaterra. Y es que siempre los jóvenes han vivido en un sistema de y para viejos de modo que siempre que este hace aguas, se lanzan a la calle para conjurar su aburrimiento y coerción y de paso a ver si castran a Urano o destronan a Cronos. Tanto este último como Zeus eran el hijo pequeño. Antes se castraban hermaios, hoy se rompen escaparates.

Los violentos de Kelly. Es una peli que me entusiasma desde pequeño. Es la mejor peli bélica crepuscular. Es decir, ya no es una oda a los ejércitos aliados vencedores en la última gran guerra europea sino que es una obra picaresca. Ya no hay grandes causas e ideales, todos los oficiales son incompetentes y lo que mueve al mundo es la codicia. La guerra ya no es un asunto de estado sino un mar revuelto del que hay que pescar todo lo que se pueda. Los héroes son villanos pues han descubierto que son simples peones a los que se mueve para ser sacrificados y no para comerse nada. Es simplemente otra historia que cuenta que los hombres vulgares armados y sometidos a situaciones de estrés despojados de ideales y de gregarismos lo único que conciben es la rapiña. El soldado típico de antes de los ejércitos estatales. Una buena comedia negra a costa del militarismo ingenuo que olvida que la guerra es un fracaso que responde a altos y privados intereses y una cosa muy sucia. Por tanto una de las pelis bélicas más realistas que existen. La guerra simplemente es una broma muy pesada y negra.

El ángel exterminador. Para mi la mejor peli de Buñuel. Surrealista y fascinante. Singular y crítica. Una peli sencilla que llega muy lejos gracias a la imaginación y creatividad de Buñuel, el mejor director de Cine español. Así, es un gran clásico, los náufragos de la calle Providencia es la humanidad, que soporta lozano el tiempo y los videados. Una peli que muestra que todo es un sin sentido pues el sentido es algo que viene de nosotros, por tanto a este hay que tomárselo con sorna, y un canto a la cooperación y a la tolerancia.

Apocalipsis now redux. Magnífica peli. Cine Total. Lo que las obras de Wagner son a la ópera. Grandilocuencia, pedantería y ambición pero también belleza, emoción y transcendencia. Un relato catárquico en busca de redención y orden. Un esquema primordial para vehiculizar ansias modernas. En fin, otro must watch inagotable y sobrecogedor que nos habla de nosotros mismos, por eso es otro clásico.

El bueno, el feo y el malo. Gran peli y una de las fundadoras del cine moderno. Las formas es lo único que importa. Todo se supedita a la imagen. Los personajes y los acontecimientos se incluyen en el guión por su espectacularidad y su visualidad y no por su pertinencia narrativa. Así, se llega a una historia simple pero excesiva, sencilla pero larguísima, sobria pero impresionante con el mejor clímax de todos los tiempos. Otra comedia negra a costa del heroísmo y el sistema que lo debe todo a Leone y Wallach. El triunfo de la imagen y del autor sobre la historia. El Arte Moderno llega por fin al Cine.

El planeta de los simios. Una de las mejores pelis de CF de todos los tiempos pues se ha mostrado insuperable. Una parábola sobre la bestialidad humana que, a diferencia de las que la acompañan en este post, cree en el Héroe. No puede ser de otra forma pues él es el inconmensurable C. Heston. Una peli modesta pero que como exprime al máximo sus puntos fuertes, C. Heston, el maquillaje y la desolación de las localizaciones, y cuenta con uno de los mejores finales del Cine se ha convertido en un clásico por encima de los géneros. Pues esta es otra, esta peli es otra de muchas que demuestra que no hay género menor o presupuestos justitos, sólo artífices menores y falta de ambición.

Terror en el espacio. La más floja de este top pero la dirección de M. Bava es comparable a la de Kubrick o Leone. Una peli de serie B de CF típica de su tiempo pero con toques modernos y una belleza formal impresionante. También es una peli seminal en cuanto mezcolanza de géneros, esteticismo y final ominoso. Como en tantas otras de este post, no hay héroes. En fin, una peli modesta y sencilla pero muy bien contada en imágenes y con personalidad y es que al final lo determinante siempre es la mirada del director, pues él, con libertad y talento, puede neutralizar los presupuestos magros, los guiones formulaicos y las malas actuaciones.

Pues nada, una selección bastante rancia, todas las pelis estan dentro del intervalo (1962, 1979), pero es que seguramente ese fue la Edad de Oro del Cine Occidental. También, en el fondo, los mitos siempre son antiguos.

Critiquita 324: El regreso de Bruce Wayne, G. Morrison et al., Planeta DeAgostini 2011

2011-08-04T03:09:00.004+02:00

Cuando terminé "Crisis Final" me dije que si publicaban aquí esta miniserie en grapa me la hacía. Lo dije sin saber que me iba a encontrar pues no he leído nunca el Batman de Morrison por la sencilla razón de que no sigo a ese pj. Pensaba que iba a ser una miniserie entretenida y autónoma y no ha sido así. "El regreso de Bruce Wayne" es una parte de la compleja y larga etapa de Batman que, cual villano entre las sombras, esta orquestando Morrison. Ni Ozimandias planificó tanto.

RBW empieza donde acaba "Crisis Final" pero no es su continuación o un epílogo. Ni siquiera es una idea loca sin consecuencias derivada de ella. Es una parte importante de la reescritura que Morrison esta haciendo a Batman. El escocés quiere hilar toda la continuidad de Batman (y luego viene DC y...), para horror de todos los anticontinuidad, para actualizarle. Quiere que todo cuente a la vez que quiere que Batman deje de ser el justiciero solitario y taciturno, el superhéroe oscuro que ha sido casi siempre. Razón no le falta. De todos los superhéroes es Batman el que tiene la familia más grande y popular. Es el superhéroe que más ha inspirado a otros para ser villanos (coño, esta teoría se desarrolló dentro de sus cómics) o superhéroes. Por ello esa vocación de solitario es difícil de tragar a estas alturas. Si va por el tercer Robin! Lo mismo que lo de justiciero. Lo de que un tipo llegue a esos extremos porque presenció el asesinato de sus padres de peque hace tiempo que le hace parecer un demente y un psicópata. La intención de Morrison es hacerlo más luminoso. "Hasta el final de la noche" dice Batman en la última viñeta de esta miniserie. Lo cual interpreto como que en ella Batman, aunque se disfrace de oscuridad, es una luz y una esperanza. Morrison, paréceme, quiere acercar a Batman a su idea de superhéroe como divinidad de corte angelical. Un cruce entre un dios olímpico (poderoso pero humano en cuanto a personalidad) y un ángel cristiano (protector y esperanzador) o quizás como el culmen del desarrollo de esa parte divina que muchas religiones dicen que tenemos. Todo lo que ha hecho Morrison con Batman hasta ahora, creo, es reescribirle para que deje de ser un enfermizo vengador para ser un superhéroe más en la línea de Superman, un benefactor desinteresado. Alguien que defiende el Bien porque quiere hacerlo, no por un trauma. Lo que le hace volver no es el asesinato de sus padres sino que Gotham esta en peligro.

A pesar de todo lo dicho la miniserie es autónoma. Leyéndola uno no tiene el sentimiento de que se ha perdido algo o de que no se entera de nada. En eso Morrison demuestra lo calculador que es. Sorprende que un tipo al que se califica de loco en realidad es alguien que planifica mucho las cosas y que lleva años tejiendo una historia a través de series y miniseries protagonizadas por pjs distintos. En el fondo refleja lo poco que conocemos a los autores. Obviamente si uno sigue el tema va a disfrutar más con RBW pues se va a dar cuenta de que es parte de una historia mayor, pero Morrison cuenta perfectamente el argumento más sencillo y superficial (en el sentido de que esta en la superficie, arriba del todo) de modo que cualquier lector ocasional va a pillar lo básico, menos mal, y así poder entretenerse con el cuento. El cual no es nada del otro mundo o sí, porque es un trabajo bien hecho lo cual escasea en estos momentos. Es interesante y original, como todo lo de Morrison, pero no va mucho más allá de eso seguramente porque es una pieza de algo mayor y no una historia independiente si la despojamos de su nivel básico.

RBW es un Viaje del Héroe de libro. En esta miniserie el Héroe viaja muy lejos de su casa y las pasa putas, incluso llega a morir, para volver pero regresa renovado, mejor que nunca. El viaje es temporal, sólo que esta vez es hacia delante, y así podemos maravillarnos con la peculiar versión de la Historia que tiene el estadounidense medio. De la Prehistoria a la Edad Moderna (XVII) y de ahí hasta ahora. Una visión histórica que prueba el carácter inmigrante del estadounidense. No tiene ningún vínculo con América y su historia se cuenta usando estándares europeos. Como RBW es un cómic pop el viaje se hace en los hitos de la historia de EE.UU. sólo que en este caso, como Morrison es escocés, prefiere la época de la piratería estadounidense (principios del XVIII) a la Guerra de la Independencia de EE.UU. (finales del XVIII) y el Oeste a la Guerra Civil de EE.UU. (el primero empieza en la segunda mitad del XIX cuando termina la segunda) y de ahí pasamos al nebuloso siglo XX. Ambigüo gracias a que el tiempo en el mainstream no equivale al de la realidad. Así, Batman fue creado en 1939, no se puede obviar por la continuidad, pero si leemos los cómics actuales tenemos que asumir que nació alrededor de 1980 para poder creérnoslos. Por eso, en ese nº todos van como si fuesen los 50 pero hay detalles (camisetas y videos) que remiten a finales de los 70. El último es en la actualidad, el siglo XXI. Así pues, RBW es una historia más heroica y de CF que superheroica, bien estructurada, contada a saltos (lo que hace que haya episodios mejores que otros a pesar de ser un todo) y, por ello, de ritmo lento para neutralizar las brutales elipsis. Lo usual en este guionista. Sólo el último nº es algo dinámico hasta que en el final Morrison se pone en plan psicológico y explicativo. El resultado es una miniserie correcta y decente cuyo mayor valor esta en su singularidad que no es una historia más de Batman ni tampoco un apéndice de "Crisis Final". De hecho es lo contrario, aquella es un episodio de la etapa de Morrison al frente de Batman (ahora podemos ver hasta donde llegó la mano de Didio). Por eso PDA la ha publicado en la cole regular del pj. Del nº 43 al nº 48. Lo único que queda por saber es el por qué de la fijación de Darkseid por Batman, aunque puede que ya haya sido contado en una historia que lleva narrándose más de un lustro.

El apartado gráfico de RBW esta al mismo nivel que el escrito, correcto y decente. Todos los que la dibujan hacen un trabajo competente y atractivo sin pasar de la mediocridad. Sólo F. Irving (nº 2 EE.UU./44 Es) y G. Jeanty (nº 4 EE.UU./46 Es) estan por debajo de la media. El primero porque no tiene un estilo mainstream y, aunque tiene un gran dominio del color, evita los fondos como el gato el agua y el segundo porque es tan malo que no puede disculparlo su decente narrativa. Por encima estan C. Sprouse, Y. Paquette y R. Sook. Quizás el 2º sea el mejor pero el 1º es más redondo. No puedo terminar este apartado sin mencionar las horribles portadas de A. Kubert por su convencionalismo y un dibujo tremendamente patatero. Mucho mejores, a pesar de no ser llamativas, las alternativas. Malas de escándalo las de Kubert.

Así pues, insisto en que esta miniserie se puede leer por sí misma, otra cosa es que resulte inteligible como primera lectura tanto de Batman como mainstream. También, se puede disfrutar bastante y además, como incluye artículos estadounidenses que intentan clarificar la larga etapa Morrison, uno se puede apercibir de los detalles que se ha perdido por no seguir la cole regular de Batman. De todos modos su lectura, aunque complementaria, no es indispensable pues su autor esta tan despistado como nosotros cuando lo leemos de modo que sirve más para saber que ha pasado en el Batman de Morrison que para saber qué demonios esta pasando en RBW. Algo que aclara el cómic, no de forma explícita y total pues es un cómic de Morrison, en su nº final y más en una relectura completa y seguida.

No obstante el Batman de Morrison me suscita una duda pues aunque especial no es único. Realmente esta bien que el mainstream produzca artefactos tan sofisticados, es decir, con tantas piezas? La ambición de Morrison no sólo es legítima sino también loable, pero es necesario marear la perdiz? Esta muy bien que ya que uno sigue un universo de ficción año tras año que haya cierta continuidad y que ya que atesora los cómics que estos tengan varias relecturas, pero era necesario llegar tan lejos? Para reescribir a Batman es necesario tantas pajas mentales y tanto tiempo? Morrison ha podido hacerlo porque es un flipado y porque es un producto para iniciados, pero es bueno que lo sea? Aunque yo he disfrutado moderadamente con su lectura y con su desafío intelectual me parece un artefacto demasiado manierista. Esta bien que se premie la fidelidad y la afición pero no creo que sea bueno que para hacerlo haya que ser hermético y críptico. No obstante aplaudo a Morrison por construir algo tan complejo, por querer ir más allá y por pensar que sus lectores son inteligentes.

Critiquita 323: Astro City: La Edad Oscura, K. Busiek, B. Anderson y A. Ross, Norma 2011

2011-07-23T04:48:00.004+02:00

Norma acaba de sacar lo que restaba por salir en nuestro país de Astro City. Ha pasado mucho tiempo (6 años) pero la cole sigue igual. Sus autores ofrecen la misma calidad y la serie transcurre por los mismos derroteros y a la misma velocidad. Es un pedacito del siglo XX en los inicios del siglo XXI.

"Astro City: La Edad Oscura" me ha decepcionado. Empieza bien. El 1º tomo esta muy conseguido y parece que va a romper pero por desgracia el 2º tomo vuelve todo convencional y buenista así que de poder ser la mejor saga de AC, al final queda como otra buena mediocridad de la cole. Esta claro que Busiek no es un buen guionista para historias largas. Su gordura lo delata. Es una pena porque sus intenciones y ambiciones eran muy buen material de partida. Busiek intenta hacer algo grande y, además, una certera reflexión sociológica sobre el reciente pasado traumático de su país que fue su juventud, pero al final un mar de convencionalidad y buenismo Midwest lo anega todo impidiendo a esta historia volar. Algo lógico, pues al centrarse en la prosaica y pedestre historia de venganza de 2 humanos el relato no puede más que trascurrir a ras del suelo. Para mi algo frustrante porque los supers que se curran el trío autoral son en general muy interesantes y potentes así que el empeño de Busiek por centrase en el hombre de la calle lo único que hace es desaprovechar todo ese potencial. También eso le frena en aquello que en esta historia hace tan bien, mirar entre las bambalinas del género superheroico. Me parece genial su visión de esos grupos terroristas internacionales típicos del mainstream clásico. En fin, creo que la visión provinciana de Busiek lastra a una serie que podía estar mejor aunque, con todo, él ha hecho que AC sea una de las series superheroicas más interesante de todos los tiempos.

Por su parte B. Anderson sigue igual de tosco y burdo a pesar de que con los años ha mejorado. Su dibujo es malo a pesar de que es capaz de dibujar cualquier cosa. Tiene un pase porque trabaja, se entinta bien y es un narrador clásico bastante competente. Pero eso no le convierte en el mejor acompañamiento para Busiek ya que este, al ser sus guiones pelín rancios, necesita alguien con un estilo más vitalista y alegre. Otro problema que le veo a Anderson es que es demasiado torpe para dibujar los magníficos diseños de A. Ross. Este diseña para sí mismo, por eso sus superhéroes no quedan realmente bien si no los dibuja alguien con un estilo afín y Anderson es demasiado torpe y se autoentinta sucio. Así, los diseños de Ross no brillan todo lo que podrían. Por tanto, para mi, Anderson es un problema pero reconozco que no impide seguir la serie.

Lo que más me ha gustado de estos 2 tomos es cómo son los superhéroes en la época de la penúltima crisis estadounidense (Busiek la encorseta entre 1972 y 1984 pero en realidad comienza en 1967) porque son iguales a los superhéroes de los 90 y a los actuales. Tipos violentos, torturados, amorales, justicieros, temidos y egoístas. Me hace gracia porque Busiek explica a través de los 2 protas el cambio de unos superhéroes blancos e idealistas a otros duros y cínicos con los mismos estilemas que reinaron en los 90 así como lo hacen ahora. Las peleas de superhéroes dejan muertos, los superhéroes son más brutales, los superhéroes pierden de vista que están para ayudar a los humanos sin poderes, etc. Así, La Edad Oscura salda una deuda pendiente del mainstream con aquella época, pues entonces, salvo excepciones como el Green Lantern&Green Arrow de O´Neil y Adams o el Capi de Englehart, este seguía siendo escapista y positivo manteniéndose así alejado de la mayoría de los problemas sociales de su época (Vietnam, drogas, racismo, crisis económica...). De este modo los 90 quedan como algo que debía pasar, aunque como llegaron tarde fueron una simple moda de la que se abomina ahora, y por eso han vuelto. No puede ser de otra forma pues desde el 2001 EE.UU. esta inmerso en otra crisis o en una serie de crisis concatenadas (11S, Irak, crisis económica).

La edición de Norma es buena y barata. Lo acostumbrado en esta editorial cuando decide que esta editando algo de calidad y con buena expectativa de venta. Pero como yo no soy fetichista a mi no me gusta. El mediocre trabajo de los autores no merece ni camisa, ni tapa dura, ni buen papel, ni casi extras. Yo hubiera apreciado más ahorrarme unos eurillos comprando una edición más modesta y más acorde tanto con la calidad de sus páginas como con la vocación pop que tienen.

Así pues, "Astro City: La Edad Oscura" no es una mala lectura. Es clásica, singular e interesante pero no emociona ni alegra la vista. Yo la he pillado por inercia más que nada. Aunque admito que tiene más relecturas que muchas de las historias de superhéroes que se estan editando ahora. Así pues estos 2 tomos son para seguidores de la serie o para la generación forum. Creo que esta obra dejará frío al resto del público, incluso a aquellos que no les eche para atrás Anderson. Con todo he de dejar claro que estos 2 tomos son totalmente autosuficientes, como la mayoría de los anteriores. No es necesario ni haber leído ni tener lo anterior.

POST 666: Una de breves: Superman nº 50

2011-07-20T02:24:00.006+02:00

Yo era como la gran mayoría. Pensaba que los cómics de Superman no eran interesantes debido a su enorme poder y que eran malos debido a su americanismo. Con el tiempo, leyendo alguno que otro, me di cuenta de que no era así. Que Superman tenía potencial debido a su faceta cósmica y no era más patriótico que las demás coles de superhéroes. En ese sentido es un poco como el Thor marvelita. Tiene una faceta cósmica (la de Thor más mítica y la Superman más de CF) y otra humana sobre la que va oscilando. Como con Thor, me sobra esta última. Todo lo de Lois Lane y Clark Kent me parece absurdo. En un principio tenía su sentido pero ahora que el público es diferente (por ejemplo más friki) ya no son necesarios los alter egos humanos (abnegados e íntegros) para engancharnos a la cole. Superman hoy ni es un ser humano ni los valores del Midwest los mejores por tanto resulta ridículo todo lo de Clark Kent. Primero CK le impide ser un superhéroe a tiempo completo (la auténtica vocación de Kal El tal y como se le viene escribiendo desde Byrne al menos) y segundo su matrimonio con LL (algo heredado del pasado e inapropiado para la sociedad posmatrimonial en que vivimos, para pruebas Spiderman) no le hace ni le va a hacer más humano. Por tanto, en mi opinión, CK (como Donald Blake) hace tiempo que debería haber desaparecido. KE debería haberse dado cuenta de que nunca será humano y que el Universo no sólo es la Tierra de modo que debería haber "matado" a CK y ser un ser completo, íntegro, cuerdo, sin dobles personalidades. Creo que el enfoque adecuado para Superman es el apuntado por Morrison en ASS, el de un ser divino, el del dios solar o sol invictus posmoderno. Si es necesario tensión sexual porque eso vende o porque el guionista de turno es incapaz de dar con otras historias pues hay todo un universo para elegir compañías más armoniosas con Superman. Lo que digo no es descabellado ya que DC para su NUDC ha tomado la decisión de acabar con el matrimonio Kent (según Didio siguiendo la sugerencia de la mayoría de los guionistas). Y es que en el fondo los cuentos terminan con el matrimonio, no siguen después de él. Pocos héroes siguen siendo héroes después de casados. Heracles (que se casó 3 veces y tuvo muchas amantes) y seguramente ya. Esperemos que el conservadurismo no se imponga. Hoy el mainstream es diferente por lo que copiar la tradición o buscar reeditar los éxitos pasados no lleva a ningún sitio.

En fin, que se me ha ido la olla. Retomo. Cuando PDA se hizo con DC deseaba hacerme con la cole regular de Superman. No lo hice al principio porque en aquella época era tal la avalancha de novedades mensuales que no daba a basto. Luego no pudo ser porque Busiek y Johns son guionistas que me aburren como escritores regulares. Así que no pude subirme al carro hasta el nº 35 del presente volumen y en él he seguido hasta el nº 50. Un "hito" por el que veo bien que PDA saque pecho ya que es innegable que su esfuerzo le ha costado. La bigrapa de Superman subió este año 50 céntimos mientras que la de Batman no. La lectura es clara. Superman vende poco pero le salva el que PDA tenga como objetivo estratégico que haya grapa de Superman contra viento y marea. De ahí que nada de renumeraciones (pobre PDA las pocas decisiones acertadas que toma con DC se las torpedea la propia DC) y se apechuge con las, presumibles, bajas ventas.

De estos 15 nº no me arrepiento. Algunos meses fue la grapa que más esperaba. Aunque parte de las satisfacciones que me ha dado han sido porque no tengo otras etapas con las que comparar y porque aún soy lo suficientemente ingenuo como para haber creído que esto del Nuevo Kripton iba a ser duradero. La cole en este tramo (35, 50) ha estado pésimamente dibujada. Lo que seguro que ha sido un impedimento en España para que la gente la siga ya que Superman no tiene una gran masa crítica en este país (yo llevo coleccionando superhéroes toda la vida y no ha sido hasta ahora que me he puesto a seguirla) comparable a la que tiene Spiderman, los mutis o Batman. Pero Robinson es un sólido y competente guionista que sabe contar historias y marcar los tiempos así que he disfrutado con una etapa bastante desaprovechada y mediocre. Un punto que yo destaco de su labor es que gracias a su competencia a pesar de no haber leído los nº que inician esto de NK no me ha sido difícil entender lo que estaba pasando o comprender las motivaciones de los pjs. Algo que quizás editorialmente no este bien ya que no me empuja a hacerme con lo anterior. De todos modos lo habría hecho si la historia hubiera sido realmente buena. Hay esta el límite de la buena labor de Robinson. Un guionista, por otro lado, dado su carácter y sus intereses no muy apropiado para Superman.

Lo lamentable de esta historia es que el "histórico" nº 50 es muy malo. Me ha dolido pagar 7€ por una casi pentagrapa tan mala. El final de NV ha sido anticlimático por lo decepcionante que ha sido. No sólo es el desánimo de ver que todo vuelve a su cauce (se ve que eso ya no vale). De descubrir que los cambios son meros movimientos publicitarios sino también que es un final de lo más mediocre (aunque con un dibujo por encima de la media de la cole) al estar narrado sin emoción y ser de lo más convencional. El epílogo de NV es una chorradita para completar como evidencia que su media sean 3 viñetas por página. Robinson no tenía mucho que contar. El resto del nº 50 es un especial de historias cortas de Superman. Todas muy flojas y sin interés. Así pues el nº 50 seguramente sea el peor de toda la cole.

Y ahora qué? Tal vez os estéis preguntando. Pues la dejo. Me gustaría seguir pero es que viene Straczinsky el señor de las espantadas. Me dejó colgado con "Supreme Power" y con "Thor" así que paso de que me lo haga por 3º vez (esto es lo malo de ir después de la edición original). Además, en ese especial que acabo de mencionar aparece el prólogo de su etapa abortada la cual recoge ideas, que Stra no pudo utilizar en Thor, que van por la senda humana. La cual no me interesa como les he comentado en el primer párrafo de este post. Precisamente lo que no quiero encontrar en el mainstream es el costumbrismo y los problemas cotidianos. Yo sigo a los superhéroes porque son gente anormal, no quiero que se muevan por donde yo me muevo o que tengan los problemas que yo tengo. Además, que el enfoque de Stra es demasiado americano y eso va en contra de la vocación universal del personaje (que quizás se la haga desaparecer visto lo visto). Así que mi incursión en Superman se termina aquí. Espero volver para el nº 58, es decir, espero que siga habiendo grapa para cuando lo de Stra termine, porque me temo que mucha gente se va a bajar conmigo y muy pocos se van a subir.

El top 10 de cómics del primer lustro de El critiKrator

2011-07-14T04:07:00.002+02:00

Entre unas cosas y otras se me pasó hacer este post. De hecho creí que ya lo había escrito. En fin, la selección se ha hecho a partir de la selección de los tops de cada año. Así pues no ha sido del todo ecuánime pues ha habido años mejores que otros y por tanto algunos cómics no pasaron el corte en su año pero sí lo habrían hecho en otro. Pero bueno, aquí no se esta decidiendo el destino de nadie.

La mayoría de lo elegido son lógicamente superhéroes. Es lo que más leo pero sobre todo es el grueso de comiteca. Me hubiera gustado un mayor eclecticismo en la selección porque no me siento reflejado en el top pero es que este lustro ha sido así. Es decir, el europeo ha casi desaparecido, principalmente el de género que es el que a mi me interesa, el manga se ha concentrado en los adolescentes y ha dejado de lado muchos géneros y Vertigo ha entrado en coma sin que nos diésemos cuenta. Así pues, aunque a mi me gustaría leer más de cosas que no sean mainstream entre políticas editoriales, el mercado español y precios de momento no puede ser. Otro dato llamativo de este top es que soy un rancio. No hay nada posterior al 2000 aunque el grueso de las obras son de la década de los 80 y 90. Por otro lado, casi todas estan o estarán disponibles en las tiendas. Así que mi top parece bastante acertado.

Los 4F de Lee&Kirby: sólo he leído de esta etapa precisamente el material que se va a reeditar en color (bien si no se ha modernizado) y en un tocho (mal pero es lo que le toca a una obra que tiene casi medio siglo) inminentemente. Y bueno qué decir si esta en el top. Unos cómics excelentes que no han envejecido nada por su dinamismo, originalidad e imaginación. Unos cómics chisporroteantes y alucinantes tan potentes que son el cimiento del Universo Marvel. Unos cómics clásicos y legendarios.

Alita-Motorball: Alita fue uno de los primeros mangas que se publicaron en España. De su calidad habla el que aún se esta publicando. Esta saga, perteneciente a la primera mitad, me parece grandiosa. La historia es convencional pero esta muy bien contada así que lo que le hace magistral es el fabuloso dibujo de Kishiro ya que consigue trasladar al papel la violencia, la velocidad, el hierro y la ambición.

JLA: Tierra 2: es la obra más reciente de este top. De todos los trabajos superheroicos de Morrison este es el que más me gusta. Es sencillo, original y elegante de modo que se combina perfectamente con un Quitely feísta pero que narra estupendamente. Así es una lectura gratísima que hace un homenaje al maniqueísmo del género.

Conan el bárbaro de J. Owsley: para mi la mejor etapa de esta larga serie de Marvel que ahora se esta reeditando lentamente (por lo que para llegar a esta etapa aun le queda algún año que otro). Owsley convirtió a Conan en el actioner taciturno y solitario típico de los ochenta sin tocar la esencia del personaje. El resultado es una magnífica larga etapa que afortunadamente estuvo acompañada por buenos dibujantes. El resultado es probablemente el mejor cómic de Fantasía hecho en EE.UU.

Sahrazad: Toppi es uno de los mejores dibujantes de cómic que hay. También es uno de los más singulares y heterodoxos que hay. Su estilo es fascinante. Lo más abracadabrante es como se funden las viñetas de cada página para crear un todo. Por desgracia este autor ya es bastante mayor por lo que apenas publica de modo que ninguna editorial patria se acuerda de él. Una lástima porque muchos de sus cómics estan entre los más hermosos que se han hecho. Este es un gran ejemplo.

Nick Furia agente de SHIELD: lo de Steranko claro esta. Otra obra del Pop Art. Steranko con toda su tosquedaz y crudeza pero poseído por la audacia llevó muy lejos el cómic mainstream. Sus historias han envejecido algo pero como estan narradas visualmente de forma tan revolucionaria y moderna aún no han sido alcanzadas. De este modo estan a salvo del tiempo.

Arma X: para mi esta obra es la que cierra el lustro de oro del mainstream. Después de esta obra vino Image y con ello el inicio de la decadencia actual. Es una historia sencilla y no muy original pero contada soberbiamente y dibujada poderosamente por un BWS que apabulla como autor completo. Si es que en realidad para liarla sólo hay que trabajar bien y con sensatez.

Escuadrón Supremo: esta es la obra que inició el lustro de oro del mainstream. Es una obra dibujada de forma pobre y mediocre y el guión tiene un estilo bastante rancio pero cuenta una tragedia griega sobre el poder y la utopía. Así, es una maxiserie emocionante y singular que transcendió con éxito las limitaciones industriales del género sin traicionarlo. Esta es su mayor logro pues las otras grandes obras lo transcendieron a costa de pervertirlo de modo que, en realidad, lo transgredieron.

Elektra Assassin: un cómic alucinante en todos los sentidos pues el guión de Miller, imaginativo y original, y el dibujo de Sienkewicz, plástico y espléndido, lo son. Una historia diferente que va de menos a más llena de energía y excesos maravillosa y especial. Como todas las demás de este top inolvidable.

Sandman: quizás junto con los 4F el cómic más influyente de este top. Los demás son grandes obras pero solitarias. Si los 4F creó un universo y una forma nueva de hacer superhéroes aún vigente, Sandman abrió una nueva vía para el mainstream y trajo un estilo europeo (literario y culto). La diferencia es que Gaiman no ha tenido tanta fuerza como Lee&Kirby. No obstante es un serie regular llena de historias cortas fabulosas que hacen que se perdone que en conjunto sea irregular y vaya de más a menos.

ES UN MANTLO: Pidiendo a hostias el reingreso en el Edén

2011-07-07T05:20:00.006+02:00

Mantlo llegó jovencito a Hulk. Aún no tenía los 30 pero ya llevaba 5 años guionizando para Marvel. Su etapa en The Incredible Hulk empezó en el 245 EE.UU. con una historia en 4 partes que remata la saga de Jarella. De este relato voy a hablar y para ello he seguido la edición de Bruguera (I, 15 y 16), pues es la única edición en España donde esta historia se ha editado de forma autónoma, es decir, no formando parte de tochos. No es una buena edición por su rotulación mecánica (la cual sin embargo me pone tierno porque me retrotrae a mi infancia), porque le faltan portadas y porque se come páginas de cada grapa, pero hay que reconocer que no se nota.

Esta historia la dibuja S. Buscema, antaño un competente artesano y hoy un mediocre y pobre dibujante, el cual da lo mejor de sí mismo en las 3 primeras páginas (una es una splash-page). Así, la historia comienza con mucha potencia y dinamismo. Mantlo empezó su etapa ofreciendo lo que se esperaba de un cómic Marvel de la época, mucha acción y tensión. La primera grapa es puramente formulaica, una pelea que deviene en duelo. La segunda grapa es más de lo mismo. Fórmula. Así que la historia apenas avanza con lo que pierde la potencia y el dinamismo con los que empezó. Mantlo se muestra como un competente rellenador de páginas. De este modo nada hace presagiar la explosión de la historia en su segunda parte.

En la tercera grapa Hulk llega al microscópico mundo de K´ai con el cadáver de Jarella. Un mundo desértico y desolado. Antes no era así. Rápidamente llega la pelea. Un monstruo amenaza a unos inocentes. El superhéroe que hay en Hulk se apresta al combate. Vence. Con la calma llega la puesta al día. El héroe ha demostrado que lo es así como el pueblo ha demostrado que necesita de uno. El relato es inesperado. Resulta que Hulk destruyó K´ai cuando volvió a su tamaño normal. El mundo esta muerto. No hay solución posible. No hay hazaña que realizar. Así que seguimos con el motor de la historia: Hulk quiere enterrar a Jarella en su mundo. Sus protegidos le indican que debe hacerlo en el Valle de la Vida. Viajan hasta allí y Hulk y nosotros descubrimos que es un oasis, un vergel, un paraíso, el Edén. En K´ai no sólo hay rocas y arena. Como el Valle de la Vida es sagrado nadie puede entrar. Hulk ha de dejar el cadáver de su amada Jarella en el límite y marcharse. Naturalmente esto no satisface la mente infantil y testaruda del coloso esmeralda. Así que se interna en el Edén. Hulk no cumplirá su promesa hasta que no entierre con sus propias manos a la reina muerta. Mientras lo hace Mantlo nos muestra su arrebatadora prosa poética y melodramática: Hace mucho mucho tiempo, en otro mundo, en otra vida. Antes de que el niño se convirtiese en hombre, antes de que el hombre se convirtiese en científico, antes de que el científico crease la Bomba Gamma, antes de que la bomba crease al monstruo. Mejor resumen de lo que es Hulk imposible. En cuanto las manos del coloso esmeralda mancillan el Edén este le ataca. No sólo criaturas vegetales, aéreas, acuáticas, arbóreas y diminutas sino también la propia tierra. Naturalmente Hulk vence así que el señor del Edén se ve obligado a hablar con el intruso. El Jardinero le dice que ningún ser inteligente puede entrar en su Valle de la Vida. Después la grapa termina.

En la cuarta, la mejor de todas en una historia construida en crescendo, Mantlo se desata por lo que, como siempre, nos deja alucinados. Dios, no hay duda pues S. Buscema lo dibuja como un dios veterotestamentario, le cuenta a Hulk que los seres inteligentes por indignos tienen vetada la entrada en su jardín. Sólo los inocentes: los pájaros, las bestias y los muertos son bienvenidos. Pero Hulk, como héroe que es, es indomable. No esta dispuesto a obedecer. Quiere expiar sus pecados. Por eso va a forzar a Dios a admitir a sus protegidos. Como esto es un cómic Marvel y Hulk es Hulk va a ser a hostias. Hulk vence a Dios así que le roba su poder y reverdece al planeta hasta convertirlo en un Edén. Después entierra a Jarella. Acto seguido brota una flor verde de la tumba. Maravilla. Milagro. Y no es el triunfo del amor sobre la tumba el material del que estan hechos los milagros? nos dice Mantlo. Tras esto Dios pide disculpas. Las hostias le han hecho ver su error. El paraíso necesita gente. También pide permiso para quedarse. Tras esto Hulk se va. En el paraíso no es necesario pues allí ni se precisan protectores ni se precisan reyes. Por tanto, como todo héroe que ha finalizado su trabajo, debe dejar a su comunidad pues en esas condiciones es superfluo. En este caso más, pues el triunfo de Hulk es absoluto. Ha llevado a su pueblo al Cielo. Hulk ha hecho de Moisés y ha extraído a su pueblo de la Historia (sigue ahí?).

Así comienza Mantlo su etapa en Hulk. Quizás la más decisiva para este pj. Un comienzo que empieza con un final. Parece que Mantlo sintió la necesidad de terminar con el pasado antes de empezar a andar. Esto muestra su sabiduría y su genialidad pues aún era joven.

Así es este espléndido relato. Sencillo y lineal y tosco y largo pero lleno del genio de Mantlo. Como casi siempre este guionista, bajo el simple divertimento y la industrial fórmula, mete Filosofía en su sentido más general. Es una historia un tanto nitzschiana pues en ella el Hombre se revela contra Dios con éxito. De este modo consigue la ruptura definitiva del devenir, del eterno retorno, pues el paraíso es para siempre. También hay mito. Esta historia sigue el esquema de El viaje del Héroe. Hulk tiene condición real como los héroes míticos y es más que humano como los héroes míticos, aunque no por obra divina sino humana. Su aventura comienza en el Mundo Ordinario, en la Tierra. Allí es llamado a la aventura, tiene que enterrar a Jarella. Gracias a un Mentor, el Capitán Marvel, traspasa el umbral que separa este mundo del otro. Allí se encuentra con pruebas, los monstruos, y aliados, el pueblo de Jarella, y así aprende como estan las cosas. Después viene La Prueba, la lucha contra El Jardinero. Como es tradicional es derrotado pero en la crisis (único momento de toda la historia en que aparece Banner), una especie de ordalía de agua, encuentra lo necesario para vencer (Hulk). Así, triunfa de modo que gana el Elixir, una gema del infinito, la fórmula que resuelve su problema. Como en muchos mitos, el Héroe (verde) hace reverdecer la tierra tras vencer el monstruo que retenía las fuerzas germinadoras. Finalmente regresa al Mundo Ordinario. Jarella como reina (verde) es la diosa de K´ai. Así, sin ella este se vuelve baldío y con ella este reverdece para siempre, así es la vida de ultratumba, pues mediante el enterramiento se integra en el planeta. Esto lo simboliza la flor que brota instantáneamente, pues promete la eternidad ya que el amor es eterno. De este modo Jarella es un Osiris femenino. Por último hay religión, es evidente que el cristianismo da forma a esta historia. No sólo esta Dios y el Edén sino que la pelea entre Hulk y El Jardinero evoca la de Jacob y un ser divino pero invertida, pues el israelita representa la astucia y esta enfrentado a su hermano que representa la fuerza.

Por tanto, estos 4 cómics no son mero escapismo y diversión. Como todos los relatos de Héroes hablan sobre nosotros. Son historias que nos enseñan que la vida es sufrimiento pero también un combate que se puede ganar si se es fuerte y pertinaz. Nuestro triunfo es posible si se doblega al destino. Lo curioso es que el vencedor es un monstruo y no un humano. Generalmente los monstruos representan el ego y los vicios que nos torturan haciéndonos sufrir y los héroes la razón y la compasión que nos hacen triunfar sobre ellos de modo que nos llevan a la Felicidad. Aquí no, es la ingenuidad e ignorancia infantil lo que da el triunfo pues Hulk, más que un monstruo, es un niño pequeño. No es mr. Hyde sino un niño que se rebela porque no comprende. Es la inocencia maltratada y maldita con un poder inconmensurable. Es así porque Hulk nace en un mundo que ha condenado la razón y la inteligencia porque estas le han llevado al sufrimiento, el pánico nuclear. Por eso Banner no puede triunfar a pesar de su inteligencia y mesura. Lo hace Hulk a través de la rabia y la falta de entendimiento (recuerda que El Jardinero no quería seres inteligentes en su Edén) porque es inocente y justo. En el fondo Hulk es el héroe ingenuo de los cuentos. Sus desmanes, como los de Heracles, no son volitivos. El no planeó la destrucción de K´ai ni la muerte de Jarella. Hulk es un monstruo que siempre es víctima, cordero. Por eso puede acceder al Edén y blandecer el duro corazón de Dios como hiciera Abraham cuando intercedió por Sodoma, sólo que él lo hace al estilo marvelita, mediante hostias espectaculares. En el fondo esta la naturaleza combativa y justiciera de Mantlo.

En fin, otra fabulosa historia de este guionista maldito que demuestra que es uno de los grandes. Mantlo siguió la estela de Kirby y así se convirtió en el precursor de Moore, Morrison y Miller. Sus historias, como las de ellos, mezclan lo erudito con lo pop y la reflexión con la diversión. Por ello sus cómics son clásicos, es decir imperecederos, y magníficos ejemplos del porqué los superhéroes se convirtieron en mainstream. El género triunfó porque tuvo autores que hicieron historias fabulosas portadoras de conocimiento esotérico y de esperanza, valores y sabiduría pop, es decir, mitos. Por ello, cuando casi todos estos aedos se han ido la decadencia ha llegado. Necesitamos un Héroe Verde.

Una de breves: Liga de la Justicia: generación perdida nº 1 (varios autores, Planeta DeAgostini 2011)

2011-07-02T18:24:00.000+02:00

Este tomo me encandilaba un poco porque, como la mayoría de los que hemos leído la JLA*JLE, le tengo mucho cariño a estos pjs y mucho respeto a Giffen, el único viejo artesano mainstream que sigue con el talento intacto y sin ningún manchón en su obra. Al final no lo voy a pillar porque he decido pasar de las series regulares en tomos (yo siempre en contra de los tiempos) y no es barato, pero es un muy buen tomo.

En general las críticas que se pueden encontrar por ahí son malas porque muchos esperaban encontrarse con una nueva JLA*JLE. No lo entiendo porque era previsible que no iba a ser así. Los tiempos no van por ahí y Blue Bettle sigue muerto así que no se puede reír. Así se entiende las críticas negativas, nos quejamos mucho de las editoriales pero el factor más importante que hay tras la decadencia inmovilista actual es que la mayoría de los aficionados son gente que quieren leer siempre lo mismo (de ahí que cada vez más aquellas pasen de los que somos aficionados de toda la vida), pero en realidad LJ:GP es un tomo bastante clásico, bastante bueno y con personalidad propia.

Sus artífices son J. Winick y K. Giffen. Ambos plantean una historia sencilla y directa de continuará y una serie de tramas personales y grupales para redondear de modo que queda una serie interesante y entretenida y agradable para un viejo aficionado pues sigue el esquema argumental que hicieron de los 80 la década dorada del mainstream (no por ella misma sino porque en ella eclosionaron 20 años de experiencia). A eso me refiero cuando digo que este cómic es bastante clásico. En la historia la personalidad de Giffen brilla con fuerza. El humor de esta serie, secundario, es suyo (sencillamente genial la ocurrencia de presentar un Red Rocket comunista), la sabiduría en los argumentos y la claridad expositiva (así como la narrativa visual) también son suyas y la importancia de los diálogos para hacer cercanos a los protas otro tanto. En suma, ambos guionistas hacen un cómic sólido y divertido con una historia que engancha no sólo por sus buenos argumentos sino porque la cuentan bien y se centran en los pjs sin renegar de sus raíces y pasado pero sin querer emularlos.
La dibujan varios dibujantes todos ellos mediocres y dispares pero unificados por la narrativa visual de Giffen. Así tenemos unos dibujos pobres y toscos pero que cuentan muy bien la historia (Giffen, al ser de la vieja escuela, garantiza que no va a haber copypaste) así que, aunque poco atractivos, pasan desapercibidos al estar al servicio de la historia. Con todo, es una pena porque son dibujantes que no tienen el nivel para estar en una cole donde los diálogos tienen tanto peso. Así pues, estamos ante el enésimo caso donde DC emplea a dibujantes que no estan a la altura del título que les han asignado.

En fin, JL:GP es un tomo notable (teniendo en cuenta la media actual) por lo que da mucha pena porque queda claro que serializado se disfrutaría más (en un tomo ni hay suspense ni ansia), porque no es autónomo ya que hay que seguir el UDC para disfrutarlo (si no has leído JLA*JLE es imposible comprender el odio de los protas a Lord, sin conocer la N+O es difícil entender que esta pasando, es parte de un todo más grande: D+B, etc.) y porque se publica de forma espartana y cara. El último clavo en su ataúd es el relanzamiento del UDC, pues esta buena idea, presumiblemente mal ejecutada, va a dejar a esta serie en una aventurita prometedora imposible de leer por sí misma. Una pena porque no lo merece el trabajo de sus guionistas. Lo cual es la gota que colma el vaso porque mis estanterías estan ya demasiado llenas como para meter otro tomo que es incomprensible sin tener un montón de cómics más y que no va a ningún sitio. Esto quizás es lo que más daño ha hecho al mainstream por encima de los megacrossovers, los equipos creativos mediocres, la inanidad argumental y la falta de originalidad y chispa.

Una de breves: cine de Jodorowsky

2011-07-01T05:16:00.002+02:00

Hace poco pude completar el videado de los largos de Jodo de modo que ahora puedo hablar un poco de ellos. Que por cierto, en el programa de la Filmo de Madrid hablaban de la cualidad de hombre orquesta de Jodo sin mencionar que también es guionista (y creo que algo ha dibujado) de cómics. En fin, que al Cómic aún le queda un rato largo.

Fando y Lis (1968): es una peli cuyo guión es lo que recordaba Jodo de una obra de teatro pánico de Arrabal. Así, la peli es simbólica y hermética, poética y críptica, grotesca y reiterativa. A mi me parece el mejor film que se ha rodado sobre parejas heterosexuales pero hay que reconocer que es duro. No por desgradable o denso sino porque no se hace llevadero. "Fando y Lis" es muy interesante y singular y tiene algunos momentos brillantísimos pero es machacona y plomiza. No cuenta una historia ni siquiera lo finge es simplemente dar vueltas y vueltas sobre una misma cosa buscando algo sin poder progresar de modo que se torna desesperante. Videándola, la silla se convierte en un potro de torturas porque no hay misericordia. Con todo, como digo, merece la pena al ser la mejor reflexión cinematográfica sobre la pareja heterosexual.

El Topo (1970): esta peli ya es mucho más Jodo pues lo que más le gusta rodar, lo grotesco, lo deforme, lo pobre y lo circense, esta. Es un spaguetti western hermético. Me recuerda lejanamente a "Shaolin cowboy". Es un viaje del héroe de resonancias orientales pesadísimo lleno de simbolismos que parece que va a terminar pero nunca lo hace. No me gustó nada quitando momentos puntuales pero es que la vi después de la anterior y la siguiente y, claro, ya la mente estaba saturada y el culo destrozado.

The holy mountain (1973): para mi la mejor de Jodo y además una buena peli. Esta todo el mundo de este autor presentado con esmero y belleza. Una peli, como las anteriores, simbólica y hermética y además astrológica y alquímica que reflexiona sobre la sociedad moderna, de modo que sigue vigente pues en nada hemos cambiado, mientras va en pos de la iluminación. Una peli interesante y más fácil de seguir que las anteriores porque el relato es más accesible y la dirección es menos cruda, más coherente y, sobre todo, sigue los principios estéticos orientales (centralidad, horizontalidad, simetría, serenidad...) de modo que en general es muy agradable de videar. Lo mejor el principio, hermosísimo, el episodio de Saturno y el episodio de Plutón.

Tusk (1980): si las anteriores pelis son interesantes y originales y muy personales a partir de esta peli Jodo se convencionaliza y vira su estilo hacia una simplicidad formal que remite al Hollywood clásico. Esta peli es un cuento indio aburrido a cuenta de un elefante y una muchacha. Un material poco interesante que aburre antes de llegar a la mitad por las malas actuaciones, la aridez del trabajo de Jodo y por ser una historia sin interés. Lo único que tiene un pase es cuando Jodo se detiene a mostrarnos el folklore indio pues entonces el color, el misterio y la poesía llenan la peli.

Sangue santo (1989): en esta peli Jodo recupera un poco su mundo personal para contarnos una historia psicológica donde nos muestra como los traumas de nuestros padres son una carga que se nos entrega sin darnos cuenta de la que hay que liberarse cuanto antes si no se quiere enfermar. Me pareció demasiado larga porque Jodo se ensimisma en su mundo de modo que la historia, no muy interesante, se resiente y además su estilo árido e impersonal no la favorece en nada. La locura y el desfase propios de Jodo no aparecen lo suficiente como para levantar una historia bastante cansina.

The rainbow thief (1990): un desastre de peli disfrazada de cuento de Dickens. Un gran producción al servicio de un guión sin pies ni cabeza. Jodo dice de ella que hizo todo lo que pudo para salvar un guión malo y sin sentido y unos productores con unas ideas muy concretas sobre lo que querían. Por lo visto, a Jodo se le contrató como mero artesano para vehiculizar las pajas mentales de una señora con ínfulas. El resultado es una peli anárquica y muy europea con una dirección muy sobria donde de vez en cuando destella la personalidad de Jodo. Es evidente que la cosa podía haber estado mejor y que había mucha ambición, pero el resultado no buscado es un desaguisado donde nada tiene sentido. Tiene alguna escenita y sobre todo a un O. Shariff motivado y magistral que hace llevadera a la peli y demuestra lo terrible que es el encasillamiento. En fin, una peli más propia de T. Gilliam que de Jodo aunque no sé si el primero hubiera podido salvarla.

Una de breves: Welcome Thunderbolts (J. Parker, K. Walker y D. Shalvey, Panini 2011)

2011-06-29T17:26:00.004+02:00

A ver si por fin le meto vidilla a esto...

Thunderbolts después de Alpha Fligth es mi supergrupo favorito. Lo es gracias a sus nº, digamos, clásicos pues Nicieza en su 2º época aburrió hasta las ovejas y luego Ellis (mandado por Quesada) al írsele la mano con la revolución lo pervertió todo de tal modo que acabé dejando la cole cuando Marvel expulsó a los pocos miembros fundadores que quedaban. Así, un par de grapas y un par de tomos después vuelvo a pillar esta serie.

Ahora el encargado de pilotarla es J. Parker. Un guionista mediocre. Un artesano. Un tipo que no esta a la altura de sus ideas pero que suele resultar entretenido. Así, este tomo se lee con agrado pero no deja huella porque J. Parker se limita a seguir el manual sin hacer nada especial. Ni hay ideas deslumbrantes ni caracterizaciones profundas ni una narrativa memorable ni emoción ni ambición ni proyectos a largo plazo (evidentes). Lo mejor del tomo, lo de Zemo, al final resulta un bluff al ser sólo apariencia. Menuda desilusión! Por tanto, de momento la cole cumple, pero no es un fallo de J. Parker sino que el tipo no da pa más. Así, lo más grato de su trabajo es que recupera algo del clasicismo de antaño. Sus historias son sencillas y breves (3 dípticos componen este tomo), cuenta con muchos miembros antiguos (Mach, Arreglador, Piedra y Pájaro, la cual mola más con su nuevo peinado) y apenas queda algo del tono oscuro, psicópata y molón de antaño (representado por Calavera). Por tanto, J. Parker esta bien porque con su profesionalidad da solidez a un grupo que ha ido dando bandazos desde la infausta Civil War pero no es guionista para esta serie pues desaprovecha a los pjs (Fantasma molaba más con Diggle) así como las posibilidades que brinda esta serie para reflexionar sobre el Bien y el Mal y sus vasos comunicantes en un género caracterizado, si bien hasta hace poco, por su maniqueísmo.

K. Walker se encarga de dibujar 4 de las grapas camufladas en este tomo cutre, espartano y levemente barato tan típico de Panini. Su estilo particular, poco superheroico, rígido y tosco (no por que Walker sea manco) tiene de bueno que singulariza a la serie y que encaja bien con lo que tiene de grotesco la villanía del género pero esta serie trata de villanos haciendo, si bien obligados, cosas buenas y relatando historias superheroicas así que pronto se ve que no es el dibujante apropiado. Con todo es bastante competente. D. Shalvey remata el tomo con 2 grapas. Este dibujante, aunque menos eficiente que Walker y con unas tramas que no aportan nada, me gusta más porque su estilo suelto, sencillo y dinámico (recuerda muy lejanamente al del ya legendario G. Colan) es más agradable y más agradecido de leer.

Así pues, un tomo que esta levemente por encima de la bajísima media actual pero que sólo es para los seguidores de los Thunderbolts ya que no aporta nada, no tiene nada de original y J. Parker no aprovecha para nada la Edad Heroica para impactar o brillar. Con todo es una cole con posibilidades no sólo por los pjs sino porque ahora la base de este supergrupo es La Balsa. Lo malo es que J. Parker no parece que lo vaya aprovechar.

VIDEADOS 100: Fata Morgana, V. Aranda 1965

2011-06-16T00:11:00.004+02:00

Regreso al blog. Espero poder retomar ya el ritmo habitual, 2 post por semana, o al menos el ritmo veraniego, 1 post semanal, que tengo cosas acumuladas como este post que llevo como 3 semanas queriendo escribir. Lapso de tiempo que va a hacer que este post no sea exactamente lo que tenía pensado ya que, como saben, el tiempo es enemigo de la memoria. Por cierto, versa sobre una peli española. Si no me equivoco la primera que posteo y es que yo soy de esa inmensa mayoría silenciosa que piensa que nuestro cine (y tv) es una mierda. Tiene peliculones (por ejemplo "Furtivos") pero soy de la opinión que desde los 80 nuestro sistema de subvenciones sólo produce de forma aplastante mediocridades o mierda.

En fin, "Fata Morgana" era una peli totalmente desconocida para mi. Una breve indicación sobre esta en el programa de mayo de la Filmo de Madrid me dio a entender que sería o muy mala o muy buena, es decir, que tenía buena pinta. Por 2.5€ siempre estoy dispuesto a arriesgarme. Y me alegro porque es una peli que me gustó bastante. A ver, es superpedante y surrealista (la forma políticamente correcta de decir absurda) pero en el buen sentido. Es decir, que es una peli tremendamente gafapasta pero que se disfruta mucho al salirse de lo habitual y ser muy simpáticas y cómicas sus ínfulas pedantes. No hay nada más gracioso que la pretenciosidad y la seriedad. Además, una cosa buena que tienen las gafapastadas cinematográficas es que suelen ser estupendas visualmente, justo lo contrario que en los cómics. Por qué será? En fin, que os la recomiendo, sobre todo para verla en compañía porque así sacarán todo el jugo a la peli.

-Morir asesinada es una niñería?
-Tener miedo a morir asesinada sí.

"Fata Morgana", con guión de G. Suarez (el director de la última gran peli española: "Remando al viento"), es una peli muy difícil de clasificar ya que es de CF pero también surrealista, policiaca o, incluso, un giallo (subgénero que no he videado pero sobre el que he leído algo). En realidad es cine de Arte y Ensayo pero en vez de ser ombliguista esta imbricado en su tiempo. Se puede videar y disfrutar descontextualizadamente pero es evidente que es un producto de su época a pesar del aislamiento y conservadurismo de la España de Franco (si bien es en los 60 cuando empieza abrirse y a pretender fingir que aunque sea una dictadura la gente vive como si estuviese una democracia, es decir, con libertades). En los 60 hay un grupo de pelis dispares que, sin embargo, pueden agruparse bajo la etiqueta de cine machista crepuscular. Este cine tiene en común el representar el acoso a una mujer joven y bella y moderna simplemente por serlo. Quizás sus pelis fundacionales podrían ser "Psicosis" y "El fotógrafo del pánico". En este saco también se incluyen pelis como "Belle de jour", "Repulsión", "La semilla del diablo", "El coleccionista", "El carnaval de las almas", "El estrangulador de Boston", "Crimes of the future"... Pero son los italianos, a través del giallo, quienes convirtieron esta crisis social, la irrupción de la mujer moderna en la sociedad patriarcal occidental, en un subgénero pop de proyección internacional. Lógico que fuese un país mediterráneo y tradicional el que elevase a categoría lo que en otras cinematografías no era más que una tendencia. El giallo básicamente son pelis en las que un psicópata (por ejemplo esta peli empieza con una escena en que unos adolescentes despedazan un anuncio con el objetivo de atesorar la parte en que sale la modelo) persigue a mujeres jóvenes y bellas y modernas (por ejemplo la prota de esta peli es una modelo). Es la sublimación del conflicto social provocado por unas mujeres que quieren cambiar y unos hombres que quieren lidiar con ellas pero que no saben como hacerlo ya que se les ha educado para tratar con mujeres tradicionales (madre, esposa, puta, novia, hermana, monja). Las mujeres buscan ser autosuficientes con lo que al no aceptar los roles impuestos por los hombres para poder entenderlas (y controlarlas) los desafían y se vuelven más incomprensibles. Creándose así una confusión en la que, por ejemplo, el desnudo femenino deja de ser una prueba de liberación y modernidad para convertirse en otra forma de explotación machista. El desnudo que buscaba desobjetivar a la mujer paradójicamente la objetiviza más en cuanto la industria (no sólo la del espectáculo sino la cosmética, la automovilística, etc.) puede utilizarla para sus fines.

"Nada tiene lógica en esta historia pero ya hay tres mujeres asesinadas". R. Alcover Oti en "El Dirigido" de este mes propone esta frase de la peli "Siete orquídeas manchadas de rojo" como la perfecta definición de un giallo. A esto yo añadiría el sometimiento de la historia a la forma y cierto aire intelectual. Estos 3 puntos son los pilares de "Fata Morgana", así que se la podría considerar un giallo, pero como las similitudes provienen de la coetanidad y no porque Aranda y Suárez quisieran hacer uno, esta peli no pertenece a ese subgénero. Además, en 1965 el giallo estaba gestándose pues no es hasta "El pájaro de las plumas de cristal" (D. Argento 1970) que el asunto se convierte en un subgénero reconocible y, por tanto, expotable. Así pues hay que videarla sin ese prisma.

-Todo asesinato es la historia de un encuentro. Todo encuentro es una historia de amor.

"Fata Morgana" me parece una gran peli. Atractiva y desconcertante desde el primer minuto y rabiosamente gafapasta (un espectáculo donde no pasa nada es un espectáculo donde todo pasa dentro). Gracias a que esta realizada con gran habilidad y sumo gusto, la evidente falta de medios se convierte en un aliado ya que su constante pelea con la imaginación y la estética potencia el suspense de "Fata Morgana" al producir tensión. Lo único es que termina más tarde de cuando debió hacerlo. Vamos, el epílogo sobra. Se sitúa en un futuro inconcreto y en un momento apocalíptico (una plaga que esta barriendo a la humanidad de la faz de la Tierra, elemento que no tiene ninguna importancia para la trama peor sí poderosos efectos estéticos pues los escenarios urbanos estan desiertos) para así poder ser una fábula crepuscular. Por esta razón su tono surrealista y onírico queda plenamente justificado. Por ahí transcurre la surrealista historia de una modelo (que juega al ajedrez y recita a Shakespeare) acosada por la población masculina de una ciudad vacía y sobre la que pende la amenaza de un psicópata. Esta parte es la más giallana de la peli, pues el motor de la historia es la teoría de que hay personas que nacen para ser víctimas (todas bellas jóvenes porque la belleza se posee o se destruye) y otras para ser asesinos (creo que la peli en ningún momento dice que estos siempre son hombres), pero el encuentro fatal puede evitarse reeducando a las víctimas para que su subconsciente deje de elegir morir. Como ven un argumento que hoy convertiría a sus artífices en víctimas de un linchamiento mediático furibundo (aunque la fui a ver con una chica la cual en ningún momento se ofendió por el machismo del film). Así, "Fata Morgana", aunque absurda o, quizás, loca, se construye a través de la intriga de saber si el teórico tiene razón y, así, la mujer que él ha identificado como la próxima víctima, la modelo, será asesinada.

-Cuando nos despertamos todos vivimos en el mismo mundo. Pero cuando soñamos cada cual vive en el suyo.

Este es un hilo que aunque no dota de coherencia a "Fata Morgana" sí hace que no sea un cajón de sastre (es evidente que parte del surrealismo de la peli parte de la inexistencia de un argumento sobre el que edificar un largo). De este modo las tremendas pedanterías de Suárez (el sentido poético nunca puede ser un sentido común al alcance de multitudes chabacanas) y el delirio esteticista de Aranda tienen algo firme que evita que esta opera prima sea una tontería. Así, tras el absurdo de una peli construida por Aranda para ser una boutade y la intelectualización de lo pop por parte de Suárez hay una reflexión sobre las relaciones modernas entre mujeres y hombres, es decir, sobre la búsqueda del equilibrio entre objeto de deseo y persona. Una reflexión machista que sin embargo reconoce a la mujer moderna. "Fata Morgana" puede ser resumida como Gim corriendo por la ciudad tratando de encontrar algún tipo de consuelo en un mundo donde todos están contra ella. Por tanto, estas pelis reconocen a la mujer moderna como una habitante de un entorno hostil (-Ese hombre me odiaba. Todos me odian) porque además de amenazarla la impide desarrollarse. Es esta sensibilidad o reconocimiento del otro, la mujer, como una víctima y no como un culpable (es una bruja, es que vestía como una puta...) por lo que todas estas pelis hoy son aceptadas (menos los giallo, supongo, ya que no son fácilmente accesibles). Por tanto, este cine es machismo crepuscular pero también una reflexión sobre la mujer moderna y una dramatización de la eclosión de esta. De este modo no son pelis reaccionarias sino catárticas, pues a través de ellas el público masculino sublimamos nuestro odio hacia la mujer moderna (-No te odian. Te desean).

-Merece la pena que sigan quedando idiotas.

En fin, una peli que merece la pena por ser diferente y tan desconcertante como interesante. Es totalmente sesentera pero, precisamente por eso, fresca y lozana. Su corta duración (87'; tengan cuidado porque la más accesible es una versión de 82' y a esta peli genial! no le sobra ni un minuto), su grata forma y su sorprendente demencia medio poética medio intelectualoide hacen que sea imposible aburrirse videándola por muchos prejuicios antigafapasta que se tengan. De todos modos se puede videar, como mi acompañante dijo, como una peli de morenas contra rubias. Puede que "Fata Morgana" no les guste pero, desde luego, desde el principio hasta el final tendrán la boca abierta, unas veces por la desvergüenza de sus artífices y otras por sus salidas de tono. Lo cual es de lo que trata el Cine. Tanto el cine más comercial como el cine vanguardista lo que busca siempre es dejar patidifusos a sus espectadores.

Critiquitas 319: Thor nº 1, M. Fraction y P. Ferry, Panini 2011

2011-05-23T21:48:00.001+02:00

Vengo aquí con un post relámpago para refrescar esto un poco. Absorbido por los exámenes y una vida loca ahora no tengo tiempo para sacar adelante el post sobre Mantlo, Alita...

El 6º nº 1 de "Thor" en nuestro país a cargo de Fraction y Ferry, una pareja que no me encandila aunque considero que mancos no son, ha sido muy sosote y convencional. Lo primero es comprensible porque ahora no esta de moda epatar al personal con una 1º entrega trepidante y espectacular. Ahora las cosas han de ser lentas e insulsas. Lo segundo es un poco triste, quizás tanto como Fraction haciéndose el gracioso (su Volstagg me ha parecido un poco lamentable). Así pues, nada nuevo en esta grapa pues el guión de Fraction es un collage de lugares comunes. Lo peor de él es que piensa dar cancha a J. Foster y Broxton buscando una especie de "Doctor en Alaska"! Realmente los seguidores de Thor buscamos eso en sus cómics? Buscamos costumbrismo y slice of live? Nos interesa unos paletos yankis? Fuera Blake y todo lo demás afín a él. Estoy cansado de oír que la etapa de Simonson es la polla y tal y pascual y que nadie siga el camino: acabar con Blake. En fin, un par de insulsas y manidas ideas estiradas con elegancia es lo que ofrece Fraction en esta grapa.

En cuanto a Ferry pues decir que es un buen dibujante. No me encandila pero es muy agradable de ver y, dentro del mainstream, fresco porque su aire europeo y elegante hace que sus páginas sean muy diferentes a lo habitual. Aquí no lo hace nada mal, sobresale en la gestualidad, pero tampoco se esmera. Creo que no le encandilan los guiones de Fraction. No obstante es un trabajo que esta muy por encima de la media. Por debajo de lo que hizo Coipel pero desde luego mucho mejor de lo que se suele encontrar dentro de una grapa mainstream.

Pero lo peor de esta grapa no es encontrarse con una historia gris y gastada sino con un artículo que es una auténtica basura. Una simplona retrospectiva de la edición de "Thor" en España a cargo de R. Fonseca que da mucha pena. Un artículo que no cuenta nada interesante muy centrado en Vértice. Existiendo Internet, es decir, mucho material gratuito, cuando una editorial quiere que paguemos por artículos estos deben ser sobresalientes si quiere disimular que esta robando a sus clientes. Para la mierda que es, más habría valido un complemento (anda que no habrá), una entrevista con Ferry, en fin, cualquier cosa más elaborada y trabajada y, sobre todo, exclusiva que las simplezas del Fonseca.

Concluyendo... un principio de etapa poco prometedor a pesar del grato pero sobrio trabajo de Ferry e iniciarse en un punto de partida bastante interesante. Lástima que Fraction quiera continuar con la fallida y abortada etapa de Straczynski y piense que el costumbrismo mola en un cómic Marvel. Menos mal que es grapa.

Lo mejor del trueno: Loki, R. Rodi y E. Ribic, Panini 2005

2011-05-11T19:22:00.002+02:00

He dedicado estos últimos días a leerme el último volumen de "Thor". El cual me ha sorprendido porque lo consideraba flojo. Se ve que una lectura sosegada y sin expectativas es mejor para valorar las cosas en su justa medida. Un volumen bastante artero porque Viturtia desplegó en él sus mejores estrategias para cargarlo de morralla y grapas gordas, si bien digo en su defensa que a nadie se obligó a comprar nada. Así casi la mitad del volumen son especiales que nada o poco tienen que ver con la serie pero que son los que al final han defendido mejor el fuerte. El trabajo de Straczynski no esta mal, tiene algo de rompedor y esta bien escrito, pero no es un cómic de Thor, la historia se desarrolla muy lentamente y apenas hay acción así que quien realmente lo hacía pasable era la enorme calidad de Coipel. En ese sentido la labor de Guillen me parece mejor. Dio lo que un cómic de Thor y de Marvel tiene que dar, que en el fondo esa es la razón por lo que los compramos. Así que aunque Guillen es peor guionista que Stra su trabajo es más satisfactorio porque no sacó los pies del tiesto y, además, se desenvolvió con bastante habilidad. Así que al final lo bueno esta en los especiales. En ellos destaca el trabajo de Fraction y también el de Milligan porque, aunque es más flojo, al final es el que se lleva el gato al agua pues suya es la mejor grapa de toda la cole, la última, la nº 37, La ira de Thor. Ambos, junto a Guillen, comprendieron que la cole tiene que girar entorno a Thor y no entorno a Balder y que no es necesario que el dios del trueno sea un santurrón o tengo un alter ego mortal (acabemos con el dr. Blake ya) para que "Thor" funcione.

En fin, eso iba a ser un post pero de colofón me releí "Loki", una de esas novelas gráficas que la Panini primigenia publicó (que debieron de tener éxito ya que trataron de continuarlas mediante la alquimia). Etiqueta que quiere decir que el cómic es un poco europeo, es decir, tapas duras, papel bueno, arte pictórico, ínfulas intelectuales y un tamaño más grande que el comicbook pero sin llegar al europeo. La edición original fue una miniserie de 4, ignoro su tamaño. Pues bien, este cómic que tenía bastante enterrado en mi memoria me ha sorprendido porque es buenísimo. Quizás lo mejor que ha publicado Marvel sobre Thor, si bien no tiene nada de superheroico. Así se comprende que no figure en la web de Panini y ni siquiera se acuerden de él para reeditarlo en el año de Thor. En fin, me ha gustado tanto (me lo he leído 2 veces en una semana) que ha barrido por completo la idea de hacer un post sobre el volumen 4 de "Thor". Lo restos de esa idea son el párrafo anterior. Lo que quiero hacer es elogiar "Loki".

El guión de Rodi es magistral, aunque no quiero decir con eso que este cómic es uno de los mejores de todos los tiempos. A través de él se comprende que le hayan pillado para guionizar la otra cole de Thor. Una muestra de buen hacer es su serie limitada frustrada recientemente publicada por Panini (que se ha cuidado mucho de decir que es una historia inconclusa). "Loki" es un buen cómic sin más pero es original, sorprendente y emocionante. Es una historia muy shakespiriana donde todo gira alrededor del Destino (como lo de Stra pero en sentido contrario, si aquel fingía escribir sobre unos dioses que habían escapado de él, Rodi sobre dioses que no pueden escapar de él). La prosa de Rodi es alimbicada y antigua por lo que pierde mucho en castellano (porque además no es fácil de traducir bien) ya que no es evidente su musicalidad y poesía (comparen: Kneel, God of Thunder. Kneel before your conqueror. Kneel, as is your desert and destiny, before Loki Laufeyson. Kneel as all Asgard must, before her new and rightful lord con De rodillas Dios del Trueno. De rodillas ante tu conquistador. De rodillas, cual (por qué no tal?) es tu merecido y destino, ante Loki Laufeyson. De rodillas como (debe hacer) todo Asgard ante su nuevo señor legítimo en vez de nuevo y legítimo señor). En fin, una prosa difícil pero muy adecuada para una historia que evoca a las tragedias clásicas pues en ella el protagonista trata de rebelarse al destino, ocurre en un día, hay pocos personajes, aparecen dioses, el remoto pasado es el origen de la acción... También tiene de shakespiriano el humor y como los honrados y los malvados siembran dudas en y mal orientan al prota respectivamente de tal modo que se desencadena la tragedia. Así se reproduce el dilema de Macbeth (aquí también hay brujas y calderos), este se rebeló porque el destino así lo había decretado o porque le aseguraron que tendría éxito? Fue el destino o el deseo? La Providencia o la voluntad? Así pues es un cómic Marvel más culto y complicado de lo normal (ahora se comprende mejor que Panini lo haya olvidado). Con estos inteligentes y espléndidos mimbres Rodi crea una historia sencilla pero ágil y emocionante basada, como muchas de las grandes obras de Shakespeare, en una magnífica caracterización del villano, que además es el protagonista. Poco a poco Rodi, que ha leído a Simonson, aunque es una historia sin ninguna relación con la continuidad, y los mitos vikingos, va introduciendo la idea de destino inexorable del que Loki no puede escapar a la vez que este se va humanizando y buscando la forma de escapar. Así, se descubre a sí mismo no como un ser maligno sino como un ser educado para ser maligno. Mas yo siempre he de ser culpable de mis actos, los cuales las leyes del cosmos me impiden cambiar o alterar. Por muchos crímenes que se cometan contra mí, sólo a mí se me llamará criminal. Cuando él llega a esa conclusión comienza la catarsis la cual el destino acaba frustrando. En el fondo es que Loki y Thor son la caras de la misma moneda y no existen monedas de una sola cara. Así pues, Rodi, con habilidad e inteligencia, cuenta aquí una historia de Thor original y emocionante, aunque no redonda, donde se sugiere que a lo mejor el destino no es más que las expectativas e ideas que tienen los demás de nosotros ya que nos determinan al no dejar espacio a nuestro libre albedrío.
E. Ribic, como muchos dibujantes pictóricos, no es un gran dibujante pero domina el color, el cual aplica de forma sobria, y es un gran narrador. Así, aunque no es espectacular y no tiene mucha imaginería (Asgard tiene un aire clásico más que nórdico o fantacientífico), ofrece unas páginas atractivas y expresivas. Otro punto fuerte que tiene, que favorece enormemente al guión de Rodi, es que se preocupa por la gestualidad de sus pjs de tal modo que sus figuras defienden bien sus líneas. Aunque lo que destaca de su trabajo es su original Loki, avejentado y desdentado, y una Hela con tanga y escote inquietante. En suma, Ribic, como Rodi, no hace un trabajo excelente, pero sí original, competente y sólido de tal modo que ayuda a la historia a trascender.
La edición de Panini, aunque supongo que no será fácil de encontrar, no es buena pues es la típica edición española (aunque se haya impreso en Italia). Un vestido de seda para envolver un trabajo de traducción y rotulación que no es perfecto con lo que fastidia cualquier pretensión de esfericidad y lujo. Para qué quiero una edición de lujo si la traducción tiene pequeños errores, hay algún bocadillo intercambiado, errores tipográficos y el color a veces no prende bien en el papel? Para que no duelan estos fallos se inventaron las ediciones populares o, como se llaman ahora, de batalla.
En fin, "Loki" es un autosuficiente y magnífico cómic que demuestra que siempre hay formas diferentes de contar una misma historia y proporciona una lectura (y relectura) grata porque tiene algo de clásico y de mítico y, aunque habla de dioses, en el fondo habla de nosotros mismos así que nunca va envejecer. El guión de Rodi siempre será grato y emocionante, el trabajo de Ribic siempre será sobrio pero expresivo, la calma antes de la tormenta siempre será patética y el final siempre será trágico, majestuoso y contundente como un martillazo.

El color SÍ importa

2011-05-01T21:38:00.006+02:00

Ahora tengo un poco de lío y por eso no puedo actualizar con la frecuencia que quisiera. Pero es pasajero. De momento sólo puedo ir dando salida cuando puedo a lo que tengo acumulado. Por eso algunos post ya huelen a rancio.

Con este en concreto quiero poner mi granito de arena para que las cosas se recoloreen con sentido y respeto. Hoy en día muchos recoloreados son destructores no sólo porque hay editores y coloristas (estos últimos unos mandados) cafres sino porque al gran público estas cosas le tienen sin cuidado por su incapacidad para ver la pertinencia del coloreado clásico. Para ellos parece que se colorea sólo para dar vistosidad. Pero la ignorancia y la codicia no son eximentes. El recoloreado actual irrespetuoso es un atentado que demuestra la ignorancia que tienen del Cómic tanto los que viven de él como los que lo consumen. Mientras que esto siga así eso del 9º arte será una etiqueta patética. Basta un ejemplo para justificar un recoloreado que recree el color clásico. Cuando se restaura un cuadro no se recolorea según el gusto coyuntural de la moda actual, se recolorea tal y como lo hizo el pintor y con las técnicas con las que este lo pintó. El segundo punto es imposible en el cómic pero el primero sí. Si a nadie se le ocurre alterar "La Gioconda", por qué a alguien se le ocurre alterar a Kirby y mucha gente lo ve bien?

Una mirada atenta basta para darse cuenta de que el mejor coloreado es el primero a pesar de su tosquedad y simplicidad. Para empezar deja ver claramente la imagen, es decir, no aporta ruido con virguerías vanas que no sirven para nada. Empecemos por las figuras. Todas se ven perfectamente. Ninguna sobresale. El equilibrio es perfecto porque se complementan perfectamente. El rosa de Volstagg, color cálido y claro, neutraliza el azul-negro de Hogun, color frío y oscuro, el cual a su vez es equilibrado por el verde de Fandral, color claro y cálido, que hace lo mismo con el azul-negro de Thor (el cual se compensa a sí mismo, pues es un protagonista, con el rojo y el amarillo). El colorista actual destruye este inteligente y estético equilibrio. Volstagg es una mancha al fondo que no realza a Hogun de modo que este parece un agujero negro que destroza toda la composición. Por su parte Fandral es desintegrado de la composición igual que Thor. Ambos parecen figuras ajenas a la imagen. Que no les pase desapercibido el detalle de que el rubio paja de Thor se diferencia poco del color de la carne de su rostro de tal modo que no destaca lo suficiente de sus vestiduras. Por su parte, la oscuridad de las piernas de Hogun, Fandral y Thor rematan el asesinato al destrozar la composición. Mientras que el coloreado clásico permite abarcar de un vistazo toda la imagen y poder decodificarla sin problemas, el coloreado actual conduce la mirada a los troncos de Fandral y Thor dejando, por tanto, todo lo demás en un lugar secundario. Para este coloreado Kirby se podía haber ahorrado el resto del dibujo. Ahora atendamos a los detalles. El suelo blanco realza las figuras pero el nuevo, a pesar de conseguir un suelo realista y sólido, enturbia las figuras y aplasta la imagen porque es similar al color del cielo. Con la pared pasa más o menos lo mismo. Un maravilloso color mierda que no ayuda a las figuras a destacar. Con el metal más de lo mismo. Mucha virguería pero lo único se ha conseguido es que el casco de Thor parezca un pegote, que el martillo no se separe del tronco de Thor (con lo que deja de ser un objeto autónomo) y que la maza de Hogun desaparezca. Por último el estúpido degradado del fondo. Un azul sucio y oscuro que lo único que hace es que el título destaque sobre las figuras (porque ha obligado a cambiar el fondo blanco por uno rojo lo que a su vez ha motivado el cambio de las letras; cuando se altera algo perfecto hay que retocar todo). Así, esta claro. El primer coloreado es pobre pero logra una imagen armónica donde las figuras destacan y son perfectamente visibles. El segundo es una imagen contradictoria y turbia donde nada destaca.

Lo de esta imagen es más de lo mismo, se diferencia mucho de la original porque el nuevo coloreado destroza el equilibrio de esta al alterar los colores, aunque el coloreado actual es más competente que el anterior. La figura central esta razonablemente conseguida, si bien la clásica apostaba por la oscuridad para destacar (fondo blanco, asiento blanco y escuderos rojos excepto uno azul para separarse del título rojo y letras amarillas que complementan el conjunto) la actual por la claridad (por eso el asiento ya no es blanco sino marfil) pero tiene un gran pero, la cabeza no destaca como en el original porque el metal del casco es del mismo color que el de la armadura y el color carne del rostro hoy es un blanco que se camufla perfectamente con el metal. El auténtico atentado llega con los escuderos. Si en el original los 3 destacan y a su vez hacen sobresalir a la imagen central aquí se empastan con el todo. El escudero de la esquina inferior (qué es eso que el colorista actual se inventa al lado de la bota que esta siendo abrochada que destroza la composición?) destaca pero no tanto de modo que la tridimensionalidad conseguida por el coloreado clásico se diluye. El escudero que porta el arma por abajo bien (fijense que es bastante fiel al original, casualidad?) pero la oscuridad absurda del vientre le parte en 2 y su casco metálico se funde con el arma y la armadura de la figura central de modo que ninguno contribuye a definir al otro. El escudero azul no es tan malo pero el hecho de escoger para él una gama de azul y marrón le aplasta contra el fondo y la figura central. Fíjense en que para evitar eso el coloreado clásico elegió para él unos colores (azul y violeta) no utilizados en toda la viñeta. El que sabe, sabe y el que no, produce mierdas. Por último, el degradado del fondo (por qué degradar es obligatorio?) termina por enmarronar todo al alegir un azul que no se diferencia mucho del metal de la armadura de la figura central. El resultado es que el color rojo del título no destaca tanto como en el original (y eso que se ponen las letras blancas para compensarlo). Pero lo peor es que las figuras no se separan del fondo de modo que la tridimensionalidad lograda en la imagen clásica (el gran secreto de Kirby; es una soberana gilipollez eso de que los dibujantes pasaban del color, eso sólo lo hacían los malos; miren lo que nos han legado Steranko o Ditko) apenas existe en la imagen actual.

Última imagen. Trataré de ser breve porque es más de lo mismo. El coloreado actual es muy inferior al original por sus virguerías vanas y por dar la espalda al contraste y a lo chillón como forma de lograr que las viñetas sean chisporroteantes y tridimensionales. Antes se coloreaba así no por las limitaciones técnicas sino más bien con el objetivo de conseguir expresividad, profundidad y dinamismo. Como el coloreado digital lo desprecia se ve obligado a reinventar todo el color. En la imagen original se ve claramente. En ella cada figura está bien contrastada y así, a la vez que se define, contribuye a lograr la tridimensionalidad necesaria para conseguir dinamismo y tensión. Fíjense como en el original Hogun y Fandral empujan hacia delante a la figura central y como el fondo blanco hace mucho más enérgico al Thor que acude al rescate y como en la actual todo eso es aniquilado por un coloreado sin sentido. Por último recreénse en la magia de la imagen original que ha creado un todo en que cada parte tiene singularidad mientras que en la actual es un todo abigarrado y empastado donde nada destaca. Fíjense en que los guantes de Hogun son del mismo color que el suelo y el palo de modo que son invisibles (pero cómo un colorista tan malo ha conseguido trabajar en Marvel?). Una enfermedad de la que también adolece Fandral. Diso, qué incompetencia. Por qué cojones el fondo ha de pertenecer a la misma gama que el suelo y los postes? Por qué no enseñan a los coloristas estadounidenses teoría del color?

No sé, yo creo que esta muy claro sin necesidad de saber nada. El coloreado clásico es armonioso y da tridimensionalidad de modo que salta a la vista que las imágenes que produce son más bellas que las actuales. Cómo puede alguien con buen gusto preferir lo nuevo? No se trata de respetar lo antiguo (que también), sino de respetar un trabajo perfecto dentro de sus limitaciones que a su vez es respetar un elemento ideosincrático del cómic. El coloreado pop lo distingue de otros medios visuales a los que el coloreado actual, con su "realismo" gris, busca aproximarse.

Videados 99: El Más Allá, L. Fulci 1981

2011-04-22T05:36:00.011+02:00

Se suele decir de esta peli que es la mejor de Fulci. No lo creo aunque me reconozco ignorante. Me da la impresión de que La verdadera historia de Beatrice Cenci y Angustia de silencio son lo mejor de este director de culto porque estan mucho más cerca de lo quería comunicar que "El Más Allá", que no es más que una peli más de género. De todos modos, esta peli es estimable por lo que hay que revindicarla ya que es bastante incomprendida debido a su originalidad y audacia.

LOS OJOS

La constante, por lo visto, del cine de Fulci es la agresión a los ojos, un viejo tropo. Esta ya en los mitos como castigo de la transgresión. Se ciega al que ha sido testigo de algo que no debía ver. Esto funciona igual en el Terror porque este es el heredero de los mitos. Pero en Fulci tiene un valor más pues este director busca agredir a sus espectadores agrediendo los ojos de sus pjs. Fulci era un furioso rebelde. No quería complacer ni quería pasar desapercibido. Quería ofender. Si hacía Terror el público debía cagarse. Por eso era tan gore como nunca se había visto antes. Pero se enfrentaba con el dilema de que al público fan del Terror no es fácil de ofender pues precisamente busca el gore. Así que a Fulci sólo le quedaba atacarle de forma directa y despiadada. El ojo del personaje es el espectador. Cuando estamos en una sala cine y la peli nos absorbe perdemos toda noción de nosotros mismos excepto de nuestros ojos. Así, la agresión a un órgano con el que el espectador esta muy identificado es tremendamente perturbadora. Todo esto sin profundizar mucho más en el simbolismo ocular que nos lleva al alma y otras ideas. En definitiva, la visión es el principal sentido de la humanidad por lo que la agresión a los ojos es una de las más terribles que esta puede sufrir. Por eso es el sello de Fulci quien dijo: ellos (los ojos) son la primera cosa que tienes que destruir porque han visto demasiadas cosas malas.

LA ESTILIZACIÓN DE LOS GÉNEROS

A partir de los 60 muchos directores, principalmente formalistas y manieristas, que han trabajado en los géneros los han estilizado. Desinteresados en contar otra vez una historia gastada pero muy interesados por la forma se han concentrado en la imagen y para ello han despojado al fondo de todo artificio. El mejor ejemplo es Leone y la inconmensurable "El bueno, el feo y el malo". C. Eastwood no tiene ni siquiera nombre. No es necesario. El público aficionado ya sabe de que va todo. Puede rellenar los huecos porque ha visto cientos de veces esa historia. No hay que presentar personajes ni justificar el conflicto. El público antes de entrar en la sala ya sabe quien es el bueno y de qué va la peli. Estos directores se han dado cuenta de que aquel no va a que le cuenten la historia, va a ver imágenes que tienen efectos catárticos en él. Así, lo que hizo Leone con el spaguetti western lo hicieron Fulci y D. Sachetti (el coguionista junto con Fulci) en "El Más Allá". Por tanto, hay que tener en cuenta esto cuando se videa esta peli. Las cosas se dejan en el aire porque se supone que el espectador es un iniciado. Por eso Fulci y Sachetti fueron más allá para ofrecer lo que el público quiere. No dieron explicaciones y ofrecieron imágenes fuertes para castigar a los ojos de los que las buscan insensatamente.

EL HOTEL 7 PUERTAS

El guión esta lleno de convencionalismos hasta el punto de que teoricamente esta peli es muy conservadora. Contiene todos los elementos tópicos del gótico: mansión, pareja, pasado, fantasmas y el mal acechante. Pero haciendo de este hotel un lugar intermedio entre el Mal y la Tierra, por el cual el primero se vierte en el segundo, Fulci y Sachetti llevaron lo fantástico hasta sus últimas consecuencias. Así, salvaron a esta peli de ser una más y se rebelaron con éxito contra el productor. La peli parece absurda. Así es como uno de sus personajes califica lo que esta pasando. En ella las cosas pronto dejan de tener sentido. Pero esto en realidad no es así. Es cierto que el guión se escribió con el piloto automático y apenas se trabajó y que a Fulci no le interesaba el fondo, pero "El Más Allá" tiene su lógica interna y particular pues cuando el Mal se vierte en la Tierra lo que hace es romper las reglas que generan la normalidad de modo que para los humanos las cosas dejan de tener sentido o transcendencia. Por eso de una biblioteca surgen una manada de tarántulas, por eso McCabe, que demuestra ser un grandísimo tirador (genial esa escena en que no se lo piensa 2 veces el disparar al brazo con el que un zombi agarra a Liza por el pelo) y que sabe que hay que disparar a la cabeza para acabar con los zombis, es incapaz de acertar al pintor en la tocha a pesar de dispararle a bocajarro (esta claro que el Mal protege a su criatura) o que el sótano (no perdamos de vista la conexión que tiene este con el inconsciente y lo subterráneo) del hospital que esta en el centro de la ciudad conecta con el del hotel que esta a las afueras. Simplemente lo que pasa es que el Mal ocupa y pervierte todo, incluso al pintor. Este al principio es bueno. A sus brutales perseguidores, lo cual lo califica de víctima y por lo tanto automáticamente nos pone de su lado, les dice que él es el único que puede salvarlos del Mal que mora bajo el sótano del hotel y luego es crucificado, lo que no se puede tomar más que como la confirmación de su condición de salvador. Pero al final es el principal agente del Mal. No se explica por qué pero ni falta que hace pues es evidente que, rechazado por sus semejantes y a solas con el Mal, se ha pervertido. Así pues el hotel es la clave y el origen de todo pues es una puerta al Mal (no hay que olvidar que por una puerta se sale o se entra lo cual es una cuestión puramente de perspectiva). La peli lo dice claramente ya en su prólogo pero lo escenifica de forma brillante en lo que es uno de mis momentos favoritos de la peli. El arquitecto (cliché andante como demuestra que fume en pipa) va a buscar los planos del hotel y lo que halla no son los planos del hotel tal y como se ve en el mundo real sino los planos de como es en realidad los cuales le asemejan a un monasterio (bueno eso creo ver porque yo de Arquitectura poco). Otro buen momento es aquel en el que, cuando la puerta esta abierta de par en par, se ve al hotel cerrado por obras lleno de gente. Así pues, fue mediante lo fantástico con que Fulci y Sachetti puentearon la comercialidad cortoplacista de la producción que obligaba a la espartanidad, a la sencillez, a la rapidez y a los convencionalismos. Todas las escenas de la peli son lugares comunes pero su intranscendencia (ejemplificada magistralmente en la escena en que el fantasma enviado a ayudar a la protagonista a derrotar al Mal muere de forma sorprendente y, por lo tanto, no cumplirá su misión) le da a todo un aire fantástico que alza esta peli por encima de la mediocridad y vulgaridad al potenciar la locura del terror. El Mal lo destruye todo, por eso en la peli no hay humor, no hay romance, nada es normal y termina mal.

LOS CIEGOS, LOS TUERTOS, LOS MUERTOS

Ya sabemos lo que significa los ojos en Fulci pero aquí hay 2 elementos que desarrollan más esa idea. En "El Más Allá" los ciegos son los muertos. Agentes del Mal extraídos del Infierno. Lo que nos indica que la ceguera es un castigo además de una carencia que revela que les falta la vida. Por eso no es un handicap extraño en un muerto aunque lo tradicional es que sea mudo. Así, la ciega del perro, Emily, es una fantasma. Esta claro puesto que cuando sale en el prólogo ve, pero también esta esa escena incomprensible en que se revive la marcha precipitada de Emily varias veces a cámara lenta. Esta sólo se puede explicar como la visualización del hecho de que Liza se da cuenta de que mientras ella hace ruido al andar por las tablas, Emily no. Otro fantasma es la niña. El que se revuelva al final demuestra que ella también murió en la depósito de cadáveres, un lugar prohibido como la habitación del pintor, donde es encontrada por Liza en el final. Lo único es que estos fantasmas tienen la peculiaridad de que pueden ser carnales a voluntad y, por lo que parece, cuando estan débiles.
Curiosamente en la peli muchos de los personajes mueren por culpa de que se les entuerta. El fontanero, la ama y el arquitecto mueren de esta forma y no debe pasar desapercibido que el cadáver que le cae a la niña cuando trata de huir esta tuerto también (es lo penúltimo que vemos de la primera escena de la niña, la siguiente es la del funeral de sus padres al que asiste con los ojos cerrados para ocultar su condición). El hecho de que estos contrasten con los zombis, ya que conservan algo de su identidad mientras que los segundos son indistinguibles unos de otros al vestir igual, supongo que hay que tomárselo como que en el país de los ciegos los tuertos son los reyes. Los unos son los soldados y los otros los oficiales del Mal. Unos zombis que a pesar de que pasaban por allí no deben pasar desapercibidos ya que son bastantes peculiares. Lentísimos y enajenados expresan el triunfo del Mal. El que no se pueda huir de una amenaza tan lenta y tonta evidencia la victoria total del Mal, ya no se puede escapar de él.

FATALIDAD

Al estar el Terror relacionado con los mitos tiene esto en común con la tragedia clásica. En "El Más Allá" esta bastante claro pues precisamente la estilización de los géneros produce que el destino de los pjs este predeterminado. Lo cual explica la intrascendencia o la artificiosidad de muchas escenas y que la historia avence a pesar de sus inconsistencias. Por ejemplo, la ama y su hijo en una peli convencional tendrían que estar en el ajo pero aquí son tan inocentes como los demás a pesar de la cantidad de veces que parecen que estan maquinando o del hecho de que venían con el hotel. Lo que ha pasado simplemente es que el Mal ha cercenado ese posible futuro. Otro ejemplo es que McCabe y Liza ligan porque estan obligados a ello y no porque quieran. Quizás vaya por aquí la escena en la que el pintor se aparece crucificado a Liza que precede a todas en las que hace el mal. El Mal impide al pintor ser bueno. Pero donde se ve mejor el fatalismo de la peli es en Liza (a quien muy acertadamente pregunta McCabe al inicio del desastre que quién es ella en realidad). Esta hereda el hotel y quiere reformarlo a toda costa a pesar del mal negocio que es. Claramente está dominada por el plan del Mal para reabrir la puerta. El cual persigue, y consigue, que se relea el pasaje clave del "Eibon" para poder irrumpir en la normalidad. Liza es, pues, su marioneta. Un cebo perfecto, guapa, soltera y en apuros, para el héroe que es quien en el presente lee el "Eibon" que leyó Emily en el pasado, por eso esta, a pesar de ser buena, viene del Infierno. Así, el fatalismo potencia el terror y la desesperación. No hay escapatoria posible. El laconismo de la peli, otro aspecto de la estilización, lo refuerza pues refleja que los diálogos no importan. No se habla mucho y las frases son cortas porque da igual lo que digan los pjs porque todo se ha dispuesto ya. Fulci evidencia el fatalismo de la peli con la brillante y hermosa escena de la autopista. Liza recorre una autopista solitaria enmarcada por el mar de modo que sólo se puede ir hacia delante y se encuentra en medio de ella a Emily. El destino de Liza esta encarrilado y ni siquiera la ayuda sobrenatural la puede salvar. La tragedia esta servida.

EMILY

Este personaje como el pintor, con el que esta conectada, es enigmático. No esta claro si es bueno o malo. Al principio parece malo pues ella recita el pasaje del "Eibon" que desata todo. Por ello va al Infierno. De ahí parece sacada por el Mal (que opera principalmente por el pintor como confirma la escena en que el perro de la ciega le elige de entre varios objetivos para atacarle; mala elección ya que por ese contacto acaba contaminado por el Mal volviéndose así contra su ama) para enredar a Liza. Pero como no lo hace hay que pensar que tiene la suficiente personalidad como para contrariar y mentir a su jefe. Sólo así se puede explicar la escena donde es atacada por sus correlegionarios a pesar de que he hecho todo lo que me has pedido. Aunque parece que no lo hace por ser buena sino por permanecer en el mundo normal. Un último aspecto a destacar es que su perro se llama Dick, es decir, polla. Lo que puede indicar, si nos ponemos freudianos, que ella y el perro son una unidad de modo que su final sea una especie de suicidio. Como respuesta a su traición, su cuerpo le traiciona.

E TU VIVRAI NEL TERRORE!

El tramo final de "El Más Allá" es magnifíco. Un remate perfecto para la historia resuelto con gran habilidad pues supera los límites de la producción. El Mal triunfa de modo que fagocita todo condenando así a los protagonistas. Lo que se nos muestra más que en que no pueden escapar del Infierno, en que vemos como de videntes se transforman en ciegos (muertos y condenados). Un final que no puede escapar de las incongruencias que singularizan a esta peli provocadas por la producción ajustada y el rápido ritmo de trabajo. El 5º plano empezando por el final es un primerísimo de D. Warbeck ciego y asustado y el 4º, el siguiente, es un primerísmo de C. MacColl ciega pero serena. Ven cosas diferentes? En el rodaje no se cayó en la incongruencia? La actriz es tan mala como parece? O es que el pj no es inocente? En fin, sea como sea, un final espléndido porque mejora la peli y deja poso.

OTROS ASPECTOS

No puedo terminar sin mencionar brevemente algunas cualidades de "El Más Allá" que también destacan. 1º la bso. Hoy es bastante chirriante porque es muy setentera y no es la acostumbrada para una peli de Terror. Pero hay que reconocer que es muy buena, quitando alguna tonada que es más propia, como se ha dicho, de una peli erótica coetánea. El fabuloso final le debe algo a la música. En cuanto a la dirección de Fulci es convencional pero expresiva y singular al ser eficiente, no escatimar detalles escabrosos, utilizar sabiamente los colores azul (muerte), rojo (peligro) y tierra (Mal) y basarse en los 1º planos. Lo único malo es que su nudo es lento e irregular porque apenas avanza el relato y se ensimisma en las escenas gore. Lo cual critico no porque sean desagradables (a estas alturas es difícil que algo altere a un espectador consumado) sino porque rompen el ritmo. Por último destacar su lenguaje poético. Es decir simbólico y abierto a la interpretación. No hay que empeñarse en que las cosas sólo pueden ser razonables y unívocas. El fantástico tiene un potencial alegórico y transgresor que no puede ser expresado sin recurrir a la poesía. Fulci lo supo y por eso se le recuerda como un maestro.

VERSIONES

Como peli difícil que es no es fácil conseguirla. El público no esta acostumbrado a que le saquen del ABC y cuando lo hace una peli en vez de ver que no es algo convencional piensan que esta mal hecha. Hay una versión doblada en español de 83' que no hay que ver no porque sea mala sino porque las hay mejores: la versión inglesa y la italiana, ambas de 87'. Creo que la mejor es la italiana porque todas son dobladas. Es decir, que en la inglesa los actores italianos estan doblados y en la italiana lo estan los ingleses. Así que por el doblaje se puede ver la española, que además es bastante bueno, lo malo es que hay que conseguir una versión de 87' con el audio español y subtítulos en ese mismo idioma para los minutos adicionales y eso significa que hay que dedicarle algo más de tiempo a la búsqueda. La razón de que la versión de 87' sea mejor no es porque añada más sino porque lima las incongruencias. De todos modos, como digo, pienso que la mejor es la italiana porque tiene un detalle que redondea la peli, quiero imaginar que idea de Fulci, que las versiones inglesa y española no tienen. Este detalle es que Emily habla con voz de ultratumba.

Que sepan que estan leyendo un blog censurado

2011-04-15T01:38:00.003+02:00

El acceso a la página web

http://elcritiquitas.blogspot.com

ha sido denegado por la siguiente razón:

Límite de ponderación de frases excedido

Usted está viendo este mensaje de error porque la página a la que
intenta acceder contiene, o está clasificada como conteniendo,
material que se considera inapropiado.

Si tiene preguntas, por favor póngase en contacto
con el Administrador de Sistemas o el Administrador de la Red.

Me informa el legendario Ismael que esto es lo que se lee en las pantallas de los ordenadores de las bibliotecas coruñesas cuando a través de ellos se intenta acceder a mi blog. Tenía una serie de teorías que exponer pero la última hora es que pasa lo mismo con La Cárcel de Papel. Así que ya no sé qué decir porque el blog del sr Pons es muy diferente al mío en casi todos los aspectos. En fin, yo se lo transmito para protegerles. Igual sin que se den cuenta estan recibiendo mensajes inapropiados que les acaban llevando por el mal camino. A partir de ahora lean con cuidado y esten alerta.

Conan rey: A. Zelenetz

2011-04-07T19:07:00.006+02:00

Le ha llegado el turno de relectura a "Conan rey". La edición que voy a seguir es la de forum. Los nº sobre los que va a tratar este post son los 1-28 EE.UU./1-32 Es. 1980-5 y 1984-7 respectivamente. La disparidad se debe a que las grapas estadounidenses son de 40 páginas porque su periodicidad fue bimestral. No todos son nº guionizados por A. Zelenetz pero él es el que más guiones firma en este intervalo y el autor que definió la serie.

Los nº 1- 8 EE.UU./Es fueron realizados por R. Thomas y J. Buscema con el único objetivo de afianzar la serie. En ellos R. Thomas hace lo que habitualmente ha hecho cuando le tocaba guionizar a Conan, adaptar relatos literarios. Estos nº son 2 historias largas donde Conan sale del reino por diferentes motivos de modo que son relatos en que más que hacer de rey hace de bárbaro. Son lineales y simples y, porque todas sus partes siguen el mismo esquema, mecánicas y predecibles. Son tragables gracias al exotismo de los lugares donde ocurren las cosas. No voy a decir que bien capturado por J. Buscema, porque este era un tipo bastante austero, pero sí que plasmado con eficacia. Así, aunque la imaginería ya no es tan efectiva, lo que hace pasable esta historia donde Conn, el hijo de Conan, hace de sidekick de su padre son las wyverns, las hienas gigantes, las mujeres-serpiente metamórficas... Por último destacar el que le cuentan a Conn como su padre engañó alegremente a su madre con otra mujer. Brilla intensamente la ausencia del moralismo yanki.

Los nº 9-15 EE.UU./9-17 Es. Realizados por D. Moench y un M. Silvestri muy primerizo, pero buen narrador, por lo que el resultado final depende mucho del entintador. D. Moench se tomó en serio su cometido en esta serie pero no hizo un buen trabajo. Sus nº hoy son un rollo tremendo con tanta letra inútil y argumentos malos a los que le pesan el que Moench nunca consiguió dar con la Era Hibórea, si bien los dibujos de M. Silvestri no le ayudaron en nada pues el dibuja la serie como si fuese Fantasía Medieval. Las historias siguen haciendo salir a Conan de aventuras pero al menos Moench empieza a tratar la tensión interior de Conan entre bárbaro y rey, que parece más la crisis de los 40 que otra cosa pues estas historias ocurren cuando Conan lleva reinando más de una década. Un conflicto en el que Zenobia, su esposa, toma partido por el lado real exigiéndole responsabilidad y paternidad. Ya no puede pensar sólo en sí mismo.

Los nº 16-28 EE.UU./17-32 Es son obra de A. Zelenetz y M. Silvestri, tan primerizo y desacertado con la Era Hibórea como siempre. La etapa de A. Zelenetz tarda en arrancar por lo que al principio apenas se desmarca de las historias malas y aburridas de la etapa anterior. Pero poco a poco va remontando dando vida a los numerosos secundarios de la corte de Conan así como profundizando en los pjs. Así, poco a poco, a medida que se va asentando, Zelenetz va mejorando la cole hasta convertirla en algo singular y muy interesante. Así que es una lástima que su etapa fuese decapitada sin miramientos. Hoy se ve con pena que no dejasen llegar al guionista donde quería ir dada la calidad que iba tomando la serie. Supongo que la sustitución se vio motivada porque Zelenetz ponía el acento en la psicología y en el drama en una cole de Conan. Alguien pensó que había que remediarlo, seguramente empujado por un montón de seguidores de gustos conservadores. Pero a pesar de eso, la etapa de Zelenetz dejó un legado que ningún guionista posterior pudo obviar. Esta continúa con la tensión entre el bárbaro y el rey pero haciendo que tenga efectos tanto en su reino como en su familia, en especial en Zenobia a la que le empieza a pesar que Conan este más tiempo fuera que en el trono. Además, hace que Conn deje de ser el sidekick de su padre y sea crítico con él dada su diferente educación (ahora es cuando Conn va reprochar a su padre el adulterio) y que los otros dos hijos de Conan peguen un estirón para ser lo suficientemente mayores como para generar sus propias tramas, destaca la de Taurus el prepúber hijo menor de Conan que no sé sabe muy bien por qué odia a sus familia y se dedica a la magia. En esta etapa está el único nº decente de todos los de este intervalo: Un tirano en ámbar (17 EE.UU./19-20 Es). Una historia sencilla pero bien relatada más de "Conan el bárbaro" que de "Conan rey", recuerda además a la de Belit, muy bien dibujada por R. Nebres, quizás el mejor filipino de la Marvel, que logra que por fin esta serie de algo de solaz a los ojos de sus seguidores. Así pues, una grapa redonda y grata. Tan bueno como su título aunque no se puede entender hasta que se haya leído la historia. Tras un pequeño bache Zelenetz empieza a tejer su historia de conspiraciones (no se olvida que Conan es un usurpador y un rey poco diplómatico y aquilonio) y a realizar maniobras audaces como llevarse a Conn lejos a protagonizar un complemento o deformar a Taurus. De este modo la serie empieza a tomar forma y a ser realmente interesante. Con perspectiva se ve que Zelenetz se adelantó a su tiempo en su forma de relatar pues la historia avanza lentamente y se pone el acento en los pjs. Así, Zelenetz escribió Viaje (en el original es Pasaje un título mucho más acertado) y (Una) Muerte en Estigia (26-7 EE.UU./29-31 Es). 2 nº interesantes porque Zelenetz emplea técnicas narrativas complejas de modo que son 2 grapas insólitas en Marvel. Con todo no supo redondearlas. Una lástima. En cuanto al dibujo decir que en esta etapa se incorpora G. Isherwood a las tintas dando al acabado un aspecto profesional y realista pero demasiado soso y rígido para resultar atractivo.

Como se ha dicho la etapa de Zelenetz acabó bruscamente aunque no todos los elementos que introdujo cayeron en el olvido. Una lástima porque la cosa se estaba poniendo bien sin prisa pero sin pausa y frustrante porque la historia se cortó en su principio de modo que es imposible intuir hacia donde quería llevarnos el guionista. En fin, dentro de un tiempo la larga etapa de D. Kraar.

Critiquitas 318: Powers: Las Águilas Intrépidas, B. M. Bendis y M. A. Oeming, Panini 2011

2011-04-06T02:40:00.006+02:00

Pues aquí vuelvo con mi esquizofrenia particular: Bendis es mal guionista pero Powers esta bien. Esto es lo que hace que el seguimiento de esta serie en este blog sea intermitente. Bendis siempre hace un trabajo regulero así que no siempre me apetece dedicarle un post. En este caso sí porque este tomo gordo es el último que vamos a ver por aquí en muchos meses ya que ahora mismo apenas hay material inédito y esta serie esta supeditada a los encargos alimenticios de ambos autores.

Lo primero decir que Águilas Intrépidas me ha sorprendido gratamente. Tras mucho tiempo un tomo de Powers lo ha vuelto a conseguir. No ha sido la historia, pues es mediocre, es decir, hay tomos mejores (y peores), ha sido el trabajo de B&O pues, cuando ya no lo esperaba, por fin han hecho algo decente con la narrativa. Siempre que hablo de esta serie pongo a parir su narrativa porque es caótica y caprichosa. Nunca sabes que viñeta es la siguiente. Pero en este tomo no. B&O por fin hacen páginas coherentes y legibles. Así la lectura gana y la historia se ve favorecida ya que por fin hay ritmo y tensión, que es lo que aporta la narrativa en viñetas a los guiones. Por tanto, la acción se ha visto muy favorecida. Por fin las persecuciones son trepidantes. Aunque siguen abusando de las técnicas narrativas televisivas, menos que en otras ocasiones. Así pues es un tomo gordo gráficamente bastante redondo aunque el dibujo de Oeming sigue siendo burdo y tosco y la influencia mignoliana le sigue pesando demasiado. Por tanto, no se puede hablar de buen dibujo, ni siquiera de grato, pero es un estilo muy de cómic y lo que da es suficiente por lo que funciona. En parte porque encaja con un coloreado que esta más cerca del clásico que del que esta de moda en las majors. Por otro lado, el sencillo y crudo dibujo de Oeming no es adecuado para este último. Así, el coloreado de Powers hace que las páginas sean vistosas y expresivas siendo, por tanto, la principal herramienta de transmisión de la serie puesto que los diálogos de Bendis son siempre sosos (por los diálogos nunca sabes qué cómic de este autor estas leyendo), el dibujo de Oeming es demasiado limitado como para transmitir y la narrativa hasta ayer era una chufla.

Por qué me gusta Powers a pesar del muy regulero trabajo de los autores? Pues porque es como creo que deberían ser ahora los cómics de superhéroes. No pretendo decir que el género debe ser grim&gritty con sexo (sin el carácter desagradable que tiene esto en Ennis). No creo que sea necesario ni que sea la única opción. Yo soy chapado a la antigua, creo que el mainstream debería volver a ser superheroico en las coles protagonizadas por superhéroes. No lo veo necesario si el supertipo protagonista es un supervillano o esta al servicio de la política. Pero defiendo el grim&gritty porque ahora estos cómics ya no los compramos chavales así que no entiendo por qué hay que seguir fingiendo. Me resulta irritante que la violencia entre tipos con poderes letales no sea gore (los escasos ejemplos que hay en el mainstream son momentos excepcionales y, por tanto, no cuentan) y también que casi todos los cómics sean fan service (con mayor o menor clase, con mayor o menor acierto) pero no se ve ningún pezón (femenino) o un culo sin nada. Los uniformes se hacen jirones pero no se puede ver nada y los superhéroes son adultos, luego sexuados, pero no se ve follar a nadie. Aclarémonos. No seamos hipócritas. Si vendemos violencia y sexo que se vea porque ya no hay niños que proteger. Si no, que el género sea menos sexista y violento. Así pues, me gusta que Powers no se ande con tapujos. Es cierto que en parte es por motivos comerciales, hay que diferenciarse y ofrecer algo más que el mainstream, pero en parte es por sinceridad y coherencia. El universo de Powers no es superheroico. Es sórdido y los supertipos son más humanos que los de S. Lee. Follan, son egoístas y ambiciosos y estan más integrados en la sociedad. Así, como nunca han tenido el carácter de ángel de la guarda asexuado y abnegado, ni se le echa de menos ni perjudica al presente. B&O han querido ser muy posmodernos en esta serie, la suya, por lo que nunca habido heroísmo en ella (de hecho, siempre que aparece se castiga o desmitifica).

El otro rasgo que aprecio de esta serie es que es una continua danza. Siempre esta en movimiento. Avanza, retrocede, gira... Algo que el mainstream perdió en los 90 pero que sorprendentemente no se ha molestado en buscar. Es así porque B&O han convertido Powers en un cajón de sastre donde cabe todo (sin duda por ello hicieron al personaje de Christian, ¡hostias! acabo de caer, Christian=cristiano, inmortal en medio de la serie). Así pueden tratar el pasado legendario, repasar la historia de los superhéroes a lo Moore o incluso ir al futuro y al Espacio. Desde luego las cosas han cambiado mucho. Al principio era una serie urbana, humana y policíaca a lo Bendis (no hay misterio ni investigación simplemente el ambiente es policial), ahora es bastante más superheroica (grim&gritty). Hay identidades secretas, Fantasía, CF, grandes amenazas... Así pues es una serie, por la libertad autoral, mucho más sorprendente, original, singular y rica que la típica cole mainstream. En ella no siempre estamos en las mismas coordenadas y se ven cosas que no se ven en otro sitio. Incluso hay ideas interesantes como que existan máquinas que anulan los poderes de los que esten dentro de su limitado radio de acción. Algunas otras han llegado a Marvel. Así pues, Powers poco a poco se ha ido alejando de "Sin City" para acercarse a "Astro City" y a "Top 10". De las que se distingue, sobre todo, en que su enfoque es menos superheroico y menos respetuoso con el pasado dorado sin el cual B&O no se podrían ganar la vida del modo en que lo hacen.

Así pues, Águilas Intrépidas, gráficamente, posiblemente sea el mejor tomo de todos los de Powers. Sus historias son convencionales pero es que lo que le interesaba a los autores hacer en este tomo es meter subtramas y profundizar en los nuevos pjs. No hay que olvidar que es el inicio del 3º volumen de la serie. Una renumeración bastante caprichosa pero es que esta bastante crudo la cosa en el mercado estadounidense. Es cierto que en el anterior tomo se terminaban muchas cosas, pero también que nada de esto tomo gordo se comprende bien sin todo lo anterior. Un lector nuevo seguirá sin problemas los 6 nº que forman Águilas Intrépidas pero también se dará cuenta de que se ha perdido muchas cosas. Justo las que hacen que el tomo sea emocionante, pues descontextualizado es simple rutina facturada por 2 artífices torpes. Así pues, este tomo gordo es mediocre pero tiene momentos buenos y es muy prometedor así que puede que acabe siendo mejor que el 1º volumen, hasta ahora donde esta casi todo lo bueno.

Critiquitas 317: Imperativo Thanos, D. Abnett, A. Lanning y M. Sepúlveda, Panini 2011

2011-03-31T23:16:00.004+02:00

Pues vuelvo al blog un poco obligado. Tranquilos. No es que quiera dejarlo. Es que entre que los post sobre el cine zombi preRomero me han agotado y que estoy últimamente con unas cosillas que me consumen bastante energía, no tengo ganas de postear. Que para mi cada post es un parto. Algunos múltiple. Pero como actualizo poco no quiero dejar pasar mucho tiempo porque os vais y, además, se me empiezan a acumular temas. Así que disculpad si este post acaba resultando una lectura árida.

Con este tomo termina el último ciclo cósmico del UM. No ha durado ni 5 años así que yo creo que habría que ser prudentes a la hora de hablar del trabajo de Abnett&Lanning. No decir que ha sido bueno. En realidad ha sido un trabajo mediocre, si bien no se esperaba otra cosa de ellos. Entretenido, convencional, bien contado y con alguna cosilla notable. Lo único es que como no han contado con grandes dibujantes, apoyo editorial y pjs populares pues es Bendis y no ellos los que estan en el centro de Marvel. La historia no es mala idea pero es repititiva. Es cansado leer otra vez una historia donde todo el mundo se reúne a dar tollinas al malo de turno pero, a pesar de llevarlo crudo, se acaba triunfando a costa de cambios y bajas. Una pena porque el viaje hasta esta historia ha estado mejor que los anteriores. De hecho, los precedentes han sido lo mejor gracias al misterio y los requiebros con que A&L los escribieron. De todos modos a Imperativo Thanos no le pierde la reiteración sino la falta de emoción, sobre todo por la previsibilidad del final y porque los pjs son meros clichés, y su simpleza, pues no daba para 7 grapas. De todos modos había material para haberlo hecho mejor. Quizás A&L no le pusieron muchas ganas al saber que Marvel dejaba de apostar por ellos.

Sepúlveda me parece que hace un trabajo flojo. Es un dibujante poco efectivo y atractivo muy influenciado por Pacheco. Lo más pobre de su trabajo es la narrativa, aunque puede ser que los guiones de A&L no le diesen muchas opciones. Apenas va más allá de las 4 viñetas por página y la composición es muy convencional así que no imprime ni emoción ni dinamismo a la historia. Además, privilegia la parte sobre el todo, tiene tendencia a las posturitas y hace demasiadas citas cinematográficas, de modo que el resultado de su trabajo más que una sucesión de viñetas es una serie de ilustraciones con poco sentimiento y singularidad. Todo esta quieto y suena de algo. De todos modos hay que destacar su atención a la gestualidad y que no se vio superado por el encargo. También, cuando el guión es simple y es una sucesión de clichés poco se puede hacer y menos cuando el estilo de dibujo es realista. Nada puede hacer por una historia nada original un dibujo poco original. Esto se puede ver muy bien comparando las páginas del prólogo de B. Walker. Aunque este dibujante también utiliza un estilo realista es mucho más dinámico y enérgico. Sin ser mejor que Sepúlveda es más vistoso y más singular de modo que al final es el que se lleva el gato al agua.
Pues un final que da pena porque es un tanto injusto. El trabajo de A&L no es tan malo como para que les quiten los juguetes y los guarden. Pero bueno, cada vez el mainstream vende menos y encima hay que resetearlo anualmente para que resulte interesante al gran público. Entristece el quedarnos otra vez sin el rinconcito cósmico del UM no tanto por el divertimento que nos proporcionaba A&L, ya que no era nada del otro mundo, sino porque el cosmos marvelita es muy interesante al contar con pjs interesantes, ideas kirbyanas y starlinianas y estar más abierto a la CF que las historias terrestres. Gracias a esta base, bien utilizada y bien conocida por A&L, algo cada vez menos habitual, los guionistas han podido hacer unas historias entretenidas e interesantes a pesar de ser sencillas y convencionales. Lo mejor de ellas para mi ha sido que han revuelto el status quo. A&L fueron ambiciosos. Aprovecharon que no les controlaban mucho para hacer cambios así, aunque no han dejado nada para el recuerdo y han repetido esquemas, han dejado las cosas distintas a como estaban. Su paso se ha notado y eso siempre es de agradecer en un medio tan industrial.

Videados 98: El último hombre... Vivo y Soy leyenda

2011-03-16T01:57:00.012+01:00

Dominado por el típico afán completista propio de todo coleccionista videé las 2 pelis estrenadas en España basadas en "Soy leyenda" para aprovechar mi reciente relectura de la novela, así como mi reciente revideado de la primera adaptación al cine de la misma. Tras esta nota autobiográfica, mis critiquitas de las mismas.

El último hombre... Vivo, B. Sagal 1971.
Yo prefiero llamarla como el original, omega man, porque me parece uno de los 10 títulos mejores de la Historia. Es la mejor peli inspirada en "Soy leyenda", si bien por poco. La había videado un par de veces pero hace tanto que la tenía muy olvidada. Empieza con una larga escena muda muy bien planificada que muestra al gran C. Heston recorriendo en coche una gran ciudad, L. A., que parece estar desierta salvo por él y una figura encapuchada misteriosa y escurridiza, la cual parece ser su objetivo. Es una escena cuyo contraste tanto con la novela como con la anterior adaptación revela cuales son las líneas maestras de las modificaciones que el guión de J. William y J. H. Corrington han hecho a "Soy leyenda". C. Heston conduce un deportivo, luego este Neville no es la figura familiar tanto de la novela como de anterior adaptación, posteriormente la peli nos confirma que es un soltero empedernido, y la subescena rápida del tiroteo que divide el comienzo en 2 (antes y después de los títulos de crédito) revela que en esta versión las armas de fuego sustituyen a las estacas. No hay vampiros pues. Por tanto, Omega man (el plano donde sale el nombre del actor y donde sale el título es el mismo, un primer plano de C. Heston, por lo que nos dice tanto la identidad del pj como que es el protagonista) es un hombre de acción así que la peli va a tener mucha más acción que la novela y la adaptación anterior. Esto le debió gustar mucho a C. Heston ya que así pudo exhibirse con un montón de armas distintas y demostrar que es uno de los mejores tiradores del Cine. Cuando dispara su mirada mata. Las balas sólo profanan cadáveres. También, el que la secuencia transcurra en pleno centro urbano lo diferencia tanto de la novela como de la peli de V. Price pues estas transcurren en los suburbios de L. A. Finalmente, tanto la tosca cassette musical que Neville pone en su coche como la música inicial no tienen ningún tono trágico o triste pero sí algo idílico de modo que ya se nos esta anunciando que la peli no va discurrir por las mismas emociones que "Soy leyenda" y "The last man on Earth".

A este buen comienzo le suceden un par de escenas que nos informan que en marzo de 1975 (en las fechas es la única adaptación cinematográfica fiel a la novela) debió de haber algún tipo de apocalipsis pues nos confirman que Omega man esta sólo y que el dinero ya no vale nada, la prueba más elocuente del fin del mundo capitalista. También vemos como el prota habla solo y que la ausencia de sexo heterosexual le pesa. Lo primero es una forma más adecuada para que una peli exprese soledad que la voz en off de la primera adaptación y lo segundo es algo que esta en la novela pero que la primera adaptación disimula. Después de estas escenas pasamos a una hoy sorprendente escena: C. Heston videando con gusto el documental "Woodstock" (el festival es de 1969 y la peli de 1970)! Al menos lo hace con una arma en la mano y un gesto que anuncia al pj que interpretó en sus últimos días. En medio del videado Omega man se solapa a un hippie: -Sólo hay que ver, hay que comprender lo que es realmente importante. La verdad es que si no podemos vivir todos juntos y ser felices. Si hay que tener miedo de salir a la calle. Si hay que tener miedo de sonreír a alguien, verdad? Qué, Qué manera es esa de seguir viviendo la vida?, lo cual nos deja claro que este film, al igual que su precedente, es una parábola. Por eso no es una obra de CF como la novela, pues si esta planteaba la acción 25 años en el futuro y no hacia referencia explícita al mundo bipolar, esta peli, como la anterior, la sitúa en su presente. De modo que ambas son advertencias y, por eso, fabulísticas. En este caso, una parábola que al pensar que el pacifismo fue inútil, no frenó el apocalipsis, refleja el desánimo de principios de los 70. A esta escena le sigue uno de los momentazos de la peli: Omega man cree oír un tlfn. Depresión y locura. Este bajón la peli lo compensa poniendo la primera escena de acción acompañada de una bso enérgica. La cual nos comunica que los malos, aunque no son vampiros, sólo salen por la noche.
De aquí pasamos a un interior. A la fortaleza de Omega man. Una serie de escenas donde se inserta el, para mi, mejor momento de la peli: C. Heston aprieta el botón del ascensor y este gesto remite inmediatamente a la pulsación del botón nuclear. Como estamos en una peli de Hollywood hay que explicar las cosas. El misterio ha aguantado casi 12'. El problema fue una guerra sinosoviética que empleó, sorprendentemente, armamento bactereológico con lo que la mierda al final llegó a todos. La casa de Omega man es como un museo. En su intimidad C. Heston hace lo que es seguramente su último topless (en esta peli ya empieza a verse que incluso el tiempo puede con un ser legendario) y luego habla en voz alta consigo mismo y con un alter ego, un busto de César que lleva una gorra de plato militar, posteriormente sabremos que es de Omega man. Durante esta conversación oye ruidos de la calle y dice: -Vuelven a las andadas. Qué será esta noche? El Museo de Ciencias? Alguna biblioteca? Esto inmediatamente nos hace rememorar el carácter de museo de la guarida de Omega man. He aquí pistas de cual es el motivo del enfrentamiento. Parece que esta vez la dialéctica de la peli no es un tema de vampiros buscando presas. Inmediatamente después vemos a los malos llenos de vitalidad, no como los de The last man pero sí como los de "Soy leyenda" aunque estos no van ataviados como monjes medievales ni juegan con fuego. La escena sigue y vemos el careto de los jefes, pálido, lacerado y con gafas de sol en plena noche! Si son fotofóbicos cómo es que juegan con fuego? Se llaman entre sí hermanos, a Omega man Neville y a sí mismos La Familia, como C. Mason llamaba a sus acólitos. Precisamente lo de las sectas dementes es un fenómeno que empieza en los 70. Su discurso es anticientífico y antitecnológico. Por eso destrozan museos y bibliotecas y en la escena estan quemando libros y cuadros, lo que recuerda a las hogueras de vanidades de Savonarola. Por tanto, ya que tienen una ideología y modos monacales, no son vampiros sino una secta (-sociedad sagrada) de traumatizados supervivientes que por su salud han creado un relato que sintetiza el oscurantismo cristiano con la hermandad hippie. Lo que contrasta un poco con la visión positiva de aquel movimiento vista antes salvo que lo tomemos como una condena al hippismo fanático que negaba la modernidad y la sociedad. En esta escena vemos que el jefe de La Familia (el demente y tiránico típico jefe de secta) es el presentador que anuncia el fin del mundo en los flashbacks de la peli, Matthias (el nombre es el del apóstol que sustituyó a Judas) el equivalente al Ben Cortman de la novela y de la 1º adaptación. Lo cual refuerza el carácter de parábola que tiene The Omega man y confirma la austeridad de la producción. En esta escena se inserta un flashback que identifica a Neville como un científico, algo de la peli de V. Price, y un coronel, algo original de esta peli, y nos explica porque él no se ha visto afectado por la epidemia que ha matado a casi toda la humanidad y ha convertido a los escasos supervivientes en mutantes. Un flashback estúpido al no tener el detalle de incluir a gente sin mascarillas antigás, que no tenían porque servir pero hubieran demostrado un enfrentamiento serio contra la epidemia, y mostrar como el helicóptero donde viaja Neville se estrella desde gran altura. Una escena increíble que podría haberse salvado si hubiese servido para certificar la condición sobrehumana de Omega man, pero como termina con este inyectándose la cura experimental como medida desesperada deja la escena en una fantasmada. Pero bueno, es una parábola. Tras esto volvemos al presente para ver a C. Heston despejando a tiros a La Familia, la cual, ahora lo sabemos, quiere matarlo porque es el último representante (-el último de los científicos, de los banqueros, de los negociantes, de los que usan la Máquina) del sistema (-la maldad) que ha llevado al apocalipsis. Necesitan asesinarlo para poner punto y final a la catarsis y así iniciar una nueva vida. Por tanto, la lucha entre Neville y los mutantes es, utilizando los términos de la peli, una lucha entre bárbaros y civilizados. Los primeros piensan que el posapocalipsis no se debe revertir buscando curas o reconstruyendo la civilización y que hay que rematar la faena destruyendo los vestigios de la era preapocalíptica. El fracaso es la oportunidad para empezar de nuevo. La mutación hay que aceptarla y sufrirla en silencio porque es la forma de prevenir contra la reproducción de los mismos errores. Así pues, "Soy leyenda" vuela por los aires. El tema de la normalidad, el cambio y la inversión es sustituido por el de la diferencia, el renacimiento y el enfrentamiento. La novela no ha llegado ni a los 20'. Al menos el tema de los mutantes es tan científico como los vampiros de Matheson.
Tras esto comienza el 2º acto. Como en la novela y la 1º adaptación, el Neville de esta peli tiene como rutina diaria el recorrer la ciudad eliminando a los mutantes. En esta ocasión termina en una tienda de ropa, en una escena que remite a "Zombi", donde unos maniquíes femeninos le recuerdan a Neville que es un hombre. Aquí aparece el pj femenino. La peli sólo ha aguantado la soledad de Neville 32', la peli de V. Price aguantó 61' (si bien el tramo central es un largo flashback). Pero, al contrario que la novela y su 1º adaptación, esta consigue escapar y Neville es capturado por los mutantes. Tras una escena judicial un poco tontorrona donde La Familia transmite los más convencionales y burdos clichés del pensamiento oscurantista (en este caso bastante razonables), se pasa a la ejecución de Neville. Una escena que evoca a los autos de fe pues C. Heston lleva el capirote de los condenados, lo que confirma la inspiración medievalista de los guionistas. Le salvan de la ejecución unos misteriosos humanos cegando a los mutantes con luz artificial. Si son fotofóbicos porque juegan con fuego? Una escena donde es inevitable plantearse por qué, si le salvan, le apuntan constantemente con un arma. A quién se intenta engañar. Al espectador? Con la liberación, unas escenas en las que por desgracia canta el doble de C. Heston, termina el 2º acto. La parte más floja de The omega man.
El 3º acto es muy difícil de creer ya que lo que en él acontece no tiene mucho sentido. El encuentro con la mujer, negra porque estamos en la época de la blaxplotation, y los supervivientes, que hacen aquí el papel de los neohumanos dada su juventud (no se ven niños entre los mutantes), hace que Neville se centre en construir en vez de en destruir. Ahora va a volcarse en la investigación científica, pues hay esperanza. En este clima de alborozo surge el idilio y con él las sombras. Cuando no se tiene nada no se puede perder nada, más cuando se tiene algo... Ay! El desencadenante de la tragedia final es el pacifismo, algo curioso en una peli que pretende alertar sobre el belicismo. El intento de reconciliación no prospera porque los bandos son fanáticos. Esto hace que Neville recupere su rol militar. Por eso es ahora cuando saca del armario su uniforme. Ni en los flashback iba con él. Ahora que hay 2 bandos sólo puede quedar uno. A pesar del apocalipsis sigue sin haber espacio para ideas diferentes. Así llegamos al enfrentamiento final que tiene aire de Western pues es el bueno contra todos los malos. La cosa pinta mal. La peli empieza a remontar. A pesar de su poderío armamentístico Neville es traicionado por el destino (es ahora cuando se revela que es un pj trágico) y su casa, el último vestigio de una civilización perdida cual museo que es, destruida delante de sus ojos. Pero hay una oportunidad. Como siempre, al villano le pierden las ejecuciones públicas. Neville la aprovecha pero al querer abarcar demasiado, la esperanza es así, las semillas de las tragedia plantadas al principio de este acto germinan, el amor le hizo bajar la guardia, por lo que es lanceado mortalmente al igual que el Morgan interpretado por V. Price. Con su muerte purifica a la humanidad de sus pecados y con su sangre le da una vía de salvación. Aunque los mutantes siguen vivos, los supervivientes parten a buscar un nuevo jardín en el que empezar, por eso la música final es alegre aunque ha muerto el prota. El penúltimo plano, la gorra de coronel de Neville, nos comunica que el ejército estadounidense nos ha salvado y el último plano, C. Heston muerto, recupera la cristología de la 1º adaptación subrayándola con su composición mezcla de piedad o de descendimiento y de El Cristo de San Juan de la Cruz de Dalí. Previamente una niña había preguntado a Neville si era dios, algo que desconcierta tanto a C. Heston como a nosotros. En fin, este, como Moisés, lleva a su pueblo a la Tierra Prometida pero no puede entrar en ella. "Soy leyenda" ha sido porculizada otra vez. La tragedia y la crítica, como los vampiros la luz, no puede ser soportada por los estadounidenses.
Por tanto, "The omega man" es una peli modesta y mediocre que al buscar ser una parábola para su propio tiempo renunció a adaptar "Soy leyenda". Esa dirigida con competencia y setenterismo (ese zoom loco y desbocado) e interpretada sólidamente por la pareja protagonista. C. Heston esta excesivo como siempre, pero él era especial y este pj, como muchos que interpretó, es un superhumano, por tanto, su intensidad esta plenamente justificada. La chica, R. Cash, también esta muy bien. Se enfrenta airosamente a su colosal parteneire y hasta se permite bromear sobre su hombría (muchos murieron por menos que eso). El resto del reparto esta bastante flojo pero poco podían hacer con los clichés que les tocaron en suerte. Al menos consiguieron hacer las tomas sin reírse de sus líneas. Por último, tiene ese aire entrañable de las pelis de serie B que reside en el cutrerío que traspasa la pantalla y en un guión incongruente (que es algo propio del cine comercial). Por tanto, hoy es una peli que ha de ser videada como si fuese un cuento que fue escrito para una audiencia que ya no existe.

"Soy leyenda", F. Lawrence 2007.
Es una auténtica castaña. A pocas pelis les basta 15' para despejar toda duda sobre que es una gran mierda. Pese al título en realidad es una versión de The omega man, aunque alguien debió exigir que el guión incluyese algo de la novela. Así tenemos un perro, algo que no esta en la peli anterior pero sí en la 1º adaptación, pero de todas formas la novela no ha aguantado ni 1''. También tiene cosas de la peli de V. Price como lo de la radio. En esta peli el prota también es un militar científico y también experimenta con los "vampiros" (en su sótano cual mad doctor), pero tiene familia por eso conduce, por un NY saturado de publicidad (para cuando una ley contra eso? Las majors contra las descargas pero a favor de la publicidad intrusiva), ese coche familiar que debería quitarse de las manos de las mujeres. Como "Soy leyenda" es del siglo XXI no habla de guerra pero se ambienta en el presente (2009 el apocalipsis y 2012 los hechos de la peli). Lo curioso es que recupera el discurso oscurantista cristiano pero para validarlo. Aquí el apocalipsis parte de un intento fracasado de curar el cáncer. La ciencia no debería privar a la gente de su derecho a enfermar y a morir porque es una decisión divina dice la peli. Si hubiera sido pacifista o antiterrorista habría sido un arma bactereológica. Aquí, se carga contra la ciencia. Un discurso endeble porque esta devuelve lo que ha quitado. Así, es posible que el guión se reescribriese para acomodarse a las creencias delirantes de algún tipo con pasta. El Neville de esta peli no esta ni 1' solo pues ya aparece desde el principio con el perro y cuando este muere es rápidamente sustituido por la chica. Sí se conserva de la novela el que esta salido pero se hace con tan poca pericia que le hace parecer que esta loco. Una de las cosas que distingue a Neville es su entereza. Por otra parte, su familia muere en un accidente y no por la plaga y no es modesta sino ricachona (pedazo de piso que tienen en Manhattan) y privilegiada (ella puede escapar pero no los millones de neoyorquinos, menudo héroe de mierda). Los malos, que tardan media hora en salir (en la de V. Price tardan 18' y en la de C. Heston 9'), son una especie de zombis rápidos virtuales y brutales por lo que son infieles al original sin aportar algo a cambio. No atrapan a Neville pero hubieran acabado con él si no hubiese sido salvado por los focos encendidos por la chica. La cual aparece a los 63' con una de las frases más estúpidas que se han escrito: -pero he encontrado bacon, seguramente uno de los mejores inventos de la Historia (cómo es que no ha salido un musulmán a quejarse?). El guión pasa de malo a lamentable. La chica, como en la peli anterior, lleva de serie un niño sólo que este no aporta nada. Si Spielberg lo borrase nadie se percataría. El chaval ve una de Shrek, el equivalente del "Woodstock" de la peli anterior pues Neville recita de memoria sus diálogos. Para qué? Pues para parecer más loco porque esa escena a diferencia de la de omega man no aporta nada. Aquí Neville y la chica mantienen una relación casta, como todo mesías serio con sus acólitas, a diferencia de la novela y las 2 adaptaciones anteriores donde hay tensión sexual aunque sólo C. Heston es capaz de consumar. Tras el discursito bobalicón sobre Bob Marley pasamos al de la Providencia. Ridículo y demencial al estar metido con calzador, la peli no ha transcurrido hasta ahora por derroteros cristianos, y con el estúpido argumento de que el dios de los cristianos destruye a casi toda la humanidad pero luego pierde el culo en salvar a los 4 que han quedado. Un discurso supongo motivado por la doctrina calvinista de los elegidos: dios sólo piensa salvar a unos pocos a los que ha elegido antes de nacer. Un credo cuestionable que lleva a la soberbia. Afortunadamente llega el final. Neville muere para proteger la buena nueva aunque esta vez no lanceado sino volatilizado en un acto de suicidio altruista que demuestra la falta de cerebro de los artífices de esta peli. Un mesías no evita la muerte pero no se suicida. Así, "Soy leyenda" es tanto la versión menos fiel de "Soy leyenda", ni siquiera hay un Ben Cortman o unos neohumanos, como la peor peli inspirada en ella al tener un guión estúpido, una dirección sin personalidad, unas actuaciones lamentables, excepto la de A. Braga, y unos efectos especiales muy flojos.