22.4.11

Videados 99: El Más Allá, L. Fulci 1981

Se suele decir de esta peli que es la mejor de Fulci. No lo creo aunque me reconozco ignorante. Me da la impresión de que La verdadera historia de Beatrice Cenci y Angustia de silencio son lo mejor de este  director de culto porque estan mucho más cerca de lo quería comunicar que "El Más Allá", que no es más que una peli más de género. De todos modos, esta peli es estimable por lo que hay que revindicarla ya que es bastante incomprendida debido a su originalidad y audacia.

LOS OJOS
La constante, por lo visto, del cine de Fulci es la agresión a los ojos, un viejo tropo. Esta ya en los mitos como castigo de la transgresión. Se ciega al que ha sido testigo de algo que no debía ver. Esto funciona igual en el Terror porque este es el heredero de los mitos. Pero en Fulci tiene un valor más  pues este director busca agredir a sus espectadores agrediendo los ojos de sus pjs. Fulci era un furioso rebelde. No quería complacer ni quería pasar desapercibido. Quería ofender. Si hacía Terror el público debía cagarse. Por eso era tan gore como nunca se había visto antes. Pero se enfrentaba con el dilema de que al público fan del Terror no es fácil de ofender pues precisamente busca el gore. Así que a Fulci sólo le quedaba atacarle de forma directa y despiadada. El ojo del personaje es el espectador. Cuando estamos en una sala cine y la peli nos absorbe perdemos toda noción de nosotros mismos excepto de nuestros ojos. Así, la agresión a un órgano con el que el espectador esta muy identificado es tremendamente perturbadora. Todo esto sin profundizar mucho más en el simbolismo ocular que nos lleva al alma y otras ideas. En definitiva, la visión es el principal sentido de la humanidad por lo que la agresión a los ojos es una de las más terribles que esta puede sufrir. Por eso es el sello de Fulci quien dijo: ellos (los ojos) son la primera cosa que tienes que destruir porque han visto demasiadas cosas malas.

LA ESTILIZACIÓN DE LOS GÉNEROS
A partir de los 60 muchos directores, principalmente formalistas y manieristas, que han trabajado en los géneros los han estilizado. Desinteresados en contar otra vez una historia gastada pero muy interesados por la forma se han concentrado en la imagen y para ello han despojado al fondo de todo artificio. El mejor ejemplo es Leone y la inconmensurable "El bueno, el feo y el malo". C. Eastwood no tiene ni siquiera nombre. No es necesario. El público aficionado ya sabe de que va todo. Puede rellenar los huecos porque ha visto cientos de veces esa historia. No hay que presentar personajes ni justificar el conflicto. El público antes de entrar en la sala ya sabe quien es el bueno y de qué va la peli. Estos directores se han dado cuenta de que aquel no va a que le cuenten la historia, va a ver imágenes que tienen efectos catárticos en él. Así, lo que hizo Leone con el spaguetti western lo hicieron Fulci y D. Sachetti (el coguionista junto con Fulci) en "El Más Allá". Por tanto, hay que tener en cuenta esto cuando se videa esta peli. Las cosas se dejan en el aire porque se supone que el espectador es un iniciado. Por eso Fulci y Sachetti fueron más allá para ofrecer lo que el público quiere. No dieron explicaciones y ofrecieron imágenes fuertes para castigar a los ojos de los que las buscan insensatamente. 

EL HOTEL 7 PUERTAS
El guión esta lleno de convencionalismos hasta el punto de que teoricamente esta peli es muy conservadora. Contiene todos los elementos tópicos del gótico: mansión, pareja, pasado, fantasmas y el mal acechante. Pero  haciendo de este hotel un lugar intermedio entre el Mal y la Tierra, por el cual el primero se vierte en el segundo, Fulci y Sachetti llevaron lo fantástico hasta sus últimas consecuencias. Así, salvaron a esta peli de ser una más y se rebelaron con éxito contra el productor. La peli parece absurda. Así es como uno de sus personajes califica lo que esta pasando. En ella  las cosas pronto dejan de tener sentido. Pero esto en realidad no es así. Es cierto que el guión se escribió con el piloto automático y apenas se trabajó y que a Fulci no le interesaba el fondo, pero "El Más Allá" tiene su lógica interna y particular pues cuando el Mal se vierte en la Tierra lo que hace es romper las reglas que generan la normalidad de modo que para los humanos las cosas dejan de tener sentido o transcendencia. Por eso de una biblioteca surgen una manada de tarántulas, por eso McCabe, que demuestra ser un grandísimo tirador (genial esa escena en que no se lo piensa 2 veces el disparar al brazo con el que un zombi agarra a Liza por el pelo) y que sabe que hay que disparar a la cabeza para acabar con los zombis, es incapaz de acertar al pintor en la tocha a pesar de dispararle a bocajarro (esta claro que el Mal protege a su criatura) o  que el sótano (no perdamos de vista la conexión que tiene este con el inconsciente y lo subterráneo) del hospital que esta en el centro de la ciudad conecta con el del hotel que esta a las afueras. Simplemente lo que pasa es que el Mal ocupa y pervierte todo, incluso al pintor. Este al principio es bueno. A sus brutales perseguidores, lo cual lo califica de víctima y por lo tanto automáticamente nos pone de su lado, les dice que él es el único que puede salvarlos del Mal que mora bajo el sótano del hotel y luego es crucificado, lo que no se puede tomar más que como la confirmación de su condición de salvador. Pero al final es el principal agente del Mal. No se explica por qué pero ni falta que hace pues es evidente que, rechazado por sus semejantes y a solas con el Mal, se ha pervertido. Así pues el hotel es la clave y el origen de todo pues es una puerta al Mal (no hay que olvidar que por una puerta se sale o se entra lo cual es una cuestión puramente de perspectiva). La peli lo dice claramente ya en su prólogo pero lo escenifica de forma brillante en lo que es uno de mis momentos favoritos de la peli. El arquitecto (cliché andante como demuestra que fume en pipa) va a buscar los planos del hotel y lo que halla no son los planos del hotel tal y como se ve en el mundo real sino los planos de como es en realidad los cuales le asemejan a un monasterio (bueno eso creo ver porque yo de Arquitectura poco). Otro buen momento es aquel en el que, cuando la puerta esta abierta de par en par, se ve al hotel cerrado por obras lleno de gente. Así pues, fue mediante lo fantástico con que Fulci y Sachetti puentearon la comercialidad cortoplacista de la producción que obligaba a la espartanidad, a la sencillez, a la rapidez y a los convencionalismos. Todas las escenas de la peli son lugares comunes pero su intranscendencia (ejemplificada magistralmente en la escena en que el fantasma enviado a ayudar a la protagonista a derrotar al Mal muere de forma sorprendente y, por lo tanto, no cumplirá su misión) le da a todo un aire fantástico que alza esta peli por encima de la mediocridad y vulgaridad al potenciar la locura del terror. El Mal lo destruye todo, por eso en la peli no hay humor, no hay romance, nada es normal y termina mal.  

LOS CIEGOS, LOS TUERTOS, LOS MUERTOS
Ya sabemos lo que significa los ojos en Fulci pero aquí hay 2 elementos que desarrollan más esa idea. En "El Más Allá" los ciegos son los muertos. Agentes del Mal extraídos del Infierno. Lo que nos indica que la ceguera es un castigo además de una carencia que revela que les falta la vida. Por eso no es un handicap extraño en un muerto aunque lo tradicional es que sea mudo. Así, la ciega del perro, Emily, es una fantasma. Esta claro puesto que cuando sale en el prólogo ve, pero también esta esa escena incomprensible en que se revive la marcha precipitada de Emily varias veces a cámara lenta. Esta sólo se puede explicar como la visualización del hecho de que Liza se da cuenta de que mientras ella hace ruido al andar por las tablas, Emily no. Otro fantasma es la niña. El que se revuelva al final demuestra que ella también murió en la depósito de cadáveres, un lugar prohibido como la habitación del pintor, donde es encontrada por Liza en el final. Lo único es que estos fantasmas tienen la peculiaridad de que pueden ser carnales a voluntad y, por lo que parece, cuando estan débiles.
Curiosamente en la peli muchos de los personajes mueren por culpa de que se les entuerta. El fontanero, la ama y el arquitecto mueren de esta forma y no debe pasar desapercibido que el cadáver que le cae a la niña cuando trata de huir esta tuerto también (es lo penúltimo que vemos de la primera escena de la niña, la siguiente es la del funeral de sus padres al que asiste con los ojos cerrados para ocultar su condición). El hecho de que estos contrasten con los zombis, ya que conservan algo de su identidad mientras que los segundos son indistinguibles unos de otros al vestir igual, supongo que hay que tomárselo como que en el país de los ciegos los tuertos son los reyes. Los unos son los soldados y los otros los oficiales del Mal. Unos zombis que a pesar de que pasaban por allí no deben pasar desapercibidos ya que son bastantes peculiares. Lentísimos y enajenados expresan el triunfo del Mal. El que no se pueda huir de una amenaza tan lenta y tonta evidencia la victoria total del Mal, ya no se puede escapar de él.

FATALIDAD
Al estar el Terror relacionado con los mitos tiene esto en común con la tragedia clásica. En "El Más Allá" esta bastante claro pues precisamente la estilización de los géneros produce que el destino de los pjs este predeterminado. Lo cual explica la intrascendencia o la artificiosidad de muchas escenas y que la historia avence a pesar de sus inconsistencias. Por ejemplo, la ama y su hijo en una peli convencional tendrían que estar en el ajo pero aquí son tan inocentes como los demás a pesar de la cantidad de veces que parecen que estan maquinando o del hecho de que venían con el hotel. Lo que ha pasado simplemente es que  el Mal ha cercenado ese posible futuro. Otro ejemplo es que McCabe y Liza ligan porque estan obligados a ello y no porque quieran. Quizás vaya por aquí la escena en la que el pintor se aparece crucificado a Liza que precede a todas en las que hace el mal. El Mal impide al pintor ser bueno. Pero donde se ve mejor el fatalismo de la peli es en Liza (a quien muy acertadamente pregunta McCabe al inicio del desastre que quién es ella en realidad). Esta hereda el hotel y quiere reformarlo a toda costa a pesar del mal negocio que es. Claramente está dominada por el plan del Mal para reabrir la puerta. El cual persigue, y consigue, que se relea el pasaje clave del "Eibon" para poder irrumpir en la normalidad. Liza es, pues, su marioneta. Un cebo perfecto, guapa, soltera y en apuros, para el héroe que es quien en el presente lee el "Eibon" que leyó Emily en el pasado, por eso esta, a pesar de ser buena, viene del Infierno. Así, el fatalismo potencia el terror y la desesperación. No hay escapatoria posible. El laconismo de la peli, otro aspecto de la estilización, lo refuerza pues refleja que los diálogos no importan. No se habla mucho y las frases son cortas porque da igual lo que digan los pjs porque todo se ha dispuesto ya. Fulci evidencia el fatalismo de la peli con la brillante y hermosa escena de la autopista. Liza recorre una autopista solitaria enmarcada por el mar de modo que sólo se puede ir hacia delante y se encuentra en medio de ella a Emily. El destino de Liza esta encarrilado y ni siquiera la ayuda sobrenatural la puede salvar. La tragedia esta servida.

EMILY
Este personaje como el pintor, con el que esta conectada, es enigmático. No esta claro si es bueno o malo. Al principio parece malo pues ella recita el pasaje del "Eibon" que desata todo. Por ello va al Infierno. De ahí parece sacada por el Mal (que opera principalmente por el pintor como confirma la escena en que el perro de la ciega le elige de entre varios objetivos para atacarle; mala elección ya que por ese contacto acaba contaminado por el Mal volviéndose así contra su ama) para enredar a Liza. Pero como no lo hace hay que pensar que tiene la suficiente personalidad como para contrariar y mentir a su jefe. Sólo así se puede explicar la escena donde es atacada por sus correlegionarios a pesar de que he hecho todo lo que me has pedido. Aunque parece que no lo hace por ser buena sino por permanecer en el mundo normal. Un último aspecto a destacar es que su perro se llama Dick, es decir, polla. Lo que puede indicar, si nos ponemos freudianos, que ella y el perro son una unidad de modo que su final sea una especie de suicidio. Como respuesta a su traición, su cuerpo le traiciona.

E TU VIVRAI NEL TERRORE!
El tramo final de "El Más Allá" es magnifíco. Un remate perfecto para la historia resuelto con gran habilidad pues supera los límites de la producción. El Mal triunfa de modo que fagocita todo condenando así a los protagonistas. Lo que se nos muestra más que en que no pueden escapar del Infierno, en que vemos como de videntes se transforman en ciegos (muertos y condenados). Un final que no puede escapar de las incongruencias que singularizan a esta peli provocadas por la producción ajustada y el rápido ritmo de trabajo. El 5º plano empezando por el final es un primerísimo de D. Warbeck ciego y asustado y el 4º, el siguiente, es un primerísmo de C. MacColl ciega pero serena. Ven cosas diferentes? En el rodaje no se cayó en la incongruencia? La actriz es tan mala como parece? O es que el pj no es inocente? En fin, sea como sea, un final espléndido porque mejora la peli y deja poso.

OTROS ASPECTOS
No puedo terminar sin mencionar brevemente algunas cualidades de "El Más Allá" que también destacan. 1º la bso. Hoy es bastante chirriante porque es muy setentera y no es la acostumbrada para una peli de Terror. Pero hay que reconocer que es muy buena, quitando alguna tonada que es más propia, como se ha dicho, de una peli erótica coetánea. El fabuloso final le debe algo a la música. En cuanto a la dirección de Fulci es convencional pero expresiva y singular al ser eficiente, no escatimar detalles escabrosos,  utilizar sabiamente los colores azul (muerte), rojo (peligro) y tierra (Mal) y basarse en los 1º planos. Lo único malo es que su nudo es lento e irregular porque apenas avanza el relato y se ensimisma en las escenas gore. Lo cual critico no porque sean desagradables (a estas alturas es difícil que algo altere a un espectador consumado) sino porque rompen el ritmo. Por último destacar su lenguaje poético. Es decir simbólico y abierto a la interpretación. No hay que empeñarse en que las cosas sólo pueden ser razonables y unívocas. El fantástico tiene un potencial alegórico y transgresor que no puede ser expresado sin recurrir a la poesía. Fulci lo supo y por eso se le recuerda como un maestro.

VERSIONES
Como peli difícil que es no es fácil conseguirla. El público no esta acostumbrado a que le saquen del ABC y cuando lo hace una peli en vez de ver que no es algo convencional piensan que esta mal hecha. Hay una versión doblada en español de 83' que no hay que ver no porque sea mala sino porque las hay mejores: la versión inglesa y la italiana, ambas de 87'. Creo que la mejor es la italiana porque todas son dobladas. Es decir, que en la inglesa los actores italianos estan doblados y en la italiana lo estan los ingleses. Así que por el doblaje se puede ver la española, que además es bastante bueno, lo malo es que hay que conseguir una versión de 87' con el audio español y subtítulos en ese mismo idioma para los minutos adicionales y eso significa que hay que dedicarle algo más de tiempo a la búsqueda. La razón de que la versión de 87' sea mejor no es porque añada más sino porque lima las incongruencias. De todos modos, como digo, pienso que la mejor es la italiana porque tiene un detalle que redondea la peli, quiero imaginar que idea de Fulci, que las versiones inglesa y española no tienen. Este detalle es que Emily habla con voz de ultratumba. 

15.4.11

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Me informa el legendario Ismael que esto es lo que se lee en las pantallas de los ordenadores de las bibliotecas coruñesas cuando a través de ellos se intenta acceder a mi blog. Tenía una serie de teorías que exponer pero la última hora es que pasa lo mismo con La Cárcel de Papel. Así que ya no sé qué decir porque el blog del sr Pons es muy diferente al mío en casi todos los aspectos. En fin, yo se lo transmito para protegerles. Igual  sin que se den cuenta estan recibiendo mensajes inapropiados que les acaban llevando por el mal camino. A partir de ahora lean con cuidado y esten alerta.

7.4.11

Conan rey: A. Zelenetz

Le ha llegado el turno de relectura a "Conan rey". La edición que voy a seguir es la de forum. Los nº sobre los que va a tratar este post son los 1-28 EE.UU./1-32 Es. 1980-5 y 1984-7 respectivamente. La disparidad se debe a que  las grapas estadounidenses son de 40 páginas porque su periodicidad fue bimestral. No todos son nº guionizados por A. Zelenetz pero él es el que más guiones firma en este intervalo y el autor que definió la serie.
Los nº 1- 8 EE.UU./Es fueron realizados por R. Thomas y J. Buscema con el único objetivo de afianzar la serie. En ellos R. Thomas hace lo que habitualmente ha hecho cuando le tocaba guionizar a Conan, adaptar relatos literarios. Estos nº son 2 historias largas donde Conan sale del reino por diferentes motivos de modo que son relatos en que más que hacer de rey hace de bárbaro. Son lineales y simples y, porque todas sus partes siguen el mismo esquema, mecánicas y predecibles. Son tragables gracias al exotismo de los lugares donde ocurren las cosas. No voy a decir que bien capturado por J. Buscema, porque este era un tipo bastante austero, pero sí que plasmado con eficacia. Así, aunque la imaginería ya no es tan efectiva, lo que hace pasable esta historia donde Conn, el hijo de Conan, hace de sidekick de su padre son las wyverns, las hienas gigantes, las mujeres-serpiente metamórficas... Por último destacar el que le cuentan a Conn como su padre engañó alegremente a su madre con otra mujer. Brilla intensamente la ausencia del moralismo yanki.
Los nº 9-15 EE.UU./9-17 Es. Realizados por D. Moench y un M. Silvestri muy primerizo, pero buen narrador, por lo que el resultado final depende mucho del entintador. D. Moench se tomó en serio su cometido en esta serie pero no hizo un buen trabajo. Sus nº hoy son un rollo tremendo con tanta letra inútil y argumentos malos a los que le pesan el que Moench nunca consiguió dar con la Era Hibórea, si bien los dibujos de M. Silvestri no le ayudaron en nada pues el dibuja la serie como si fuese Fantasía Medieval. Las historias siguen haciendo salir a Conan de aventuras pero al menos Moench empieza a tratar la tensión interior de Conan entre bárbaro y rey, que parece más la crisis de los 40 que otra cosa pues estas historias ocurren cuando Conan lleva reinando más de una década. Un conflicto en el que Zenobia, su esposa, toma partido por el lado real exigiéndole responsabilidad y paternidad. Ya no puede pensar sólo en sí mismo.


Los nº 16-28 EE.UU./17-32 Es son obra de A. Zelenetz y M. Silvestri, tan primerizo y desacertado con la Era Hibórea como siempre. La etapa de A. Zelenetz tarda en arrancar por lo que al principio apenas se desmarca de las historias malas y aburridas de la etapa anterior. Pero poco a poco va remontando dando vida a los numerosos secundarios de la corte de Conan así como profundizando en los pjs. Así, poco a poco, a medida que  se va asentando, Zelenetz va mejorando la cole hasta convertirla en algo singular y muy interesante. Así que es una lástima que su etapa fuese decapitada sin miramientos. Hoy se ve con pena que no dejasen llegar al guionista donde quería ir dada la calidad que iba tomando la serie. Supongo que la sustitución se vio motivada porque Zelenetz ponía el acento en la psicología y en el drama en una cole de Conan. Alguien pensó que había que remediarlo, seguramente empujado por un montón de seguidores de gustos conservadores. Pero a pesar de eso, la etapa de Zelenetz dejó un legado que ningún guionista posterior pudo obviar. Esta continúa con la tensión entre el bárbaro y el rey pero haciendo que tenga efectos tanto en su reino  como en su familia, en especial en Zenobia a la que le empieza a pesar que Conan este más tiempo fuera que en el trono. Además, hace que Conn deje de ser el sidekick de su padre y sea crítico con él dada su diferente educación (ahora es cuando Conn va reprochar a su padre el adulterio) y que los otros dos hijos de Conan peguen un estirón para ser lo suficientemente mayores como para generar sus propias tramas, destaca la de Taurus el prepúber hijo menor de Conan que no sé sabe muy bien por qué odia a sus familia y se dedica a la magia. En esta etapa está el único nº decente de todos los de este intervalo: Un tirano en ámbar (17 EE.UU./19-20 Es). Una historia sencilla pero bien relatada  más de "Conan el bárbaro" que de "Conan rey", recuerda además a la de Belit, muy bien dibujada por R. Nebres, quizás el mejor filipino de la Marvel, que logra que por fin esta serie de algo de solaz a los ojos de sus seguidores. Así pues, una grapa redonda y grata. Tan bueno como su título aunque no se puede entender hasta que se haya leído la historia. Tras un pequeño bache Zelenetz empieza a tejer su historia de conspiraciones (no se olvida que Conan es un usurpador y un rey poco diplómatico y aquilonio) y a realizar maniobras audaces como llevarse a Conn lejos a protagonizar un complemento o deformar a Taurus. De este modo la serie empieza a tomar forma y a ser realmente interesante. Con perspectiva se ve que Zelenetz se adelantó a su tiempo en su forma de relatar pues la historia avanza lentamente y se pone el acento en los pjs. Así, Zelenetz escribió Viaje (en el original es Pasaje un título mucho más acertado) y (Una) Muerte en Estigia (26-7 EE.UU./29-31 Es). 2 nº interesantes porque  Zelenetz emplea técnicas narrativas complejas de modo que son 2 grapas insólitas en Marvel. Con todo no supo redondearlas. Una lástima. En cuanto al dibujo decir que en esta etapa se incorpora G. Isherwood a las tintas dando al acabado un aspecto profesional y realista pero demasiado soso y rígido para resultar atractivo.
Como se ha dicho la etapa de Zelenetz acabó bruscamente aunque no todos los elementos que introdujo cayeron en el olvido. Una lástima porque la cosa se estaba poniendo bien sin prisa pero sin pausa y frustrante porque la historia se cortó en su principio de modo que es imposible intuir hacia donde quería llevarnos el guionista. En fin, dentro de un tiempo la larga etapa de D. Kraar.

6.4.11

Critiquitas 318: Powers: Las Águilas Intrépidas, B. M. Bendis y M. A. Oeming, Panini 2011

Pues aquí vuelvo con mi esquizofrenia particular: Bendis es mal guionista pero Powers esta bien. Esto es lo que hace que el seguimiento de esta serie en este blog sea intermitente. Bendis siempre hace un trabajo regulero así que no siempre me apetece dedicarle un post. En este caso sí porque este tomo gordo es el último que vamos a ver por aquí en muchos meses ya que ahora mismo apenas hay material inédito y esta serie esta supeditada a los encargos alimenticios de ambos autores.
Lo primero decir que Águilas Intrépidas me ha sorprendido gratamente. Tras mucho tiempo un tomo de Powers lo ha vuelto a conseguir. No ha sido la historia, pues es mediocre, es decir, hay tomos mejores (y peores), ha sido el trabajo de B&O pues, cuando ya no lo esperaba, por fin han hecho algo decente con la narrativa. Siempre que hablo de esta serie pongo a parir su narrativa porque es caótica y caprichosa. Nunca sabes que viñeta es la siguiente. Pero en este tomo no. B&O por fin hacen páginas coherentes y legibles. Así la lectura gana y la historia se ve favorecida ya que por fin hay ritmo y tensión, que es lo que aporta la narrativa en viñetas a los guiones. Por tanto, la acción se ha visto muy favorecida. Por fin las persecuciones son trepidantes. Aunque siguen abusando de las técnicas narrativas televisivas, menos que en otras ocasiones. Así pues es un tomo gordo gráficamente bastante redondo aunque el dibujo de Oeming sigue siendo burdo y tosco y la influencia mignoliana le sigue pesando demasiado. Por tanto, no se puede hablar de buen dibujo, ni siquiera de grato, pero es un estilo muy de cómic y lo que da es suficiente por lo que funciona. En parte porque encaja con un coloreado que esta más cerca del clásico que del que esta de moda en las majors. Por otro lado, el sencillo y crudo dibujo de Oeming no es adecuado para este último. Así, el coloreado de Powers hace que las páginas sean vistosas y expresivas siendo, por tanto, la principal herramienta de transmisión de la serie puesto que los diálogos de Bendis son siempre sosos (por los diálogos nunca sabes qué cómic de este autor estas leyendo), el dibujo de Oeming es demasiado limitado como para transmitir y la narrativa hasta ayer era una chufla. 
Por qué me gusta Powers a pesar del muy regulero trabajo de los autores? Pues porque es como creo que deberían ser ahora los cómics de superhéroes. No pretendo decir que el género debe ser grim&gritty con sexo (sin el carácter desagradable que tiene esto en Ennis). No creo que sea necesario ni que sea la única opción. Yo soy chapado a la antigua, creo que el mainstream debería volver a ser superheroico en las coles protagonizadas por superhéroes. No lo veo necesario si el supertipo protagonista es un supervillano o esta al servicio de la política. Pero defiendo el grim&gritty porque ahora estos cómics ya no los compramos chavales así que no entiendo por qué hay que seguir fingiendo. Me resulta irritante que la violencia entre tipos con poderes letales no sea gore (los escasos ejemplos que hay en el mainstream son momentos excepcionales y, por tanto, no cuentan) y también que casi todos los cómics sean fan service (con mayor o menor clase, con mayor o menor acierto) pero no se ve ningún pezón (femenino) o un culo sin nada. Los uniformes se hacen jirones pero no se puede ver nada y los superhéroes son adultos, luego sexuados, pero no se ve follar a nadie. Aclarémonos. No seamos hipócritas. Si vendemos violencia y sexo que se vea porque ya no hay niños que proteger. Si no, que el género sea menos sexista y violento. Así pues, me gusta que Powers no se ande con tapujos. Es cierto que en parte es por motivos comerciales, hay que diferenciarse y ofrecer algo más que el mainstream, pero en parte es por sinceridad y coherencia. El universo de Powers no es superheroico. Es sórdido y los supertipos son más humanos que los de S. Lee. Follan, son egoístas y ambiciosos y estan más integrados en la sociedad. Así, como nunca han tenido el carácter de ángel de la guarda asexuado y abnegado, ni se le echa de menos ni perjudica al presente. B&O han querido ser muy posmodernos en esta serie, la suya, por lo que nunca habido heroísmo en ella (de hecho, siempre que aparece se castiga o desmitifica).
El otro rasgo que aprecio de esta serie es que es una continua danza. Siempre esta en movimiento. Avanza, retrocede, gira... Algo que el mainstream perdió en los 90 pero que sorprendentemente no se ha molestado en buscar. Es así porque B&O han convertido Powers en un cajón de sastre donde cabe todo (sin duda por ello hicieron al personaje de Christian, ¡hostias! acabo de caer, Christian=cristiano, inmortal en medio de la serie). Así pueden tratar el pasado legendario, repasar la historia de los superhéroes a lo Moore  o incluso ir al futuro y al Espacio. Desde luego las cosas han cambiado mucho. Al principio era una serie urbana, humana y policíaca a lo Bendis (no hay misterio ni investigación simplemente el ambiente es policial), ahora es bastante más superheroica (grim&gritty). Hay identidades secretas, Fantasía, CF, grandes amenazas... Así pues es una serie, por la libertad autoral, mucho más sorprendente, original, singular y rica que la típica cole mainstream. En ella no siempre estamos en las mismas coordenadas y se ven cosas que no se ven en otro sitio. Incluso hay ideas interesantes como que existan máquinas que anulan los poderes de los que esten dentro de su limitado radio de acción. Algunas otras han llegado a Marvel. Así pues, Powers poco a poco se ha ido alejando de "Sin City" para acercarse a "Astro City" y a "Top 10". De las que se distingue, sobre todo, en que su enfoque es menos superheroico y menos respetuoso con el pasado dorado sin el cual B&O no se podrían ganar la vida del modo en que lo hacen.
Así pues,  Águilas Intrépidas, gráficamente, posiblemente sea el mejor tomo de todos los de Powers. Sus historias son convencionales pero es que lo que le interesaba a los autores hacer en este tomo es meter subtramas y profundizar en los nuevos pjs. No hay que olvidar que es el inicio del 3º volumen de la serie. Una renumeración bastante caprichosa pero es que esta bastante crudo la cosa en el mercado estadounidense. Es cierto que en el anterior tomo se terminaban muchas cosas, pero también que nada de esto tomo gordo se comprende bien sin todo lo anterior. Un lector nuevo seguirá sin problemas los 6 nº que forman Águilas Intrépidas pero también se dará cuenta de que se ha perdido muchas cosas. Justo las que hacen que el tomo sea emocionante, pues descontextualizado es simple rutina facturada por 2 artífices torpes. Así pues, este tomo gordo es mediocre pero tiene momentos buenos y es muy prometedor así que puede que acabe siendo mejor que el 1º volumen, hasta ahora donde esta casi todo lo bueno.
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