28.3.12

Relecturas LXXX: Los Vengadores: La Guerra Kree-Skrull, R. Thomas et al., Panini-Marvel 2011


La Guerra Kree-Skrull es un clasicazo de Marvel a pesar de que es una saga muy mediocre. La responsabilidad de que un buen argumento al final no brillase todo lo que podía se debe al creador del mismo, el guionista R. Thomas porque es un autor muy mediocre, demasiado fanfictionero y poco original (una parte importante de su producción son adaptaciones, versiones o desarrollos de ideas de otros), él mismo reconoce que esta saga se inspira en la olvidada novela Esta isla, la Tierra... adaptada al cine con el mismo título pero conocida aquí como Regreso a la Tierra. A pesar de ello su cultura, su ego y su avidez lectora han permitido a Thomas ser uno de sus principales cimentadores y uno de los principales enriquecedores del Universo Marvel. De esto es testimonio el que muchos de los títulos de las grapas que componen la saga son guiños a obras de CF. "Objetivo la Tierra" es también el título de una peli de 1954 que en España se conoce como Invasores de otros mundos, "Viaje al centro del androide" recuerda a Viaje al centro de la Tierra a pesar de que su argumento es el de la peli Un viaje alucinante (1966), "La guerra de los monstruos" evoca a La guerra de los mundos, "Más que inhumano" alude a la novela de Sturgeon de 1953  Más que humano (la cual avanza el tema de los mutantes), "1971: una Odisea espacial" a la peli de Kubrick 2001, "He aquí los mandroides" a la novela de Moorcock de 1969 He aquí el hombre (que es una frase de los Evangelios), "Algo inhumano viene hacia aquí" es la versión del título de una novela de Bradbury, Algo malvado viene hacía aquí (1962), en España conocida como La fiera de las tinieblas, "La amenaza de Andrómeda" es también el título de una novela de Crichton de 1969 que se adaptó al Cine en 1971 (el mismo año en que se empezó a publicar esta saga) y "El fin de la divinidad" esconde El fin de la infancia de A. C. Clarke (1956). 

El trabajo de Thomas se caracteriza por una prosa demasiado recargada y muchas veces reiterativa o innecesaria, esto hace que sus guiones hayan envejecido mucho. Una excepción a esto es esta saga seguramente por los dibujantes con los que colaboró pues el resultado final de las obras de Thomas, como practicaba el método Marvel, dependía mucho del trabajo del dibujante. Por ello sus mejores obras, como los primeros nº de Conan el Bárbaro, son aquellas en las que su pareja era la que dirigía el baile. En fin, el argumento es original y parte de lo único bueno que tiene Thomas como guionista marvelita, la capacidad para concretar las posibilidades creativas de lo ideado anteriormente por otros. El resto es muy mediocre porque su creador jamás vio las posibilidades de su idea. La saga es como es gracias a N. Adams, por ello comparto con él que se sienta el autor de la misma, y no es todo lo buena que podía haber sido porque Thomas aprovechó un despiste del dibujante para acabarla.


La saga comienza muy bien. Aunque los nº más populares son los de N. Adams, los mejores son los de S. Buscema. El principio es una aventurilla de un grupo de vengatas flojo en poder sencilla, interesante y entretenida que tuvo, además, la bondad de hacer que Thomas se le ocurriese la idea de que los Kree y los Skrull fuesen archienemigos y que eso pusiese en peligro a la Tierra. Así, el siguiente nº es un episodio de transición. Una historia sin acción que tiene como objeto preparar la vuelta a los Vengadores de la trinidad Marvel (Thor, Capi y Iron Man), seguramente esta sea la 1ª vez en la que la superioridad destos se plasma, en el siguiente nº, el 1º del ya mencionado N. Adams, uno de los mejores dibujantes mainstream, quien colaboró en los argumentos tan bien que acabó provocando que Thomas tuviese miedo de que le robase su historia de modo que la cerró en cuanto pudo. Por eso la llegada del dibujante la saga entra en otra dimensión. No obstante su 1º nº, un clasicazo en sí mismo por su espectacularidad, es el último bueno de la saga. A partir de aquí a Thomas le entran las prisas y así estropea una saga que por su complejidad y bondad precisaba más espacio y dedicación. Pero al guionista le interesaba más resolver asuntos que narrar. Así, los inhumanos aparecen simplemente porque le dejaron colgada la historia que estaba contando con ellos y quiso terminarla aunque fuese atropelladamente. Por eso ese nº, aunque en él pasan cosas importantes para la historia, no tiene mucho que ver con la guerra (tampoco está mal porque N. Adams dibuja a los peores inhumanos de la Historia; seguramente ya estaba cansándose). Lo mismo pasa con el motivo de la historia. A Thomas le habían cancelado sus aventuras del Cpt. Mar-Vel justo cuando le había convertido en una versión del Cpt. Marvel antaño y hoy Shazam de DC, su editorial favorita de adolescente, y no quiso resignarse. Está claro, en perspectiva, que los planes de N. Adams para que durase más, que incluía un nº en el futuro, una audacia para la época que demuestra que el dibujante es mejor narrador que el guionista, eran mejores que los de Thomas, quien nunca planificó su saga. Sólo hay que leer el anticlimático último nº por lo precipitado y estático que es para darse cuenta. Una grapa es demasiado poco para resolver 5 tramas paralelas de una historia de magnitud galáctica. Lo demuestra el que el total de sus viñetas es muy superior a la media Marvel. Por eso hay cosas que quedan en el aire, qué cojones pasa con los skrull y los kree?, y otras quedan pendientes, lo que hace que el tomo no sea concluyente. Cosa que, imagino, disgustará a aquellos que no sepan como concluye la trama de Clint. Así pues, el resultado es una saga de final precipitado que va de más a menos que se ha convertido en un clásico por las aportaciones al UM de Thomas y por el trabajo de N. Adams.

Los 4 1º nº de la saga son uno de los mejores trabajos de S. Buscema porque la habitual espartanidad de sus dibujos está comedida. Así, brillan en las páginas su buena narrativa, que aligera al pesado de Thomas, y su magistral estilo sintético, puro cómic pop. Ahí están las fabulosas 1º 5 viñetas del 1º nº como magnífico ejemplo de lo que este gran artesano podía conseguir en sus días buenos. Con N. Adams la saga cambia totalmente porque su estilo es totalmente diferente al de S. Buscema. Su academicismo apolíneo, su búsqueda de la profundidad por medio de la figura, su manierismo (un tanto gay) y su espectacularidad son elementos que se salen del cómic pop. Por eso la saga adquiere un aspecto moderno (ya que su estilo es el que se ha impuesto en el mainstream desde los 90) y lo que es decisivo, realista, de modo que la carga emocional de sus páginas es diferente. Un trabajo que impactó sobremanera a A. Davis ya que su trabajo está plagado de viñetas que versionan viñetas de N. Adams desta historia, cosa que es un homenaje a lo que supuso aquel en el mainstream. Completa la saga J. Buscema, que podría haber sido mejor que N. Adams de haber puesto más interés en los superhéroes, que hace uno de sus mejores trabajos sin duda picado por el recital de este.

La edición de Panini tiene la pega de que el papel no es el más adecuado para el color y es tan fea como robusta pero es ajustada de precio. Incluye un lamentable artículo que el ridículo Fonseca tilda de ensayo. Un ensayo es algo crítico y profundo, no un relato superficial que no va más allá de la anécdota, por tanto, lamento, porque esta 2º edición es más cara, no haberme hecho con la anterior ya que sólo se diferencia, además de por ser 3€ más barata, en que no incluye el "ensayo" de Fonseca.

Así pues La Guerra Kree-Skrull es un clasicazo y una lectura entretenida y vital para comprender el UM y el mainstreamPara ilustrar su importancia sólo hay que ver que es la semilla de muchas historias posteriores, entre ellas Tormenta GalácticaSiempre Vengadores e Invasión Secreta. Esto es muy paradójico porque el trabajo de Thomas es muy flojo, ya se ha señalado. Si la historia se lee de una sentada queda claro que es incongruente, confusa y da bandazos, cosa que se debe simplemente, esto también queda claro leyendo estos nº, a que su guionista la iba haciendo sobre la marcha y sin repasar. Seguramente la solución a tal paradoja es que como algo tan ambicioso y largo jamás se había hecho deslumbró, que son nº mejores que cualquiera de los precedentes, que es el final de una época en Marvel y el principio de otra y que supo capturar lo que en 1971 estaba pasando en EE.UU. Thomas planteó su historia como un homenaje a los 50, su década adolescente, un momento que había muerto en 1968 aunque eso no se empezó a sentir hasta 1970. Los 50 fue una época caracterizada por un conservadurismo enloquecido por la Guerra Fría y los 70 es el fin de todo eso: fin de la segregación, fin del machismo y fin del autoritarismo. Así en la historia tenemos el homenaje a la Ciencia Ficción de aquella década, el fenómeno del macarthismo evocado mediante el personaje de Craddock, el ocaso de la cosmovisión en B&N y el fin del patriarcalismo, que es con su imperialismo lo que simbolizan tanto los kree como los skrull. Así, esta historia, aunque mediocre, es el fin de una época en Marvel, la de sus inicios, y el comienzo de otra con historias más variadas, más juveniles y más comprometidas, que es la Marvel de los 70. En suma, La Guerra Kree-Skrull pone fin a los superhéroes ingenuos de Lee&Kirby que eran una especie de ejercicio de nostalgia como demuestra elocuentemente el renacimiento del Capitán América, y se puede ver en la tierna mirada a los superhéroes de los 40 y finales de los 50 que son los guiones de los 60 de Thomas. El símbolo deste final es la dimisión de Pym, el Vengador que había dominado la cole de una forma u otra en sus 1º 90 nº.

Vengadores 6

26.3.12

ES UN MANTLO!: Rocket Racoon: Guardian of the Keystone Quadrant, B. Mantlo et al., Marvel 2007

Al final, viendo que Panini no está por la labor de publicar el trabajo de Mantlo con Mapache Cohete, ni siquiera para explotar a Mignola, me lo he pillado directamente de la fuente. Rocket Racoon: Guardian of the Keystone Quadrant es un tomo que contiene la 1ª historia en que sale, creada por Giffen y publicada en el Marvel Preview nº 7 (1976), y luego las historias en las que Mantlo lo recreó, pues Mapache Cohete, salvo ser un animal parlante, nada tiene que ver con el original. Sin embargo él reconoció que lo sacó de la historia de Giffen. Temas editoriales? En todo caso parece que en la mente de Mantlo chocaron el mapache parlante de Giffen y la canción de los Beattles Rocky Racoon

La 1ª historia de Mantlo con Mapache Cohete es el nº 271 (EE.UU; ignoro si está publicado en español) publicada en 1982 pero creada en 1981. En esta historia, dibujada por S. Buscema con su estilo sobrio y funcional de siempre, el guionista usa el rico mundo de Hulk, supongo que para compensar un personaje tan simple los guionistas crearon a su alrededor un subuniverso casi tan rico como el de los 4F, para introducir al animal parlante en el Universo Marvel. El nº empieza con Hulk ya en el planeta de Mapache Cohete, Halfworld, encontrándose los 2 ya en la 1º viñeta, oh qué dinámica y directa la Marvel clásica, junto a ellos está Wal Rus, el tío del mapache, otro animal parlante y es que Hulk ha aterrizado en un planeta muy extraño habitado por humanos locos, por animales parlantes que cuidan de ellos y por robots que construyen un nave antropomorfa para salir de la galaxia amurallada en la que está el planeta. Uno de los misterios de la historia es como Hulk ha podido traspasarla. El conflicto del episodio es la posesión de la Gideon´s Bible. El topo aspirante a tirano Judson Jakes la quiere de modo que Mapache Cohete, al ser el héroe del lugar, ha de impedirlo. Hulk lo ayuda y tras esto es devuelto a la Tierra. Una historia simple y lineal en la que Mantlo demuestra su gran capacidad para crear mundos ricos y atractivos.


Sin duda por eso el guionista se quedó con ganas de más. Así,  justo 3 años después, Marvel publicó una miniserie de 4 dedicada a Mapache Cohete, esta vez dibujada por un primerizo Mignola que, sin embargo, hace un trabajo fantástico además de redesiñar a su protagonista. En esta historia Mantlo profundiza en el mundo que abocetó junto a S. Buscema. Así, salen los personajes anteriores junto con nuevos y se detalla mucho más la cosa. Esta miniserie es pues la continuación directa de la grapa anterior. El conflicto es la lucha entre el topo Judson Jakes y el lagarto Lord Dyvyne por el dominio de Halfworld que afecta a la marta Lylla, el interés romántico de Mapache. Este va a provocar la desvelación del misterio de la génesis de Halfworld. De esta manera Mantlo, en esta miniserie, como era habitual en él, no se limita a contar una aventura ya que hace progresar la historia de Mapache Cohete. Como si fuese una curación tradicional o psicológica, el protagonista, desvelando el pasado encriptado en la Gideon´s Bible, consigue curar el demencial presente además de derrotar a los aspirantes a tiranos. Así, Mantlo libera a Mapache Cohete de Halfworld para que pueda salir al espacio en busca de otros mundos que necesiten la ayuda de aventureros como Mapache Cohete & compañía (Lylla, Wal Rus y Blackjack O´Hare, un conejo negro; pjs geniales que, al fin, han sido recuperados en la miniserie que dentro de poco publicará Panini de Mapache y Groot). Qué estupendo crossover con los Micronautas nos hubiera esperado si Mantlo no hubiera sufrido su aciago destino! Esta miniserie es una historia sencilla contada como si fuese un cuento muy entretenida gracias a que tiene mucha acción y dinamismo, al atractivo mundo loco creado por Mantlo y al magnífico trabajo de Mignola que demostró que su elección fue acertada a pesar de que nunca había publicado como dibujante. Su trabajo demuestra que era el artista ideal para este pj. Plasma muy bien Halfworld, mejor que el frío S. Buscema, es un gran dibujante de furries (redondas sus expresiones) y le dio al aspecto gráfico de la miniserie el aspecto singular que precisaba.

Así pues Rocket Racoon: Guardian of the Keystone Quadrant es un modesto tomo en el que destaca el fabuloso dibujo de Mignola. Sin embargo Mantlo no lo hace nada mal. Sus argumentos son simples y convencionales pero están magistralmente desarrollados y el mundo loco de Halfworld es muy atractivo, en Mapache Cohete se ve que también estaba capacitado para ligereza y el humor. Así, Mantlo legó a Marvel otra banda de aventureros espaciales con mucho potencial. Lástima que a la editorial no hiciese nada con el regalo. Después de esta miniserie, y hasta que Giffen se acordó de su creación juvenil (fue su primer trabajo publicado), Mapache sólo ha salido en el nº 16 (EE.UU.) de Quasar y en los 44-6 (EE.UU.) de Hulka y P. David lo menciona en su Guerra troyana publicada en los nº 413-6 (EE.UU.). 

21.3.12

Aproximación informal a Alita ángel de combate/Gunnm parte V: Nuevo ciclo

Llevo queriendo escribir este post desde enero. Por fin he podido sentarme a ello. Prosigamos.

La 5ª parte de la 1ª edición de PDA comprende los tomos japoneses Hacedor de lluvia y Novia panzer (acorazada) y se publicó entre 1996 y 1997. Supone un nuevo ciclo en las aventuras de Alita pues a partir de aquí la prota abandona el Patio de los Desperdicios y sus secundarios asociados.

Al final del anterior tomo Alita quedó reducida a un brazo y una cabeza de modo que quedaba indefensa. Por eso las fuerzas de Tiphares, al inicio de Hacedor de lluvia, pudieron detenerla sin problemas por haber infligido la prohibición del Patio de poseer y usar armas de fuego. Este delito se castiga con la muerte pero es salvada de esta por Tiphares, en una escena que recuerda a la peli de Nikita (la de L. Bresson), porque quiere utilizarla como agente de superficie para encontrar a Desty Nova. Más bien como herramienta pues ve en ella un arma sin propietario. Alita acepta vender su alma al diablo (soy alguien que hizo un trato con Mefistófeles) a cambio de ser más fuerte y saber de Desty Nova. Tras esto hay una elipsis de 10 años, lo que confirma que estamos ante nuevo ciclo, que da paso a una historia con cierto aire de Spaguetti Western. Una historia simple y vulgar, pero con escenas de acción espectaculares, que, sin embargo, es importante porque introduce un personaje de carne y hueso, Figura 4 (curioso que un humano no cibernético tenga un nombre inhumano, hace referencia a una llave de lucha), y un movimiento rebelde de la superficie contra Tiphares. Estas dos cuestiones van a volver a humanizar  Alita, que durante la elipsis ha conseguido hacer creer que es el Ángel de la Muerte, pues la pérdida de Ido y del resto de lo que era su vida en el Patio la habían convertido en una cruel asesina. No sé para qué nací. Me gusta la batalla. Mi cuerpo deja de ser una máquina y se convierte en parte de mí. Seguramente fui una pistola en mi vida anterior. En las peleas de este tomo vemos a Alita por primera vez  disfrutando con la violencia. Kishiro la dibuja con cara de posesa o con una gran sonrisa de cruel regocijo. La breve y simple pero lograda historia La patria en Gunnm Gaiden other stories nos muestra a Alita como una psicópata automatizada. En fin, para escapar del dolor Alita se ha mecanizado (o vendido su alma). De lo que se trata es de no pensar. De que le den un objetivo. De ser una herramienta. Con Figura 4 recupera la capacidad de sentir y con la rebeldía de los de la superficie se sacude su servidumbre ciega a Tiphares. El tema de esta historia es la Libertad. Alita había llegado a la conclusión que sólo se puede ser libre estando sola y siendo fuerte, Figura 4 le enseña que es tomar el timón de tu vida. Dejar de ser un siervo, tomar decisiones y autocontrolarse. De esta manera se paraleliza la servidumbre de la superficie con la  de Alita de tal modo que la rebeldía de la 1º despierta en la 2º el deseo de librarse del control de Tiphares. Tras 10 años obedenciéndola Alita la desobedece impresionada por Figura 4. Esta historia termina en un callejón sin salida pues retira a Alita de la circulación así que Kishiro se ve obligado a hacer una nueva elipsis para dirigir las aventuras de su creación hacia donde realmente quiere.


Estamos ante un nuevo reinicio. Alita abandona la comunidad humana idílica de Alhambra donde ha vivido un breve tiempo indeterminado junto a su amante Figura 4 para buscar a Ido de quien se había enterado en la anterior historia que había resucitado. Al volver a salir a la realidad, al retornar al camino, al proseguir su viaje, vuelve a aparecer Tiphares (ahora por 1ª vez vemos su interior, un paraíso urbanizado). Esta vez se aproxima de forma cordial y no autoritaria y chantajista. Por eso ahora su enlace tifareano no es el hombre tiránico y cruel del anterior tomo (Biggot Eizenburg, ciudad de hierro en alemán)  sino una tierna joven, Lou Collins (hasta ahora todas las relaciones de Alita han sido con hombres). Ahora la relación entre Tiphares y su agente va a ser más igualitaria y cordial. Collins dibuja a Alita como independiente, tozuda, soberbia, tímida, impulsiva y rebelde. Cuando contactan nos enteramos de que la prota acaba de concluir un proceso contemplativo. El primero. Alita cuenta un momento de instrospección muy oriental, pues la contemplación se ha hecho mirando el cielo hasta fundirse con él. Mi cuerpo estalló en pedazos y mi corazón abandonado ascendió a los cielos acelerándose [...] ya no era Alita sino una con el azul celeste. Este momento de fusión, meta del budismo, ya lo vimos en Yosugan y anuncia el cercano cierre en falso de la serie, lleva al éxtasis: durante un par de segundos u horas, no lo sé, experimenté algo extraño y maravilloso. Un pequeño momento de nirvana. Un momento de compresión que para la filosofía oriental no es nunca la culminación de un proceso racional sino intuitivo tras la adquisición de la sabiduría suficiente. Una iluminación que, evidentemente lo cambia todo, ahora lo sé. Nada en esta vida carece de significado! Este descubrimiento tiene lugar en una splash page en la que tras Alita aparecen difuminados todos los pjs importantes de la serie incluido los "villanos": Makako, Zapan y Cabeza Hueca (el antagonista de la historia anterior que cumplía el papel de reflejo de Alita como cruel asesina). Ya habíamos dicho que en esta serie los malos no son el Mal, son antagonistas porque no han podido soportar los traumas por los que pasa Alita en las historias. Son los monstruos tradicionales que representan las fuerzas negativas interiores que tenemos que superar para madurar o, dicho de forma mística, para progresar en la vía hacia la transcendencia. De este modo no son villanos sino una especie de mentores o maestros negativos. De modo que pertenecen al mismo grupo que Hugo y Yasugan. En el budismo no hay Mal de modo que incluso los malos son ángeles (palabra que no es una traducción exacta) al morir.  Tras ese momento aparece Desty Nova oculto en unos ninjas robóticos, inspirados en los que salen en Elektra lives again, que le dice que si quiere ver a Ido debe acabar con Den (eléctrico), el gigantesco centauro lancero de acero que es líder de los rebeldes de la superficie, los Barjack, por tanto objetivo también de Tiphares, que aparece por fin pero como un samurái con un casco de un solo cuerno de modo que parece un demonio y no como se le había descrito. En este momento reaparece Koyomi, la bebé de la 1ª historia. Muchos acontecimientos que explican el cambio de Alita: siento la existencia de gente [...] y quiero protegerla. Ese debe ser el objetivo de todas mis habilidades. La prota, al haber aceptado el Cosmos,  ha cuajado en heroína. En la historia aparece también Kaos, el hijo de Desty Nova. Frágil y albino con los sentidos alterados atormentado, infantil, romántico y guapo. Un pj volcado en el pasado, un "arqueólogo", por lo que contrasta con el resto de los pjs. Por eso no extraña que quiera relacionarse con el presente sólo de forma espiritual (es un radioaficionado). Es un pj inspirado en el album musical de R. Waters Radio KAOS. Este tipo protagoniza el 1º momento erótico de la serie. Si bien con Figura 4 el combate había alegorizado el acto sexual, aquí, la escena en la que Kaos repara el cuerpo roto de Alita es indudablemente erótica. Inconsciente durante la reparación Alita fantasea con que es Ido quien la arregla. Complejo de Elektra? Alita emerge plenamente consciente de que puede reparar un mundo fracturado. Como el único habitante de la superficie conectado con Tiphares puede servir como mediador entre los habitantes de la superficie y los de esa ciudad. Alita está superando la violencia. Mientras que esta persigue la conciliación, el Barjack persigue derribar el cielo, esto es acabar con Tiphares, pero su plan es derribarla para que su caída provoque un cataclismo que destruya todo lo que tiene que ver con ella (fundamentalmente el Patio de los Desperdicios). Llega un día en que el hijo debe matar al padre, el súbdito al gobernante, el hombre a dios. Es necesario para caminar con el propio pie. Aquí se combinan dos temas importantes de la obra, la consecución de la independencia y la metáfora celestial que es Tiphares. Por tanto el duelo entre Alita y Den, como centauro, es inevitable. Como contra Zapan Alita lucha por salvar el Patio, pero Den es un oponente demasiado duro para ella así que  usa a Tiphares para derrotarle. Escuchad pueblo de Tiphares [...] mi voz representa la ira de los habitantes de superficie que sufrieron y murieron sirviendo a las fábricas tifareanas para preservar vuestros lujos. Toda la desolación y la ruina de la superficie. Toda la ira y la tristeza. Todo ha sido por Tiphares (unas frases que muchos obreros del Tercer Mundo firmarían).  Así pues Den no es otro villano sino otro mentor, enseña a Alita como no debe ser el héroe salvador de una comunidad. Lo malo de Den es que pretende matar a inocentes por una causa justa. Por eso y porque representa la ira tiene aspecto demoniaco. Koyomi se interpone impidiendo su ejecución así que el conflicto se pospone. Si los que viven en Tiphares son personas y no dioses entonces este mundo tiene que cambiar! Por eso aún queda un duelo. El de Kaos y Alita, pues resulta que el 1º es la otra personalidad de Den, de modo que en verdad este era un robot dirigido por control remoto. En este duelo volvemos a ver lo que ha cambiado Alita pues ahora tiene miedo a morir, un pecado para el guerrero oriental pues es una debilidad ya que eso le impide a hacer lo que sea por vencer. El cambio se ha operado porque Alita en la anterior tomo ganó algo, Ido y Figura 4. Al igual que en la anterior historia, el final es pasado por agua sin embargo no hay ninguna conclusión.

14.3.12

Critiquitas 340: The adventures of Luther Arkwright, B. Talbot, Dark Horse 2007

Un sello se ha roto. Como cada vez me cuesta más encontrar cómics que me encandilen en un mercado en crisis orientado a tipos de clientes en los que no encajo, me he decido, por fin, a mirar cómics en inglés. Así,  estas Navidades opté por The adventures of Luther Arkwright ya que es un cómic de CF bastante reputado. Aquí fue publicado por Astiberri hace unos años en 3 tomitos que de vez en cuando se pueden encontrar en las tiendas pero a un precio que dobla el tomo de DH.

He de decir que el inglés de Luther Arkwright me ha parecido difícil. Esto es muy confuso porque la dificultad siempre es subjetiva. Yo no soy bilingüe. Me manejo en inglés porque muchas de mis aficiones no mueven dinero en español de modo que uno aprende ese idioma o se hace futbolero. Así, soy capaz de leer textos de dificultad media sin problemas. No conozco el significado de cada palabra pero los huecos se pueden llenar. Los problemas de este cómic son que es literario, luego exige una buena amplitud de vocabulario, que muchas veces Talbot presenta una prosa desgarrada que es difícil de seguir por la ausencia de puntuaciones (mucho menos necesarias y habituales en inglés por otra parte) o porque cada frase de un mismo párrafo corresponde a una línea temática distinta y que está compuesto de varias tramas paralelas, no siempre coetáneas, que hace difícil introducirse en la historia. Por todo lo cual si uno es dependiente del diccionario leer este cómic en inglés le resultará un infierno.


Luther Arkwrigth es un cómic sobre un Universo dividido en diferentes universos paralelos, uno de los cuales quiere destruirlo y otro quiere preservarlo. Este conflicto es el motor de la historia y Luther Arkwrigth lo protagoniza porque es el arma con el que los conservadores planean llevarse el gato al agua. El relato, muy influenciado por el movimiento new age de la CF (de ahí que el tomo cuente con una interesante introducción de Moorcock), no es muy original pero está muy bien desarrollado y el Universo es bastante diferente y rico (no me extraña que este cómic haya generado un juego de rol). La historia paralela principal transcurre en una Tierra ucrónica donde la dictadura protestante de Cromwell ha llegado hasta principios del siglo XX convertida en un régimen seudofascista que lucha contra la resistencia monárquica, el II Reich gobierna sobre toda el área germana, Rusia sigue siendo la potencia inmovilista que derrotó a Napoleón y Norteamérica está dividida en un conjunto de estados que no he podido desentrañar, hay territorios independientes y colonias inglesas pero no me he enterado muy bien cómo es eso. Ser una ucronía bastante inglesa es el gran hándicap del cómic ya que, aunque es genial, poco le va a decir a quien no conozca algo el siglo XVII inglés (y en general la historia de la isla), además de que las implicaciones son diferentes. Es como si un inglés lee sobre una ucronía en la que el Cid se ha convertido en rey de Castilla, le puede gustar pero el conocimiento de la época y su falta de conexión con ese pasado, aunque sea fantasioso, hacen que su lectura sea menos personal. Así, el gran valor de Luther Arkwright son los personajes, todos muy sólidos e interesantes. Destacan los femeninos, en especial Oktobriana (principalmente por su diseño) y la princesa Ana (uno de los personajes ambiguos más atractivos del Cómic).

Gráficamente el dibujo de Talbot remite al underground de los 60, un estilo heredero de los grabados decimonónicos y las ilustraciones de principios de siglo XX. Un dibujo curradísimo a pesar de que, en este caso, es torpe y tosco. El trabajo de Talbot es una especie de cruce entre el Starlin en B&N de La odisea de la metamorfosis y Crumb. Un dibujo rígido y pesado que no encaja bien del todo con la historia aunque es eficiente. No es atractivo pero encandila porque la narrativa es magistral. Moderna, legible y con ritmo. La escena del magnicidio es excelente. De lo mejor que he leído. Una síntesis perfecta entre el inexorable ritmo regular de Watchmen y la dilatación de la acción mediante la fragmentación en viñetas pequeñas de Miller. Así pues, el trabajo gráfico de Talbot en conjunto es mediocre pero competente y  singular y con una notable narrativa.

En conclusión, The adventures of Luther Arkwrigth es un cómic muy sólido que cuenta muy bien una historia de CF no original, pero con los suficientes elementos singulares para resultar fresca y personal, retratando excelentemente el maquiavelismo de la política. Es una lectura adulta, tanto por su complejidad como porque no esquiva la violencia (bastante gore) y el sexo y exige cultura, y notable, de modo que invita a releerla. Me esperaba algo mejor debido a su prestigio, pero tiene todo lo que una lectura necesita para agradar: personajes atractivos, conflicto interesante, misterio, acción, emoción...

12.3.12

POST 700: 9ª Muestra Syfy de Cine Fantástico

Esta edición quizás sea un cambio de ciclo. Habrá que esperar al año que viene para ver si es verdad. Llevo asistiendo a la muestra desde su 4º edición (cuando no tenía marca) y esta cristaliza un cambio que se viene operando desde la 5º. Descenso de la animación, disminución de las películas orientales (este año NINGUNA) y una especialización en el Terror. Ignoro los por qués de esta evolución pero parece que sigue los gustos mayoritarios (año tras año somos los mismos los que vamos, un puñado de cientos) de los fans madrileños a este metagénero: películas occidentales simples, directas y vulgares. Otro cambio, el más importante, es el de ubicación. Del Palafox hemos pasado al Callao, elegido por puros temas comerciales (sospecha que corroboré escuchando una conversación entre organizadores en la que no estaba incluido pero se desarrollaba junto a mi). Se buscaba más butacas (más dinero) y más visibilidad (más publicidad, más dinero) dejando de lado la búsqueda de una sala mejor. La visibilidad en la sala 1 de Callao es muy mala (y la de las 2 también pero menos), sentando en las últimas filas un cabezón de las primeras filas te puede tapar los subtítulos y yo mido más de metro ochenta y, lo peor, se oye la calle como si estuvieses en ella, sin embargo hubo quien le encantó el cambio. Comprendo que el Cine este en decadencia con espectadores tan poco exigentes. Sin embargo parece que ahora se va a reformar al Callao para traerlo al siglo XXI. Por último, otra novedad fue la inclusión de Phenomena, una iniciativa que se da en Barcelona y en Madrid de vez en cuando que consiste en programar una sesión doble de clásicos fantásticos aderezado con tráilers y anuncios coetáneos. Esta innovación, que mejora la media de la muestra, está muy bien, oportunidad de ver clásicos en pantalla grande y en VOSE. No sé porque se ha incluido pero está claro que cubre el hueco dejado por las pelis de animación y/o orientales. En mi opinión, minoritaria, lo que habría que hacer es disminuir las mediocridades vulgares, que son el tradicional grueso de lo programado, para ofrecer cosas diferentes, recuperar clásicos y disminuir la presencia del Terror. Un back to the basis. Para ver mediocrades vulgares, naturalmente lo más apreciado por el público simple y conservador que es el aficionado tipo al cine de género, ya está la cartelera (el 80% de lo programado son pelis que no se estrenarán en España), Internet y el DVD y demás.

Pensaba que la muestra del año pasado fue el peor y que este era un poco mejor (pero por la programación de clásicazos: El gabinete del dr. Caligari, Últimatum a la Tierra y El planeta de los simios) pero viendo mis opiniones de anteriores muestras veo que la media de la 9º es similar a las anteriores. Lo  que pasa es que los cambios antes mencionados han ido en mi contra ya que el Terror es un género que no me interesa. Sin embargo la 9ª ha sido mejor que la 8ª porque su media es más alta si bien más homogénea, es decir, que las pelis en general han sido mejores pero no ha habido films notables. Por todo esto sólo voy a destacar 2 de las 8 que vi (excluyo los 3 clasicazos y 4 pelis que no vi porque no me interesan nada). La selección más corta de las que he hecho.



The prodigies 3D: no me esperaba nada de esta peli de animación por ordenador francesa de chavales con poderes pero al final resultó interesante y relativamente novedosa. La animación está bien, los movimientos de los pjs son bastante naturales, pero el resto es muy cutre. El diseño de pjs y de los decorados es muy simple, usa un mismo rostro para diferentes pjs, y el 3D es de chichinabo, no se necesita las gafas para nada, sin embargo la historia, basada en una novela, es bastante diferente, teniendo en cuenta que su parte fundamental deriva de los mutantes de la Marvel, está muy bien desarrollada y no pasa todo por el uso de la violencia. Además, es más adulta. Así no hay maniqueísmo y hay sexo y gore. Por tanto se confirma que lo mejor de los superhéroes vendrá de pelis que no sean de Marvel y DC porque tienen más libertad creativa por su falta de tradición. Si esta peli hubiese contado con más presupuesto y un poco más de ambición estaría entre las mejores que se han hecho dentro de este género.



The woman: lo mejor de esta muestra (mi apuesta era The innkeepers). Una de las pocas de la 9ª que es una película de verdad porque el director sabe lo que hay que hacer, algo que normalmente no es el caso de los directores que pasan por la muestra. Una dirección seca pero contundente y efectiva, una espléndida BS magnificamente utilizada (no es hilo musical o una herramienta que trata de cubrir las carencias de la dirección), unas buenas actuaciones y un guión muy bien desarrollado que trata de innovar son los elementos responsables de que esta modesta peli brille en la muestra junto con que es la única que sabía que el Terror ha de tener algo de mítico para funcionar de verdad. No diré nada porque no se puede reventar la peli pero el artefacto está bastante bien construido y además tiene algo que decir, no es simple entretenimiento como el resto de la muestra (excluyendo Hell y los clasicazos). Lo único es que da pena porque de haber sido pelín más ambiciosa, más audaz y más intensa, es que L. McKee sufre del mal de la posmodernidad: lentitud y estiramiento de historias simples, podría haber sido grande. El explosivo final no es lo suficientemente potente y espectacular y la historia, partiendo de un planteamiento que invierte lo tradicional, se va convencionalizando. No obstante es de lo mejor que ha pasado por las diferentes muestras. Así pues merece la pena verla. Lo mejor que se puede decir de una peli que desgraciadamente no se va a estrenar en España.  

Por tanto una muestra como las demás. Demasiado seguidora de Sitges y poco variada. Poco aire fresco porque una afición friki o radical, como la de los superhéroes, ahoga cualquier posibilidad de evolución o revolución. La aclamación de la mala y tópica Stake land, las risas complacientes arrancadas por una chorrada sin imaginación como es Hobo with a shotgun, los aplausos (con algunos silbidos) a la ridícula y aburrida Apollo 18 y la ovación a la conservadora y pesada The innkeepers (T. West es mejor director que L. McKee pero aquí ha demostrado que eso no sirve para nada si uno no es audaz) explican  el por qué de que el Cine Fantástico cada vez sea menos imaginativo y novedoso. Que alguien pretenda romper taquillas adaptando flojas novelas que tienen casi un siglo corrobora lo que digo.

7.3.12

Apuntes sobre la etapa Hickman de los Cuatro Fantásticos parte III

Viene de aquí.

Pensaba dejar esta 3º parte para más adelante pero no contaba con la caña que nos está metiendo Panini con la serie, 9 grapas en 5 meses y no va a parar, y que Hickman está precipitando los acontecimientos.

Mes de luto (nº 47 Es)
Esta grapa es el epílogo de Tres. Una grapa muda colofonada por una historia corta donde Spiderman y Franklin descubren que son almas gemelas. Parece que estamos ante la construcción de un nuevo superhéroe. Franklin obtiene de la Antorcha un ejemplo de sacrificio heroico y de Spiderman una ética que le va a preservar de la corrupción.  Esta grapa me parece innecesaria puesto que de unos años acá estamos saturados de números fúnebres que cada vez resultan más insultantes pues todo el mundo sabe que el 90% de los superhéroes resucita antes de un lustro, por tanto, no pueden enfrentar el luto de la misma manera que las personas normales. Además un nº mudo no le sienta bien a la lenta y larga historia de Hickman. No entiendo la escena de Richards con Annihilus. No entiendo si le ofrece el nulificador o si le amenaza con él y si este le muestra un pedazo del traje de Storm como profecía o para decirle que vaya con cuidado porque tiene prisionero a la Antorcha (mi teoría). Lo único interesante de esta grapa es el resumen final de los retos a los que se enfrenta Richards (y el resto de los 4F): Annihilus, los inhumanos, los Celestiales, Franklin y Galactus, casi na, y el final porque aparece el abuelo Richards.

Fundación Futuro (nº 48 Es)
Un buen guionista o simplemente un guionista de antes habría juntado esta grapa con la anterior haciendo un nº de muerte y renacimiento redondo. Como tenemos a Hickman tenemos otra grapa muy insulsa. Marvel presenta a Spiderman  en la cole (cómo coño coordina su vida, ser Vengador y ser un Fantástico?) para apuntalar la larga historia de Hickman en el top de ventas. Primero la "muerte" de Storm para llamar la atención, luego el reinicio para ver si alguien pica y luego Spiderman para esquilmar más a los fans del pj (menos mal que a mi este superhéroe me importa un pimiento, menudo sacacuartos es!). A mi desde luego por mucho que sea científico y amigo de la familia no me pega en la cole. Acontecimientos significativos de esta grapa es el "rescate" de El Mago por IMA y la venida del dr. Doom a la FF. Poca cosa como siempre.



El Consejo actúa (49-51 Es)
La enfermedad de Doom se resuelve de la forma más anodina y anticlimática posible. Este Hickman sabe como emocionar y aprovechar bien sus ideas. Señalemos la centralidad de las relaciones paternofiliales en esta historia de Hickman: Reed y su padre, Reed y Franklin y Val, Doom y Kristoff y El Mago y Bentley. Al menos sabemos que el trato que hicieron Val y Doom fue que este debía ayudar a detener a los Richards (algo que habría hecho de todas formas en cuanto se hubiera percatado de que su Tierra está en peligro). Tras esto la cole empieza a dinamizarse. Yo ya había tirado la toalla. Richards reúne a sus enemigos. Hemos de suponer que el hecho de que conozca sus paraderos se debe a Doom porque si no tendría delito que lo supiese y no hiciese nada. Creo que hubiera molado más que este cónclave antiRichards hubiera sido secreto pero aplaudo de pie la idea brillante que ha tenido Hickman de conseguir que por una vez los villanos derroten a Richards de forma contundente porque alguien duda del triunfo de los 4F? Este detalle, que Hickman parece considerar ínfimo, en realidad es importante porque es lo que hace que una historia larga pierda interés, sobre todo cuando se hace poco para que el viaje sea entretenido. Val nos cuenta con detalles su aventura con los supervivientes de El Consejo (nº 42 Es) y así nos enteramos que planean surgir de la derrota construyendo con la Tierra algo llamado el yunque del Sol que es algo más poderoso que un Todopoderoso. Ello, como ya sabemos, tiene que ver con las 4 ciudades. Así en el nº 49 el Reed del Guantelete del Infinito provoca una guerra civil en Atlantis mientras que el Reed-Cíclope se alía con el Hombre Topo y el Reed-Xavier es asesinado por los inhumanos extraterrestres por no ser buen telépata. Por cierto que en los anteriores nº se me pasó el detalle de que la mayoría de los inhumanos extraterrestres llevan el bidente de Rayo Negro. Después de esto Reed-GI pacta con Annihilus y con ello vemos que los Richards alternativos (desde nuestra persepectiva) están dispuestos a mandar al carajo la Tierra para poder conseguir su plan de felicidad multiuniversal. Por fin se pone de manifiesto que los Richards alternativos son villanos porque al carecer de familia se han entregado a un plan egoísta con fines filántropos que les ha hecho considerarse dioses. La constante de los Reeds es que el desear hacer lo correcto los lleva a tener que elegir entre la felicidad personal y el bien mundial. La elección correcta para Hickman es la primera porque deshumanizado no se puede conseguir lo segundo. El primer movimiento del Consejo tiene éxito y consiguen de Atlantis lo que quieren. Susan se entera por fin de que hay otros Richards pero que su amor por ella no es una constante cósmica. Aparece Rayo Negro, ya lo suponíamos pues se nos había vaticinado. Yo creo que esto ya estaba planificado de antemano y por eso se ordenó a Abnett&Lanning que lo matasen. No está mal que Marvel planfique su universo pero eso le quita flexibilidad y autonomía a las coles, puedes tener una idea brillante pero si no encaja con los planes te la comes y si la planificación falla en ventas corregirla sobre la marcha en el encorsetado sistema yanki no es fácil. Además, para qué planificar si los cambios se deshacen en seguida. No es buena idea pero las ganas de coordinarse e integrar más las coles son buenos propósitos. Nos enteramos que Rayo Negro es el rey de la medianoche y el hijo de la profecía. Hickman nos muestra a los inhumanos extraterrestres conmoviéndose por esta muerte olvidándose que en el capítulo Elementos Primarios nos dijo que estaba profetizado que moriría y resucitaría. Todo esto de la profecía como herramienta de ingenería social remite a Dune. Tamién tenemos un flashback que nos cuenta el origen de todos los inhumanos. El plan de los kree por tener un ejército invencible resulta que tendrá como consecuencia la destrucción de la Inteligencia Suprema kree por un futuro jefe de aquel. El intento de aniquiliación total de este ajército se queda en eso por lo que la Inteligencia Suprema crea un arma para protegerse cuando ese futuro llegue y se la da al Acusador. Así tenemos la tradicional historia del desafío de un ser al orden universal. Hickman nos cuenta de forma muda y breve la "resurrección" de Rayo Negro demostrando que es un negado para la acción y la épica. Como con la curación de Doom, otro gran momento desaprovechado, pero hemos tenido que tragar con un grapa entera dedicada a un funeral anodino. Rayo Negro regresa, las reinas inhumanas mojan sus bragas y él se convierte en polígamo y ordena atacar a la base de los Richards, la ciudad del Alto Evolucionador. El abuelo nos revela que el plan filántropico de los Richards resultará en desastre, lo sabe porque viene del futuro, y por eso hay que ir a por ellos. Así en el nº 51 la cosa se anima y promete. Richards y topoides contra inhumanos y los 4F y villanos enredando por ahí. Hay que reconocer que la historia de Hickman está bien y tiene buenas ideas pero no hay que olvidar que su desarrollo ha sido demasiado lento.

Estos nº son dibujados por N. Dragotta, M. Brooks, S. Epting, B. Kitson y G. Tocchini. De los 2 1º dibujantes no voy a decir nada porque su participación es anécdotica. A Epting ya le he metido caña. Así que queda Kitson, que es un dibujante torpe y limitado, y Tocchini, la única alegría de los ojos de esta nómina que hace echar mucho de menos al infravalorado Eaglesham. Tocchini tiene un trazo suelto y sensual que da como resultado un dibujo expresivo y elegante. No es el estilo mainstream y es muy diferente al gris y pobre realismo gráfico de Epting, el dibujante regular de la serie desde el  nº 42, pero ha sido un alivio.

Pues por fin, han tenido que pasar 20 grapas, la cosa se anima. No voy a decir que el tedio ha merecido la pena pero sí que la cosa está ahora interesante y emocionante y que la responsabilidad también es de unos dibujantes vulgares y de una editorial que los ha puesto ahí cuando debería haber buscado alguien notable teniendo en cuenta la relevancia de este título (que sin embargo va a su bola pasando de asedios y martillos). Si Hickman consigue mantenerlo y acrecentarlo se borrará de nuestra mente un arranque tan poco estimulante. No todo es hacer un argumento complejo y dejar pistas,  también hay que emocionar y ofrecer acción desde el primer momento, por eso Watchmen es Watchmen.

6.3.12

Cómo decíamos ayer: Lemmy contra Alphaville, J. L. Godard 1965


Lemmy contra Alphaville (Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution) me parece una gran película. La revideé hace poco y me gustó mucho más que la primera vez. Ya me gustó bastante entonces pero quería revidearla de nuevo con más tranquilidad. Es de Ciencia Ficción pero también es nouvelle vague de modo que es algo más (la conexión no es rara pues ahí está Fahrenheit 451, por otro lado los 60 es la década de oro de la CF francesa, por ejemplo, su novela más famosa, El planeta de los simios, es de 1963). Así, ni es la típica peli de género ni es la típica peli industrial, es una película que filosofa, es decir, no se limita a contar una historia para hacernos más llevadero nuestro ocio sino que intenta enriquecernos con una reflexión sobre la Libertad, el Amor y el Tiempo.


Lemmy contra Alphaville es muy sobria de modo que recuerda mucho a las pelis estadounidenses de CF de serie B que estaban siendo asesinadas por entonces por la tele y el cambio social. El atrezzo, más que mínimo, es inexistente, sin embargo está ambientada en el futuro en vez de en el presente como la mayoría de la serie B, si bien en el de 1965 no en el nuestro (aunque Godard de forma acertada no da fechas, se intuye que no estaba pensando en un futuro muy lejano a 1965). Un futuro verosímil a pesar de las carencias, uno de los grandes logros de la película, porque la creación la hizo con  elementos mentales, sobre todo con el lenguaje. No podía ser de otra forma porque uno de los temas principales de la película es el lenguaje. Es sorprendente, o quizás no lo es y eso simplemente significa que hoy en día creemos que es necesario mucho dinero para hacer una peli futurista, que sea suficiente para que el espectador sienta que está viendo Ciencia Ficción el ser estilizado en la forma, rodar en edificios futuristas o cerca de maquinaria, presentar alguna costumbre rara (las ejecuciones son tan raras como inolvidables), combinar cosas existentes en el presente para dar con algo familiar pero nuevo como el periódico Fígaro-Pravda  y decir de vez en cuando Galaxia Exterior. Da igual que el prota vista como un detective privado del cine noir, que los coches sean de los 60 y docenas de detalles más, uno se siente en un mundo futurista porque no reconoce el mundo de Lemmy como el presente (en nuestro caso el pasado).


El mundo de Alphaville es parecido, como ya están sospechando los aficionados a la CF, a los de P. K. Dick pues es un deprimente futuro con Gran Hermano que tiene mucho de Cine Negro y años 50 donde las historias en el fondo son las de siempre aunque estén trufadas de elementos de Ciencia Ficción. Así, Alphaville en realidad es una peli de espionaje internacional típica de la época, recuerden que estamos en plena Guerra Fría (la primera de James Bond es de 1962), que homenajea al detective privado del Cine Noir de los 50 (está tan claro que no hace falta saber que Lemmy Caution es otro detective privado de la novela negra) pues otro de los temas de la película es como el futuro, revolucionando las cosas, acaba con el pasado. Porque Lemmy contra Alphaville, es también, un artefacto que llama a resistirse a la frialdad y la maquinación que nos impone un futuro que cree que la felicidad se alcanza mediante la seguridad total obtenida mediante el control total y el nulo esfuerzo. Un futuro a medida de cobardes, hipocondríacos y débiles porque son los que más dinero gastan. Esto es una de las cosas que hace que Alphaville no haya envejecido ya que el futuro del que habla es el mismo que el nuestro. Tanto 1965 como 2012 son fases de un mismo proceso que todavía no ha terminado. Además de esto la peli habla de la Libertad, 1965 fue un momento en que por un lado los totalitarismos con su despotismo y por el otro lado las democracias con su paranoia y conservadurismo intentaron recortar las libertades, del Tiempo, el film se construye sobre el hecho de que la Teoría de la Relatividad demuestra la imposibilidad de la previsión, y del Amor. Este sentimiento también es uno de los grandes temas de la peli porque uno de los referentes de Godard es el Surrealismo (por eso lo absurdo se cuela en Alphaville pero la realidad en el fondo es absurda, ahí está Corea del Norte por ejemplo) pero también porque libera y es lo más antimaquinal y cálido que existe. Por tanto, Lemmy contra Alphaville es una genuina película de Ciencia Ficción pues utiliza el futuro como parábola del presente. El hecho de que ambos apenas han cambiado explica porque sigue siendo tan buena. Pero no es una peli distópica como se suele decir porque no presenta una distopía plena y total sino su génesis. A lo que viene Lemmy, desde el pasado o con los valores de este que el futuro quiere anular, es a evitar un futuro distópico, no a destruir una distopía.

Lemmy contra Alphaville es cruda, modesta, audaz y cinéfila porque es nouvelle vague de modo que su sobriedad, al liberarla de manierismos y modas, contribuye a su atemporalidad. Pero lo que la hace destacar es  su guión, el cual utiliza lo pop para ser intelectual como por ejemplo hace Moore. Es magistral porque es sencillo a pesar de hablar de temas complejos. Así, sin enmarañarse, toca muchos temas y explica muchas cosas como que el lenguaje (por otro lado la peli tiene muchas influencias literarias) es nuestro software de modo que nuestra potencialidad depende de él (si la Verdad no existe como palabra no existe como concepto, por tanto jamás nos hará libres). El resultado es una película singular y brillante (ganó el Oso de Oro) que es un hito del Cine de Ciencia Ficción a pesar de que la gente sistemáticamente se olvide de mencionarla cuando habla del género. Lo demuestra el hecho de que Lemmy contra Alphaville contiene 2 peliculones: Blade Runner (la novela, Los androides sueñan con ovejas eléctricas?, es de 1968 sin embargo P. K. Dick no miró, como evidentemente sí hizo R. Scott, a esta peli para escribirla), si en esta los androides quieren ser humanos en aquella se quiere androizar a los humanos (o convertir la sociedad humana en una colmena como alertaba Huxley), y 2001, el superordenador como antagonista visualizado como una simple luz que habla con voz tétrica (dios) es una invención de Godard.

2.3.12

Superhéroes vistiendo como superheroínas

Un colega mío me ha puesto en la pista de este jocoso e hiriente post denunciador del machismo del género superherico. Gracias a ello acabo de descubrir que es un pervertido porque no le gustan los superhéroes. Así pues ya no iré de improviso  a su casa y jamás dejaré que se quite el abrigo. Les pongo una muestra así que si no suelen visitar blogs extranjeros, como hago yo, vayan al post. Da igual no saber inglés, los dibujos son muy elocuentes.



1.3.12

Cómo decíamos ayer: Century: 1969, A. Moore y K. O´Neill, Planeta DeAgostini 2012


La casualidad ha querido que haya leído la introducción de Moorcock al cómic de Luther Arkwright poco antes de leer 1969. Por estas cosas empiezo a dudar de que aquella exista pues de lo que habla el escritor inglés en 1997 es de lo que habla Moore en el 2011, si bien es cierto que es un tema viejo.  Moorcock habla en la introducción de la Gran Bretaña de los 60 que es donde se ambienta 1969. El escritor inglés los vivió como un joven  y fue algo protagonista, mientras que Moore fue un adolescente que debió vivirlos un poco en diferido. Lo que tienen en común ambos discursos es que para ellos la década de los 60 fue la mejor época de Gran Bretaña quizás desde la isabelina.

Aquellos años fueron  un momento de cambio también para Gran Bretaña. En esa década el país pasó de ser un reino imperial, racista, arruinado y soberbio a ser un reino posimperial, multicultural, boyante y pop (de la elegía por el imperio perdido a James Bond). Este cambio  fue vivido por mucha gente como un gran momento que iba a cambiar al mundo para mejor, ya saben, love and peace. La contrarreacción conservadora y la crisis económica de los 70 los frustró. El retroceso del clasismo (después de la India y Japón, las sociedades anglosajonas son las más clasistas), el enriquecimiento general y el triunfo de la libertad y la tolerancia fueron detenidos por Thatcher. Es cierto que este análisis es un poco parcial. A Thatcher le pasó lo mismo que a Rajoy, le dejaron un país arruinado por una mala política progresista. El fallo que cometió la señora, que no debemos ocultar tras la fantasía complaciente revisionista, es que afrontó los problemas de una forma intolerante e ideológica. El resultado fue la semilla de la actual crisis así como que Moorcock y de Moore (ahí tienen a V de Vendetta) no la perdonen a pesar de los años.


Este momento crítico, libertino y dinámico es donde continúa la historia de Century. Una continuación que como historia es mejor que la anterior ya que es más legible y dinámica a pesar de que se hace patente la ausencia del Black dossier, una lectura que empieza a aparecer importante. El relato es simple (pero el subtexto es complejo) y podía haber sido más breve pero Moore recrea el Londres de los 60 de forma magistral, los cambios sociales, culturales y sexuales, y sabe contar historias muy bien. Sigue siendo tan bueno como siempre, lo que pasa es que ha perdido la motivación y se le nota cabreado con el estado de las cosas. Tanto sexo no es más que la forma de protestar contra una sociedad casi tan hipócrita y gazmoña como la de los 50 del siglo XX. Así, el único pero que se le puede poner a 1969 es la gran cantidad de referencias que hay en él porque son inabarcables para alguien que no haya vivido lo que Moore. No impiden seguir la historia, imagino, la misma de siempre que por algo este guionista es un autor, el cambio, la linealidad de la humanidad frente al realtivismo del Tiempo y la imaginación, pero uno no puede evitar sentir que se le escapan muchas cosas que le ayudarían a entender. Hace tiempo que Moore se puso esotérico así que a los no iniciados nos toca enterarnos de poco, pero podemos aprender. 

Por su parte O´Neill hace lo de siempre: un dibujo feísta y singular que narra en imágenes de forma eficiente. Al igual que Moore, ha bajado en intensidad pero sigue siendo efectivo. En mi opinión a estas alturas no es interesante pero es legible e inteligente y, a pesar de las apariencias, no atenta tanto a la vista como otros que aparentemente son más correctos académicamente hablando. Sin embargo creo que a un cómic tan denso le sentaría mejor un dibujo menos chirriante ya que haría más cómoda la lectura.

Me da pena que La Liga de los Hombres Extraordinarios haya ido por aquí. Me hubiera gustado que Moore nos hubiera escrito un buen porrón de historias como la primera, aventuras entretenidas con el aliciente de una recreación posmoderna de pjs clásicos. Pero tampoco estos cómics son malos. Sus protas son carismáticos, son originales, se aprende con ellos, no se sabe por donde van y, sobre todo, sirven para entender mejor ese ambiente de donde surgieron los escritores británicos que nos hiceron mojar las bragas hace dos décadas. Por ejemplo en 1969 aparece el niño de la luna. Algo de lo que Morrison nos habló en sus Invisibles. Además, estos cómics son otro intento más de Moore por conseguir el efecto del pulpo: mejorar la realidad mediante un cambio mental global provocado por la percepción mundial de un hecho artístico que así, además, es mágico. El guionista inglés es un chamán y por eso sabe que tanto el arte como la narración (más claro en inglés: storytelling), al operar sobre la imaginación, pueden cambiar la mente. Así que estemos ahí por si funciona. Pongamos nuestro granito de arena por un mundo mejor.
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